山形県西村山郡西川町で「聴雪窯（ちょうせつがま）」という名の登り窯を構える陶芸家の土田健さん。
千利休の子孫である三千家の家元に茶道具を納める京都の名匠の家系に生まれながら、
山形のなかでも雪深いエリアのひとつである山形県西川町の大井沢地区に移り住み、
茶陶を中心に意欲的に制作活動を行っています。

お茶が点てられ、美味しく飲めればデザインは自由の茶道具の世界。「手取りがいい」「お茶を点てやすい」と評判の茶陶を作る陶芸家が山形県西川町にいる。京都市で「千家十職」十二代袋師の次男として生まれながら、幼い頃に抱いた夢を実現し、山形の山里で作陶を行う土田健さんだ。

日常にあった茶道の世界

山形県西川町で登り窯「聴雪窯（ちょうせつがま）」を構える土田健さん。京都、そして唐津で修業を積んだ後、2007年に西川町大井沢に移り住み、茶陶を中心に作品を生み出している。

陶芸をはじめた当初は、ただ焼き物に携わる仕事ができればと思っていた。しかし本格的に学ぶうちに陶芸の奥深さに魅了され「自分自身の作品を生み出したい」という情熱が芽生えていったという。そこから茶陶を選んだのは、自然の流れだったと土田さんは振り返る。茶道具を入れる袋を作る「袋師」の家系に生まれ、幼少期から母親の影響でお茶会に連れて行かれることも多く、自身でお茶を点てて飲んでいたほど茶道は常に身近な存在だった。そんな家庭環境も土田さんを茶器に導いた。

とはいえ土田さんは陶芸一家に生まれたわけでもなく、小学生までは陶芸家という職業も知らなかった。そんな土田さんがなぜ陶芸家の道に進むことになったのだろうか。

幼い頃に抱いた「陶芸家」の夢

土田さんは、茶道の家元として有名な「表千家」「裏千家」「武者小路千家」を総称した“三千家”が好む茶道具を代々にわたって制作している十の家「千家十職」のなかで、茶器を入れる袋やそれを包む服紗（ふくさ）などの製作に携わる袋師･土田家の十二代目当主の次男としてとして京都で生まれた。

「僕は次男なので、ずっと兄貴の保険みたいなものだと思っていた」

家業は土田さんの兄が継承しているが、兄に何かがあった時には自分が跡継ぎとなることがずっと頭にあったという。

それもあってか、大学卒業間近になっても将来のビジョンが定まらず、卒業後は自分探しの旅に出ようと考えていたほどだった。そんな時、父親から「ふらふらだけはするな」と見透かされたように言われ、渋々と就職活動に取り組んだ。

大学卒業後、京都市内のお香の製造会社に就職し3年ほど経った頃に転機が訪れた。兄に長男が生まれたことで自身が家業を継ぐ可能性がなくなったと感じたことで、次のキャリアを考えるようになる。

この時、かつての小学校の同窓会での友人の言葉が蘇った。「陶芸家になるという夢はどうなった？」という問いかけだった。

土田さんは小学3年生の頃、将来の夢に「陶芸家」と書いた。その理由は、たまたま見たテレビ番組で職人がろくろを回す様子を見て面白そうだと思ったから。それまでは陶芸家という職業すら知らなかった。担任の先生も当時のことを覚えており「陶芸家の息子でもないのに、陶芸家になりたいと書いたのは後にも先にもあなただけ」と言われたという。

そこから「小さい頃の夢を叶えていく生き方もかっこいいかもしれない」と、土田さんは陶芸家を志す。

経験“ゼロ”からの作陶活動

とはいえ焼き物の世界について知見も経験もない土田さんは、働く傍らカルチャーセンターの陶芸教室に通い始める。そこで先生に相談するなかで、本格的に陶芸の道を進むなら京都に訓練校がある、ということを知る。

訓練校で京焼の基礎を学んだ後、より深い技術を身に付けるために、焼き物の原点である佐賀県の唐津で修行した。登り窯を学びたかったことも唐津を選んだ理由のひとつだ。いまでは電気やガスで焼く所がほとんどだが、薪で焼いたものを知っているのと知らないのとでは、同じ電気窯を扱うにしても違うのではないかと考えた。

また唐津焼は茶道の世界において、古くから「一楽、二萩、三唐津」といわれ、茶陶としてその地位を確立している。彼が魅了された唐津焼のスタイルは、現在の土田さんの作品にも織り交ぜられている。

当時は独身で自分ひとりが食べていける収入があればいいと思っていたし、陶芸家といえばメディアに出るような成功者しか知らなかったから陶芸家として生きていくことに不安はなかったという土田さん。

しかし父親に陶芸の道に進むと伝えることは一大決心だったようだ。「世の中に絵描きと焼き物屋はごまんといる。それでもやる気か」と大変驚かれたが、父親が「できる限りのことはしたい」と言ってくれたことが、大きな心の支えとなっていく。

