400年の歴史を持つ鳴子漆器

宮城県の旧鳴子町 （現在は大崎市） の名産、鳴子漆器。その起源は江戸初期の寛永年間 （1624年～1643年） にあるといわれている。つまり400年近い歴史を持つということだ。
その鳴子漆器を盛り上げるため、岩出山潘の三代城主伊達弾正敏親が、修行のために塗師と蒔絵師を京都に派遣した。それ以後鳴子漆器は隆盛を見せ、現在の基礎になったという。
鳴子漆器の大きな特徴のひとつが塗り。木目の美しさを生かした 「木地呂塗」、顔料を加えていない漆を木地に塗りふき取る作業を繰り返して、木目を際立たせる 「ふき漆塗」、朱漆の上に透漆をかけた 「紅溜塗 （べにためぬり）」 などが特徴だ。また、鳴子独自の塗りの技法として、墨を流したような模様を描き出す 「龍文塗」 がある。そのどれも日用品として生活の場にあっても違和感がまったくない、素朴な美しさを醸し出している。

秋田の修行から持ち帰ったもの

その鳴子漆器を代々支えてきた職人の家に生まれて、自身も漆器作りに長年携わっているのが後藤常夫さんだ。10代の中ごろに秋田の漆器職人の工房に弟子入りし、さまざまな塗の技法を覚えたという。その数なんと約50種類だそうだ。その頃に作ったという後藤さんの処女作を見せていただいた。卵殻によって植物の文様を浮き出した大皿だ。
「これはいくら貧乏しても絶対に売らないんだ」 と大事そうにお皿を抱えていた後藤さんが印象的だった。
修行から帰り、鳴子漆器の職人としての道をスタートするのだが、その仕事には秋田の修行がとても役にたったという。鳴子漆器の手法だけではなく、さまざまな角度から漆器を考えることができたからだ。

伝統のその先に行くために

後藤さんは言うまでもなく、鳴子漆器のスペシャリストだが、先ほども言ったようにいろいろな手法を駆使している。後藤さんに案内され工房に入り、さまざまな作品を見せてもらった。そこで中田の目を引いたのは、黒が透けて見えるような深い色合いの朱塗りのお盆。器には、何層にも漆を重ねてから研いで現れた繊細な線があしらわれている。
「この線はね、木星の輪をイメージしたんだよ」
「なるほど。今は全部同じサイズお皿ですが、例えば、同じデザインでサイズを1枚1枚変えると、重ねたときに上から線だけが見えて、置いておくだけでもかわいいかもしれませんね」
そんなふうに中田が感想をいうと、「うんうん、たしかに。そうか、面白いね。今度作ってみっか」 と後藤さんは受けてくれた。
「やっぱりね、人の話を聞かなきゃわからないんだよ。自分だけだと何でも限界があるからね。そういうのも作ってみたい」
中田の思いつきにも真剣に耳を傾ける。そして 「作ってみようか」 と言う。この柔軟性が鳴子漆器という伝統をこの先につなげていく原動力なのかもしれない。

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会津伝統の“会津漆器”

今回お話を聞きに伺ったのは、漆芸家として活躍している佐藤達夫さん。福島県の喜多方市で活動している作家だ。喜多方市といえば、会津漆器の産地。会津の自然が生み出す良質の木材と、盆地特有の気候で現れるきれいな漆のつやで、長い歴史と全国的な人気を集めている。
会津漆器はお椀などのいわゆる丸物と呼ばれるものを中心に発展してきた漆器だ。佐藤さんはお父さまの代から塗りだけでなく、ろくろで木地作りをするようになり、オリジナルの漆器制作にも取り組んでいった。

若い世代に引き継ぐこと

佐藤さんの作品を見せてもらう。作品はお椀などの丸物から、重箱などの作品まで幅広い。漆黒、朱、黄、緑、金、色が混ざり重なりながら、漆独特の艶と蒔絵や螺鈿（らでん）での装飾が見事に一致し、独特の世界観を作り出している。これまで数々の賞を受け、人気と実力を裏付けているのだ。ただしお話を聞いていると、作品としての漆器よりも、漆器それ自体への暖かい眼差しが感じられた。

「もちろん制作も、まだまだ頑張っていこうと思っていますが、これまでの経験を振り返って、今の自分にどんな役割があるだろうなって考えると、若い人に伝えることじゃないかなと思っています」
それは技術に関することだけでなく、暮らしの中の漆器ということも含めて伝えていきたいと話してくれた。

