福岡の中西部、天拝山が広がる筑紫野市に佇む「喜器窯（ききがま）」。緑豊かな住宅街に工房兼ギャラリーを構える吉田崇昭 さんは、土づくり、ろくろで造形、絵付け、窯入れまですべてひとりで行っている。その器は古い焼き物のような味わいがあり、多くの人を魅了している。

グラフィックデザインから器づくりへ

「器のつくり手としては、遅いスタートなんです」と吉田さん。まず大学でグラフィックデザインを専攻するが、在学中に平面のグラフィックデザインではなく、立体のインダストリアデザイン（工業デザイン）に惹かれるようになる。卒業後はグラフィックデザインを立体にもちこんだ仕事ができればと考えていたところ、出合ったのが器だった。

「自分が生まれ育った福岡の隣に、器の産地・佐賀があったことにめぐりあわせを感じました」。当時は器のことを全く知らないゼロの状態で、有田にあった窯業大学校に2年通って基礎を学んだ。その道に進むと決めた以上は、自分が納得できるまで製陶を学びたいと、大学卒業後、さらに滋賀県の信楽へ。国内外の陶芸家のスタジオを擁する「滋賀県立陶芸の森」で学びながら、実際に使えるアートをつくりたいとイスのオブジェの製作に没頭しつつも、「やはり器をつくりながら暮らしていきたい」と器づくりへの思いを深めていった。

唐津の窯元での修業が転機に

吉田さんは「唐津にある 『天平窯（てんぴょうがま）』に弟子入りしたことが、自分のターニングポイントとなりました」と語る。まるで骨董品のような古い雰囲気の器づくりが魅力の窯元で、青色だけで描く「染付」やさまざまな色が入る「色絵」など、素晴らしい絵付けで多彩な器をつくっていた。グラフィックデザインやアート製作など自分が目指す道が何かを追い求めてきた吉田さんは、「師匠である岡晋吾･さつき夫妻からはとても大きな影響を受けました」と話す。味わいのある吉田さんの器づくりの基礎はここで形づくられていった。

独立後は自分の作風を追求

2007年に独立してからは、400年前の先人たちと同じ材料でつくりたいと有田の山奥に陶石や陶土などの材料を探しに行く日々を送った。「当時は材料探しから行う窯元はそうなかったから、自分が入る余地があると思って突き進んでいましたね」。

「しかしそれはまるで寿司職人が米を栽培して、船でマグロを釣って、寿司を握るようなもの。手間もコストもかかりすぎるし、そうなると酒器や茶器など高額なものをつくらないと採算があわなくなってしまいます」。試行錯誤しながら、吉田さんは自分が本当につくりたい日常の器づくりへ舵を切っていった。

まるで古い焼き物のような器を目指す

吉田さんの器は石を砕いた陶土でつくる「磁器」だが、あたたかみのある自然なフォルムはまるで陶器のようなやわらかな印象を与える。

また骨董品のようにほのかに青みを感じる風合いは、熊本・天草の粘土をベースに吉田さんが掘ってきた石を砕いて混ぜて使ったものだ。

「今の粘土は、白すぎて雑味がないです。昔の陶片を見ると、現在のような鉄分を取り除く脱鉄機というものがなかったため、もっとムラがあって表情があった。私はあえてきれいな器になりすぎないよう、ちょっと汚すような気持ちで自分が掘ってきた石を加えています」と吉田さん。釉薬には有田周辺で掘った石を砕いた灰を使用。石と灰の昔ながらの組み合わせで器をつくっている。

ろくろでの造形時に大切にしているのは勢いだ。「丁寧にろくろを回す高い技術の方が多いですが、自分は勢いにまかせてつくったものが面白いと思っていて。師匠からも言われたのですが、きっちり作りこみすぎず、人が入り込める“余白”があるものに魅力を感じます」。

昔ながらの呉須を使う青一色の絵

「喜器窯」を語るうえで、絵付けもはずせない。吉田さんが選んだのは、コバルトを含んだ絵の具、呉須（ごす）を使って描く「染付」と呼ばれる古い技法。焼くと素朴な青色に仕上がるのが特徴だ。

しかし絵はあくまで器の一部分。「絵付けにも余白を感じられるよう、ヘタでもいい、はみ出してもいいと線が生きるように描いています」。描かれるのは、桃山時代から江戸時代の初期にかけての古伊万里のような、小紋や菊花、鳥獣などの伝統的な文様だ。筆の勢いにまかせたのびやかな文様は見ているだけで心が躍るよう。