京都、唐津を経て、自然の流れで山形に移住

唐津で4年半の修業を経て、土田さんが自身の窯を開いた場所が山形県の西川町大井沢だった。この地に導かれたのも「すべては自然の流れだった」と土田さんは言う。

土田さんは京都生まれだが、母親の実家は山形県山形市にあり「あげつま」という料理屋を営む。登り窯ができる、煙をいくら出しても問題のない場所を探していたときに、もともと祖父が山遊びの別荘として所有していた西川町の古民家をタイミング良く譲り受けた。

しかし西川町大井沢は、東北の名峰月山（がっさん）の麓に広がり、冬には何メートルもの雪が積もる県内でも有数の豪雪地帯。山形に住む人にも「よく雪深いこの地に京都から来る決心をしたね」と言われるほどだ。

移住を決める前、奥様と初めて山形を訪れた。新緑の美しい風景を見て「いいところだね」と言葉を交わした。その後、土田さんが「冬にも行こう」と提案したところ、奥様からは「やめとく。見て行きたくなくなったら困るから」と断られたそうだ。笑い話になりつつも、冬の山形は移住後に初めて味わうことになった。

最初は雪深さに驚いたものの、近所の重機の達人から除雪を手伝ってもらったり、冬の食料不足を心配した近隣の方から野菜をもらったりと、地域の人たちのあたたかさに触れた。

「僕は人に恵まれている」と話すように、山形に移住してから縁が不思議なくらいに次々と繋がっていった。独立後、作品をギャラリーや展示会で売り込む経験は他の作家にとっては一般的だが、土田さんはそのような経験がないという。

ある知り合いが山形市のギャラリーオーナーに「応援してあげて」と土田さんを紹介したことがきっかけで、表千家や裏千家の先生方が工房を訪問する機会が生まれた。そこから個展の話が持ち上がり、2011年に山形市で初めての個展を開くことになった。

この個展を皮切りに、県内はもちろん、仙台や京都、金沢など、全国各地で精力的に展開し、以前勤めたお香の製造会社での作陶展や、十三代当主である兄との兄弟展を開催するなど活躍の場を広げている。

「山奥で作陶をして、じっとしていても誰も見向きもしてくれない」

今後の目標は、規模にはこだわらず、個展を全国47都道府県、そして海外で開くこと。そして若い世代にもっとお茶に気軽に触れて、愉しんでほしいとの熱い思いを抱いている。

こだわらないことが、こだわりである

山形に暮らして約15年。昔は自分の作るものに対し「こういうものを作らなくてはいけない」という固定観念があった。しかし今は伝統的な技法を守りつつ、自然豊かな作陶環境だからこそ生み出せる、作意が感じられない、自然と共に生まれる作品を目指している。

「子どものスキークラブについて行ってたら、講師から自分も指導を受けるようになって、ライセンスを受けることにしたんです」

一見焼き物と関係ない話だが、ひとつのものにこだわり過ぎる性格のため、作陶に没頭するだけでは周りが見えなくなってしまう。山形での暮らしや遊びの中から生まれるアイデアも、結果的に独りよがりにならない、自由な作陶に繋がっている。

例えば、ある白い釉薬の焼物には、大井沢の風景写真を一緒に飾った。そうすると作品を手にする人々が「この色は雪の白かな」などと独自の解釈を楽しむことができるのだ。

また、茶陶は茶の世界で使われる道具の一つ。土田さんは情熱を表現することも芸術家の仕事だと考える一方、茶道具はあくまでも使いやすいもの、使えるものが大前提だと話す。 気に入ってるから特別な日しか使わないのではなく、日々の暮らしの中でどんどん使ってもらいたい。

「お茶というのはあくまでも人の輪でもありますし、その人たちがその場で作り上げるセッションです。そこで上手く奏で合う、そういった道具になればよい」

そして茶文化が根付く京都のように、どこか優雅で洗練された作品を生み出している。

「大井沢焼」の作風は定まっていない

2014年には土田さんの作品の名称が、茶道美術品の収蔵で有名な京都市の北村美術館の木村館長から「大井沢焼」と命名された。

唐津で勉強したためベースは唐津焼、しかし唐津ではない「大井沢焼」の特徴とは何なのか。

「◯◯焼と呼ばれるものは、何百、何千年と時代を重ねていくなかで、いろんなものが削ぎ落とされて、いいものが残る。それが特徴であり、ぼく個人が生きている間に大井沢焼の特徴を語るなんてのはおこがましい。どこかで僕の作品を見た人が『これって大井沢焼だよね』って言ってもらえるような何かができたら良いって思います」と土田さん。

