古きよき日本の旅館を現代に

神奈川県と静岡県のちょうど県境に位置する湯河原町。日当たりの良い斜面にはみかん畑がのぞき、箱根山麓から続く千歳川が温泉街の坂道を軽やかに下り町の中を通って相模湾へ流れ出る。この地特有のゆったりとした風情は長きに渡り人々を癒してきた。古くは万葉集にも湯河原温泉にまつわる歌が残されており、近代には日本文学史に燦然と輝く文豪たちに愛され、数々の作品が執筆された温泉街なのだ。

今回訪れたのは、温泉街から少し山あいを登った中腹にある旅館「石葉」。
先々代が所有していたという菜園や別荘を基本とした空間は、まるで個人邸に遊びにきたような、おおらかな雰囲気が客人を迎える。
館内には地元の作家を中心とした作品を設え、古美術からモダンアートまで季節に合った美術品が彩りを添えている。全9室の客室は、洗練された様式美とともに、思わず深呼吸をしてしまうような落ち着きがあり、古きよき日本を感じる旅館として人気を集めているのだ。

土地に根差したおもてなし

地元の農家で収穫した野菜や、漁港で水揚げされた食材を味わうことができる御料理も魅力のひとつ。春は山菜、夏は鰺や磯の魚に鮑、秋はイセエビ、小田原の大根と季節ごとに手に入る豊富な食材。その味を引き出す伝統的な調理方法を大切に、一品一品、記憶に残る料理を創りたいと力を入れているのだ。

また嬉しいのは、旅館ならではの朝食だ。地元で獲れた柑橘類を絞ったジュースに、季節の干物や野菜のおひたしなど身体をいたわる絶妙なメニューを一日の始まりに頂くことができる。
そして、露天風呂から見渡す山々はどこまでも深く美しい風景を見せてくれる。ゆっくりと温泉に浸かり、マッサージを受けて芯からリラックスする。近隣の山を歩き、自然散策を楽しむ。心地よいこの時間を満喫するには、少なくとも2泊程度滞在したい。そう、思わず感じてしまう旅館なのだ。

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一夜城を背に相模湾を見下ろす畑

ときは戦国時代、場所は神奈川、小田原。秀吉は難攻不落の小田原城攻略のために、石垣山城を築いた。小田原側の北条氏からは見えないように築城をし、一晩で現れたかのように見えたことで、その城を一夜城と呼んだ。
と、歴史小説風に始めてみたが、今回見学に行ったのはその一夜城の丘陵に広がる畑。ここは、パティシエの鎧塚俊彦さんが2011年にオープンした農園とレストランの複合施設「一夜城ヨロイヅカ・ファーム」。
鎧塚さんは、ヨーロッパで料理人として修行をし、パティシエとして活躍した後に日本に戻り、恵比寿の「Toshi Yoroizuka」をはじめとしたお店を次々と成功させている有名パティシエだ。その鎧塚さんが自らの畑を作ることになったのはなぜだろう？

農業と料理人

もともと素材を探すために日本中を旅していた鎧塚さん。その旅で見つけたのは、おいしい素材と“農家の現状”だったという。人手不足、跡継ぎ不足も現状のひとつ。ほかにも作り手に厳しい市場体制もそのひとつ。

「例えばみかん」と鎧塚さんはいう。
「皮に傷が付いただけでも出荷が困難になってしまうんですよ。でも味がそれほど落ちるわけじゃない。だからそれに合わせて、生食用に出荷できないもので、酸味のきついものはジャムなどの加工品にするといったことをやっていかないと農家の状況はますます厳しくなるんです」

