アユ漁の伝統「小瀬鵜飼」

鵜飼とは、鵜匠が舟の上から手綱を引いて鵜をあやつり、アユなどの川魚をとる漁法。川にもぐって、つかまえた魚を喉にためる鵜の習性を利用する。水面を照らすかがり火に、アユがびっくりして動きだしところを鵜が飲み込んで捕らえる。ここちよい川風が吹く闇夜の静寂の中、伝統装束をまとった鵜匠が、パチパチと音をたてて燃えるかがり火を灯した舟と、鵜をあやつりアユを捕えていく姿は、正に幻想的だ。

その歴史は古く、日本では1,300年前から受け継がれており、現在も愛媛県や大分県など全国11か所で行われている。中でも岐阜県関市の「小瀬鵜飼」と岐阜県岐阜市の「長良川鵜飼」は皇室保護のもと行われ、9人の鵜匠が宮内庁式部職鵜匠の肩書として伝統を受け継いでいる。また、2015年には日本で初めて「長良川の鵜飼漁の技術」が国の重要無形民俗文化財に指定されている。小瀬鵜飼を継承する足立家18代目の鵜匠・足立陽一郎さん。毎年５月11日から10月15日までの鵜飼開き期間に鵜匠として活動するかたわら、市の有形文化財でもある築300余年の古民家で旅館「鵜の家 足立」を営んでいる。「夏の鵜飼が終わったら、翌年に備えて鵜の世話を毎日します。鵜飼は漁を指すだけでなく、鵜を養うという意味での鵜養（うかい）でもあるんです。僕しか鵜の面倒を見ることはできないので、1日たりとも休むことはできません。」（足立さん）鵜飼の鵜は野生で育った鵜を捕まえてくるため、はじめは警戒心から餌を食べなかったり、噛みついたりして抵抗をする。それを毎日世話をし、安心させる事でようやく慣れてくる。慣れた人間からしか餌を食べない為、鵜匠に休日は無く旅行に出掛けることもできないのだそうだ。

代々受け継ぐ「宮内庁式部職」の鵜匠

また「宮内庁式部職」の鵜匠は男系男子の世襲制であるため、生まれた時から職業が決まっていて、小さい頃は職業への葛藤や他の仕事への憧れもあったのだそう。27歳の時に覚悟を決めて跡を継いだが、テレビで見る鵜匠の姿のような華やかな仕事ばかりではなく、やってみたら結構地味だったと笑う。「アユをとる方法は他にもあると思いますが、なぜ鵜飼が続いているのでしょうか」（中田）。「最も漁の効率が良く、捕ったアユの味も良いからです。一羽の鵜が何匹ものアユを喉にためることができますし、するどい口ばしを使って一瞬で川魚を捕えるため鮮度が抜群。また、煮物などを作るときには鵜のかんだ跡から味がしみ込んで美味しいんですよ」（足立さん）
観光客向けのパフォーマンスのように思われがちだが、実は1300年の歴史が裏付ける合理的な理由があるのだ。

風情のある母屋の中には「御用」と描かれた箱があり、中には提灯が収められている。江戸時代から昭和にかけて支給されたものが、いくつか並んでいる。当時は鵜飼船にこの提灯をかざして、朝廷や幕府、政府のお墨付きを得て漁を行っていることを示してきた。「鵜飼はそうした後ろ盾が無いと続けられないため、その時代ごとのパトロンに助けられて存続してきました」（足立さん）昔から水というものは人々にとって重要な存在だったため、川の流れをめぐって農民などと争いが起こることもあった。その様な折にも公家などの後ろ盾がある事で、鵜飼は特別な役割である事を認められ護られてきたのだという。現在、足立さんは宮内庁式部職鵜匠（国家公務員）として、禁漁区である御料場にて皇室に納める“御料鵜飼”を年に8回行い、伝統の灯を守る。「かがり火の勢いがあると火の粉がかなり熱いんですが、暗闇の中に灯る火が大きいと鮎も捕れるし、見た目にも風情が出て観光客の歓声も大きいので手応えを感じますね。だから、かがり火は鵜飼の命」（足立さん）
松尾芭蕉は「おもしろうてやがて悲しき鵜舟かな」と句を詠み、足立さんは「消えていくものであれば消え、続いていくものであれば続く」とつぶやいた。心に火を灯す鵜匠がいる限り、幽玄な伝統文化は絶えない。

