富山県にある金工の町･高岡で生まれ育ち、そのルーツは加賀藩主･前田利長に仕えた鋳物師（いものし）。3代目畠春斎（はたしゅんさい）として現代解釈を加えた茶釜づくりを行う。伝統を守りながらも、あえて定石を外し、今の暮らしになじむ茶の湯を提案する。根底にあるのは「多くの人にお茶を楽しんでほしい」という思いだけ。

伝統を守る。恐れずに挑戦する覚悟

高岡城跡から歩いて30分ほどにある金屋町は、高岡銅器産業の中心として栄えてきた場所。溶けた金属を型に流し込んで成型する「鋳物（いもの）」や、金属を使って工芸品をつくる「金工（きんこう）」を手掛ける店が軒を連ねます。

その町で、茶の湯で使われる茶釜を製造する家に生まれたのが畠さん。幼い頃から祖父や父の仕事ぶりをそばで見て育ちました。その家系は、加賀藩2代目藩主・前田利長が高岡に居城した際に、金屋町に移住した鋳物師・釜屋彦兵衛（かまやひこべえ）の末裔。2010年に祖父と父が代々名乗ってきた「畠春斎」を襲名した。

用いる素材は鉄のみ、感性と美意識が生きる茶釜

伝統を重んじる茶道の世界において、近年では茶釜にステンレス陶器などさまざまな素材が用いられている。そうしたなか、畠さんが使用するのは鉄のみ。代々鋳物を家業としてきた背景もあり、あえて素材を限定し鉄だからこそできる表現を追求。「茶室の中で際立つ、鉄ならではの存在感を示していきたいですね」と力強く語る。

この潔い選択が、新たな挑戦を後押しする。制約こそイノベーションの源。ひたむきに鉄と向き合い、3代目畠春斎としての歩みを止めない。

ここ最近の作品は、なめらかな質感と親しみやすさ、そしてどこか凛としたスタイリッシュさを兼ね備えている。鉄の多彩な表情を軽やかに引き出しているようだ。

見て、触れて、感じて。常にセンスを磨く

作品づくりで大事にしているのは、さまざまなものを見て、触れて、感性を養うことだそう。茶釜はいうまでもなく、茶道道具や他の美術工芸品などから日々インスピレーションを得て、価値観のアップデートをしている畠さん。ときには遠方まで足を運び、作り手と語らいながら学びを深めることも。

また、祖父や父の作品を振り返ることもそのひとつ。自身の作品と見比べ、違いを自問自答し続ける。年代やジャンルを問わず多様なものに触れ、作品に少しずつ昇華させる。釜師としての矜持を胸に、毎日が試行錯誤の連続だ。

コラボレーションで広げる新スタイル

日本人の精神と美意識が詰まった茶道。なかでも茶会は、大切な人と過ごす時間を豊かにする場として長く親しまれてきた。しかし文化庁の調査によると、茶道人口は1990年代の600万人をピークに減少し、現在は180万人以下という。

この現状を受け、畠さんは釜づくりに取り組む傍ら、茶道の魅力を広げる活動にも積極的だ。「格式が高くて難しそう」というイメージを払拭すべく、他の作り手と協力してさまざまなイベントを企画。ターゲットは茶道離れが進む若い人たち。興味を持つきっかけづくりを模索する。その原動力は、「多くの人にお茶を楽しんでほしい」という思いだけ。

茶道の魅力は、お茶を味わうことはさることながら、一期一会の交流ができること。茶席で掛け軸や工芸品を眺めたり、茶室の外に広がる景色を愛でたり、時間を共有することで心が満たされる。

最近では、富山の人気木作家「Shimoo Design」や現代アーティストであり造形作家のミヤケマイとの共創を実施。伝統を大切にしながら現代に即したアレンジを提案する。伝統品だから価値がある”ではなく、”本質的に魅力を感じられる”クリエーションに勤しんでいる。

茶会をより魅力的に。決して目立たず、世界観を表現する

畠さんの茶釜が放つ独自の存在感。それは、造形の美しさに加え、茶釜という道具の“役割”を深く理解しているからこそ生まれるものだ。茶会では、亭主が来客にあわせて調度品を並べる。それぞれがバランスよく存在することで、亭主は心からのもてなしができる。悪目立ちすると、世界観をガラッと変えてしまうこともある。