そういう現状を憂慮したが、考えているだけでは始まらない。やってみないといけないということで始めたのがこの農園ということなのだ。

地元農家とともに

とはいえ、農園は一夜にしてできるわけではない。スタッフも鎧塚さんも農家としては素人。自分たちだけで、すべてができるわけではないので、地域の人たちが定期的に来て、その方たちに教わりながら作業を進めている。
「同時に、人材育成も大事だと思うんです。僕のところで働くパティシエは100人くらいいます。でも“パティシエ”というのは人間性のごく一部ですよね。農家の方たちと一緒に作業することで、私たち自身、人として得るものがあるのではないかと考えます。」
斜面に広がる畑は、まだ完全に農地としてできあがっているわけではないが、ここにあれを植えたい、もっとこれを作りたいと熱意をもって話してくれた。
現在はレストランも併設されて、たくさんの人が訪れるヨロイヅカ・ファーム。渋谷ヒカリエにも「Yoroizuka farm Tokyo」を出店し、その土地のその季節にしか採れない作物を売り出し、農業の活性化と美味しい料理を結ぶ挑戦を進めている。

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魔法のように変化するガラス

ガラス工芸作家の高橋禎彦（よしひこ）さん。ドイツのガラス工房で仕事をし、海外でも個展を開くなど、世界的に知られる作家だ。1985年から制作の拠点にしている工房で、高橋さんの制作方法を実際に見せていただいた。
中田に説明しながら、高橋さんの手が動く。塊だったガラスはみるみるうちに形をかえていく。ガラスを吹いて膨らませていたのは、丸みをつけるときだけ。あとは、「重さで伸ばすんです」といって、ガラスの付いた吹き竿を下向きに振る。すると溶けたガラスは遠心力を受け、伸びるように形を変えていく。また、飲み口を開く方法も道具を使わず、吹き竿を回し遠心力に任せるのだ。ガラスの温度、やわらかさ、重力、遠心力を感じながら形を作る。まるで、魔法のようにガラスに形をつけていく姿が印象的だった。

「いま、ガラスの加工というのはあらゆる道具を使うことができるんです。とても便利な道具。だたね、その道具を使う理由を考えたけど納得できる答えが出なかった。それで、自分の中にルールを決めたんです。」と語る。そのルールとは、吹き竿を使うこと、溶かすこと。このルールの中で制作するということだった。「例えばね、コップの底は削って仕上げることが多い。でも、自分はできる限り削りたくないことに気がついた。だから削るのもやめました」その言葉のとおり、高橋さんのガラスは柔らかなたわみと、つるりとしたその肌の質感が目に鮮やかだった。

ガラスの”頃合い”を体験する

そして次は中田の番。「はい」と言って手渡された吹き竿を火に入れる。それを取り出して、「頃合いを見て、息を吹きましょう」と高橋さん。「え、頃合いって、どんな!?」と中田がひるんでいると、「いま、いま」と高橋さん。「うん、いいかんじです、じゃあ、振り子みたいに振ってみてください」。言われたとおりに振るとどんどんとガラスが伸びてコップの形に近づいていく。万事がそんなふうに作業が進む。吹き竿を回し続ける中田と、ガラスの温度に気を配る高橋さん。作業を見ているだけではわからない、ガラスという素材の動きや面白さを体験することができた。こうして仕上がったのは大きなコップ。実は、高橋さんがいま最も多く作っているのがガラスのコップなのだ。

ガラスのコップをつくること

「この前たまたま糸井重里さんの事務所と仕事をすることになって、毎日の生活で使うコップばかりで展示をやらないか、ということになり、それをウエブで紹介していただきました。コップのようにじかに触るものは、手で触る、口でも触る、だからいろんなことがじかにわかってしまいます。ある意味ほんとうに敷居が高くて難しい世界です。そんなことがあって、最近はコップばかり作っています。」

これは意外な言葉だ。「敷居が高い」「わかっちゃう」。たしかに、口にするコップは、飲み口が分厚い、薄いという一点だけでもどうにも気になる。
美術品では感じられないこと、それは、物を知るということでもあるのかもしれない。
「どんなコップで飲みたいと思うかは人それぞれだから、ひとつひとつ作るのがいい。町のパン屋みたいに。そういう人との距離感も大事ですね」
「個人オーダーみたいにするのがいいっていうことですか？」
「そう。建築家がそうでしょ。器屋もそうなのかなって思いますね」
長年にわたり、オブジェや独創的な造形を作り出してきた高橋さん。そしていま、ガラスという素材の特性を表情として引き出しながらコップという器を作っている。