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裏千家は最大の流派

鈴木大拙館にて、中田を裏千家の奈良宗久さん（今日庵　業躰　教授方）がお茶会に招いてくれた。裏千家は茶道流派の一つで茶道諸流派中最大の流派。奈良さんは、裏千家の指導者として、京都と金沢、さらに地方の支部を回りながら、日々、指導にあたり、また自身の研鑽に努めている。この夜の茶会では、中田のために、お茶の道具は地元の石川県の作家のものを集めていただいた。抹茶を入れてある茶器、美しい棗（なつめ）は彦十蒔絵の漆芸家、若宮隆志さんのものだ。

心静かに、お茶と器を楽しむ

閑静な空間の中でお茶をたてる音だけが聴こえる。中田が奈良さんに「最近は作陶（陶磁器を製作すること）していますか」と尋ねると、「作り手さんの気持ちを知りたいので、作りたいと思っている」と奈良さん。この夜は、先日の個展で発表したばかりという十代　大樋長左衛門の抹茶碗でお茶をたててくれた。色の違う釉薬を掛け分ける、掛け分けという技法が用いられており、斬新なデザインが目を引く。

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規模の大きいひがし茶屋街

金沢市には３つの茶屋街、ひがし茶屋街、にし茶屋街、主計町（かずえまち）茶屋街が残り、古き時代の風情を伝えている。ひがし茶屋街は最も規模が大きな茶屋街で、石畳の道の両側に紅殻格子のお茶屋が並び、重要伝統的建造物群保存地区にも指定されている。日中は観光客で賑わうこの区画も、夜は人通りもまばらに街灯だけが街の明かりとなり、歴史的な風情が一層色濃くなる。中田は着物と袴という出で立ち。「まるで時を越えている。映画のセットのようだ」と言いながら、石畳を進んで行く。

ひがし茶屋街「春の屋」でお座敷遊び

中田が向かった先は、ひがし茶屋街にある春の屋。女将さんが出迎えてくれ、お座敷遊びを体験することに。お座敷に通され、3人の芸妓さんにお座敷太鼓を見せてもらう。まずは「竹に雀（たけす）」。太鼓、三味線、唄を合わせ、軽妙にリズム感のある楽曲だ。太鼓芸の中では一番難しい曲とされるという。続いて、「虫送り太鼓」を演奏してもらった。石川には害虫駆除する太鼓があるが、それをお座敷風にアレンジしたもの。一人が立った姿勢でもう一人が座って太鼓を叩く。

お座敷太鼓を体験する

「虫送り太鼓」の演奏の後、芸妓さんに促されて中田もお座敷太鼓に初挑戦した。中田は太鼓の前に座り、中央を叩く。太鼓の打ち方を教えてもらい、4人での演奏を楽しんだ。

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世界各国で琉球芸能を普及する

琉球芸能になくてはならない三線。琉球音階を奏でる三線は代々受け継がれてきた音色だ。中田は琉球古典音楽 安冨祖流の照喜名朝一さんと朝國さん親子の元を訪れた。朝一さんは幼少の頃から三線に親しみ、数々の賞を受賞。25歳の時に古典音楽 安冨祖流師範、宮里晴行に師事し、平成12年、沖縄の芸能部門で初の人間国宝に選ばれた。現在は、息子である師範の朝國さんとともに日本はもちろん世界各国で演奏を行い、琉球芸能の普及に努めている。

沖縄独特の三線の音階

三線と三味線の違いを聞いてみると、「通常はドレミファソラシドの７音階だが、沖縄は５音階。“レ”と”ラ”がなく、　ドミファソシで奏でるのが琉球音階だ。この音階にすれば、すべて琉球の音楽に聞こえる」と朝一さん。実際に中田も三線を弾いてみることにした。右の手でバチを持ち、左手で棹の頭に当てて構える。一音一音の指の位置を教えていただきながら、音階を奏でていく。なかなか難しくはあるものの、琉球音階を体で感じる体験ができた。

お祝の歌“めんそーれー”

