南部鉄器が根付いたわけ

「南部鉄器」といっても、実はさまざま用途のものがある。例えば昔ながらの伝統的な茶釜や鉄瓶。それからフライパンや鍋などの食に関係するもの。そして風鈴などの小物などの鉄器。一口に南部鉄器といってもさまざまな種類があるのだ。今回伺った佐秋鋳造所では主に伝統的な鉄瓶を多く制作している。お話を聞いた佐藤圭さんによると鉄瓶が９割近くをしめるというほど需要があるのだ。
佐藤さんは、鋳物は鋳型によってすべてが決まるといっても過言ではないという。
鋳型に使われるのは砂と粘土。工房のある奥州市周辺で取れる粘土は陶芸用ではなく、鋳型として良質だといわれていて、そのためこの地域に鋳物が根付いたのだと説明してくれた。材料が豊富であれば、一度に大量の鉄瓶を鋳造することも可能になる。佐藤さんの工房では、普通サイズの鉄瓶であれば120個の鋳型を並べて一気に鋳造するのだという。また、焼き型の粘土分が強く固い型を使っているため、ひとつの鋳型を利用して10回程度もおなじ形の鉄瓶を作ることができるのだ。

生活スタイルの変化で変わる南部鉄器

「鉄器という文化は東北に広くあるんです。なかでもこのあたりは手仕事として量を作る技術が高いと思う。それを支えたのが日用品を作ってきたということ。作品として作られているものに比べて精度などは劣るかもしれないが、みんなが買えて、日々使えるものを提供するという環境がこのあたりの鉄器文化を支えてきたと思っています」
生活に根付いたものといえど、時代とともに地域も、生活も変わる。そこで中田が「IHの普及など生活スタイルの変化によって商品が変化してきたというのはありますか？」と質問すると「大きさは変わりましたね。小さくなってきたと思います。また、底が平らになった。昔ながらのものは底が丸いものが多いんです」と話をしてくれた。

元バーテンダーが生んだ作品

佐藤さんは東京にいたころバーテンダーの仕事をしていたという。南部鉄器を作るという現在の仕事からは想像もつかなかった。だが、そのバーテンダーの経験が鉄瓶作りにも活きているという。
「いまは定番の鉄瓶を作る、もしくはそれに少しアレンジを加えるというものをつくるようになりましたが、最初は違ったんです。バーテンダーの接客業ところから、お客様を楽しませるというのがあったので、その経験から楽しんでもらえる作品をという考えが最初はあったんだと思う」
そう佐藤さんが話すように、過去に作ったりんごの型の鉄瓶を見せてもらった。中田はそれを気に入り、「くだものシリーズ」を提案。洋ナシ、スイカなどいろいろなくだものの意見が。それを面白そうに聞き入る佐藤さんの表情が印象的だった。伝統の鉄瓶の良さに、作り手の発想を加えていく。これからも、この土地の土だからこそできる鉄器を追求していくのだ。

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南部鉄器の製造工程

南部鉄器の製造工程を見学するために、岩手県盛岡市にある株式会社岩鋳を訪ねた。株式会社岩鋳は明治35年創業。国内でも有数の大型工場を持ち、現代の生活に馴染む鉄瓶や鉄器から、約400年の伝統を受け継ぐ手作りの南部鉄瓶まで多岐に渡る製品を製造している。今回は観光施設と工房を兼ねた「岩鋳鉄器館」を訪れ、職人による手作りの作業を見学させていただいた。
工房ではちょうど「鋳込み（フキ）」と呼ばれる作業が始まっていた。南部鉄器の伝統工芸士・八重樫亮（やえがしあきら）さんが溶解炉で約1500℃に熱した鉄を“とりべ”と呼ばれる大型の柄杓に取り、鋳型に流し込む。二人の職人が鋳型を抑えてサポートする。鋳型から火が立ち上るが、冷静に鋳型から余分な鉄を取り出す。鋳型に鉄を流し込んでから余分な鉄を取り除くまでは約25秒程度。
「鋳型に流し込んでからすぐに、余分な鉄を流してしまうんですね。鉄はそんなに早く固まるものですか？」と中田。
「そうです、鋳型に流し込むと一瞬で冷えて固まります。鉄は1000℃以上になると溶解した状態になりますが、すぐに冷えるんです」
中田もこの鋳込み作業を体験させてもらう。鉄の変化を目の当たりにする南部鉄器作りの華形とも言える作業だ。