驚きなのが、吉田さんは「決して同じ絵付けをしない」と決めていること。「絵付け職人の方は、何十、何百と同じ絵を描いてこそ技術が高いといわれますが、私に同じものを描き続けるのが向いていなくて」と笑う吉田さん。マグカップひとつをとっても、それぞれ文様が異なるため、どれが自分にしっくりくるか選ぶ楽しさがある。

素数を漢字であらわした「素数文」を考案

「喜器窯」以外にも、古い焼き物のような器づくりをする窯元はいくつもあるなか、吉田さんが生み出した文様がある。それが素数を漢字でランダムに書く「素数文」だ。「素数は、“割りきれない”ものですよね。そこにわりきれない人の心のような情緒を感じて、昔から素数が好きなんです」と吉田さん。ほかにひらがなの“く”の字を並べたユーモラスな「苦（く）笑文」も人気だ。吉田さんの軽やかな感性は、見慣れたものも新鮮に感じさせてくれる。

世界に目を向ける吉田さんの挑戦は続く

今後の展望を尋ねると、「いまは思い通りの器になりやすい、再現度の高いガス窯を使っていますが、ゆくゆくは薪窯に挑戦したいと思っています」と吉田さんは目を輝かせる。「より手間も時間もかかってしまいますが、より昔の焼き物に近づけるのは薪窯ですね。自然の力で焼くのでコントロールが効かないため、ときには陶土や釉薬が思ってもいないような変化をして、想像の上をいくものがつくれることも期待できます。また海外のお客さんは、昔ながらの薪を使って焼くことに付加価値を感じてもらえるようです」。
関東や関西、アメリカなど海外からの注文も多く、現在は2年待ちという吉田さんの器。まるで400年前の器のような風合いとのびやかな絵付けが、国境を超えていまを生きる人々の心をつかんで離さない。今日も小さな工房で、暮らしを豊かにする日々の器が生まれている。

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白色と形だけで表現をする磁器、白磁（はくじ）。この白磁の重要無形文化財保持者、人間国宝に認定されているのが、鳥取市河原町に窯を持つ前田昭博（まえたあきひろ）さんだ。真っ白な磁器である白磁を選び、ひとり制作を続けたその歴史と、前田さん独自の作品づくりに迫る。

中国から伝わった「白磁」

白磁は中国で生まれた磁器のひとつで、絵付けや色付けをしないことが特徴。形によって陰影が変わり、さまざまな表情を見せる。真っ白な器は食材や花を映えさせ、どんな場面でも使いやすい。日本では佐賀の有田焼や、長崎の波佐見焼などが名産地として知られているが、前田さんは故郷の鳥取で師匠をとらず、ひとりで向き合う道を選んだ。

土のような柔らかさ、雪のような白さ

前田さんは白磁のことを「白瓷（はくじ）」と表現している。瓷（じ）は「かめ」や「かたく緻密に焼いた焼き物」という意味があり、本場中国では磁器のことを指す。単なる壺ではなくアートとしての作品を作りたい、土のような柔らかい白磁を目指したいという想いを込めた。

たしかに前田さんの作品を見ていると、磁器とは思えないほどの柔らかさやあたたかみを感じる。光の当たり具合や、曲面から生まれる影によって、灰色や青い色合いもあわせ持つ。「手本にしているのは、山陰の雪の白。冷たいけれど、どこか温もりも持っている。そして、雪に穴を開けると、少し青みがかったように感じる。そんな雪のような、しっとりした感じの白を目指しています」。

陶芸、そして白磁との出会い

幼い頃、趣味で木版画を刷っていた父親の背中を見て育った前田さんは、自然と美術への興味を深めていった。絵を描くのが好きで、高校では美術部に、大学は工芸学科へと進学。そこで何気なく受講した陶芸の授業を通し、ろくろに魅了される。「日に日に上達する様子が自分でもわかる。昨日より大きいものを作ろう、と夢中になりました」。

また、白磁と出会ったのも大学生の頃。その美しさに感動した。

「鳥取では冬に雪が1、2度降る。朝、窓を開けると辺り一面真っ白。あのときの感動と、絵も色もない白磁を見たときの感動が重なり、他のものに感じない魅力を感じたんです」。