暮らしのなかに漆器を

「作家活動も大事にしていますが、もともとはお碗屋なんです。それはやっぱり自分のなかに強くあります。だから日常の生活に漆器がなくなっていくのが、すごく寂しく感じるんです」佐藤さんがそう言うと、中田はこれまでの旅を思い出しながら「たしかに。漆器っていうと、高級なものを思い浮かべがちですよね。でも、こうしていろいろな方のお話を聞いていると、本来は日常のもの。ちょっとかけても少しの修理でなおせるんですよね。金継ぎだってできる。そういうことを知れば使いたいと思う人も増えると思う」と言った。
「そうですね。きれいな器とおいしい食事は別々のものじゃない。きれいな漆器でおいしい食事をしてほしい。それがわたしの思いなんです」と最後に佐藤さんは語ってくれた。
現在、喜多方市では全面的にではないが、学校給食用の食器として漆器の利用を実施している。幼い頃から美しい器で、おいしい食事をするという経験ができれば、伝統工芸をもっと身近に感じることがきっとできるだろう。また、25年前に漆の木の植林を始めた。まだ少しずつそれを使っていくという段階だが、会津漆器の伝統を受け継ぐ大事な礎になるのだ。（2012年取材）

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”どこまで見せるか”という漆の技術

お話を伺ったのは、漆工芸のなかでも蒔絵の分野で重要無形文化財保持者に認定されている室瀬和美さん。室瀬さんが得意とするのは「研出蒔絵」という技法。漆地の上に漆で文様を描き、固まらないうちに金銀粉や色乾漆粉などを蒔き付ける。漆が固まったあとに、再度漆を塗り、硬化させたあとに研ぎ、磨きを入れて、最初に描いた文様や金銀粉などを表に出す。つまり何層にも金と漆を重ね、そこからどこまで研ぎ上げるかということが大切になってくる。 室瀬さんはその研ぎの工程で図柄に立体感をもたせた作品を作りだす。
拝見したのは、海老が泳ぐ姿を蒔絵で描いた箱だ。金粉をたくさん見せて強い金の色を出すところと、沈んだ漆の飴色がかかった金の色にするところを使い分けて濃淡を出し、生き生きとした立体感が生まれていた。 その引き込まれるような奥深い色合いに、「漆と金の色、どちらもすごくきれい」と中田。「昔の蒔絵は平面的な仕上がりが多かった。こういう濃淡を出す表現は現代の感覚ですね。」そう室瀬さんは語る。

漆でアートも伝統工芸も

中田がこの旅の趣旨を室瀬さんに説明し「日本は伝統工芸と呼ばれるジャンルで腕を振るう人も、アートで頑張っている人もたくさんいる。だから自然と訪問する先も増えてしまうんです」と話すと、「それが日本の特徴」と室瀬さんは言う。
「日本は、漆の文化にしても日用品からアートまでジャンルの幅が広い。それにどちらも非常に仕事が繊細。だからこそ面白いものがたくさん生まれてくるんですよ。神社などに奉納するようなものから日常のもの、あらゆる器がなければ人間の感情の起伏を表現できないと思うんです」と室瀬さんは話してくれた。

また、室瀬さんは過去の技法の研究や文化財の修復も行なっている。なかには、現在には伝わっていない技術が修理の過程で発見されることも多い。なぜ文化財の研究を始めたのかと聞くと、学生時代の恩師に勧められたからだという。
「自分の作った作品が傷んでしまって、300年、400年前の人もきっと残念がっているはずだから直してあげなさいと言われたんです。確かに自分が作ったものも傷んでしまったら直したい。直せなかったら残念だなあと。今にして先生の言葉の意味がよくわかるような気がします」
過去の作品に触れながら、技術や心を学ぶ。そのうえで現代において、現代にあった感覚で、新たな蒔絵の表現を作り出していく。そうやって、室瀬さんの作品はできあがるのだ。

漆器でご飯をいただく

「わんっていう言葉があるでしょ」と室瀬さんが言う。
「お茶碗の”わん”ですか？」
「そう。お茶碗っていうときは石偏の漢字で碗。磁器や陶器だからね。熱いお茶を入れるから、すぐに冷めて飲みごろになるように陶磁器が適している」
「そうか、ご飯を入れるお椀は木偏だ」
「そうなんです。昔、ご飯は木の器で食べていたんです。だから、飯椀という字は木偏なんですね。木の器だと、陶磁器とは逆に、時間がたっても冷めないし、漆が塗ってあると蒸れないんです。だからゆっくり食べても、温かいご飯がそのまま、おいしいままなんですよ」
確かに、現在は陶磁器のお碗でご飯を食べることが多いが、木のほうが適しているのだ。
「ぜひ、一度、木の器、しかも漆塗りの飯椀でご飯を食べてもらいたい。ゆっくり食べても美味しいから、会話も弾むと思いますよ」と室瀬さんは言う。素材の特徴というと、すぐにでも考えがおよびそうだが、これは意外にも盲点だった。歴史が育んだ文化の奥深さには驚かされるばかりだ。