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削るというガラス表現ガラス工芸作家·馬越寿さん ／神奈川県相模原市 – NIHONMONO 細部へのこだわったガラス 馬越寿（うまこしやすし）さんのガラス作品の最大の特徴は”細部へのこだわり”だ。それは

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小さなトンボ玉にこめられた美しさ「ガラス工芸作家 内田敏樹」／神奈川県厚木市 – NIHONMONO ガラスのなかに絵を描く 厚木グラススタジオは、さまざまなガラス作品を制作している工房。また、ガラスの楽しさを知

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日本開国の最先端　横浜

神奈川県横浜市は1859年7月1日、日米修好通商条約を受けて日本開国の第一歩として開港した港町だ。アイスクリーム、ジャズ、ファッション、あらゆる文化が押し寄せ日本が急速に近代化していった時代において、横浜はまさにその当事者だった。芸術の分野にも大きな変化が起こる。海外から商船が入港すると多くの外国人技術者や芸術家が日本を訪れ、それまで日本にはなかった表現技法がもたらされることになったのだ。

平成元年・1989年に開館した横浜美術館はその歴史背景を一つの特徴としている。（注：2021年3月1日～2024年3月15日の間、大規模改修工事で休館中）

横浜開港の19世紀後半から現代までの西洋美術と日本美術の作品を中心に収蔵し、横浜美術館コレクション展（常設展）として公開している美術館だ。 この日、展示作品を拝見しながら横浜美術館館長の逢坂恵理子さんにお話を伺った。

「ここに今展示している人物画は、西洋画の油絵の影響を受けているんです。“遠近法”を用いた描き方も、海外から伝わってきたと考えられます。それまでの日本画にはない表現技法で描かれるようになったのですね」 日本人は西洋絵画を知り、また海外の芸術家も日本の影響を受けた、その一端を垣間見ることができる展示内容だ。 今回訪れたコレクション展は年3回程展示替があるという。このほか、企画展を年4回程度開催している。中でも現代芸術を取り上げる企画展では大胆に若手芸術家を取り上げ、大規模個展を開催するなど、独自の視点で展覧会を行っているのだという。（注：訪問したのは2012年3月中旬。最新の展覧会内容は美術館のＨＰからご確認ください。　注2 : 左写真　撮影 笠木靖之）

写真の発展を見つめる

実は、横浜は写真とも深い関係を持つ場所だ。江戸時代末期の日本には、長崎の出島に出入りするオランダの商船から写真の技術が伝えられていたが、街に写真館が始めて誕生したのは横浜だった。横浜美術館では、写真文化の発展とその芸術性に着目し、写真のコレクションにも力を入れている。写真専門の展示室を設けているのが特徴的だ。 取材の際には、今から約100年前の神奈川県内の名所を外国人写真家が撮影した写真が展示されていた。ただの写真ではない、モノクロ写真の上から絵の具で着彩が施され、一見すると絵のようにも見える写真だ。まだカラー写真がない時代にも、風景の色彩を残したいという意図があったのかもしれない。 写真創成期から、現代芸術としての写真までを収蔵・展示し、写真作品の持つ魅力を紹介しているのだ。