この日は三線のお稽古があり、生の琉球音楽を聞かせて頂くことに。指導は朝國さん。楽曲は首里城が出来た時のお祝いのうた「めんそーれー」だ。老若男女の多くの生徒さんとともに演奏が始まり、中田もリズムをとったりしながら、しばしの間、憩いの時間を過ごした。朝國さんに父親から受け継いだ伝統文化に思うことを問いかけると、「必ずしも沖縄の人だからと、琉球音楽を全員がやらなければいけないわけでもない。私は三線の音楽を平和の象徴だと考えている。次世代に受け継ぐために、少しでも皆さんの耳に残していきたい」と語ってくれた。

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沖縄の伝統的な組踊で、女形を極める

琉球古典音楽、琉球古典語、琉球古典舞踊の三要素で構成された沖縄の組踊。中国皇帝の使者をもてなすために生まれ、琉球王朝時代から続く舞踏劇である。琉球王府の役人であった玉城朝薫が1719年に創作し、約300年もの間、受け継がれてきた。お会いしたのは、琉球舞踏宮城本流鳳乃会家元・組踊立方、人間国宝の宮城能鳳さん。組踊の女形で独自の芸風を確立、近年では芸大や国立劇場で多くの若手を指導している。宮城さんは女形の特徴を「歌舞伎の女形と違う点は、女一辺倒ではないこと。色男を演じる和事や、二才踊りなど男踊りも習得する必要がある。お芝居でいう二枚目的なものがないと本当の女形はつとまらない」と説明してくれた。

古典演目「執心鐘入」を鑑賞する

最初に演じられた組踊の演目は「執心鐘入」と「二童敵討」と言われている。「組踊を観たことがない」という中田に、「執心鐘入」の稽古を見せて頂いた。「執心鐘入」は、主人公中城若松に恋をした女性が彼に対する執念のあまり鬼女と化し、襲いかかる物語。しばらくの間、中田も時を忘れたかのように演目を見入っていた。中田は「三線や胡弓など沖縄独特の音も一層興味がかき立てられる」と感想を述べた。

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津軽民謡にかかせない手踊り

吉田兄弟の活躍もあって、津軽の芸能で「津軽○○」というと、すぐに津軽三味線という言葉が浮かぶかもしれない。現在では津軽三味線というと独奏などのイメージもあるかもしれないが、多くは唄の伴奏として演奏されることが多かった。津軽じょんがら節などの津軽民謡で育ってきた芸能だ。
　津軽民謡の特徴は、唄と三味線が織り成す民謡に手踊りといわれる踊りも加わること。津軽三味線をご存知の方はおわかりだろうが、テンポが早い曲が多いため、踊りもゆったりとしたものよりキビキビとした踊りが特徴的だ。

キビキビとした気持ちのいい踊り

津軽民謡のうち、津軽じょんがら節、津軽おはら節、津軽よされ節、津軽あいや節、津軽三下りを津軽五大民謡という。その五大民謡に加えて、それぞれの流派によってオリジナルの民謡があるのだそうだ。そのいくつかある流派のうち津軽民謡石川流の稽古場におじゃまさせていただいた。今回は特別に三味線の奏者の方にも来ていただき、生演奏のもと津軽民謡手踊りを見せていただいた。
　津軽三味線の軽快でテンポの早い音。唄い手さんの華やかな歌声に合わせ、ピシッピシッと踊り手が踊る。舞うというよりも、キビキビとした動きで魅せる踊りだ。思わずその世界に吸い込まれ、最後の動作がピシッと終わったときに、ハッと我にかえる。中田の手からは自然と拍手が起こっていた。

男踊りに挑戦

当日の参加者を見回してみると、そのほとんどが女性。「男性の踊り手さんはいないんですか？」と中田が聞くと、あまり多くはないがいるという。石川流２代目の久美子先生は「男性の踊りというのは女性とはまた違った特別なよさがあるんです」という。その後、男踊りというものも見せていただいた。しぐさ、特に足の見せ方が男性的な踊りだ。「中田さんもやればできますよ」と先生は中田に傘を手渡され、ご指導をいただく。体の動きだけでなく、指先の細かなところまで気をつけなくては、あのキビキビとしたかっこよさは表現できない。中田も四苦八苦しながら、何とか最後の決めポーズまでたどり着いた。
　民謡というのは、その地方で歌い継がれるいわば心の唄。石川流では後進の育成はもちろん、子どもたちにも手踊りを教え、その心を未来へつないでいる。