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自分の求める器を探す旅

中島克童さんが陶芸を志したのは高校生の頃。東京目黒区にある民芸館で見た李朝の陶器に、ほのぼのとした懐かしさを感じて興味を持ったのだという。

日本で朝鮮式の登り窯を残す陶磁器の産地といえば、山口県の萩。「ならば萩焼を学びに行こう」と決意するが、せっかくなので行く途中で西日本全部を回ってみてみようと思い立ち、車にのりこみ、全国を旅したという。瀬戸から滋賀、京都を経て九州に。その旅を経て、当初の目的だった萩へ。

実際に師匠の元で技術を学ぶと、現在の萩焼は自分の求めていた李朝の器とはまた違うものだと感じた。そこで、次は古くからの日本の陶芸を体験してみようと、萩を出て、滋賀県の信楽焼の窯で仕事をすることにした。

朝鮮半島式の登り窯を持つ

「信楽では昔は生活の道具を焼いていた。つまりここでも茶道のものが多かった。それも違うな。手の中でいろいろといつくしむというか、五感で楽しむものが作りたい」そう感じた中島さんは、五感で楽しむとなると生活食器だろうと思い立ち、伊賀に移ってさらに修行を積んだ。長い旅路だったが、そのすべてが身になっているという。そして1984年、30歳のときに、神奈川へ移り住み、登り窯を築いた。
「やはり最終的には、李朝のものでもない、萩でも、信楽でも、伊賀でもない、自分の器を焼きたいと思っていました。ただ、きっかけは李朝だったので、窯だけは登り窯を作ろう！と。」こうして、中島さんがこだわった朝鮮半島式の登り窯で現在も作陶を行っている。

登り窯と釉薬

その登り窯がもたらしてくれるのが器にあわられる豊かな色合いの変化だ。登り窯にくべた松の木の灰は器にかけた釉薬と合わさり、1200℃を越える炎の中でガラス質に変化し、さまざまに色づく。
「私の中で、陶芸の大きな魅力になっているのが、釉薬の具合なんです。」そう語りながら、大皿の作品を見せていただく。何重も輪を描いたような大皿の中心には、深い飴色のグラデーションが残る。
「成型するときに、この表面は凹凸があるんです。その上に釉薬を乗せて焼く。そして、釉薬がくぼみに溜まることでこの色が出るんです」こうした釉薬の“たまり“を生かした作品は、少しずつ進化し、釉薬の量や配合の研究を重ねているという。
「灰釉がもたらしてくれる透明感を通して、土の色が温かさを伝えてくるんです」という中島さん。自らが高校生のときにかんじた、ゆったり、ほのぼのとした温かみのある陶器。その器を目指して中島さんは日々作陶にあたっている。

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観る側から陶芸の世界へ

1978年生まれ、新進気鋭の陶芸家 今泉毅さん。2005年に独立してから賞を多数受賞して注目を浴びている作家だ。シャープなフォルムに、多彩な釉薬（ゆうやく）を用いた独創的な作風が高く評価されている。
実は経歴がなかなか面白い。芸術大学でなく、陶芸の地元出身というわけでもない。早稲田大学という一般の大学の陶芸サークル出身なのだ。だからこそ、工房には数多くの”テスト作品”がある。
「私は観る側からこの世界に入った。だから、出来上がりからしか判断ができないんです。だからこうしてテストをして、こういった場合はこうなるというふうに学んでいくしかないんですね」

意図したひび、意図しないひび

工房のなかで中田がふと、小鉢のような器を手にとった。その作品には貫入（かんにゅう）といわれる、釉薬の表面に細かいひび状のものが入っていた。それを中田はこう表現した。
「すごくかわいいっていうのかな。卵がピピって割れて入ったひびみたい。好きだな、なんだか」
それを聞いて苦笑した今泉さん。「そうか卵から孵るってことですね。実はそれ、学校を出たてのころの作品なんです。だから無垢なのかも」
それを聞いて中田も笑う。「こういうのは、意図して入れることができるのものなんですか？」
「ある程度は。この素材を使うと、直線的でとか、そういうことはわかってきます。ひびがたくさん入る素材もありますし」
ただ、”卵のひび”は意図したものかどうかはわからなかったが…。