南部鉄器には様々な工芸技術が盛り込まれている

「南部鉄器の作り方というのは、簡単に言えば“鋳物”に当てはまります。ただ、砂や粘土から鋳型を作る工程は陶芸、鉄瓶を調整する工程は彫金、表面の加工には漆の知識が必要です。様々な工芸分野の技術が含まれるので習得にも時間がかかります。そして知れば知るほど昔の人の合理性に驚きますね」と八重樫さんは話す。

現在、国産の鉄は生産量が極めて少ないため、原材料の銑鉄は海外からの輸入し自社工場で最適な成分に精錬してから使用している。この銑鉄は炭素やシリコンを多く含み、割れにくい丈夫な鉄器になるというメリットもあるのだという。
「材料の鉄は昔と同じというわけには行きませんが、製造技術はしっかり受け継がれています。職人たちの意志があってこそ技術を絶やさずに来たんだと思います」。株式会社岩鋳には20代、30代の職人も在籍する。手作りの南部鉄器は職人自身が意匠を描き一つひとつ作り出すのだ。

使うことによって“変化”を楽しむ

「鉄瓶は、特別に扱いにくいということはありません。使えば使うほど良くなっていく物なんです。使い込むことで少しずつ変化し、その人の暮らしが写し取られていく。そういう魅力があるんです」
同じ製品でも修理のために戻ってくると全く異なる顔になっていると八重樫さんは話す。
「修理はいずれ必要になりますが、修理に来た時が一番嬉しいです。直してでも使いたいと思ってもらえることが嬉しいですね」
手作りの南部鉄器は繊細な技術を守り、その趣を大事にする。そして国内や海外で多くの人の手にとってもらうために、南部鉄器の技術を応用し鉄鍋やフライパンといった現代の調理用具の生産にも力を注ぐ。こうして多方面から南部鉄器の魅力を知ってもらうための製造を続けている。

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岩手の伝統工芸品、南部鉄器

今回の旅で訪れた金属造形作家の廣瀬さんがデザインした鉄器を製造しているのがここ及源鋳造。創業は1852年。今から160年も前のことである。
南部鉄器の歴史は奥州藤原氏のころに始まるという説があるので、今から約900年前に遡る。現在の滋賀県にあたる近江国から鋳物職人を呼び寄せて根付かせたといわれている。奥州藤原氏の滅亡とともに産業も細くなっていったが、室町時代の初期に復活の兆しを見せ、江戸には地域産業として鋳物業が定着した。そののちに仙台伊達藩の庇護のもと鉄器作りは鉄鍋を中心に仏具なども生産して盛んになる。及源鋳造が創業したのはそうした時代だったということだ。

日本の技術と“砂”が生み出す薄さ

鉄を素材にし、鋳物で鍋などを作る技術はもちろん海外にもある。それでも「技術は日本が一番です」とお話を聞いた代表の及川久仁子さんは胸を張る。なぜなら日本の鉄器は薄くつくることができるから。鋳型を成形する際に使う砂の細かさが群を抜いて優れているのだという。
「どうしてこんなに細かく表面の模様が出るのとよく聞かれるんです。これは砂のおかげですね。こんなに薄くて肌のきれいな鉄瓶を作ることのできる国はほかにはない。正直なところ鉄瓶や急須といったものでは競合相手はいないと思っています」
そんなふうに笑いながら話をしてくれた。たしかに海外の鉄鍋、ホーロー鍋といったものは厚みがありどっしりと重量感がある印象だ。それに比べて目の前にある鉄器はまさに洒脱。すっきりとした立ち姿が印象的だ。

パン焼き器も人気

南部鉄器というといわゆる田舎鍋のようなものがイメージのひとつとしてある。それとともにやはり人気なのが鉄瓶。実際の売れ筋も急須や鉄瓶が多いそうだ。また廣瀬さんのデザインするような現代的な鍋や鉄器も人気だそう。
だけれども及源鋳造にはもうひとつの人気商品がある。それは“パン焼器”。及川さんのお祖母さんであるタミさんの鍋を復元したパン焼き器が人気なのだ。ステンレス製と比べて熱が均一に伝わり、おいしく焼きあがると話題を呼んでいるのだ。