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重要無形文化財に指定されている河東節

河東節（かとうぶし）は国の重要無形文化財にも団体総合指定されている江戸浄瑠璃の代表的な流派のひとつ。創設されたのは1717年のこと。半太夫節の創始者として知られる江戸半太夫（えどはんだゆう）のもとで修行した江戸太夫河東が十寸見河東（ますみかとう）を名乗って創始したものだ。力強い音と、いなせな語り口は、江戸の庶民に広く愛された。
能や狂言などの芸は京都や大阪、つまり上方で生まれて育ってきた芸能だ。上方では義太夫節とともに一中節という音楽が生まれ、江戸に入ってきた。その流れから常磐津節のような音楽が数多く生まれていく。そして江戸生まれ、江戸育ちの人たちが、江戸に合う浄瑠璃を作った。それが河東節なのだという。河東節三味線の特徴は高い音を多用すること。能などの音楽は「低い音」が基本とされたが、河東節は高い音を響かせるのだ。

高音を響かせる江戸浄瑠璃

「音階のようなものは、甲（カン）、乙（オツ）と表現されました。甲は高い音、乙は低い音。上方の音楽は乙がいいものとされたんです。だから、乙なものという表現があるんですね。ところが、江戸の音楽は高い音が多い。それは武蔵野の野原から作り出した新しい音楽。人がどんどん流入してきて、高い音、高い声でないと通らなかったんですね」古曲会の竹内さんはこう話をしてくれた。
江戸の賑わいの中で人々の感情によく響く音、まさに江戸っ子たちに愛された音楽だ。
上方の義太夫節は太棹の三味線を使い、清元節は中棹、そして河東節では細棹の三味線を使う。撥を見せてもらうと、薄く少し先端に弾力があるものだった。河東節三味線で重要無形文化財保持者（人間国宝）に認定されている山彦千子さんには、実際に、一音一音を聞かせていただくことができた。
「弦を下から撥ですくうように弾く方法も河東節の特徴ですね。少し高くもちあげて、響かせるんです。それから「はぉー」と掛け声をかける、これも特徴」
山彦さんに歌舞伎「助六」の一節を演奏していただくと、その華やかな音が心地よく響いた。

体験してわかる繊細な動き

山彦さんに音の調子を合わせる、いわばチューニングについて聞く。演奏前に棹の糸巻きをキュッキュッと何度も閉めたり緩めたりする作業だ。山彦さんも実際に、何度か弦の調子を整えていた。

「絹糸なので弦の調子は舞台でライトがあたっても、微妙に音が変わってくる。緩んでくるときもある。だから舞台でも整えるものなんですよ」と山彦さん。舞台上でチューニングができないときは、棹にあてる指の位置を微妙に変えるのだという。耳もさることながら、指先の繊細さも要求されるのが三味線なのだ。その難しさを中田は存分に体感することになる。

右の太ももに三味線を載せ、右手でバチを握る。小指だけをバチの裏側に回すのでほとんど力の入らない握り方だ。
「それで右肘をテコの支点にして、糸を叩くんです」と指導を受けるが、三本の糸のうち真ん中の糸がうまく叩けない。そしてもちろん演奏中は、左手はつねに動かさなければいけない。難しさをあらためて感じるが、最後には「やっぱり、実際に触れて音が出ると嬉しいですね」と中田。山彦さんも「そうでしょう」と笑って応えてくれた。
三味線と一言で言っても、流派や地域によって表現も音も大きく異なる。邦楽の奥深さにまたひとつ触れることができた。

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6歳で家元を継承し現代的な生け花を

小原流は19世紀末から続く華道の流派。お話をうかがったのは五世家元の小原宏貴さん。小原さんは1988年生まれの35歳。中田よりも10歳も若い青年だった。お父さんの四世が急逝してしまったこともあり、小原さんは6歳にして家元を継承した。10歳のときに初めて展覧会に出品し、2012年3月に東京・日本橋髙島屋で開催された自身初の個展には、6日間で約45,000人が来場した。