「茶釜は、家における柱のようなものだと考えています。奇を衒うものではなく、でもそれでいて気高い存在感も求められます」。
茶釜は茶会の中心に佇み、世界観を支える役割を担っている。個性を宿しながらも、茶会の一部として程よい存在感のある茶釜を製造する畠さんには、作品のオファーが絶えない。

伝統の枠を超え、自由で親しみやすい茶の湯を

歴代の畠春斎も、時代に合わせて製造を行ってきた。初代は戦争体験を通して「生きているうちに良いものを残したい」との信念を持ち、茶釜づくりに傾倒。2代目は初代の教えをもとに、斬新な感覚を取り入れて新風を吹き込んだ。そして、3代目は現代的なエッセンスを加えて、茶釜の新たな魅力を引き出す。

「使う素材は鉄ですが、重厚感だけではない作品を目指しています」と、やわらかな笑顔で語る畠さん。洗練されたデザインを引き立てるなめらかな質感は、あたたかみを感じさせる。茶道に明るくない人でも「素敵だな」と思わず手を伸ばしたくなるような親しみやすさを纏っているかのよう。

重く固いイメージを抱かれがちな鉄だが、実は強さとしなやかさを併せ持ち、熱を加えることで自在に姿を変える素材である。畠さんが行うのは、その特性を十二分に生かした作品づくり。伝統を重んじる世界に新たな作品が加わることで、これまで茶道に縁がなかった人たちの関心をひく一手になりうるだろう。

伝統は、変わりながら続いていく。茶の湯をラフに楽しむ

お茶の作法には、一つひとつに意味がある。それでも、昔は武士の嗜みとされていた茶道が庶民にも普及したように、時代とともに常に変化してきた。

大量生産大量消費の時代は終わり、一人ひとりの要望に寄り添うことが求められる時代。生活様式や価値観の変化に柔軟に形を変えていくことが伝統継承につながる。畠さんの作品には、そうしたクラフトマンシップが深く根付いている。

茶の湯は元来、大切な人と楽しい時間を過ごすためのもの。作法はもちろん大事だが、根底にあるのは相手を思いやり、心からもてなすという気持ち。茶の湯の本質を捉え、若い人たちがよりお茶に親しんでもらうため、畠さんの挑戦は続く。これからもどんな作品を生み出すのか楽しみだ。

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南部鉄器が根付いたわけ

「南部鉄器」といっても、実はさまざま用途のものがある。例えば昔ながらの伝統的な茶釜や鉄瓶。それからフライパンや鍋などの食に関係するもの。そして風鈴などの小物などの鉄器。一口に南部鉄器といってもさまざまな種類があるのだ。今回伺った佐秋鋳造所では主に伝統的な鉄瓶を多く制作している。お話を聞いた佐藤圭さんによると鉄瓶が９割近くをしめるというほど需要があるのだ。
佐藤さんは、鋳物は鋳型によってすべてが決まるといっても過言ではないという。
鋳型に使われるのは砂と粘土。工房のある奥州市周辺で取れる粘土は陶芸用ではなく、鋳型として良質だといわれていて、そのためこの地域に鋳物が根付いたのだと説明してくれた。材料が豊富であれば、一度に大量の鉄瓶を鋳造することも可能になる。佐藤さんの工房では、普通サイズの鉄瓶であれば120個の鋳型を並べて一気に鋳造するのだという。また、焼き型の粘土分が強く固い型を使っているため、ひとつの鋳型を利用して10回程度もおなじ形の鉄瓶を作ることができるのだ。

生活スタイルの変化で変わる南部鉄器

「鉄器という文化は東北に広くあるんです。なかでもこのあたりは手仕事として量を作る技術が高いと思う。それを支えたのが日用品を作ってきたということ。作品として作られているものに比べて精度などは劣るかもしれないが、みんなが買えて、日々使えるものを提供するという環境がこのあたりの鉄器文化を支えてきたと思っています」
生活に根付いたものといえど、時代とともに地域も、生活も変わる。そこで中田が「IHの普及など生活スタイルの変化によって商品が変化してきたというのはありますか？」と質問すると「大きさは変わりましたね。小さくなってきたと思います。また、底が平らになった。昔ながらのものは底が丸いものが多いんです」と話をしてくれた。