南部鉄器の伝統を繋ぐために

創業900年という歴史を持つ南部鉄器の産地で、現代の生活に適した多様な製品を作り続ける。それだけに伝統を受け継ぐということにも気を遣っている。技術は使わないと保持できない。技術を衰えさせないようにあえて難しい形にもチャレンジもしている。
そのなかで最大の課題は後継者の育成だ。広く知ってもらうためのブランディングも大事だが、そもそも作れる技術、作れる人がいないと始まらない。伝統を受け継ぎ、地場産業である鉄器作りに携わる人の育成にも力を入れている。

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生活に根付いた“南部鉄器”を「佐秋鋳造所」佐藤圭さん／岩手県奥州市 – NIHONMONO 南部鉄器が根付いたわけ 「南部鉄器」といっても、実はさまざま用途のものがある。例えば昔ながらの伝統的な茶釜や鉄

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現代になじむデザイン性を持つ南部鉄器 鈴木盛久工房15代 熊谷志衣子さん／岩手県盛岡市 – NIHONMONO 江戸時代から約400年続く、伝統ある南部鉄器の工房。その特長の1つは、無駄のない美しいフォルムと深い錆色。その高いデザイン性と色合いが現代の生活にもなじみ、気品のあ…

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伊達政宗も気に入った、600年の歴史をもつ雄勝硯

国の伝統的工芸品にも指定されている雄勝硯は、口伝によると約600年前、室町時代にその起源を遡ることができる。文書として残っているものでは陸奥仙台藩の藩祖伊達政宗が、献上品として手にした硯をいたく気に入ったという記録が残っている。また、その息子で第二代藩主の伊達忠宗も、硯師の作り出す雄勝硯の美しさに魅入られて、硯師を藩お抱えにしたという。さらには、雄勝硯のもととなる雄勝石を産出する山を 「お留山」 と称して、一般の採掘を禁じた。
それほどまでに人を魅了した硯。その技を現在まで継承し、職人がひとつひとつ丹念に掘り上げているのが、雄勝硯なのだ。

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日本刀は千年後まで残る。「大和伝」刀匠･法華三郎信房／宮城県大崎市 – NIHONMONO 伊達政宗が復興した刀・大和伝 日本各地に刀匠が存在するが、宮城県にも古くから伝わる日本刀を作り出している工房が

雄勝硯の採掘現場へ

取材時、最初に連れて行ってもらったのが雄勝石の採掘場所。そそり立った壁のような山肌が印象的な場所だが、案内してくれた雄勝硯生産販売協同組合の高橋さんが言うには、「今立っているこの場所も、もともとは山だったんですよ」 とのこと。つまり、中田が立っているその場所に平地はなく山だったということ。
以前、山梨県では雨畑硯のために使う石の採掘現場を見学させてもらったが、そこは洞窟のような場所だった。雄勝石はそのように掘り下げていく方法ではなく、露出している部分を削り取っていく 「露天掘り」 という方法で採掘している。だから、その山肌はすべて雄勝石。削り取った石は、美しい部分が硯になり、加工しやすい部分は建築の屋根材や床材に使われているという。