備前焼や唐津焼のように、大井沢焼も時間をかけてその特徴が確立されることを信じている。

登り窯で丹精込めて焼き上げられる土田さんの「大井沢焼」は、使う人たちの日常に寄り添い、長く愛され続けることだろう。

京都の袋師の家に生まれ、幼い頃にテレビで見た職人がろくろを回す光景が心に残り続けたためか、自然な流れで陶芸家になり、自然な流れで母方のルーツがある山形に移り住んでいました。2007年からは大自然に恵まれた大井沢の地に「聴雪窯」をかまえ、心のままに作陶に励んでいますが、陶芸家の中では薪を使って焼成するなど、前時代的な仕事の仕方をしているのではないかと思っています。私の作品には茶陶が多いですが、茶の湯の席で使いやすいことはもちろん、他の道具との調和を図りつつも存在感があるような器を理想としています。私の心のままに作った作品が、手に取っていただく誰かの心を和ませたり、気が付けば生活の中に入り込みいつも使ってしまっていたりという存在になれれば幸いです。

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陶器一般を指す「せともの」という言葉の由来にもなった「瀬戸焼」の産地として知られ、焼き物と共に歩んできた街、愛知県瀬戸市。
この地を拠点に制作する新進気鋭の陶芸家・樽田裕史さんは、
陶磁器に透かし彫りを施す「蛍手」に特化し、美しい光を纏った端正な器を数多く手がけています。

日本六古窯のひとつ、愛知県瀬戸市で窯業の専門学校に通い、陶芸家の道に進んだ樽田裕史さん。2021年に開催された「第1回日本和文化グランプリ」で優秀賞を獲得し、新進気鋭の作家として知られた樽田さんの器の魅力は「美しい採光」にある。明時代の中国にルーツを持つ技法をどのように進化させたのか、樽田さんが制作を行う工房を訪ねた。

日本六古窯のひとつ、愛知県瀬戸市

日本六古窯のひとつであり、鎌倉時代に加藤四郎左衛門景正が開窯したことが始まりとされる愛知県瀬戸市の「瀬戸焼」。やきものの原料となる良質な粘土が採取できたことからも発展し、陶器一般を指す「せともの」という言葉が生まれるほどに、長い歴史においてやきものづくりを牽引してきた。 名古屋の中心地･栄と瀬戸市の中心地を結ぶ名鉄瀬戸線も、1905年の開通に至るまでの誘致の目的は「大量のやきものを名古屋まで運ぶこと」だったりする。ただ開通後は費用の面から乗客も輸送することとなり、現在も地域に住む人や観光で足を運ぶ人たちの交通の要となったのだが。そんな歴史からも、当時の瀬戸のやきもの産業の発展ぶりを汲み取ることができる。

やきものに携わる事業所や就業人数は、全盛期と言われる1978年頃に比べて大幅に減少してしまったものの、現在も瀬戸市では窯、釉薬、素地、型などの工房がそれぞれ専門性を磨きながらやきものづくりを支えている。また、市内にはやきものが学べる「瀬戸工科高等学校」があるなど、やきものとともに歩んできた地域というのがよくわかる。

樽田さんも瀬戸工科高等学校（当時は瀬戸窯業高等学校）でやきものづくりを学んだひとりだ。

窯業の専門学校へ

樽田さんが瀬戸窯業高等学校に進学したのは、いわば消去法だった。「勉強も好きじゃなかったし、なんかおもしろそうだなと入学した」と振り返る。高校生だった当時は陶芸家になるつもりはなかったが、通学する電車で目にするスーツ姿のサラリーマンがずいぶん疲れているように見え、自分の目指すべき姿はこうではない、と感じたのだそう。

こうして樽田さんは高校を卒業後、そのまま同校の陶芸専攻科に進んだ。

そこで学んでいる際に、瀬戸市で活躍する陶芸家･波多野正典さんが弟子を募集するという話を耳にし、即応募。これが樽田さんが陶芸家として歩み始めるきっかけとなった。

師匠のもとであらゆることを学ぶ

晴れて波多野さんの弟子となった樽田さん。数多くの賞を受賞し、弟子の育成に力を注ぎながら陶芸の門戸を広げてきた波多野さんのもとで、土の準備やろくろなどの技術だけでなく、さまざまなことを学んだ。作ったものをどこで、どのようにして売っていくか。値段の交渉や、事務作業、梱包の仕方など、学校では教わらない陶芸家としての生きていく術を学んだ。

波多野さんのもとで5年学んだのち母校で実習助手をし、ワーキングホリデーでヨーロッパへ。やきものを学ぶのが一番の目的ではなかったが、結局、気になるのはやきもののことばかり。日本とは違う自由な風土や現地の作家の工房を見た瞬間、その“型にはまらない人間らしさ”が樽田さんの考え方に大きな変化をもたらしたという。