卒業しても陶芸をしたいという想いを膨らませていた前田さんは、「好きなことをして飢え死にした人はいない」と恩師に背中を押され、卒業後に実家へ戻り、窯を開いた。窯の名前は「やなせ窯」。目の前に悠然とそびえる梁瀬山（やなせやま）が由来だ。

鳥取で白磁を作る

鳥取県は民芸が盛んで、土の風合いを生かした味のある焼き物が多い。だが前田さんは他の窯へ弟子入りをせず、白磁への憧れとろくろを極めたいという想いから、ひとりで白磁に向き合う道を選んだ。しかし、ひとりでの作陶はそう甘くはなかった。通常は基本の技術や工程を習得してから、独自の作品を作る。しかし自分には基礎がない。とにかく自分が美しいと思う形を目指しながら、ろくろの稽古を続けた。

鳥取に帰ってきてから数年が経った頃、好きなだけでは無理かもしれないと思い悩んだこともある。毎日白磁と向き合う中で、嫌になり、絵や装飾をつける他の焼き物に取り組んだこともあった。しかし、どうしても白磁への憧れは消せない。

「やはり飢え死にするのではないか」と思うほど厳しい日々だったが、両親との暮らしや地域の人の励ましに支えられ、創作を続けられた。また、結婚して子どもが生まれたときには、創作活動の傍ら、祖父母が営む果樹園の手伝いをしたことも。どんなに大変なときでも、年に一度ギャラリーを借りて個展を開くことと、陶芸のコンクールに出品して自分の技量を問うことだけは辞めなかった。そうして少しずつ入選を繰り返し、応援してくれる人も増えていった。

37歳で訪れた転機

そうして14年間、白磁を作り続けた前田さんに転機が訪れる。陶芸界で1番大きなコンクールといわれる「日本陶芸展」で、大賞に次ぐ優秀作品賞を受賞したのだ。

「同世代の人は自分よりも素晴らしい仕事をしているだろうと引け目を感じてきた。でも、賞をいただいて、自分も一生陶芸ができるかもしれないと思えました」。

その後も前田さんは、さまざまなコンクールで受賞していった。国内のみならず、海外でも個展やワークショップを開催し、多くのファンを獲得。

2013年には、前田さん独自の技法「面取り技法」によって生み出された、平面と曲面のあるなめらかな白磁が評価され、白磁の重要無形文化財保持者として人間国宝に認定された。「教わったものではなく独自に作り出したものなので、その点も含めて評価してもらえたのではないか」と振り返る。

失敗から生まれた「面取り技法」

独特な柔らかさや丸みを帯びた形は、前田さんが失敗しながら編み出した「面取り技法」によるものだ。白磁を作る際は、ろくろで形作ったものをそのまま焼成することが一般的。それに対し、面取り技法ではろくろで形成し土が乾くタイミングを見計らいながら、直接指で押して変形させる。磁器の土は押さえたり変形させたりすると、のちに傷が出るのだが、その基本を知らなかったからこそ生まれた方法だった。

「最初は形を変形するために板で叩いていたけど、乾燥のときにヒビが入ってしまったんですよ。そこで、少しずつ指で押さえてみたら収まりがよかったんです。そこからこの技法が自分の表現になっていきました」。

点描画のように複数回、細かく指で押した後は、さらに乾燥させ、カンナで削る。これによって、くっきりとした面が浮かび上がるのだ。

若い頃、面取をしたり等分割するときに、定規を使って均等にしるしをつけていたという。しかしどうにも面白くない。年数が経つに連れて、フリーハンドで線を引くようになり、左右どちらかに偏っている部分や、波打っている部分に魅力を感じられるようになってきた。

「こちらの方が自分らしい線や面になっていくんだなと。そのわずかなことを、何年もかけて許せるようになるといいますか。定規以上に魅力的な線を引くことができるのが人間じゃないかなと感じます」。

歳月と鳥取の風土がもたらした世界観

長い間作品づくりに携わっていると、アイデアも尽きてくるのではないかと思える。実際に、年に1度の個展が終わると、「もう作れない」という気持ちになるという。しかし、新たに創作を始めると、作ってみたい作品のイメージが浮かんでくるのだ。また、創作途中で偶然にできた形や、いいなと思う「何か」が生まれ、それを形にしていくこともある。前田さん自身の感性と偶然。その両方で作品が生まれ、作る幅も広がってきた。

「自分の考えていることや思っていることを形にしたり、行動にしたりするしかない。その結果がいい作品にならなくても、責任を持って、自分のやりたい姿勢で最後まで行くしかないんです。だからこそ、素敵なものを作りたいという想いだけは、24時間頭の片隅にはありますね」。