芸術に触れる心地よい場所「アトリエ」

横浜美術館はもうひとつの顔を持つ。中田が見学させていただいたのは、「市民のアトリエ」と「子どものアトリエ」。高い天井と白い壁が心地よい広々とした「市民のアトリエ」の作業スペースは、市民が創作活動を行うことができる。個人ではなかなか持つことができない制作設備が用意されており、版画、絵画、彫刻、陶芸など様々なジャンルに対応しているという。アトリエには指導員が在籍しており技術指導を受けることもできるのだが、年間を通して、アーティストの方を招いて創作ワークショップが開催されている。また、ダイナミックは活動ができる多目的なスペースを有する「子どものアトリエ」では、様々なワークショップを開催。
案内してくれた、創造支援担当グループ長の関淳一さんから、こんなエピソードも。「開館以来23年近くアトリエを開いているので、むかし参加していた子どもが大人になり、自分の子どもと一緒にまた参加するという方もいらっしゃいました」
作品を鑑賞するだけでなく、体験することも大切。積極的に文化を育む美術館として、多くの人に親しまれているのだ。

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時代を創造する作品と出会う「川崎市岡本太郎美術館」／神奈川県川崎市 – NIHONMONO 芸術家 岡本太郎 「芸術は爆発だ！」この言葉を残したのは、芸術家として世界的にも、そしてお茶の間にも知られる岡

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芸術家 岡本太郎

「芸術は爆発だ！」この言葉を残したのは、芸術家として世界的にも、そしてお茶の間にも知られる岡本太郎だ。
岡本は1911年に母の実家がある神奈川県川崎市に生まれた。父 岡本一平は著名な漫画家、母 岡本かの子は歌人であり小説家という感性豊かな両親のもとに育つ。東京美術学校に在学していた18歳から10年間をフランスで過ごし、20代は欧州のシュルレアリスム運動や前衛芸術に触れ積極的に作品を発表していく。日本に帰国し31歳の時には第二次世界大戦への徴兵を受け戦線に立った。そして戦後、激動の時代と呼ばれる時のなかで数々の芸術作品を発表する。

大阪万博のモニュメントとして有名な「太陽の塔」、時を同じくして制作され、現在は渋谷駅の構内に展示されている「明日の神話」など巨大な建造物や絵画の数々。また縄文時代の文化を再評価する芸術論を展開し、人間の持つ生命力と創造性を訴え、その表現に挑み続けた。コマーシャルやテレビ番組にも登場し、独自の奇抜な発想はテレビを通して多くの人に「岡本太郎」という存在を知らしめることになった。1996年にこの世を去った芸術家 岡本太郎の作品を展示する美術館を今回中田が訪れた。

川崎市岡本太郎美術館

川崎市にある生田緑地は広大な敷地の中に数々の文化施設が点在する都市公園。その中に建つ「川崎市岡本太郎美術館」は、1999年に開館し、芸術家 岡本太郎の作品を収蔵・展示する美術館だ。岡本が80歳のとき、自身の作品を川崎市に寄贈したことから、その作品を後世に残し人々が鑑賞することかできる施設として設立された。収蔵されている作品は絵画、造形作品、写真など1700点を超え、常設展示室では岡本太郎の作品を年に4回展示替えをしている。

中田はひとつひとつの作品の前で解説を伺うことができた。「岡本太郎さんは、”侘び寂び”が好きではなかったのです。「日本には、それよりはるか昔に縄文という時代があったんだ！」と言っていました」絵画から感じられる力強さに、思わず引き込まれるようだと中田。
「座ることを拒否する椅子」という造形作品は、実際に座ってみることができるのだが…。「座るところが、顔になってる」「そうなんです。太郎さんは、「椅子というのは座りやすいような形をしているがそれは人間に媚びている！」と言って、この椅子を作ったんですね」椅子には目や口のようなものがあり、その姿はどこか愛嬌も感じられる。この他にも、美術館のシンボルタワーになってる「母の塔」をはじめ、数々の作品を目にすることができるのだ。