中国がルーツの技法･蛍手とは？

波多野さんのもとで学んでいる頃から自身の作風として売りにしてきた「蛍手」は、成形後しばらく置いてから生地が生乾きの状態で器面をくり貫き、透かし彫りを施す技法。透かし彫りにしたところを透明釉で埋めて焼成することで、光が透け、ガラスのような風合いが生まれる不思議な技法だ。 ルーツは明時代の中国にあるといわれ、古くから伝わる。この技法の難しいところは、生地に穴を開けることで割れやすくなったり、釉薬が埋まり切らなかったりすること。そのぶんロスも多くなるため、チャレンジする作家も少ない。生地が厚すぎると貫通させるのに苦戦するし、薄すぎると釉薬があまり入らず透け感がでない。樽田さんは厚みと透かし彫りのデザイン、それを実現する技術との絶妙なバランスを成り立たせ、それを自身の作品の強みとしている。

点を線へと変化させて

蛍手の技法は、一般的には小さな穴を開けていくものだが、樽田さんは線という独自の方向性を見出した。「人がやっていないことをやりたい」そんな思いが根底にあった。

下書きはするものの、削るのはフリーハンド。「曖昧さがいいのかなって。自分が出てるというか、人間が出ている感じがする」と樽田さん。同じ湯飲みを作るにしても、湯飲み自体の形は全部揃えるが、削る線はそのときのリズムによりけり。全く同じものは、この世にひとつとして生まれない。それが個性となり、味わいとなるのだ。2021年に「第1回 日本和文化グランプリ」にて優秀賞を受賞した作品「ゆらぎ」も、光と曲線が柔らかな雰囲気を醸しつつ、凛とした程よい緊張感も感じさせる,まさに”心地よいゆらぎ”を表現した自信作だ。

雲間から差す光のごとく

驚くことに、釉薬も樽田さんのオリジナル。釉薬に含まれる微量の鉄分がガス窯で焼成する際の化学反応で美しい水色を織りなす。

この風合いは、雲間から差す光や、扉を開けたときに隙間からこぼれる光をイメージしているのだという。同じ日でも朝と夜では光の加減が違うし、季節によっても光の色は異なる。同じ湯飲みで飲むとしても、日曜の朝に飲むコーヒーなのか、土曜の夜に飲む日本酒なのかで、違った趣が味わえるのが樽田さんの湯飲みの醍醐味だ。

今だから響く師匠の言葉

もちろん、樽田さんの作品には、まっすぐの線が細かく削られたタイプもある。スッとした光を感じさせるものや、小雨のときに歩いたときの電灯の光線から着想してデザインした幾重にも細かな線が彫られたデザインもある。このように「光」をテーマに、豊富な作品が生み出されているのだ。

若い頃はスタイリッシュな建築物が好きだったという樽田さんだが、ワーキングホリデーでヨーロッパを旅行しているときにノコギリの形状の山に感動したり、普段の生活においても自然が作り出す風景に心動かされるようになった。今になって波多野さんが修行時代になにげなく発した「自然のものが一番すごい」という言葉が胸に響く。

また、弟子入り当初、陶芸だけでなく木工やガラスなど、いろんな技術に挑戦したいと話したときに「ひとつのことを極めるのも大事」と言われたのも、今となればよく理解できる。当時は素直に受け取れなかったが、これまでの陶芸家人生において、できなかったことがひとつずつできるようになると「やはりひとつのことを極めるにも時間がかかるし、深いところにいくにつれ、楽しさがある」と気づくようになったという。

樽田さんは、ニューヨークのメトロポリタン美術館に日本のやきものが展示されているのを見て感動した経験から「自身の作品を海外の美術館に収蔵する」というゴールを持ち続けて作陶している。

「勢いで進み、いろんな寄り道をし、いろんな経験をしてきた20代を経て、30代半ばとなった今、将来を少し現実的に見据えていかないといけないと感じ始めた」と話す樽田さん。オリジナルの蛍手がこれからどのように進化を遂げ、どんな作風へと広がっていくのか。樽田さんの作った作品が海を渡り、海外の大きな美術館で展示される未来が楽しみで仕方ない。

1日の時間帯や、1年を通じて移ろいゆく季節で、陽の光はそれぞれに異なる顔を見せてくれます。休日の朝にゆっくりと。夜、みんなで集まって賑やかに。日々の営みの中で訪れる様々な場面に、私の器があるとうれしいです。

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陶器のなかでキラキラと輝く星

仙台市郊外に六華窯（りっかがま）という名の窯を持ち活動を続ける陶芸家の岩井純さん。作品は六華天目釉茶碗を独自に発展させたもの。結晶釉、天目釉を研究し、はっと息を飲むような美しい陶器を作り出している。
その特徴が皿のなかでキラキラと星のように輝く模様。2007年にローマで行われた個展で、アンティノー財団のラウラ・モナケージ女史が天空の星を想像させるとして 「アンティノーの星」 と名付けたほど美しい光なのだ。ちなみにアンティノーとは二千年前ローマ帝国のハドリアヌス帝が寵愛した美少年。ナイル川に投身し非業の死を遂げるのだが、それを嘆き悲しんだ皇帝が、その美しさを神格化し 「アンティノー星座」 として永遠に遺そうとした人物だ。その神格化されたほどの美しさが岩井さんの皿には浮かんでいると評価されたのだ。