また、鳥取の風土も作品づくりに大きく影響した。「鳥取はわりと曇り空で湿度が高い。しっとりとした釉薬にごだわり、作品に柔らかな陰影が生まれたのは、風土的なもの」と振り返る。当初はひとりで技術を習得するのに苦労した場所だが、白磁の産地ではない分、自分から取りにいかない限り情報は入ってこない。だからこそ、前田さんにとっては心地よく、「白磁を最後まで作り続けたい」という想いを持ち続けられたのだという。

さまざまな失敗や経験、環境から、前田さんにしかできない独特な表現や造形が生まれたのだろう。

「”無い”ことの魅力」を感じてもらえる作品を求めて

白瓷とは何か。その問いに、前田さんは「 ”無い”ことの魅力を持つもの」だと教えてくれた。中国の唐の時代に繁栄し、日本にも伝わり、現在まで続いている。華美な装飾や色の変化は無い。それでも今なお続いているのは、「何も無い状態」でもフォルムや釉薬に豊かな魅力があるからではないか。多くの情報や色、考え方が溢れている現代だからこそできる白瓷を作りたいと前田さんは言う。

「九谷焼や有田焼などの日本的な絵付けも美しいなと思う。同時に、そういうものが”無い”世界もあっていい。僕は作品の省略をしていきながら、あるものと同じぐらいか、それを超えるようなものを作りたい。”無い”ことの魅力というものを伝えていけたら、この白瓷を継承して、次の人に渡すことができるのかなと。だから、ただ白い焼き物じゃなくて『白瓷』という定義がある。そう思ってますね」。

そう言いながら、前田さんは今日もろくろに向かう。

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有田焼白磁の「井上萬二窯」

有田焼といえば、美しい色絵に彩られた磁器を思い浮かべる人が多いだろう。しかし、磁器作家・井上萬二さんの作品のほとんどは加飾されていない白磁だ。それでも萬二さん作った器は、派手に色付けされたものよりも遥かに大きな存在感を見せる。透き通るように真っ白な磁器は、曲がりくねり絡みあい、どんなふうにつくりあげたのか想像もつかないような複雑な造形。最新の３Dプリンターでも不可能ではないかと思われるような形を、ろくろと手だけで作り上げる。その高い技術で、彼は有田焼白磁の重要無形文化財保持者（人間国宝）となった。
「私にとっては形そのものが文様です。工芸ですから、用と美を兼ね備えていなければならない。複雑な形のものも作りますが、実は平凡な器がいちばん難しいんです。ひとつの茶碗を作るのにどうしても納得できず１年くらいかかったこともあるんです」（萬二さん）
1929年生まれの萬二さんは、軍人から復員し、十二代目酒井田柿右衛門のもとで磁器作りを学んだ。修行７年目のときに大物成形ろくろ師として名高い初代奥川忠右衛門の技術に惚れ込み、彼の門下生に。以来、ひたすらにろくろと向き合ってきた。「展覧会などがあれば海外にもいきますよ。旅行すれば刺激を受けるし、それが作品にいきてきますから」（萬二さん）

有田焼白磁を受け継いでいく

現在、佐賀県西松浦郡有田町に孫の祐希さんとともに窯とギャラリーを構える。祐希さんは玉川大学芸術学部を卒業後、ファッションアパレル業界を経験した後に故郷へ戻り、2012年から祖父・萬二さんのもとで白磁の伝統技術を継承しながらもファッションブランドとのコラボレーションや焼きものでアクセサリーを制作するなど、新たなことにチャレンジする注目の作家だ。

萬二さんによると、これまでに萬二さんの元で学んだ人は500人を超え、海外にも数多く存在するそう。
「人に教えるのは大変ですよ。自分で作るだけなら10の力でじゅうぶんですが、人に教えるには12～13の力が必要。昔の技術を受け継ぎながら、いまの焼き物を作る。そうやって伝統が受け継がれていきます。昔のままにやっているだけでは発展はしません。常にチャレンジが必要だし、新しい人を育てていかなければならないんです」（萬二さん）
「焼き物に向いているのはどんな人ですか？」（中田）
「不器用は駄目だけど、器用すぎても駄目。器用だとすぐに形ができて、努力しなくなる。どんなことも同じでしょうが、毎日同じ努力を続けられる人が結局大成します」