職人が彫り出す雄勝硯

600年の歴史を持つ雄勝硯は硯の有数の産地として、国内生産される硯の9割近くを生産していた。そのため、職人さんも多くいた。完全に分業で作業は進められ、石を採掘する人、彫りを入れる人、磨く人と多くの人が作業に携わっていた。しかし、雄勝町は牡鹿半島の入り江に位置し、東日本大震災では住居、工房、ライフラインのほとんどに大きな被害を受けた。現在は仮説商店街に組合事務所と工房を構え、完全分業とまではいかないが多くの人が硯作りに励んでいる。
今回はその工房へ足を運び、硯職人の遠藤市雄さんの作業を見学させてもらった。遠藤さんはこの道50年のベテランだ。
驚いたのは、ノミの使い方。普通、手でぎゅっぎゅっと力を加える姿を想像するが、ここでは違う。ノミの持ち手のお尻の部分を肩にあてて、体全体で押し込むように石を削っていくのだ。そうしないと硯の形には彫れていかないのだ。それが終わると繊細なノミを使い、平らにしていく。こちらは逆に繊細な作業。何より平らでないと墨がうまくすれないのだから。
ただし、これで終わりではない。ヤスリをかけてさらにきれいにしていく。ちょっと触ってみてと遠藤さんが硯を差し出す。さすが、つるつるにできている、と感心したのだが、実は 「これじゃまだ粗いんですよ」 という。さらに目を細くするというのだ。
「目が細かいために墨をするのに、ほかのものと比べていくらか時間がかかる。だけど、すりあがった墨は光沢が出る」 と遠藤さんは説明してくれた。山から切り出した石。それを人の力で硯の形にし、時間と手間をかけて磨いていく。そうしてできあがった硯は、ひとつの芸術品のようにも見えた。

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浪江に伝わる大堀相馬焼

福島県浪江町の大堀地区一円で焼かれる伝統的な陶器の大堀相馬焼（おおぼりそうまやき）。江戸時代、元禄年間に相馬藩の半谷休閑という人が地元で陶土を発見して日用雑器作りを始めたところから歴史が始まったというから、これまで320年以上の時を重ねてきた伝統のある青ひび、走り馬、二重焼の陶器だ。

大堀相馬焼走り駒は、1060年以上も前から今も伝えられる神事「相馬野馬追」、繋ぎ馬は藩主相馬家に伝わる家紋で、大堀相馬焼は藩の特産品として奨励されたため、大堀相馬焼の意匠として走り駒が使われる。

大堀相馬焼の特徴

大堀相馬焼は鉄分の還元によって出される青とそれとともに入るひびが特徴。ひびには墨を塗りこむので黒く見え、青のなかに黒いひびという印象的な表情を見せる。それともうひとつ大きな特徴が二重焼きという技術。成形のときに外側と内側のふたつをつくり、やきあげる前にそれらをかぶせあわせる。そうすることで、内容物が冷めにくくなるのだ。この技術は大堀相馬焼のみに使われるものだ。

震災で窯を離れることに

今回お話を伺いにおじゃましたのは、大堀相馬焼半谷窯の16代窯元、半谷貞辰さんだ。お名前からもわかるとおり、大堀相馬焼を始めた半谷休閑の末裔にあたる方だ。300年以上も続く窯だったのだが、東日本大震災で登り窯が全倒壊してしまったという。またそれに続く原発事故で避難を余儀なくされてしまった。

窯のなかにこだまする音

半谷さんは県内の避難所を転々としたが、知人の協力を得て、福島市での工房で作陶を行っている。浪江を離れるとやはり地元が恋しいと感じた。それは半谷さんのみならず、浪江町から避難した人みながそうだったという。
「やっぱりみんな、地元のものがほしいっていうんです。地元のものを使うと安心するって」そう半谷さんは語る。土地と人と大堀相馬焼という伝統工芸が結びついていた。
半谷さんが「この音をぜひ聞いてもらいたかったんです」と窯の扉を開ける。すると、ピーン、ピーンという美しい音が聞こえてきた。金属のようにも聞こえるが、冷却時に陶器に細かなひびが入る“貫入音”なのだという。中田も思わず「すごい！きれいな音！」と耳を傾ける。この音もきっと人の気持ちと結びついているのだ。

大堀相馬焼に馬を描く

最後に大堀相馬焼独特の馬の絵を書く体験をさせてもらった。絵付けを担当している半谷さんの奥さんに教わりながら、中田が馬を描く。
「書き方に決まりはあるんですか？」と質問すると、「こま（馬）は、書き順が決まっているんですよ。紙に書くより、器に書くほうがすごく難しいんです。」と奥さん。
中田も、集中して絵付けに取り掛かるが、そう簡単に描けるわけもなく「なんだか、太った馬になったな…」と笑っていた。
半谷さんと奥さんは、現在も大堀相馬焼を作り続ける。
「応援してくれた方がたくさんいたんです。「あなたたちには何より“腕”があるでしょう。腕があればお客さんはついてくるよ」と励まされた。それが何より嬉しかったんです」そう語ってくれた。