海外へ出ておそれがなくなった

2007年のローマ個展もそうだが、岩井さんは1990年代から、海外での個展 ＜ANTINOO.シリーズ＞ を多く行っている。場所はアメリカ、イタリア、韓国など、さまざまだ。その経験で自身の作風にも広がりができたと話す。
「例えば金。金色というのはとても難しいんですよ。ひとつ間違うと、加飾によって華麗さが損なわれることがあります」 だから金を作品に用いるのにはどこか抵抗があったのだという。しかし欧州の文化に触れ、いろいろな人と話をするうちに、その抵抗はだんだんと薄れていったのだそうだ。それから金箔を用いた作品も焼くようになった。
現在は、温度によって釉薬の結晶を作り出すという新しい手法に取り組んでいるが、その柔軟な姿勢、さらに新しいものをという姿勢はさまざまな経験からきているのかもしれない。

皿の線引きを体験

中田の目の前には、素焼きの皿が。「ちょっといたずらしてみてください」 と笑って岩井さんが針を渡す。それで皿を引っかき、模様をつけていくのだ。その上に釉薬を流して焼いて模様を出す。
「やってはいけないことは？」
「ありません。好きに描いていいんです」
その言葉を聞いて安心したのか、中田は皿にぐっと集中する。

自然な線を陶器に描く

「定規でビシっと線を引いたほうがいいんじゃないか、なんて言われることもあるんですけど、自然な、ちょっと曲がっているぐらいのほうが私は好きなんです」 たしかに様々な作風がある。しかし岩井さんは、器に書いた線と釉薬の自然な色の流れで、これからも ＜ANTINOO.シリーズ＞ を創りだしていきたいという。ゆったりと優雅な雰囲気が作品からにじみ出てくるのはそのためだ。皿のなかに広がる深淵な青の宇宙。そんな表現が岩井さんの作品にはピッタリだと思う。

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浪江に伝わる大堀相馬焼

福島県浪江町の大堀地区一円で焼かれる伝統的な陶器の大堀相馬焼（おおぼりそうまやき）。江戸時代、元禄年間に相馬藩の半谷休閑という人が地元で陶土を発見して日用雑器作りを始めたところから歴史が始まったというから、これまで320年以上の時を重ねてきた伝統のある青ひび、走り馬、二重焼の陶器だ。

大堀相馬焼走り駒は、1060年以上も前から今も伝えられる神事「相馬野馬追」、繋ぎ馬は藩主相馬家に伝わる家紋で、大堀相馬焼は藩の特産品として奨励されたため、大堀相馬焼の意匠として走り駒が使われる。

大堀相馬焼の特徴

大堀相馬焼は鉄分の還元によって出される青とそれとともに入るひびが特徴。ひびには墨を塗りこむので黒く見え、青のなかに黒いひびという印象的な表情を見せる。それともうひとつ大きな特徴が二重焼きという技術。成形のときに外側と内側のふたつをつくり、やきあげる前にそれらをかぶせあわせる。そうすることで、内容物が冷めにくくなるのだ。この技術は大堀相馬焼のみに使われるものだ。

震災で窯を離れることに

今回お話を伺いにおじゃましたのは、大堀相馬焼半谷窯の16代窯元、半谷貞辰さんだ。お名前からもわかるとおり、大堀相馬焼を始めた半谷休閑の末裔にあたる方だ。300年以上も続く窯だったのだが、東日本大震災で登り窯が全倒壊してしまったという。またそれに続く原発事故で避難を余儀なくされてしまった。

窯のなかにこだまする音

半谷さんは県内の避難所を転々としたが、知人の協力を得て、福島市での工房で作陶を行っている。浪江を離れるとやはり地元が恋しいと感じた。それは半谷さんのみならず、浪江町から避難した人みながそうだったという。
「やっぱりみんな、地元のものがほしいっていうんです。地元のものを使うと安心するって」そう半谷さんは語る。土地と人と大堀相馬焼という伝統工芸が結びついていた。
半谷さんが「この音をぜひ聞いてもらいたかったんです」と窯の扉を開ける。すると、ピーン、ピーンという美しい音が聞こえてきた。金属のようにも聞こえるが、冷却時に陶器に細かなひびが入る“貫入音”なのだという。中田も思わず「すごい！きれいな音！」と耳を傾ける。この音もきっと人の気持ちと結びついているのだ。