萬二さんは言う。「白磁に完成はない。90歳になっても勉強です」。楽しそうに白磁を語る萬二さんとお話しさせていただくと、この方は心から白磁を愛しているのだということが伝わってくる。萬二さんは、有田焼創業400年を迎えた節目に際しては、20年をかけて、すべて「異なる」400個の白磁の作品を生み出した。萬二さんの作陶の追求に、「これでいい」という終わりはない。

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磁器と陶器を練り合わせる作品

陶芸家 佐々木里知（りいち）さんの魅力はなんといっても、“とどまらない”ことだ。
例えば最近の作品では陶器の粘土の上から磁器の粘土をかぶせて焼くというチャレンジをしている。そうすると、卵のからのように表面にだけ白く層が残り、違った風合いが出るのだそうだ。さらにそこに紋様をつけていくことで、自然に風化したような表情を持たせることもできるのだという。

「自然のなせる業というのももちろん魅力的ですが、作意を残すことも大事だと思っています。見え隠れするストーリーを入れる。例えば紋様を入れるなど何かしらの人為的なことを作品に入れ込んでいくということも作品の魅力のひとつだと思います」と佐々木さんは話す。
佐々木さんは東京芸術大学美術学部における卒業作品の中で、教授会が推薦した優秀作品に対して授与される賞である、サロン・ド・プランタン賞をはじめ、その後の作陶生活のなかでいくつもの賞を受賞している作家だ。それとともに、現在は1991年に山形市に設立した東北芸術工科大学で教鞭をとる教師でもある。

「教わるよりも探す」をモットーにする作家

そこで教えているのは、“探す”いうこと。「いろいろなものを吸収しながら育ってほしい。大学ではモノの本質はきちんと抑えた上で、視野を広げてほしいと思って教えています」。
学生たちにそう教えるように、自分でもその言葉通りの作陶を行っている。
例えば窯。何度も造っては壊し、造っては壊しということを続け、火の流れなど、火そのものの本質を知ろうと試みる。窯は学生といっしょに作ったこともあるという。

佐々木さんがこの道に入ってからすでに30年ほどが経つ。だから周りからは「責任を持て」などと言われることもあるそうだ。しかし佐々木さんは「実績はもちろん必要かもしれないけど、何を考えて、どう試みをしたかが大事だと思うんです。社会的に立派になるより、考えながら蓄積していったほうが、自分が面白い」と話してくれた。いまでもいくつも賞をとり、教える立場にいる現在でも“探す”というキーワードで動いている作家なのだ。

リスクを超えてこそ生まれる作品

モノづくりという仕事は、例えば「こう表現をしたい」、「こういうモノを作りたい」というところから出発し、それを作品に落とし込んでいく仕事だ。ゴールを見定めて、それに向かって作りこんでいく作業ともいえるかもしれない。でも佐々木さんは、こうも言う。
「そのゴールが途中で変わっていくこともある。いい意味での裏切りや不思議なことがあるのもモノづくりのいいところだと思うんです。目標を達成したから満足というだけでなく、製作途中でちょっと裏切られるぐらいがいいんですよ。私にとってそれが焼物なんです」。
たしかに、佐々木さんの作品には裏切りがたくさんあるように思う。それが魅力となって私たちの目に飛び込んでくるのだ。
「陶芸は無理しなくてはダメだと思うんです。リスクはあります。でもそのリスクを超えたところに面白さがある。無茶なところに発見があるんです」。そう語ってくれた佐々木さん。次はどんなリスクを超えて、どんな発見を見せてくれるのか楽しみだ。

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作り手、買い手、使い手が丸くつながる食器

介護食器、福祉食器と聞くと、どんな器を思い浮かべるだろうか？プラスチック製のコップや器、ステンレス製のスプーン。福祉施設だけではなく、在宅介護など様々な場面で福祉食器が使用されている。
「Te Maru てまる」－そう名付けられた器もまた、福祉食器として生まれた。工房を訪ねたのは、磁器の器を作る陶芸家の大沢和義さん。2008年から、大沢さんと岩手県工業技術センターが共同で企画し、岩手県の工芸家たちの手仕事による介護食器「てまる」を制作しているのだ。
磁器、陶器、木の器、木のスプーン。その最大の特徴は、介護用の食器でありながら現代の暮らしに馴染む美しさがある“普通の食器”だということ。お年寄りや障害を持った方、そして子供にも使いやすように計算されているが、実にシンプルな器なのだ。てまるの器について大沢和義さんはこう話す。
「気づけば、介護用だからといって最初から変形させることばかり考えてモノづくりが行われているように思えて、それは無理があると思ったんですね。その視点を見直すきっかけにしたいと思いました」こうした視点から生まれたデザインと食器の美しさが評価され、てまるの器は2011年にグッドデザイン賞を受賞した。