実用性と芸術性が融合した陶芸

続けて今泉さんはこう言う。「ただ、意図できてもそれが成功するとは限らないんですよね。今度は東洋チックにやってやろうとか、”色気”みたいなものになってしまうこともあるんですよね」
たしかに”狙い”というのは作品にはあるだろう。しかし、それで必ずしも作品として成功するわけではないという。
「”使えるもの”ということは考えて制作していますか？」という中田の質問に対しては、こう答える。
「やっぱり最初は”使える”っていうのはちょっとカッコ悪いなんて思ってたんです。でも制作を続けていくうちに、作品が”その人の生活のなかにある”っていうのは重要な要素なのかなと思うようになりました」
作品の芸術性というのはどこに存在するのか。作品を創るという行為はそれを模索する行為なのかもしれない。今泉さんはこのあとに「それでもまだカッコつけた作品を作ってしまうんですけどね」と照れながら笑っていた。

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虹色に輝く貝殻。

今回お話を伺った田口義明さんが紹介されるときは「漆芸家」といった表現が多い。
漆というとどんなイメージを持つだろうか。つるりと輝く漆塗りのお椀。もしかしたら、朱に塗られた重箱かもしれない。でも、田口さんの作品はそういうイメージとはほど遠い。なぜなら、作品が虹色に輝くのだから。

その理由は螺鈿（らでん）。螺鈿とは、貝殻の光沢を持った真珠層を埋め込んで装飾を施す技法のことをいう。その螺鈿が施されているため、田口さんの作品は虹色に輝くのだ。

宇宙を表現する。

中田が食い入るように作品を見つめる。その作品のなかには、香合のようなあまり大きなものでないものもある。そこに螺鈿で細かく描かれる紋様は、すべて一枚一枚貼って出来上がるもの。
「貝の色味は見る角度で変わってくる。だからそれを頭に入れながらやらなくてはいけない。一番きれいな部分を正面に持ってくるようにするんです」
そんな細部にまで気を配らないと、この美しさは表現できないのだ。
「好きなモチーフは何かありますか？」という中田の質問に田口さんは「うーん、宇宙的なものかな」と答える。螺鈿で青く美しく光る香合が地球。それが乗る盆が宇宙だ。散りばめられた星のように輝くのが、蒔絵による装飾だ。

手に触れることで伝統を知る。

田口さんの父親は蒔絵で重要無形文化財保持者に認定された田口善国（よしくに）さん。
その人間国宝である父に、田口さんは蒔絵を師事した。漆の上に貝殻を。そのうえに蒔絵を施す。そうすることで、田口さんの星空のような作品は出来上がっているのだ。

蒔絵の作業を中田は体験させてもらうことになったのだが、材料を前にして腕組みをする中田。「うーん、どういうものがいいんだろうな」と悩んでいると「自由でいいんですよ。上手い下手じゃない。とにかくやってもらったら、よさがわかるじゃないですか。それをさらに使ってもらったら、伝統のよさをわかってくれるはず」。そう言って田口さんは背中を押してくれた。

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「加藤作助」という陶芸家

愛知県瀬戸市。いうまでもなく瀬戸焼のふるさとである。そのなかでも赤津地区は、陶祖・加藤四郎佐衛門景正に続く作家が多く残っている。そのひとつが「加藤作助」という一門。作助を名乗ったのが、江戸時代後期のことなので、150年以上続く名門である。

今回工房に伺いお話を聞いたのは、第五代の加藤作助さん。東京芸術大学大学院で陶芸を学んだ後、生家である作助工房で作陶活動を始めた。江戸から続く工房で伝統をみっちりとしこまれたのだ。 代表的な作風は緑色の釉薬（ゆうやく）が特徴の「織部」の器。ただ加藤作助さんは、それだけにとどまらず、つねに新しい試みにチャレンジし、独自の世界を確立していく。そのひとつ、陶器の表面に象嵌を施した作品には、「陶磁器でも象嵌があるのですか？」と中田も驚いた。 加藤作助さんは日本伝統工芸展42回連続入選など数々の賞を受賞し、誰もが知るところとなった。そうした作陶活動の一方、愛知県立芸術大学の陶磁専攻設立に携わり、以後定年退官するまで教授として指導するなど、後進の育成にも力を注いでいる。