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作家活動で恩返しを。陶芸家･志賀暁吉さん／福島県福島市 – NIHONMONO 青磁の色が美しい陶器 モダンな雰囲気が漂う端正なフォルム、ゆったりとやさしい表情。そして青磁の透き通るような色

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会津伝統の“会津漆器”

今回お話を聞きに伺ったのは、漆芸家として活躍している佐藤達夫さん。福島県の喜多方市で活動している作家だ。喜多方市といえば、会津漆器の産地。会津の自然が生み出す良質の木材と、盆地特有の気候で現れるきれいな漆のつやで、長い歴史と全国的な人気を集めている。
会津漆器はお椀などのいわゆる丸物と呼ばれるものを中心に発展してきた漆器だ。佐藤さんはお父さまの代から塗りだけでなく、ろくろで木地作りをするようになり、オリジナルの漆器制作にも取り組んでいった。

若い世代に引き継ぐこと

佐藤さんの作品を見せてもらう。作品はお椀などの丸物から、重箱などの作品まで幅広い。漆黒、朱、黄、緑、金、色が混ざり重なりながら、漆独特の艶と蒔絵や螺鈿（らでん）での装飾が見事に一致し、独特の世界観を作り出している。これまで数々の賞を受け、人気と実力を裏付けているのだ。ただしお話を聞いていると、作品としての漆器よりも、漆器それ自体への暖かい眼差しが感じられた。

「もちろん制作も、まだまだ頑張っていこうと思っていますが、これまでの経験を振り返って、今の自分にどんな役割があるだろうなって考えると、若い人に伝えることじゃないかなと思っています」
それは技術に関することだけでなく、暮らしの中の漆器ということも含めて伝えていきたいと話してくれた。

暮らしのなかに漆器を

「作家活動も大事にしていますが、もともとはお碗屋なんです。それはやっぱり自分のなかに強くあります。だから日常の生活に漆器がなくなっていくのが、すごく寂しく感じるんです」佐藤さんがそう言うと、中田はこれまでの旅を思い出しながら「たしかに。漆器っていうと、高級なものを思い浮かべがちですよね。でも、こうしていろいろな方のお話を聞いていると、本来は日常のもの。ちょっとかけても少しの修理でなおせるんですよね。金継ぎだってできる。そういうことを知れば使いたいと思う人も増えると思う」と言った。
「そうですね。きれいな器とおいしい食事は別々のものじゃない。きれいな漆器でおいしい食事をしてほしい。それがわたしの思いなんです」と最後に佐藤さんは語ってくれた。
現在、喜多方市では全面的にではないが、学校給食用の食器として漆器の利用を実施している。幼い頃から美しい器で、おいしい食事をするという経験ができれば、伝統工芸をもっと身近に感じることがきっとできるだろう。また、25年前に漆の木の植林を始めた。まだ少しずつそれを使っていくという段階だが、会津漆器の伝統を受け継ぐ大事な礎になるのだ。（2012年取材）

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万華鏡のような江戸切子のカットグラス

中田がグラスを手に取り、覗き込む。そこには万華鏡のような世界が広がっている。ぐるりとグラスをひとまわりさせると、さまざまに違った紋様が浮かび上がる。篠崎ガラス工芸所の篠崎清一さん、英明さんの親子が制作した作品だ。
これは江戸切子のグラス。江戸切子というと、線を主体とした複雑な幾何学紋様ものものがすぐに思い浮かぶかもしれない。「昔は矢来という、線の紋様を描けるだけで飯が食えたんです」と清一さんが話してくれた。

「でもそれは昔のこと。シンプルなものは海外へ発注するなどして、日本の職人は淘汰されていってしまった。それから昔は有名なデザイナーがデザインしたという付加価値がなければ、百貨店などで取り扱ってもらえなかったんですよ。だから職人は大変だったんです」
そのお話の途中で息子の英明さんが持ってきてくれたのが、最初に中田が眺めていた万華鏡のようなグラスだった。