これからの芸術に向けて

企画展示室では岡本の作品のみならず、多くの芸術家の作品展が企画され展示が行われている。取材の際は、美術館にとって年に一度の大きなイベントともいえる「岡本太郎現代芸術賞展」が開催されていた。生前に岡本が著書の中で残した「時代を創造するものは誰か」という問いかけをコンセプトとして、プロ・アマチュアを問わずあらゆる創作活動を行う人々が応募できる公募展だ。従来の常識にとらわれず、自由な発想を持った芸術家たちが作品を発表するこの公募展は、現代芸術家の登竜門としても知られている。これからの時代を担う芸術家たちの作品もまた、実に独創的なものばかりだった。
豊かな自然に囲まれた「川崎市岡本太郎美術館」は岡本太郎の作品や多彩な芸術作品と出会うことができる。是非、足を運んでみてはいかがだろう。

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世代を超えて楽しめるドラえもん「藤子・F・不二雄ミュージアム」／神奈川県川崎市 – NIHONMONO ドラえもんの生みの親 ” 藤子・F・不二雄” 知らない人はいないといっても過言ではないほど、超超超国民的漫画「

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沖縄に伝わる技法“紅型染”

紅型染め（びんがたぞめ）というものをご存知だろうか。黄色、水色、赤、沖縄の風土を想わせる鮮やかな色を用い、琉球王朝時代は王族や貴族の衣装として染められていたという沖縄の伝統的な型絵染だ。
代々王朝に遣える士族が作り続けてきた紅型染めだが、薩摩藩の進出や明治の廃藩置県など、沖縄の変革期を迎えしだいに衰退していく。そして沖縄の戦火のなか伝統の紋様を残す型紙までもが焼け出されてしまったのだ。

その窮地を救ったのが、沖縄首里城の再建にも貢献し、後に重要無形文化財にも認定された故・鎌倉芳太郎氏だ。もともと美術史の研究家だった鎌倉氏が収集していた紅型染めの型紙が、戦禍を逃れ東京の美術学校に保存されていたのだ。

幻の“おぼろ型染”を伝承する

その鎌倉氏に師事していたのが、今回お話を伺った篠原晃代さんだった。
戦後、鎌倉氏は保管していた型紙を沖縄に戻し、紅型染めの重要な技法のひとつである“おぼろ型染”を復元していく。こうして鎌倉氏のもとで晃代さんは紅型染めに関わることになり、現在にその技法を受け継いだのだ。

おぼろ型染めという技法は、２枚、３枚の型紙を使い、複数回染めを重ねる技法。同じ工程を繰り返し行う必要があるため、手間と時間はもちろん多くなるのだが、複雑な文様や色合いを作り出すことができるようになるのだという。

「おぼろ型のことを、（沖縄の言葉で）“うぶる”って言うんですよ。」と晃代さん。最近では作業をされることは少なくなったというが、お話の端々から、おぼろ型染への情熱が感じられた。

おぼろ型染めによる柔らかさ

御自宅の工房では、晃代さんの義理の娘さんの優子さんもいっしょにお仕事をされてきた。優子さんはもともと美術史に興味があり、またお茶をたしなむことから着物を着る機会も多かったので、染め物に興味を持っていたという。それで結婚を機に晃代さんに紅型染めを習い、ともにお仕事をするようになったそうだ。
現在では、晃代さんに代わり優子さんご自身が作家としておぼろ型染の作品を発表している。おぼろ型染の技法を用いてその紋様の中に数え切れない色を染め抜いているが、全体的にはどこか涼やかで柔らかな雰囲気が漂う着物だ。
沖縄に古くから伝わるおぼろ型染の技術。その技法を残した鎌倉氏。その方を師とした晃代さん。そして晃代さんから優子さんへとまた受け継がれていくのだ。

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自分の求める器を探す旅

中島克童さんが陶芸を志したのは高校生の頃。東京目黒区にある民芸館で見た李朝の陶器に、ほのぼのとした懐かしさを感じて興味を持ったのだという。

日本で朝鮮式の登り窯を残す陶磁器の産地といえば、山口県の萩。「ならば萩焼を学びに行こう」と決意するが、せっかくなので行く途中で西日本全部を回ってみてみようと思い立ち、車にのりこみ、全国を旅したという。瀬戸から滋賀、京都を経て九州に。その旅を経て、当初の目的だった萩へ。