変化する瀬戸焼

中田は、器に「蚊帳布（かやぬの）」で模様をつける作業を体験させていただき、絵付けを施す。 「蚊帳目」をつけることによって、陶器の表面は素朴でやわらかな質感を纏うのだ。この「蚊帳布」は、麻で作られた古い蚊帳を利用するのだが、現在では生活環境の変化や蚊帳の素材の変化により、手に入りにくくなっているとお話を伺った。 また、工房では20年ほど前まで使っていたという今では珍しい「石炭窯」も拝見させていただいた。この「石炭窯」は、瀬戸焼の典型的な単独窯。加藤作助さんのご子息である加藤圭史さんが小学生のころは、瀬戸の街のなかには「石炭窯」の煙突が数多くみられたのだと話してくださった。 こうした窯が姿を残すのも、瀬戸焼の歴史を感じる出会いであった。

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朱の鮮やかな急須を生み出す匠 人間国宝「陶芸家 山田常山」／愛知県常滑市 – NIHONMONO 常滑焼という焼き物。 常滑焼の歴史は古く、平安時代末期にまでさかのぼることができる。常滑では、それまでの灰釉陶器では作れなかった大型のかめやつぼが早くから焼かれ…

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瀬戸に吹く新風「陶芸家 竹内真吾」／愛知県瀬戸市 – NIHONMONO 瀬戸の土地が育んだ作家 陶芸の街、瀬戸に生まれ、愛知県の窯業職業訓練校（現愛知県窯業高等技術専門校）で学び、そ

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大陸伝来の技法と日本の技法を併せる

香川県で漆器の製造が盛んになったのは、徳川家康の孫・松平頼重による功が大きい。松平頼重は、讃岐高松12万石の初代藩主。江戸時代前期の寛永15（1638）年に水戸徳川家から高松に入封した頼重は茶や花を愛する風流な人で、漆器や彫刻にも造詣が深く、漆器づくりを積極的に進めて名工を育てたという。
藩祖から続く保護のもと、香川では漆器づくりが栄え、その後も数多の名工・巨匠を輩出した。
「漆器の祖」といわれる玉楮象谷（たまかじぞうこく）もその1人。江戸時代末期に生きた彼は、大陸伝来の「蒟醤（きんま）」「存清（ぞんせい）」「彫漆（ちょうしつ）」などの漆器技法を研究し、それに日本古来の技法を加えて独自の技を創案。これが香川漆器の礎となった。

香川漆器を生み出す技法

「蒟醤（きんま）」とは、何回も漆を塗り重ねた上から文様を“ケン”と呼ばれる彫刻刀で彫り出し、その凹みを色漆で埋めて、磨き上げる技法。朱色、黄色と漆の色ごとに彫っては埋めるという作業をくり返すため、その工程はおおよそ60工程を数えるという。
「存清（ぞんせい）」は地に塗った漆面の上に色漆で絵を描き、輪郭など漆絵の主要部分をケンで線彫りし、細部は毛彫りで仕上げる技法。
「彫漆（ちょうしつ）」は、漆を何回も塗り重ね、表面をケンで彫って模様を描き出すのものだが、香川漆器では色漆を塗り重ねるところに特徴がある。たとえば、赤漆と緑漆をそれぞれ数十回ずつ塗り重ね、彫り下げる深さによって表面にあらわれる色を変えるという技法で、わずか数ミリの漆の層から欲しい色を彫り出さなければならない。その代わり、立体感のある色彩豊かな作品に仕上がる。

香川漆器の特徴である大胆な発想と繊細な作業

単なる民芸というよりは、こうした芸術性の高い製法が、香川漆器の最大の特徴だ。そこで、その現場を見せてもらうべく、今回中田が訪れたのが大谷早人さんの工房。
大谷さんは、竹を編んだ籃胎（らんたい）と呼ばれるものに蒟醤の技法で漆器を塗るのを得意とする工芸家だ。
その技術は、98年には高松宮記念賞、09年には紫綬褒章を受章するなど高い評価を得ており、香川漆器の人間国宝・太田儔（ひとし）氏からも「今後の香川漆器の代表的な人物になるだろう」と認められるほどの作家さん。

香川漆器に色づく華麗な文様

籠のようにざっくりしたものを素地にするとどうしても民芸調になるため、大谷さんはまず木で型をつくり、そこに竹をきっちり編み込んで漆で固め、あとから木型を抜くという手法をとっているという。
工房では、中田もケンで文様を彫り出す作業に挑戦。こうした繊細で緻密な作業から、華麗な文様が生み出されるのである。
ちなみに、これまで漆芸分野で人間国宝に指定された工芸家は全国で17名。そのうち4人までが香川県出身である。
松平頼重にはじまる漆器制作が、香川でいかに根づき展開されてきたかの証だろう。

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