小原さんの作品のなかには、いけばなという言葉のイメージからは想像もつかないようなものもある。数メートルもあるような大きなインスタレーションもあるし、人工的な素材を使ったものもある。その表現は、現代に合わせた伝統の進化形といえるかもしれない。

変わっていく小原流

「小原流の伝統様式は流祖と二世で完成させられた部分があるんです」と小原さんは話す。小原流の特徴のひとつは「盛花」というもの。これは小原流が生み出した感性だ。それまでのいけばなは線の表現がほとんどだった。盛花は口の広い水盤を使うなどして、花をたっぷりと盛るようにいける。そうして面、奥行という表現を可能にしたのだ。
そして、伝統を受け継ぎながらも、変わっていくことの過程があった。お祖父さんにあたる三世家元はシュールレアリスム的な作風を作り上げ、お父さんの四世家元は現代に合うもの、洋風空間にも合う作品に取り組んだ。そして自身は現代アートにも通じる作品を創りあげる。伝統を受け継ぎ、表現の幅を広げるように発展しているのだ。

文化は人をつなげる接着剤

目の前で花をいけてくれる。ハサミを使って枝を切り、空間を作っていく。大事なポイントは「どこかを引くことでどこかを強調する」ことだという。中田は「自分ではまったく考えられない。絶対に、どうしたらいいかって迷って手が止まっちゃうだろうな」といって小原さんの動きに見とれていた。
「自分が考えるいけばなの本質はお花を触ると楽しい、いけると楽しいというところ」と小原さんはいう。「だから現在のライフスタイルに合わせることが大事。昔はお花というと、和装に畳というイメージがあったでしょうけど、現在の教室はテーブルでやることがほとんどです。もちろん教室だから、形式から入りますが、やっぱり本質は自由な表現だと思いますね」そうしていけばな教室に多くの人が集まり、集まった人同士が輪を広げていく。
「人と人がつながる。文化っていうのは、その接着剤だと思うんです」
いけばなをとおして、花や伝統、そして人と出会う。これもまた、いけばなという文化の大きな魅力なのだ。

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大規模な草月流の生け花

「大学で教えた時、学生に生け花ってどんな印象かっていう質問をしたら、”お姑さんの前で正座してするもの”って答えた男子学生がいて、すごくショックでした」
そう笑いながら話すのは、草月流第四代家元の勅使河原茜さん。だが、草月流の生け花はそういうイメージとはまるで違う。拝見させていただいた歴代家元の作品には、大きいオブジェのような作品もあれば、竹を使って舞台を作った作品もあるのだ。
「私たちはこれも生け花として捉えています。父が竹を使い始めて、こういう大規模な作品を作るようになりました。私も沼津の御用邸で竹の舞台を作りました。細く縦に割った竹を編み、クレーンで吊りながら組み立てるというスケールの大きなものでした」
もちろん形式や基本はある。しかし、もっと大切な部分は生ける人の中にある。「自分が生けたいイメージを表現するためにこそ、基本はあると思っています」と勅使河原さんは話す。

自由に変化していくのが生け花

「草月流の特徴は自由に変化すること。花は生け手のおもいで変わるものなんです。見た人に何を感じてほしいのかということで、作品は変わっていくんです」と勅使河原さんは言う。
中田が「生け花を見るときに何を基準に見ればいいかわからないんです」というと、見る人も感性でいいと勅使河原さんは答えてくれた。
「例えば生け手は、パワフルな力を感じてもらいたいと大胆な作品を作る。でも見る人によっては、植物をいじりすぎていてかわいそうと思うかもしれない。どっちが正しいというものではないんです。だから評価は見る人の感性でいいんだと思います」
「ただし」と勅使河原さんは加える。「作品には必ず”生け手”のおもいがないといけない。そうでないと見る人も評価をできない。ただ植物の美しさに頼るだけ、きれいだね、で終わってしまう。評価はそれぞれでいいですが、評価の土壌にのぼるには”自分”を入れないといけないということですね」