大堀相馬焼に馬を描く

最後に大堀相馬焼独特の馬の絵を書く体験をさせてもらった。絵付けを担当している半谷さんの奥さんに教わりながら、中田が馬を描く。
「書き方に決まりはあるんですか？」と質問すると、「こま（馬）は、書き順が決まっているんですよ。紙に書くより、器に書くほうがすごく難しいんです。」と奥さん。
中田も、集中して絵付けに取り掛かるが、そう簡単に描けるわけもなく「なんだか、太った馬になったな…」と笑っていた。
半谷さんと奥さんは、現在も大堀相馬焼を作り続ける。
「応援してくれた方がたくさんいたんです。「あなたたちには何より“腕”があるでしょう。腕があればお客さんはついてくるよ」と励まされた。それが何より嬉しかったんです」そう語ってくれた。

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

作家活動で恩返しを。陶芸家･志賀暁吉さん／福島県福島市 – NIHONMONO 青磁の色が美しい陶器 モダンな雰囲気が漂う端正なフォルム、ゆったりとやさしい表情。そして青磁の透き通るような色

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青磁の色が美しい陶器

モダンな雰囲気が漂う端正なフォルム、ゆったりとやさしい表情。そして青磁の透き通るような色と赤い土で色付けされたひび。自然と目に入ってきて、グッと引き寄せられる。それが志賀暁吉さんの陶器の特徴だ。

窯元の家に生まれ日本陶芸展大賞も受賞

志賀さんは2007年に史上最年少で日本陶芸展の大賞を受賞した注目の青磁作家。しかし陶芸の道を目指した理由は「何となく、というか仕方なくという感じですかね」と正直な胸の内を話してくれた。福島県浪江町に伝わる相馬焼の窯元の長男として生まれて、陶芸の世界に入った。そして、自身は伝統という枠にとらわれることなく、大胆な発想を持ちながら陶芸に取り組んできたのだ。

窯のくせを知らないとできない仕事

東日本大震災とそれに伴い発生した原発事故で福島県浪江町は、取材した2012年12月当時は避難区域に指定されていた。もともと作家活動をしていた実家のある浪江町には、道具もすべて置いたままだ。
「やはり使い慣れた道具でないと作品には影響がでますか？」と中田が質問をする。
すると志賀さんは「もちろん。それとともに、やっぱり焼き物は窯が大事なんです」と言う。

「特に私のやっている青磁は還元を安定させる必要があるので、窯のクセを知らないとできないんです。同じ窯で何回も焼いて、失敗を繰り返すなかで安定したものを見つけ出していくんです」そのため、現在は作家活動がなかなか難しい状況にあるという。住居と工房を兼ねた移住先を探しているが、もし見つかったとしても、最初に一年は試し焼きに費やすことになるだろうと話してくれた。

これまで以上の作品を作りたい

志賀さんは当時、避難生活を送っていた。結婚してご家族もいるので、どうやって暮らしていこうかと悩む日々が続いたという。「作家活動はあきらめて、別の仕事で働こうかと考えた時期もありました」と志賀さん。
それでもやはり作家としての道を模索している。支えてくれたのは、志賀さんの作品を待っているお客さんや知り合いの作家さんたちだった。現在は手先の感覚をなくさないように土に触れ、友人の工房でロクロを回している。
「完全復活して、これまで以上の作品を作りたいです。これから苦労しても、時間がかかっても、作家として復活することが、支えてくれているお客さん作家さんへの一番の恩返しだと思っています」最後に力強くそう語ってくれた。

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砂糖菓子のような磁器

「砂糖菓子のようで、今まで見たことない磁器だなって」。そう中田が感想をこぼした作品は、陶芸家の大槻智子さんの手によるもの。作品は器からランプシェード、オブジェまで幅広いものを制作しているが、どれも共通してピンクなどのパステルカラーが多用された作品が多い。また、小さく作ったデコレーションが配されていることや、印花と呼ばれる型押しで作る模様もファンシーさを感じさせる。そのポップで独特な感覚が人気を呼び、注目を集めている作家だ。
中田が「砂糖菓子みたい」と表現したわけは、このデコレーションと配色に加えて、もうひとつ理由がある。それが透明感だ。土にガラス質の粉を混ぜ込むことで、表面の透明感がアップするという。その透明感をまとった姿が、何ともいえず美しく、かわいらしい。

OLから陶芸家への転身

大槻さんは美大や芸術学校で専門に陶芸を学んだ人ではない。
しかも前職は会社員。在職中に貯金をして、１年間毎日陶芸教室に通ったという。その１年を終えた時に、もっと本格的に陶芸の道を進みたいと、先生に弟子入りを頼んだところ、答えは「やめておいたほうがいい」だったそう。学校で正式に学んできたわけでもないので、これからの道は他の人よりもかなり厳しいと一度は断られたというのだ。

それでも、諦めきれずに「どんなことでもいい。お金もいらないからお手伝いをさせてくれませんか」と頼んだところ、ようやく了解を得た。熱意が人を動かした瞬間だ。
それから「厳しい」と言われた道を進み続けて、現在のように注目される陶芸作家にまでなったというわけだ。