清一さんが作る江戸切子の特徴とは

技で生み出された江戸切子の魅力

「これはオヤジの代表作なんです。この花模様は今でも人気があります」
清一さんの作り出す切子は、緻密な細かいカットが特徴。その技術が作り出すのが、ガラスのなかに点と円を描いた万華鏡の江戸切子だ。しかも単にグラスに花模様を描くだけではない。手前のガラスの花模様のなかに、向こう側の花模様が映り込むのだ。それで万華鏡にように見えるというわけ。これはすべて計算されたデザイン。曇りガラスのような加工を入れてアクセントを付けることもある。この花模様のほかにも円を描いたり、華やかなデザインがあり、目を楽しませてくれる。
「昔の切子は線で始まって線で終わるから、昔の切子職人はこれは江戸切子じゃないと言うかもしれない」というが、江戸切子の職人が作りなら発見したガラスの魅力のひとつではないだろうか。技術が先にあり、それならこういうこともできると考えてデザインをする。こうして職人の頭のなかから、新しい独特の江戸切子は生まれたのだ。

集中して重さを忘れる

さらに篠崎さんはサイズの大きな作品を作る。江戸切子というと、手に収まるコップやワイングラスが思い浮かぶ。しかし篠崎さんは、数人前の食べ物が乗るのではないかと思える大皿や料理用の鍋ぐらいあるのではないかと思う水差しも作っている。中田がその水差しを持ってみると「重い」とつい言葉に出てしまうぐらいの重量があった。材質はクリスタルガラス。当然大きくなれば重い。何と10キロ以上もある器もあるそうだ。
「削りを入れるときは当然、これを持って作業をするんですよね。重い、ですよね…」
「もちろん。重い。でもね、どんどん作業にのめり込んでいくと、その重さを感じなくなるんですよ。それよりももっといいものをって集中してしまうんでしょうね」
10キロもあるガラスを抱えながら繊細な紋様を入れていく。失敗すれば一貫の終わりという作業に、集中すればするほど重さは気にならなくなるのかもしれない。拝見した数々の器は、まさに職人の心意気がつまった作品なのだ。
「ただ集中しすぎてＧＷだっていうのに仕事ばかりしてしまって、妻に友達と旅行にいってきますと愛想をつかされたこともありましたよ」そういって苦労をまるで感じさせないような明るさで清一さんは笑っていた。

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新しいガラスデザインと伝統の技「江戸切子の店 華硝」／東京都江東区 – NIHONMONO 江戸切子のこだわり抜いた作り方 江戸切子の店 華硝は、江戸切子の工房として1964年に創業した。現在は2代目熊

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形を変えて江戸切子の温もりを現代に残す 田島硝子株式会社/東京都江戸川区 – NIHONMONO 今は数少ない吹きガラス工房 昭和30年代には東京に50軒以上のガラス工房があったというが、安価な輸入物におされ

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海外のデザインを受け継いだ江戸切子の歴史

江戸切子の紋様には決まったパターンがある。「だいたい10数種類のパターンの幾何学紋様が基本としてあるんです」と話してくれたのは小林淑郎さん。お祖父さんのころから３代続く、江戸切子の職人だ。
「自分でデザインする人は独特な模様もあるが、基本的には既存の紋様を使うんです。新しい柄が“江戸切子”と呼ばれて流通することはあまりない。独自の一点ものはあるかとは思いますが」
小林さんによれば江戸切子の幾何学紋様はもともとガラス工芸の盛んだったヨーロッパから伝わってきたものだという。特にカットの技術はアイルランドやイギリスが盛んで、そこから入ってきた紋様が多いという。それを日本風にアレンジしていって、現在”江戸切子”と呼ばれる、日本独自のものとして確立したのだ。古い紋様も以前はたくさんあり、薩摩切子などに特徴的に残っているものもあるという。

古いものと新しいものと

小林さんの家は、代々続く江戸切子の職人さんの家。現在は息子の小林昂平さんが４代目を継いで活躍もしている。そういう家ならではの、昔ながらの道具などもたくさん残っている。
なかでも現在と昔を大きく違うのは、江戸切子ができる最後の工程、磨きの部分。工房にある昔の砥石を見せてもらったが、昔はすべてその砥石で手磨きで仕上げをしていていた。手磨きだと工程がいくつもあり、かなりの時間を要したという。それを一変させたのがダイヤ盤の登場。研磨する効率が良いダイヤ盤により工程はひとつに、時間にすると４倍ほどスピーディーになったという。