実際に師匠の元で技術を学ぶと、現在の萩焼は自分の求めていた李朝の器とはまた違うものだと感じた。そこで、次は古くからの日本の陶芸を体験してみようと、萩を出て、滋賀県の信楽焼の窯で仕事をすることにした。

朝鮮半島式の登り窯を持つ

「信楽では昔は生活の道具を焼いていた。つまりここでも茶道のものが多かった。それも違うな。手の中でいろいろといつくしむというか、五感で楽しむものが作りたい」そう感じた中島さんは、五感で楽しむとなると生活食器だろうと思い立ち、伊賀に移ってさらに修行を積んだ。長い旅路だったが、そのすべてが身になっているという。そして1984年、30歳のときに、神奈川へ移り住み、登り窯を築いた。
「やはり最終的には、李朝のものでもない、萩でも、信楽でも、伊賀でもない、自分の器を焼きたいと思っていました。ただ、きっかけは李朝だったので、窯だけは登り窯を作ろう！と。」こうして、中島さんがこだわった朝鮮半島式の登り窯で現在も作陶を行っている。

登り窯と釉薬

その登り窯がもたらしてくれるのが器にあわられる豊かな色合いの変化だ。登り窯にくべた松の木の灰は器にかけた釉薬と合わさり、1200℃を越える炎の中でガラス質に変化し、さまざまに色づく。
「私の中で、陶芸の大きな魅力になっているのが、釉薬の具合なんです。」そう語りながら、大皿の作品を見せていただく。何重も輪を描いたような大皿の中心には、深い飴色のグラデーションが残る。
「成型するときに、この表面は凹凸があるんです。その上に釉薬を乗せて焼く。そして、釉薬がくぼみに溜まることでこの色が出るんです」こうした釉薬の“たまり“を生かした作品は、少しずつ進化し、釉薬の量や配合の研究を重ねているという。
「灰釉がもたらしてくれる透明感を通して、土の色が温かさを伝えてくるんです」という中島さん。自らが高校生のときにかんじた、ゆったり、ほのぼのとした温かみのある陶器。その器を目指して中島さんは日々作陶にあたっている。

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陶芸の魅力を感じる器「陶芸家」百田輝さん·林亜美さん／神奈川県小田原市 – NIHONMONO 力強さと繊細さの陶芸 陶芸家の百田輝（ももだひかる）さんと陶芸家の林亜美（はやしつぐみ）さん、おふたりが制作を

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ファンシーでポップな「磁器」陶芸家·大槻智子さん／神奈川県横浜市 – NIHONMONO 砂糖菓子のような磁器 「砂糖菓子のようで、今まで見たことない磁器だなって」。そう中田が感想をこぼした作品は、陶

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砂糖菓子のような磁器

「砂糖菓子のようで、今まで見たことない磁器だなって」。そう中田が感想をこぼした作品は、陶芸家の大槻智子さんの手によるもの。作品は器からランプシェード、オブジェまで幅広いものを制作しているが、どれも共通してピンクなどのパステルカラーが多用された作品が多い。また、小さく作ったデコレーションが配されていることや、印花と呼ばれる型押しで作る模様もファンシーさを感じさせる。そのポップで独特な感覚が人気を呼び、注目を集めている作家だ。
中田が「砂糖菓子みたい」と表現したわけは、このデコレーションと配色に加えて、もうひとつ理由がある。それが透明感だ。土にガラス質の粉を混ぜ込むことで、表面の透明感がアップするという。その透明感をまとった姿が、何ともいえず美しく、かわいらしい。