磁器だからできる食器の形

大沢さんの作る「てまるの磁器」には触ってみないと気づかないほど小さな工夫が施されている。それは口の内側に鋭角な“返し”を付けること。返しがあることで内容物が絶妙にひっかかるため、器の中のお粥をスプーンできれいにすくうことができるのだ。この返しは陶器や木の器にも付けられているが、磁器はより繊細な使い心地を追求しているのだという。

形のヒントになったのは、禅宗の僧が托鉢の際に持ち歩く「応量器」や、李朝時代の平べったく側面に立ち上がりのある広い器だった。
「使いやすさを突き詰めていくと古典に行き着いたんです。さじで食べる器なら返しがついていたはず、基本は同じだと思いました。でもね、応量器をそのまま作っても現代には合わない」こうして使いやすさに加えて、食事を美味しくする器本来の美しさも備わった形が生まれたのだ。
「需要はありますか？」と中田。
「あります。展示会をやってからは、障害を持つ方やその家族からもお問い合わせをたくさんもらいました。」今後は、持ちやすく飲みやすい湯呑茶碗の制作にも取り組みたいという。

さわってみてわかる

大沢さんのろくろ作業を見学する。
「陶芸をはじめてすぐに、あぁ磁器がいいなと思いました。手作りで量産することができる腕を身につけたいと思いましたね。」
大沢さんは大学を中退して専門学校で陶芸を学んだ後に、磁器の産地である愛媛県砥部町に移り、修行を積んだ。
「磁器は土がすぐに手にくっついて難しいです…」そう言いながら、中田もろくろでの陶芸を体験させてもらう。
「土を触れるときは、手の点でふれるようにするとうまくいきますよ。そっと触れるだけです」アドバイスをもらいながら、湯呑茶碗をひとつ作る。
無機質な印象がある工場生産の磁器ではなく、ひとつひとつ手作りの磁器を作り続ける大沢さん。現代の暮らしを見つめ、器の可能性に取り組んでいる。

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青磁の色が美しい陶器

モダンな雰囲気が漂う端正なフォルム、ゆったりとやさしい表情。そして青磁の透き通るような色と赤い土で色付けされたひび。自然と目に入ってきて、グッと引き寄せられる。それが志賀暁吉さんの陶器の特徴だ。

窯元の家に生まれ日本陶芸展大賞も受賞

志賀さんは2007年に史上最年少で日本陶芸展の大賞を受賞した注目の青磁作家。しかし陶芸の道を目指した理由は「何となく、というか仕方なくという感じですかね」と正直な胸の内を話してくれた。福島県浪江町に伝わる相馬焼の窯元の長男として生まれて、陶芸の世界に入った。そして、自身は伝統という枠にとらわれることなく、大胆な発想を持ちながら陶芸に取り組んできたのだ。

窯のくせを知らないとできない仕事

東日本大震災とそれに伴い発生した原発事故で福島県浪江町は、取材した2012年12月当時は避難区域に指定されていた。もともと作家活動をしていた実家のある浪江町には、道具もすべて置いたままだ。
「やはり使い慣れた道具でないと作品には影響がでますか？」と中田が質問をする。
すると志賀さんは「もちろん。それとともに、やっぱり焼き物は窯が大事なんです」と言う。

「特に私のやっている青磁は還元を安定させる必要があるので、窯のクセを知らないとできないんです。同じ窯で何回も焼いて、失敗を繰り返すなかで安定したものを見つけ出していくんです」そのため、現在は作家活動がなかなか難しい状況にあるという。住居と工房を兼ねた移住先を探しているが、もし見つかったとしても、最初に一年は試し焼きに費やすことになるだろうと話してくれた。