ファンシーなモチーフのデザインはどこから？

どっぷりと陶芸作家の道を歩んできた人ではないからこそ、醸し出すことのできるのがこのファンシーさかもしれない。
中田が「このモチーフはどこから発想を得ているんですか？」と聞くと面白い答えが返ってきた。それは「写真」。
「何というか、ケーキの写真が好きなんですよ。そこから着想を。ほかにも花や草木の写真が好きでよく見ます。そういったところからアイディアが浮かんでくるんです」ケーキの写真から陶芸作品に。その発想の面白さが大槻さんの大きな魅力なのだ。

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力強さと繊細さの陶芸

陶芸家の百田輝（ももだひかる）さんと陶芸家の林亜美（はやしつぐみ）さん、おふたりが制作を行う工房を訪ねた。まずはおふたりの紹介を。百田輝さんは、1961年徳島生まれ。東京芸大工芸科を卒業後にヨーロッパに渡り、２年をかけてさまざまな国を巡った。日本に帰国してから、埼玉県朝霞市の「丸沼芸術の森」で作陶を始める。
その作品は独特のフォルムを持ち、器が、どこか大きく構えているかのような存在感がある。けれども、ふと花が刺さっている花挿しを見ると、実に自然な風景として目に入り、不思議な気持ちにさせてくれるのだ。陶芸の“土”を感じる厚みと表面の模様や微妙な釉薬の変化が調和して力強さを感じさせる作品だ。

淡い色の優しい器

林亜美さんの作品は、均整のとれた美しい形と、その表面にピンクや淡いブルーといった優しい色合いが広がる作品だ。作品をよくよく見ると、絵付けや象嵌で描かれた模様は丸い皿の中に四角が、四角の中に、草花や輪が描かれている。まるで色と色の組みあわせを楽しんでいるかのようにも見える器は、林さんならではの表現に感じられた。器は個性を持ちながらそれでいてやはり、食卓には間違いなくマッチする器だ。作風は異なるが百田さん同様に、使用することで風景になじむ不思議な感覚に陥る作品かもしれない。
林さんはその作風が評価され、これまでに伝統工芸新作展や神戸ビエンナーレなどに入選を果たし、個展を開催し好評を博している。

土をこねてろくろを回す

中田もさっそく器づくりをさせていただくことになった。こうした体験をさせてもらうときに中田がいつも頭を悩ますのが「自由に、好きなものを作っていいですよ」というとき。例えば絵付け体験でも、「好きな柄を描いてください」といわれると「何を書けばいいんだろう」と首をひねってしまう。そう話すと「たしかにね」と百田さんはうなずいたが、続けて「気楽ですよ。好きなように」と言ってくれた。

では、仕切りなおして挑戦だ。そこで出してくれたのが土の塊。今回は土をこねるところからやろうということになった。「あ、それだと強すぎるかな」と教えてくださり、ときには「あ、僕のやり方と逆だな」と自分も土をこねてみる。終始そんなやり取りが続く。「ろくろは練習が必要なんですよ。何回もやって身体で覚えていくもの。自転車と同じ。でも乗れちゃえば同じ。みんな同じなんですよ」。ろくろを回しながら、シンプルにひとつひとつ話をする百田さんの教え方がすごく印象的だった。そして出来上がったのが、ビールグラスには少し小さいぐらいのカップ。なんとか形ができあがり、一同ホッとした瞬間だった。
お二人は陶芸教室も開いている。土に触れ、作陶を知ることで、作品の見え方も変わってくるのではないだろうか。それぞれの制作活動を行いながら、多くの人に陶芸の魅力を伝えているのだ。

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ろくろでも手びねりでもない陶芸

陶芸というと、ろくろを回して形を作っていくものや、手でこねてだんだんと形を生み出していく手びねりなどの技法がすぐに思い浮かぶ。しかし、今回訪ねた大貫さんは、それらとは違った技法で作陶をする。

その技法とは”たたら作り”と呼ばれるもの。粘土を板状に切り出し、この板状の土を貼り合わせるようにして形を作るという方法だ。形によってその後の加工は様々だが、簡単に言ってしまえば、四角い花瓶を作るのに、左右と手前、奥、底、五枚の板状の粘土を接着して作る技法なのだ。

設計に忠実に作る。

大貫さんになぜこの技法を使うのか中田が質問すると、「私はもともとグラフィックデザイナーをやっていたんです。だからこの方法が性に合うんです」と答えてくれた。 手びねりやろくろで制作する場合、制作の途中で土の形が変形していく。しかし、たたら作りにより、平面を生かして基本的なフォルムを変えずに作る方法をとることがご自身の性分には合っているとおっしゃっていた。 大貫さんはさらに、設計図を作る。まず紙を使って、模型を作る。そこから型紙を起こし、粘土を切る。そして成型する。
「いつも型紙を作るのですか？」と中田。「そうですね。頭で想像しているだけだと、出来上がったときに全く違うものになってしまったりするんです。」 自分の描いたフォルムとはちがってしまえば、もう一度やり直し。そのため、型紙を用いてはじめに描いた形を追求し、作陶しているのだ。