元バーテンダーが生んだ作品

佐藤さんは東京にいたころバーテンダーの仕事をしていたという。南部鉄器を作るという現在の仕事からは想像もつかなかった。だが、そのバーテンダーの経験が鉄瓶作りにも活きているという。
「いまは定番の鉄瓶を作る、もしくはそれに少しアレンジを加えるというものをつくるようになりましたが、最初は違ったんです。バーテンダーの接客業ところから、お客様を楽しませるというのがあったので、その経験から楽しんでもらえる作品をという考えが最初はあったんだと思う」
そう佐藤さんが話すように、過去に作ったりんごの型の鉄瓶を見せてもらった。中田はそれを気に入り、「くだものシリーズ」を提案。洋ナシ、スイカなどいろいろなくだものの意見が。それを面白そうに聞き入る佐藤さんの表情が印象的だった。伝統の鉄瓶の良さに、作り手の発想を加えていく。これからも、この土地の土だからこそできる鉄器を追求していくのだ。

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時代によって用途が変わる鎌倉彫の歴史

鎌倉に古くから伝わる鎌倉彫。花鳥風月さまざまな文様を彫りいれ、そこに黒漆を塗り、さらにその上に朱などの色漆を塗って仕上げた工芸品。現在はお盆やお菓子の器、茶道具など、日常の生活のなかに見ることが多いが、実は生活用品としての生産が始まったのは、明治時代以降のこと。
もともとは鎌倉時代に中国から禅宗が伝わったときに一緒に輸入されてきた堆朱（ついしゅ）や堆黒（ついこく）といった彫漆品の影響を受け、仏師や宮大工たちが、木の器に彫刻を施し、漆をぬり重ねたのが始まりだと言われている。寺院の建築に施された他に、須弥壇や香合などが作られていた。つまり全て仏教に関わるものが彫られていたのだ。鎌倉彫の一番の特徴はこの始まりにある。室町時代になると茶の湯が盛んになり、茶道具としても広まっていく。そして明治期以降に生活用品が作られるようになるのだ。

エキスパートがつくりだす

今回お話を伺いにいったのは、代々仏師として仕事をしてきた博古堂だ。明治期から鎌倉彫の作品にも力をいれ、1889年のパリ万国博覧会にも出品したという、老舗鎌倉彫工房だ。
制作の現場を見学させていただいた。彫り、塗り、研ぎの作業を、職人さんたちはすべて分業で行う。大きく分けて７つの工程があるが、すべてがエキスパートによってなされる技なのだ。
制作の第一工程”彫り”を中田は体験させてもらった。お盆の中央に描かれた下絵を頼りに彫刻刀を入れるが、堅くてまったく歯が立たない。思ったように彫刻刀が動いてくれないのだ。しかし指導をしていただいた職人さんは、グッグッと力強く木を彫っていく。この体験だけでも、木材と向き合う緊張感や、職人のエキスパートたる所以を感じることができた。
鎌倉時代から数えて約800年。仏教文化にかかわる用具を作り、現在は生活用品として使われるようになった鎌倉彫。その歴史をささえているのは、職人さんの確かな腕なのだ。

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枠組みにとらわれた現代茶釜

長野新（あらた）さんは茶釜を作る釜師。茶釜というとやはり格式があると思うのが普通だろう。
「茶釜自体にはこうしなくちゃいけないっていうのはほとんどないんです。ただ、利休以降の茶道においてさまざまな流儀が発生して、その流儀にあった茶釜という枠はありました」

長野垤志（てっし）さんによれば、江戸中期までは茶釜はオーダーメイドで個人の好みでいろいろなものが作られていたそうだ。桃山時代などの古い茶釜を見ると、「現代茶釜より斬新で現代的なデザイン」のものがたくさんあったという

現代的というのは、その時代の感覚に合ったデザインやフォルムのことを指していう。現代茶釜はそれぞれの流儀の枠組みにとらわれて、その自由さを失ってしまっていた。

枠組みを外して、現代の感覚を注ぎ込む

そこで先代が現代的に”桃山再興”をしようじゃないかというスタンスをとったという。そのあとに続いたのが「もう現代の流儀でやっていいんじゃないか」という言葉だった。

そこで長野垤志さんは「イサム・ノグチが好きだから、それを茶釜に投影しようか」と思い現代的な作品を作った。「まあ異端児と言われましたが」と笑っていたが、その思想は息子の新さんにもつながり、デザインや模様など、これまでになかったものを採用し高い評価を得ている。

