おひつや寿司桶など、“木桶”というと丸い形を思い浮かべる人は多いのではないだろうか。しかし「中川木工芸」3代目・中川周士さんの手がける木桶は、それらとは随分違っている。代表作のシャンパンクーラーをはじめ、日本の伝統工芸の技とアート性が融合した作品の生まれた背景とは―。
 

琵琶湖近くの工房で生まれた、“構造的限界”を超えたシャンパンクーラー

近くには琵琶湖、それに琵琶湖西岸を縦走する比良山系。のびやかな自然に囲まれた滋賀県・比良の地に「>中川木工芸 比良工房 草庭」はある。

この工房で中川周士さんが最初に見せてくれたのが、シャンパンクーラー『konoha』だ。

樹齢200年以上の高野槇（まき）や尾州檜（ひのき）といった希少な木が用いられていて、白木の端正なたたずまいがとても美しい。また、水に強く、保冷に適し、結露も生じにくいといった特性を持つため、氷を入れるのにも適しているという。さらに、軽くて持ち運びしやすいといった実用性も兼ね備えている。

そして、何より目を引くのが、両端を尖らせた流線型のフォルムだ。和の空間にもテーブルにも、あるいはグランピングのようなアウトドアシーンにも、すっとなじむたたずまい。シャンパンはもちろん、ワインや日本酒を入れてもかっこいい。

では、木桶職人の中川さんが、このシャンパンクーラーをつくることになった経緯とは、いったいどのようなものだったのだろう。

「もっとシャープに」。繰り返された要望

それは2010年のこと。京都の企画会社「リンクアップ」社長の今井雅敏氏から、中川さんのもとに「海外に売り込めるような、今までにない木桶をつくってほしい」という依頼があった。

最初からシャンパンクーラーを目指していたわけではなく、海外に合った木桶の使い方を模索する中で、まず「ワインクーラー」という案が生まれた。中川さんは小判型のワインクーラーを提案したが、なかなかGOサインが出なかった。

実はこの試作品の桶は、中田も見ていたという。海外暮らしの長かった中田が要望したのは「もっとシャープなデザインを」というものだった。従来の桶のままのデザインでは、海外の生活空間で浮いてしまう。桶づくりの技術を使って、ヨーロッパのライフスタイルに合うものがつくれたら、それは日本の伝統工芸に新たな可能性をもたらす。そんな思いがあったという。

試作に2年。壁を越え、さらなる進化を確信

しかし、この「シャープなデザイン」を実現させるのが至難の業だった。

木桶というのは、木の繊維に沿って原木を割ってつくった「へぎ板」を、「銑（せん）」と呼ばれる刀や300種類ものカンナを使い分けながら削り、「タガ」と呼ばれる金属の輪で締めてつくるのだが、両端を尖らせた形の木桶は、カーブ部分にタガが食い込み、木が傷だらけになったという。

試作は10作を超え、その間に2年の歳月が経っていた。「構造的限界」との思いもよぎったと言うが、暗中模索する中で、タガの入る部分を丸くして、最上部を反り返らせながら尖らせ、シャープな形を実現させるというアイデアをひらめく。ここに打開の糸口があった。 ついに完成したkonohaは、ある大手シャンパンメーカーの目にとまったことがきっかけで、シャンパンクーラーとして世界へ羽ばたくことになった。それが10年以上も前の出来事だが、今でも国内外から注文が相次ぐ人気商品だ。

桶の技術はまだまだ進化する。konohaの制作を通じて中川さんが得たのは、そんな発見だった。

職人人生の初めには、“世界”は見えていなかった

中川さんは「中川木工芸」の3代目。祖父にあたる初代・中川亀一さんが京都市の白川通りに構えた工房で生まれ育った。現在、その工房は「中川木工芸 京都工房」として、中川さんの父で2代目の清司（きよつぐ）さんが主宰している。

中川さんは大学卒業後、清司さんに師事。「京都一の桶職人」と呼ばれた清司さんの木桶は老舗料亭や旅館で愛用されていた。一方で、清司さんは工芸作品の制作も精力的に行い、木目の伸び縮みする特性を生かし、木をぴったりと合わせる「柾（まさ）合わせ」の技法を確立した。そうした一連の取り組みが認められ、清司さんは2001年に木工芸の重要文化財保持者（人間国宝）に認定される。

その2年後に中川さんは京都を出た。清司さんの工房の職人として従事していたが、人間国宝となった父の工房で作品を作ると自分が作った作品が中川清司の名前で世の中に認知されることを避けられないと考え、独立する道を選んだのだ。そして大学時代から登山に訪れていた自然豊かな場所である滋賀県・比良地方に「中川木工芸 比良工房」を構えた。独立した当初は、修業時代と同様、おひつや寿司桶など伝統的な商品をつくっていた。