OLから陶芸家への転身

大槻さんは美大や芸術学校で専門に陶芸を学んだ人ではない。
しかも前職は会社員。在職中に貯金をして、１年間毎日陶芸教室に通ったという。その１年を終えた時に、もっと本格的に陶芸の道を進みたいと、先生に弟子入りを頼んだところ、答えは「やめておいたほうがいい」だったそう。学校で正式に学んできたわけでもないので、これからの道は他の人よりもかなり厳しいと一度は断られたというのだ。

それでも、諦めきれずに「どんなことでもいい。お金もいらないからお手伝いをさせてくれませんか」と頼んだところ、ようやく了解を得た。熱意が人を動かした瞬間だ。
それから「厳しい」と言われた道を進み続けて、現在のように注目される陶芸作家にまでなったというわけだ。

ファンシーなモチーフのデザインはどこから？

どっぷりと陶芸作家の道を歩んできた人ではないからこそ、醸し出すことのできるのがこのファンシーさかもしれない。
中田が「このモチーフはどこから発想を得ているんですか？」と聞くと面白い答えが返ってきた。それは「写真」。
「何というか、ケーキの写真が好きなんですよ。そこから着想を。ほかにも花や草木の写真が好きでよく見ます。そういったところからアイディアが浮かんでくるんです」ケーキの写真から陶芸作品に。その発想の面白さが大槻さんの大きな魅力なのだ。

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細部へのこだわったガラス

馬越寿（うまこしやすし）さんのガラス作品の最大の特徴は”細部へのこだわり”だ。それは、形、色は当然のことながら、肌質まで細部にとことんこだわり抜く。大きなオブジェを制作していたこともあるというが、現在取り組む作品は花器や香水瓶。表面、内側、蓋、細部にまで繊細な美しさを持つ作品だ。工房で作業を見学させていただくと、精巧に作り込まれていく作品はガラスという素材の持つ表現の幅広さを感じさせてくれるようだった。

馬越さんの繊細な造形は「コールドワーク」という技法を多用している。つまり固まった状態のガラスを削る作業だ。吹きガラスに代表される「ホットワーク」で基本的な形をつくり、一度冷やした後に、さらに”削る”加工を加えて自身の世界観に近づけていく。
粒状の研磨剤を噴射してガラスを削るサンドブラストと呼ばれる技法もそのひとつ。実際にガラスを削ってみせてもらうと、「こんなに砂で削れるんだ。意外と、ガラスって強くないんですね…」と中田。切子や表面研磨とはまた異なり、削った後の表面にぼかしが残る。変化を見極め時間を掛けて、少しづつ形を変化させるのだ。

ガラスの偶発性も大切なかたち

馬越さんの特徴は表面の質感にも現れる。見せていただいた作品のなかで、中田が興味をもったのは、霜のようなざらざらとした質感のもの。それを可能にしているのがグルーチップという技法だ。手で彫って作り出した凹凸ではなく、自然の偶発性が作り出した表面の小さな割れとでも言おうか。グルーチップという技法のグルーは糊のこと。表面の下地をサンドブラストにしておいて、その上にニカワを塗るのだという。
「乾燥させると、表面のニカワが縮みます。それが限界を超えると、はぜるんです。そのときにガラスの表面もニカワと一緒に剥がれます。だからコントロールはできない。自然の偶発性が生んだ凹凸なんです」
「海外の窓ガラスでよく見るような気がしますね」
「そうですね、もともとは板ガラスに施されていた技法なんです。立体物にそれを利用してみようと思ったんですよ」

質感が生まれる

また、作品の表面にエナメル絵付けをする作品にも取り組む。ガラスの表面にエナメル塗料を塗り、高温で焼き付けるのだ。白いエナメルはやや不透明で艶やかな質感をその表面に残し、独特の表情が生まれるのだった。
直線に掘り込んだへこみにエナメルを埋める作業をしながら、ふと、ガラスと光の話になった。
「ガラス作品は、光のあたりかたですごく見え方が変わりますよね？」と中田。「そうですね、ガラスは光を見ているようなもの、とも言えますからね」と馬越さん。表面の質感や造形が美しい馬越さんの作品。しかし、表面の質感は光を受けたときにまた、にじみ出る別の表情があるように感じられた。
削ることで自分の思った表現に近づけていく。そのガラスの変化を受け入れ、発見を繰り返しながら、新しい作品を作り出していくのだ。