日本古来の地金「和銑」

そういった活動のなかで出会ったのが和銑（わずく）という日本古来の地金だ。和銑は砂鉄を集めて、たたらで精錬した鉄。生産性が悪く、後に輸入された洋銑にとってかわられたが、和銑はサビに対して強く、釜ならば200年から300年は保つという。またほかの鉄に比べて薄いものにできるので、軽量でスタイルがよく見えるというアドバンテージもある。その和銑で作品を作ろうと、鋳物の工場を作り、研究を進めたという。

日本古来より使われてきた和銑で、現代的なデザインのものを作る。相反するように見えるが、それが融合した形で、また新たな伝統ができるのかもしれない。

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茶の湯の世界の“銅鑼”

銅鑼（どら）が茶道具のひとつだというと、驚くだろうか。しかし、銅鑼は茶席に入るときの合図として鳴らされる、れっきとした茶道具。
流派には関係なく使われる基本的な道具のひとつなのだ。

銅鑼が日本で使われるようになったのは、一説によると、秀吉が中国から持ち帰ったのが日本に広まったのだという。もともと戦場の合図として使われていたが、その音の華麗さに茶の席で使われるようになったという伝説が伝わっている。

低く澄んだ音色が響く

美しい銅鑼の響きを出すためには、力仕事と大変繊細な作業が必要。そう話すのは、重要無形文化財保持者（人間国宝）認定を受けている銅鑼作家 魚住為楽（いらく）さん。
実際に銅鑼を叩いてみると、低く澄んだ音色が体に伝わる。

銅鑼の作り方

銅鑼作りは、銅と錫を合わせた砂張（さわり）という合金を使用する。熱した合金を、型に流し込み基本となる鋳物をつくる。しかも、そのすべてが完成に至るわけではない。最後に鋳型から取り出したときに、ヒビが入っていれば、それまでの苦労は水の泡。鋳物の中でも、原始的な方法で作るため、10個作れば半分は失敗するのだという。

銅鑼制作を体験する

出来た鋳物の内側をさらに金槌で打ち分子密度を高くし、表面は削って模様をつける。この、表面を削る作業を体験させていただく中田。鉄のヤスリの棒を使って、鉛色の表面を削ると、錫のような銀色が現れた。削り作業は「亀の甲羅」の模様を細かくつけていくと教わる。「俺は銅鑼を叩く練習をするほうが向いてると思う」と最後に話す中田。

魚住為楽さんは、日本で唯一の銅鑼職人。伝統を途切れないようにするためにも、後継者育成はもっとも重要な課題だが、息子さんが後を継いでくれることがすでに決まっており、修行に励んでいるという。為楽さんも、人間国宝でもあった祖父に師事し、銅鑼作家の道を歩んだ。祖父から孫に受け継がれる、わびさびの音。
茶室に入る前に、もう一度心を落ち着かせる、伝統の音色だ。

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美しい飴色の器

「楽焼」とは一般に、ろくろを使わずに手とへらだけで作った焼き物のことをいうが、狭義には千家十職の茶碗師である楽家の手法を用いた作品のことをいう。
大樋長左衛門（おおひちょうざえもん）さんが作る大樋焼は、その狭義での楽焼だ。

江戸の初期に加賀藩が茶堂として裏千家4代千宗家を招いた際に、楽家に学んだ陶工師の長左衛門も加賀藩へやってきた。そのまま長左衛門は加賀に住み陶器を作り続け、のちに地名から大樋という姓をもらい、現在にまで続く名門となったのだ。
大樋焼の特徴は、飴釉を使ったために出る、輝き。
シンプルなデザイン、シンプルな色使いの作品が多いが、その輝きにより存在感が浮き出てくる。

歴代の作品が揃う大樋美術館

現在の大樋長左衛門さんは1949年に東京美術学校（現東京藝術大学）を卒業後、作陶の道に入り、数々の名品を残し、輝かしい受賞歴を持つ名人。
その作品は国内のみならず、アジア、ヨーロッパ、アメリカの諸外国でも評価が高く、さまざまな美術館に所蔵されている。現在は、デザイナーであり陶芸家でもある息子の大樋年雄さんとともに、制作に励んでいる。