これまで以上の作品を作りたい

志賀さんは当時、避難生活を送っていた。結婚してご家族もいるので、どうやって暮らしていこうかと悩む日々が続いたという。「作家活動はあきらめて、別の仕事で働こうかと考えた時期もありました」と志賀さん。
それでもやはり作家としての道を模索している。支えてくれたのは、志賀さんの作品を待っているお客さんや知り合いの作家さんたちだった。現在は手先の感覚をなくさないように土に触れ、友人の工房でロクロを回している。
「完全復活して、これまで以上の作品を作りたいです。これから苦労しても、時間がかかっても、作家として復活することが、支えてくれているお客さん作家さんへの一番の恩返しだと思っています」最後に力強くそう語ってくれた。

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砂糖菓子のような磁器

「砂糖菓子のようで、今まで見たことない磁器だなって」。そう中田が感想をこぼした作品は、陶芸家の大槻智子さんの手によるもの。作品は器からランプシェード、オブジェまで幅広いものを制作しているが、どれも共通してピンクなどのパステルカラーが多用された作品が多い。また、小さく作ったデコレーションが配されていることや、印花と呼ばれる型押しで作る模様もファンシーさを感じさせる。そのポップで独特な感覚が人気を呼び、注目を集めている作家だ。
中田が「砂糖菓子みたい」と表現したわけは、このデコレーションと配色に加えて、もうひとつ理由がある。それが透明感だ。土にガラス質の粉を混ぜ込むことで、表面の透明感がアップするという。その透明感をまとった姿が、何ともいえず美しく、かわいらしい。

OLから陶芸家への転身

大槻さんは美大や芸術学校で専門に陶芸を学んだ人ではない。
しかも前職は会社員。在職中に貯金をして、１年間毎日陶芸教室に通ったという。その１年を終えた時に、もっと本格的に陶芸の道を進みたいと、先生に弟子入りを頼んだところ、答えは「やめておいたほうがいい」だったそう。学校で正式に学んできたわけでもないので、これからの道は他の人よりもかなり厳しいと一度は断られたというのだ。

それでも、諦めきれずに「どんなことでもいい。お金もいらないからお手伝いをさせてくれませんか」と頼んだところ、ようやく了解を得た。熱意が人を動かした瞬間だ。
それから「厳しい」と言われた道を進み続けて、現在のように注目される陶芸作家にまでなったというわけだ。

ファンシーなモチーフのデザインはどこから？

どっぷりと陶芸作家の道を歩んできた人ではないからこそ、醸し出すことのできるのがこのファンシーさかもしれない。
中田が「このモチーフはどこから発想を得ているんですか？」と聞くと面白い答えが返ってきた。それは「写真」。
「何というか、ケーキの写真が好きなんですよ。そこから着想を。ほかにも花や草木の写真が好きでよく見ます。そういったところからアイディアが浮かんでくるんです」ケーキの写真から陶芸作品に。その発想の面白さが大槻さんの大きな魅力なのだ。

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風が吹けば動き出しそうなやさしい色を描き出す、「布染め」の技法

もともと佐賀県の有田で有田焼を学んだ陶芸家 上瀧勝治（うわたき）さん。
現在では日本工芸展にも入選する作家として知られるが、作品としての焼物を作り出したのは31歳のとき。
「そのころね、神谷先生のところにいったんです。そこで“これが焼物だ”っていう作品を見て、自分でもやってみたいと思って始めたんです」

上瀧さんの作る磁器には、全国のどこにもない、赤や紫のふわりとした中間色が浮かび上がっている。
そのやさしさが、上瀧作品のもっとも大きな特徴だ。
その色を出すため、上瀧さんは「布染め」という技法を使う。
普通は筆で色を付けていくものだが、上瀧さんは素焼きの上に布を置き、筆で色を定着させるのだ。
風が吹けば動き出しそうなくらい、やさしい風合いの模様になるのはそのためである。

有田の感覚と、関東の感覚が交わる

有田の緊張感のある磁器に、ふわりとした色が浮かぶ。
「なぜこの赤紫にこだわったんですか？」
中田の質問に、上瀧さんは「関東の感覚ですかね」と答える。
「有田のある九州は、もっと原色に近い色を好みますよね。佐倉に移ってきてから、ふんわりとしたやさしい色を使いたいと思ったんです。それからこの色を出すまでに30年かかりました。やっと、という思いですね。この温かみが私の焼物の原点ですから」

上瀧さんの作品にはスケールの大きなものが多い。
「大きい磁器は有田のロマンですから、これからも大きい作品を作り続けますよ」
姿の大きさとやわらかな色。
包み込むような優しさがどの作品からも漂っていた。