デザイナーから陶芸家へ

大貫さんが陶芸家に転身した理由は「かたちに残る仕事がしたい」という思いから。デザイナー時代には主に広告のデザインをしていたという。「広告は商品があってこそその宣伝をするものですよね。だから、役目を終えるのも早いんですね」だから、形として後々まで残るものを作りたいという想いがあった。

デザイナーであった資質は、フォルムの形だけでなく、作品の上絵にも表れる。四季の植物や彩りを器の中に盛り込み、自ら筆をとり、絵付けを行う。色、配置、絵柄。そのすべてが絶妙に考えられて、ひとつの作品となっていくのだ。

広告のデザインから陶芸へ。表現の方法は違えど、変わることのないものづくりに対する一心な気持ちが、大貫さんの作品に込められているように感じられた。

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計算された文様。

福野道隆さんの作品の特徴はなんといっても赤絵絣文（あかえかすりもん）。シンプルで心地良い線、文様が創りだす独特な温かさが、福野さんの代名詞だ。文化庁の研修生として九谷で研修を受けた絵付けの実力が発揮されて、どこまでも計算しつくされた文様を描き出す。 柔らかな色彩は、一見、上絵で描き出しているのだろうと思ってしまうが、ほとんどが上絵と下絵を合わせて描き出されたものだ。明るい色調と交わり、うっすらと背面に浮かぶ影のような色彩が作品に深みを感じさせる。この微妙な色彩は、土のこと、焼き上がりのこと、絵の具のこと、そのすべてを計算していないと描き出せないものなのだ。

布目を用いる。

福野さんは笠間焼の巨匠ともいえる伊藤東彦さんに師事していた。伊藤東彦さんの作品の特徴は、布目を使っていること。焼き上げる前に濡れた布を土に貼り、器の肌に布の目をつける技法だ。師匠のその技法を福野さんも習い、同じく布目を使った作品を作ることになったという。 「文様が描きたかったので、布目をあわせて何か自分のものにできないかな、と思って作っています。」師匠は布目と草木の絵を生かす作品を生み出し、福野さんも自身の描く文様で新たな陶芸作品に挑戦している。

「色彩の文様なのですが、色ではないくらい、淡い色を描けないかと考えています。色でないような色の文様。そういうものを作ってみたいんです。」 文様にかける執念のようなものが話の端々から感じられる。それは作品からも滲み出ているようだ。

”まめ”であること

工房では湯のみに絵付け体験をさせてもらった。中田が身につけていたチェック柄のマフラーをお手本にして、まずは湯のみに線を引いていく。それから絵の具の選定。マフラーは四色の配色がしてあったので、当然四色を使うものだと思ったのだが、二色をベースにグラデーションをつけるという。

そして絵の具の作成。そこでとりだしたのが、分銅を使う“天秤はかり”。この絵の具づくりの作業がものすごく細かい。きちんとした分量になるまで、きっちりと計る。 　中田はその作業を見て「まめ、ですよね？細かい！」と何度も口にしたが、福野さんは「そうでしょうか。」とひたすら謙遜していた。絵の具の配合によって、微妙な色の差が出てしまう。その細かい気配りが福野さんの作品を左右する魅力になっているのだ。

中田は時間をかけて器にグレーの文様を描いた。最後に福野さんに「きれいに焼きあがると思います。」と太鼓判を押され、焼成をお願いする。文様と色彩を感じる。またひとつ、陶芸の魅力に触れることができた。

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「鋳込み」という手法。

普通、陶芸というと、土をこね、ろくろを回してという姿を想像するかもしれない。しかし、長江さんは「鋳込み」という手法を使う作家。だから作陶の風景も少し違う。 鋳込みとは、石膏で作った型に、珪酸ソーダなどをまぜて液状にした土を流し込んで成形をする焼物。明治期になってヨーロッパから輸入された技術で、日本陶芸においては比較的新しい技法だ。 手やろくろで成形するものとは違って、ゆがみのない製品を大量に生産することが可能なため、現在では多くの窯に用いられている。長江さんの生家も、もともと鋳込みで器を作っている窯元だった。

変形しやすい特徴を生かす。

しかし、長江さんはその大量生産で、薄くてゆがみのないものだけを目指すという姿勢に疑問を抱いた。そこで考えた末、焼くときに変形しやすいという磁器の特徴をいかし、独特な曲線、薄くて繊細なフォルムの磁器を作り出した。それが、現在の長江さんの作風だ。作品はスイス国際磁器トリアンナーレで大賞を受賞するなど、国際的にも高い評価を得ている。

アートとしての作品だけでなく、日常で使える器も作り続けている。凛とした姿、涼しげな色彩の白磁は、食卓に置いてあったら、間違いなく目を引く作品ばかり。余分な装飾のない繊細な器は、料理そのものも引き立ててくれそうだ。

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