「道具がよくなると職人の腕は落ちます。でもそれが悪いことかといえば必ずしもそうとは言えない。導入しないとやっていけないという事実もある」
現在、手磨きとダイヤ盤のほかに酸磨きという方法がある。一時「手磨きでないと江戸切子ではない」と言われたこともあったそうだが、小林さんは「酸磨きは大正の時代からあった技術。だから手磨きじゃないと江戸切子じゃないというのは誤解なんですよ」と言う。

古き伝統の中に、新しい技術が入ってくる。いつの時代の伝統も同じ壁にぶつかり変化していく。そうした江戸切子の変化が小林さんの工房には残されていた。

職人が描く江戸切子の特徴

江戸切子の大きな特徴は、マス目を使った幾何学紋様のような図柄。作品として見れば“美しさ”だが、ひとたびその模様を描くとなると“難しさ”という壁になる。それを中田が身をもって体験。
「この赤い線が消えるまで削ってください」と小林さんに言われ、グラスを円盤にあてて削っていくがなかなかうまくいかない。
「どうしても線の太さが均一にならないんです」。中田はそう言って悔しがる。線の太さ、深さが均一でないから、マス目の角が合わなくなってしまう。これでは江戸切子の魅力は半減だ。「これは身体で覚えるしかないんですよね」と小林さんは言う。昔は10年やって一人前と言われたそうだ。たしかにこの技術が一朝一夕で身につくはずはない。だがこの技術があってこそ江戸切子の美しさが導き出されるのだ。

江戸切子が直面する課題

現在江戸切子を作り出す会社は、都内に59社ほどしかないそうだ。その多くは職人がひとり、ふたりという状況だともいう。ガラス製品は高価な印象もあり、需要が少なくなってきていること、そして、若手を育てるのに時間がかかることが大きな課題だと小林さんは言う。江戸東京に伝わる粋の伝統工芸。未来へ向けての課題もあると話してくれた。

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料理を引き立てるのは透明な江戸切子のガラス

鮮やかでさわやか。江戸切子の最大の魅力はそこにある。青や赤などの色のついたガラスを合わせる色被せ（いろきせ）ガラスに種々の模様を彫りつけたものというイメージがあるが、実は本来江戸切子は色被せガラスを使わずに、透明なものだけを使っていた。
色被せガラスを使ったものが作られ始めたのは、明治期に入ってから。
「現在は色のあるもののほうが、人気があります」と話してくれるのは江戸切子職人の根本幸雄さん。
「でも本当は飲み物も食べ物も透明のほうが引き立つんですよ。色のついたものは、どうしても器のほうが勝ってしまって、料理が美味しく感じられない。僕はそう思うんです」職人としての基本は透明なガラスにあると話してくれた。

慣れでしかわからない技術

江戸切子の細かい模様はやはり職人でないと出せないものだ。だけれども、「やってみましょう」ということで、中田が挑戦させてもらう。息子さんの根本達也さんに機械の調整をしてもらいながら削っていくがなかなかうまくいかない。
「けっこう深く削ったようでそうでもない。だからもっとと思ってやると、いきすぎてしまう。これは本当に難しい」この中田の感想を聞いて根本さんは「そこの部分は慣れでしかわからないところなんですよね。難しい。細い線や薄い器は今でも難しいですよ」と言う。
工房を見回すと作品があちこちに置いてある。なかには「これって江戸切子？　海外の作品？」と思わず疑ってしまうほどモダンな作品もある。ヨーロッパのグラビール製法を習って作ったものもあるという。

50年前の伝統文化から進化したガラスを

江戸切子には“魚子（ななこ）”など、大まかに十数種類ほどの模様の種類がある。だが根本さんは「それだけではダメだ」という。
「50年前の江戸切子って言われてしまってはダメ。その時代のニーズが反映されていないと、伝統は続いていかないと思うんです」だから伝統模様を組み合わせることで自分のデザインを作るといったことを考えて江戸切子を制作しているという。伝統に学びながらどこかに自分のエッセンスを入れて個性を出していく。そうしていかないと作品は発展していかないのだ。