歴代の大樋焼きや茶道具を展示している「大樋美術館」。大樋年雄さんに案内していただき、作者によって、様々な飴色があると伺う。

見極めるということ

大樋長左衛門さんに「良い茶碗というのは、どう見分ればいいのですか」と、問いかける中田。
「多くの経験がなくては、物を見極めることはできないでしょうね。そして、素晴らしい作家の作品でも、全てが良いということでもないですね。」
大樋長左衛門さんは、物事の捉え方について少しづつご自身の芸術論を話してくださった。

実際に、手びねりで高台を形作る作業を体験し、大樋長左衛門さんが形を整えたお茶碗に、中田が言葉を彫りこむ。そして、お茶碗の内側は大樋年雄さんに仕上げていただくことになった。

「私は若いころから、多くのものを見極めるようにしてきました。積極的に経験をしないと、多くの物事を素通りしてしまいます。」そう話す、大樋長左衛門さん。
現在でも多くの作品を作り続ける作家としての熱意はとどまることはないのだ。

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加賀藩に仕えた釜師

茶人に愛される釜を作り続けている釜師・宮﨑寒雉（かんち）さん。
代々その名が受け継がれ、今回お話を伺った宮﨑寒雉さんは第14代になる。

初代はいまからさかのぼること350年以上前、1633年の生まれ。もともと鋳物業を営んでいた宮﨑家に生まれ、のちに京都へ出て釜作りを学んだ。その評判を聞いた加賀藩主・前田利常が、小松城造営の際に金沢へ呼び戻し、御用釜師として召し抱えられた。初代宮﨑寒雉は侘びの趣の強い釜を作り出し、数々の名品を作り出した。
以来、現在までその名は受け継がれ、茶道釜師として制作を続けている。

釜肌の風合いを楽しむ

14代宮﨑寒雉さんの作り出す釜は、色、形ともにすっきりとした風合いという初代からの伝統を受け継いだうえで、深く、そしてどっしりとした色合いを釜肌に持たせている。

茶人から愛され続ける釜。
それを作り出しているのは、350年続く宮﨑寒雉という職人なのである。

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茶道の世界に携わる漆の仕事

「中村宗哲」は、千家が指定した千家十職の家系の塗師。茶道具のうち漆器などの塗りを担当し、蒔絵などを施す技を継いできた。現在の当主は初代から数えて13代目。先代は、千家十職の歴史のなかで初の女性当主であったが、それを継いだ現在の13代目も女性である。

今回はその13代目中村宗哲さんにお話を伺うことができた。
「漆は、塗ったり、さすったり、優しく作るものです。子供を育てるみたいに、ですね。ですから女性的な仕事ともいえるのですよ」

塗りあがりまでの工程は、全部で10以上もある。木地（きじ）と呼ばれる、とても薄い木の器に下地漆を付けていく。下地漆を塗り重ね、研ぎあげて形を整え、上塗りをして「塗りあがり」。さらに蒔絵や、色漆で色を入れる作業を行う。種類の違う漆を塗り重ねていくのは、100年後でも使うことができるように、変形しないようにする為なのだという。

静かで穏やかな工房

工房では、職人さんが下地漆を塗る工程を行っていた。すべてに繊細な作業を要求される技である。静かだが、穏やかな雰囲気の漂う空間だ。中村宗哲さんは子供の頃からこの工房で遊び、祖父である11代目の仕事風景を見てきたのだという。
素朴な疑問を伺ってみる。
「赤い色、朱の漆塗りはよくみかけますが、緑色の漆はあるのですか？」
「あります。せいしつといって、「青漆」と書きます。これはかなり古くからあります。色は漆に顔料を加えて作りますので、様々な色ができます。青や白い漆は新しい色ですね」
最後に普段使っている、筆や顔料などの道具を拝見する。喜び、悲しみ、矜持、親から子へと受け継がれてきた魂が、それらの道具にも宿っているのではないだろうか。

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茶道の歴史を支える千家十職

「黒田正玄（くろだしょうげん）」という名は、千家十職（せんけじっしょく）のひとつである。
千家十職というのは、三千家の茶道具の製作を任されてきた職人の名。そのなかで黒田正玄は、竹細工や柄杓師を務める家だ。茶杓、柄杓のほか、台子（だいす）や香合（こうごう）など、竹を使った茶道具を千家に納めてきた家系である。