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オーダーメイドの「ガラスコップ」ガラス工芸作家·高橋禎彦さん／神奈川県相模原市 – NIHONMONO 魔法のように変化するガラス ガラス工芸作家の高橋禎彦（よしひこ）さん。ドイツのガラス工房で仕事をし、海外でも個

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本当においしい日本酒やワインを売る

四代目の君嶋哲至さん自らが、日本全国、世界中を回り、美味しいお酒を舌で見つけてくる。そうやって自らの舌と目で選んだおいしい酒やワインを販売し、人気を呼んでいる酒販店が横浜君嶋屋だ。

君嶋さんの“知識”と“目利き”はワインの本場でも数々の称号を受け、飲食店やホテルからも信頼されるお酒のセレクターとして活躍している。また、日本酒の蔵元たちとともにロンドン、パリ、ニューヨークなどで日本酒セミナーや各種イベントを行うなど、日本酒を国内外に向けて紹介し酒造業界の発展にも積極的に務めているのだ。

立ち飲みできる酒屋からの変身

しかし、1892年から続く老舗酒販店の横浜君嶋屋は、君嶋さんが社長として就任するまでは、現在と営業スタイルがまったく違うものだったという。もともとは酒販屋だけれども飲み屋でもある、立ち飲み屋スタイルの酒販店だったという。お酒もいいものばかり置いてあるわけではなかった。しかし、そこを君嶋さんが一念発起して「たとえ無名でも旨い酒を取り扱うセレクトショップ」にしたのだ。

若い世代にSAKEをアピール

取材での面白いやり取りを。

「今後の目標、目的はなんですか？」（中田）
「横浜をロックシティに変えようと思っていましてね」（君嶋さん）
「（笑）いや、その、君嶋屋さんのお仕事としての目標…」（中田）
「はい。君嶋屋の仕事としてのロックシティです」（君嶋さん）

スタッフも何のことやらわからずにいると、チラシを持ち出して君嶋さんが説明を始めた。ロックのライブの話。「ずっと若い世代の人にも日本のいいものを飲んでもらおうと思って考えていたんですよ。そこで思いついたのがロックライブ。ライブハウスってワンコインでお酒を頼むじゃないですか。あのお酒を安いものでなく、君嶋屋の酒に変えて出しているんです」

MADE IN JAPANをテーマに、若い世代にいいもの、うまいものを提供する。それが横浜ロックシティ計画なのだ。そんなふうに独自の感性で、とにかくいいものをみんなと分かち合いたいという想いを抱いているのだ。

お酒好きのふたりがワインを語る

いいものを分かち合う。それは取材で十分に伺えた。というのも、何本ものワインをその場で開けてくれたのだ。なかには「こんな機会でもないと開けないから」という希少なものまであった。そして自分が一口。もちろん中田にもすすめる。そのすすめ方がまた酒好きそのもの。
「黄色っぽい色をしてますよね。かなり熟成されてるんですけど、なかなかこういう風にはならないんだよな。シャルドネの感じがはっきり出てますよね。これは日本産のものではなかなかお目にかかれない」と常にこんなふう。
中田も「たしかに、これはすごい。香りもすごいし、でも味はさっぱりしてる」と受ける。「北海道にね、本当においしいのがあるんですよ」。「うん、たしかに、これはいい」。いやでもね、これはもうちょっと前のほうがよかったかな。熟成が甘いかな…。
とこんなふうに、お酒の好きなふたりは取材ということも忘れて、途中からはお酒談義に盛り上がる。最後は、ただただ、本当にお酒が好きだからこそ成り立った取材だったのだ。

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