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器にこめたストーリー

陶芸家 美崎光邦さんの工房を訪ねると、ずらりと作品が並べられていた。
「これ、素材は何なんですか？　陶器と磁器が混ざってるような……」
「そのとおり、よくおわかりになりましたね。混ざってるんですよ」
この日、美崎さんは、ご自分の作品を最初に焼いたものから、年代順に並べてくれていたのだ。

「私はいろいろなところで学んできたので、とりあえずは何でもできます。だけど、何をやっていいのかわからなかったんですね」
作家として独り立ちするときには、「自分は何をやりたいんだろう」という疑問が常にあったという。
「だから、磁器とかいろいろやった。バブル全盛のときは、見ただけで割れてしまうような質感のものを作りたかった。世の中がピリピリしてたから、心をシンと静めるようなものをね」
「そこから、今のような風合いの器に移ったのはなぜですか？」
「30代に作っていたのは、例えるなら、アニメのひとコマを作っているような感じ。緊張感はあるけど、ストーリーがない。でもやっぱりアニメにはストーリーがないといけないと思うのね。それで手びねりで作品を作るようになったんですよ」
そう話す美崎さんの作品には、美しさだけでなく、ゆったりとした風合いがあり温かさが感じられる。

情熱を持って作品と向き合う

「今まで数々の賞を受賞してきましたが、これからはどんなものを作っていきたいですか？」
と中田が質問すると、
「ちょっと寂しい話なんだけどね」と美崎さんは話し出した。
「年を取るとね、スケール感がなくなっていくんですよ。だから、公募展なんかのときには、あえてスケールの大きいものを作りたいって思ってるんですよ。そうしないと忘れちゃうから」
続けてこうも言う。
「あとね、ちょっと作品を作って、お祭りとかで売るっていうのもいいなって。昔は仲間がいて、そいつは“小説を書くぞ”って言ってたの。それを俺が買って読むから、俺の作品を買ってくれよなって。結局、そうはならなかったんだけど、いま思うと、そういうのってすごくいいなって思うんですよね」

何を表現するのか。これまでの旅でも多くの作家に訊ねてきたことだ。
美崎さんは若いころのエネルギーと情熱を、今でも忘れていない。

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1000年前に作られた白磁器の存在感。

筒井廣明さんは、長野は安曇野に窯を構える陶芸家。独立する以前は、1972年から4年間、石川県で九谷焼の修行をし、1976年からは京都で、清水卯一氏、川瀬満之氏という陶芸界の巨匠に師事した。その後、1980年に長野へ戻り窯を開いて、自身の作品を作り続けてきたのだ。

まず、中田が見せていただいたのは、中国で約1000年前に作られた白磁の器だった。筒井さんはこの磁器の存在感に衝撃を受け、それ以来、磁器の世界にのめりこんでしまったのだとはなしてくださった。

筒井さんの白磁の作品は柔らかな光に包まれたような、不思議な魅力を持つことで知られている。また、ほかの作家にはない「線」の魅力も特徴のひとつ。徳利や器は、多くの作家が曲線の美しさで魅せるのに対して、筒井さんの作品では直線が主役になっている。
しかし、その直線は堅さを見せず、逆に全体の柔らかさを浮き立たせるよう。

試行錯誤を続ける

国内外で数々の賞を受けているが、筒井さんはつねに新たなものに挑戦し続けている。たとえば、「釉彩磁面取徳利」という作品。
これは、筒井さんが子どもの保育参観に行った際、壁に飾ってあった子どもたちの絵を見て、「これはおもしろい。この児童画の魅力をどうにか磁器にあらわせないだろうか」と試行錯誤をくり返したもの。自分の表現したい色を出すために、釉薬の色と窯の温度の組み合わせを変えて、何度も何度も試し焼きをしたそうだ。
最終的に仕上がったやわらかな色彩は、大変な技術を要する色なのだ。

工房で拝見させていただいたのは、型に粘土をはめて形を作り出す工程だった。練った粘土を均等に延ばし、薄くスライスして蓮の葉の形をした石膏の型に埋め込んでいく。しっかりと型についたところで、少し乾燥させ、型を外してから内側を削り出す。同様に、器の内側に型をはめて作る方法も、実際に見せていただくことができた。

「伝統的な技法は、歴史を重ねているだけに、素晴らしい方法です。それをまず学んだ上で、さらに新しいものを作っていかなければいけないと、いつも考えています。」そう話す筒井さん。
磁器の持つ魅力は古来中国から日本に渡り、現在でもこうして発展を続けているのだ。

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