今回訪れた黒田正玄さんは、13代目。初代正玄は関が原の合戦ののち竹細工師となり、小堀遠州などの推挙で江戸幕府御用達となったというから、すでに400年も続く名前である。

竹を切り出し、命を吹き込む

まずは竹を見せてもらう。竹置き場には、太さも長さも様々な竹が置かれていた。黒田正玄さんの工房では、代々自ら竹を切り取りにいき、竹を選ぶところから作業されているのだという。切り取った竹は水分が抜けるまで乾かし、炭火で燻して油分を抜く。その後、天日に干して白っぽい色になったところから、さらに4、5年倉庫で寝かせる。この工程を経て、やっと材料が出来上がるのだという。整列した竹は、黒田正玄さんの手によって命を吹き込まれるのを待っているかのようだ。

工房では、中田も茶杓作りを体験させて頂いた。茶杓の曲がった部分は、水につけておいた竹をランプで熱して角度をつける。さらに、削りの作業では、硬い竹に負けない鋭い刃物を使っての作業となった。
お弟子さんにもフォローしていたき、集中して削っていると、一部分を削りすぎてしまった。微妙なバランスをとらなければならないのだ。気を取り直して、2本目に挑戦。

茶杓に表れる人柄

「茶杓はその人の人柄を象徴しますね。豪胆な性格の型は茶杓も太いですし、繊細な型は細い茶杓ですし。中田さんは、やはり茶杓の幅も広めの形はどうでしょう。」黒田正玄さんにアドバイスを頂く。
最初は中田の傍らに立ち、作業を見つめていた正玄さんだったが、少しすると自らも竹を削り始めた。最後には、工房に二人が竹を削る音だけが響いていた。
伝統と技術を受け継ぎ、それを後継に託す。黒田正玄という名には、400年の歴史と伝統が息づいているのである。

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日本文化を代表する逸品“京扇子”「宮脇賣扇庵」／京都府京都市 – NIHONMONO 京扇子の原型とは 「宮脇賣扇庵」は、京扇子を販売する工房。京扇子の原型は、東寺の仏像の腕のなかから発見された最

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京扇子の原型とは

「宮脇賣扇庵」は、京扇子を販売する工房。京扇子の原型は、東寺の仏像の腕のなかから発見された最古の桧扇だ。薄い桧の板を重ねて綴り合せたもので、877年の作と言われる。その後、竹と紙で作った紙扇が作られ、さらに時代が下って現在と同じものがつくられるようになったという。
京扇子は暑さをしのぐためのうちわとして使われるだけでなく、能や狂言、舞踏、茶の席、香の席など、さまざまな場面で使われてきた。それに応じるようにして、描かれる絵や文様、デザインなどが多種多様に発展し、さまざまな京扇子が作られるようになった。
フランス・ブルボン王朝の時代の貴婦人がふさふさの扇子を使っているシーンをマンガなどで見かけたことはないだろうか？じつは、もともと13世紀ごろに日本から中国に伝わった扇子が、シルクロードを経てヨーロッパに伝わったものだという説もある。
のちにそれは逆輸入され、絹扇として日本でも人気を博すことになるが、意外にもこんなに早い段階から日本文化は海外にも影響を与えていたのだ。

扇作りの繊細さを知る

中田は、扇作り職人 寺村さんの作業場にお邪魔させていただいた。寺村さんは扇作りの最後の仕上げを担当されている。扇の紙に芯を差し込む作業を体験させて頂くがコツを掴むのは難しく少しずれてしまう。結局、寺村さんに最後まで扇を作りあげていただきながらお話を伺った。
「扇作りは約30工程があり、どの工程にも専門の職人がいます。扇はお米を育てるのと同じほどに手をかけて作っているんです。」
一日に仕上げる数は約400本。最後の工程は製品の最終チェックまでも求められるのだという。この精密な作業の積み重ねが扇を生み出すのだ。

日本文化に彩りをそえる京扇子

1824年に創業し、180年以上も扇を作り続けてきた宮脇賣扇庵。店内には扇の数々と並んで、名だたる名日本画家の絵や書、掛け軸などがあり、これもまた見どころである。扇が様々な文化に彩りをそえてきた歴史を垣間見ることができる。

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