目の前で作品が生まれていく

最後に勅使河原さんが生け花のデモンストレーションをしてくれた。今回は２作品。器は自身で作ったものだという。ちなみに先々代は生け花のほかに、自ら書をかき、映画監督でもあった先代は書と陶芸をしていたという。
目の前でひとつの器と植物が変化していく。勅使河原さんは中田に背を向けて立つことはない。「後ろ生け」といって、鑑賞者がすべてを見られるように器の後ろから生けていく。ときにはすばやく、ときには考えるふうにして枝と花が生けられていく。

生け花の最大の魅力

完成した作品を前にして中田が「これは最初からこういうふうにしようと考えているんですか？それともその場で考えていくんでしょうか」と聞いた。
「ある程度のイメージはありますが、植物は生け手の思う通りにばかりはいきません。生け花の面白いところは、生き物としての植物と向き合っていくところなんです。植物が目の前に来た時に、自分の思った枝ぶりと違う、色が違う、それと柔軟に向き合っていくことが生け花の最大の魅力です」
ひとつとして同じ植物はない、生き物としての花と向き合う。そうして人と花とが共演し、ひとつの作品が生まれていくのだ。

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生け花の古典華と自由花

1886年に創流され、2011年で創流125周年を迎えたいけばなの流派のひとつである龍生派。
お話を伺った吉村華洲さんは龍生派の副家元を務める方。もともと建築家として歩んでいたが、もっと空間について学びたいと思い、華道を始めたのがはじまりだったという。そのため空間をとらえた作品の評価も非常に高い。
龍生派に伝わる古典華をいけるかたわら、形式が一切なくどんな表現でも可能な自由花もいける。自由花は、大きなインスタレーションも制作。素材も自由で造花を使ったこともあるそうだ。

「今回は中田さんに自由にいけばなをしていただこうと思っているんです」と吉村さんが言うと、「その自由っていうのがなかなか難しいんですよね」と中田は苦笑い。その苦闘の模様は最後に回すとして、まずは吉村さんが目の前でいけてくれた、かきつばたの話を。

四季で表現が違う生け花

古典華の形式でいけてくれたかきつばた。流派によって違いはあるが、龍生派の古典華は先人たちが作った「取り決め」があり、それを逸脱することなく表現をするもの。例えば葉を二枚合わせたり、四季によって葉と花の位置が変わるのだ。

今回は夏の表現。花の位置が一番高く、まさに一番元気のいいときを表現している。ちなみに春は葉のほうが背が高く、これから伸びていく様を表現。秋や冬になれば、実をつけたり枯れたものを入れたりする。そこで中田が「四季によって表現が違うということは、いけばなは自然を器に再現しようという試みなんですか。それとも自然ではないものを表現するんですか」と質問する。
「それはすごくいい質問。表現としては自然描写だけが目的ではない。“実際にはこんな風には生えているわけないけれど表現したい”ということを表出するんです。けれども自然に生えているという事象も大事にする。今日のこれは、初夏に一株から生えている姿を表してみました。これを考えるのがまたおもしろいんです」

自由の難しさと楽しさ

「さあ、次は中田さんの番です」と声がかかる。いける素材は観葉植物でも人気の高い大きな葉のモンステラと紫のネギ科の花ギガンティウム。
まずは器選びから。自由花なので、形も色も好きな器を選んでいい。中田が選んだのは白い器だが、いくつも穴のあいた、少し変わった形のもの。「あれ、これじゃないほうがいいか…」と最初から弱気な中田。いざハサミとモンステラの葉を手にしてスタート。しかし一本目がどうしてもいけられない。
「モンステラの葉をこうして裏から見ると表情が違いますよね。横から見るとひらひらした部分が目立つ。こうしていろいろな表情を使うこともできるんですよ」と吉村さんからアドバイス。
中田がかなりの時間考えて、モンステラをいける。そしてギガンティウムの花を持ちまた考える。だんだんとその”自由”が楽しくなり、いろいろ試しながらついに完成。と思いきや、中田がモンステラをぐっと折り曲げる。そして花の下に入れ込み、お皿に乗ったお花のような見た目を作り出した。
「ちょっと苦しそうかな」と自身の作品を見て中田が言うと、「それも表現のひとつ。でも横から見てください。また違う表情がありますよね。そしてここにひとつ枝を入れたら空間が仕切れて…」と、自由だからこそ花開く会話がそこにはあった。

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