根本さんは、長年に渡り江戸切子の作品を茶道の道具として発表してきた。
「茶道をされる方たちは、道具に対して見る部分がとても細かいんです。そこで自分も必死に作りました」そう語る。
伝統とは同じ形で常にそこにあるものではない。現在の要素を取り入れて、形は変わっていくもの、そして新しい分野にも発表することも大切な挑戦なのだ。

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形を変えて江戸切子の温もりを現代に残す 田島硝子株式会社/東京都江戸川区 – NIHONMONO 今は数少ない吹きガラス工房 昭和30年代には東京に50軒以上のガラス工房があったというが、安価な輸入物におされ

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江戸切子の変化を見つめる職人「江戸切子」小林淑郎さん・小林昂平さん／東京都江東区 – NIHONMONO 海外のデザインを受け継いだ江戸切子の歴史 江戸切子の紋様には決まったパターンがある。「だいたい10数種類のパタ

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江戸小紋という名が生まれたのは60年前

平和になった江戸時代に、諸大名が競うように着物に贅をつくした。それを憂えた江戸幕府が、武士たる者あまり豪華に着飾るものではないと規制を加えた。そこで大名たちは遠目からは無地に見えるように、柄を細かくした。そのため染色の技術が発達していき、そのおかげでできた技術が現在、江戸小紋といわれる染物だ。

それほどに長い歴史を持つ江戸小紋だが、「江戸小紋」という名称が使われるようになったのは約60年前のこと。小宮康助さんがその技法の重要無形文化財保持者（人間国宝）に認定されたとき、他の小紋染めと、区別するために、江戸小紋という言葉が生まれたのだ。これは意外と知られていない事実。今回お話をうかがったのは、その小宮康助さんの息子さんである小宮康孝さんと孫の小宮康正さんだ。康孝さんも1978年に重要無形文化財保持者の認定を受けている。

分業の世界だからこそできる江戸小紋

江戸小紋は型染め。型紙は伊勢型紙などのものを使い、染めあげる技術は熟練を要する。康正さんは「作品を残すのではない、次の世代に技術を残す。技術を残していくことが使命」と言う。
その現場である工房は真っ暗。窓を閉め外光を入れないのは、型紙や糊への影響を考えて室度を保つため。7.2メートルの板に白生地を貼り、型紙を置き、その上に糊をつける。一反すべてに柄がつくまで数十回この作業を繰り返す。そして乾燥させ、地染し、色が定着するように蒸して、すべてを洗い落とす。そうしてあの小粋な着物の一反ができあがる。

「伝統の技術だけれども、新しくてよりいい方法が見つかれば取り入れる」というように、蒸しの作業にはボイラーを使う。しかし糊の原料の糠だけは、ほかに代用がないそうだ。そして現在は製粉会社がなくなり、危機的状況だという。
小宮康正さんはお話のなかで何度も江戸小紋は分業の世界だということをお話してくれた。自分の技術だけではなく、素材や道具が残っていることが非常に重要。型紙を作るための和紙、型紙を切るための刃物、反物の原料である蚕、それらが揃って初めて江戸小紋という技術を発揮できるのだ。

新しい型紙を使う

小宮家のモットーは、型紙を守り続けること。そういうと古くからの型紙、形式を使い続けるということのように聞こえるがそうではない。むしろ新しい型紙を買うことにこだわるのだ。父の小宮康助さんがこう言ったと康孝さんは教えてくれた。
「古い型紙を使って仕事をしていたら、今の型屋が食べていけない。だから今の型紙屋に仕事を依頼しなくちゃいけない。そうしてこそ、技術も上がっていくもんだ」
型屋がなくなってしまえば、江戸小紋の新しい発展を望むことはできない。そのため、古典的な紋様も新しく型紙を作るのだという。
「型紙を滅ぼしちゃいけない。それが江戸小紋の基本で、根本。」そう語る。
伝統を受け継ぐということは、古くからの伝統をかたくなに守るだけではなく、”今この世界で”型紙が存在するためにはどうすればいいかと考えること。古きを知り、今にこだわる。それが未来への動きとなる。作品を作り続け、江戸小紋に関わる多くの技術を守ることで、受け継がれていくものなのだ。

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