「桶の世界は縮んでいた」

その頃、中川さんの目には「桶の世界はどんどん縮んでいる」と映っていた。

かつて桶屋といえば、ゆりかごからおひつに寿司桶、湯船に風呂桶、手桶、さらには棺桶までと、あらゆる暮らしの道具をつくっていた。しかしライフスタイルの変化に伴い桶は売れなくなり、祖父・亀一さんの代には京都に250軒ほどあったという桶屋は、中川さんが独立する頃には、わずか3軒になっていたという。

「小さな工房で家族を養えればいい、独立した頃はそう思っていました」

変化を受け入れ、販路を広げた

しかし、そんな中川さんに転機をもたらしたのが、前述のシャンパンクーラー『konoha』の制作だった。

「日本」だけを意識して桶をつくっていたときは、700年続いてきた桶のつくり方は変えようがないと思っていたし、その必要性も感じなかった。しかし、木桶の形を大胆に変えることに成功すると、デザインの入り込む余地が生まれ、販路が世界へと広がった。中川さんはそう振り返る。

変化を受け入れ、その時代を生きる人が使いたくなるものをあつらえるイメージで、時代や文化に合わせた職人仕事をしていく。それが、職人の可能性を拓（ひら）き、伝統技術を守る鍵になるのではと信じている。

世界が驚嘆する“木桶”へと進化

そして現在、中川さんの創造性はさらに進化を続け、国内外から高い評価を受けている。

30枚の板を木目で合わせる超絶技巧

皮革製品で有名なスペイン老舗ブランド『ロエベ』のロエベ財団と、ロエベのクリエイティブ・ディレクターであるジョナサン・アンダーソンの主催で行われた「ロエベ・クラフト・プライズ」。現代の芸術の中で工芸（クラフト）が重要な位置を占めるといった認識のもと2017年から始まった画期的なプライズだ。その記念すべき第1回で、中川さんの出品した『Big Trays of parquetry』が、75カ国3900作以上もの応募の中からファイナリスト26作品のひとつに選ばれた。

出品作の丸盆は一見しただけでは継ぎ目が見当たらないが、日本産の杉から30枚の板を切り出し、削り、組み合わせている。父・清司さんから受け継いだ「柾合わせ」の技が世界に認められた瞬間だ。

ロンドン、パリの美術館に収蔵される「KI-OKE」

また、中川さんがデンマークのデザイナーとのコラボレーションによって制作した「KI-OKE スツール」は、2015年にロンドンの「ヴィクトリア＆アルバート博物館（V&A）」、2016年には「パリ装飾芸術美術館」のパーマネントコレクションに選ばれている。いずれも装飾やデザインに特化した、世界的にも権威のある美術館だ。

かつては、ヨーロッパに木桶を持ち込むことは難しかった。空気の乾燥により木板が収縮し、タガがはずれてしまったからだ。しかし現在は、持ち込む土地の湿度に合わせ木材の含水率を調整する技術が確立され、日本の「KI-OKE」が世界に羽ばたけるようになったのだ。

新たな扉を開くために

現在、中川木工芸比良工房には国内外からの注文が絶えず、数ヶ月待ちの状態が続く。2階建ての工房では、若い職人らが忙しく働いていた。

かつては「家族だけ養えれば」と考えていた中川さんだったが、現在は職人の育成に力を入れる。木桶づくりの技術を伝えていく一方で、2020年に誕生させた新ブランド『滋器-shiki-』の制作では、若手職人らのアイデアを取り入れている。

滋器-shiki-はその名の通り、滋賀の木材を使った器のブランドだ。カップや皿といった若者たちにとって日常的なアイテムをつくることで、その時代の暮らしに合ったデザインをあつらえる感覚を養ってほしい。そんな思いで弟子たちを見守っている。

次は職人に光を当てる側へ

異分野の職人や異業種とのコラボレーションにも取り組む中川さんだが、今後は日本の職人に光を当てる活動をしたいという。海外に出たことで、国内でまだ日の目を見ていない職人の中にも世界に通用する人材が多いと気づいたからだ。

伝統技術とデザインが融合すると、職人は世界に羽ばたける。かつて自分の目を開かせたその体験を、工芸に携わる者たちにもしてほしい、その機会をつくりたいのだという。

それが日本の工芸の可能性を広げ、次代を担う職人へのバトンになると信じているからだ。 

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歴史的建造物を支える匠

岐阜県北部に位置する飛騨高山。豊かな森に囲まれたこのエリアでは「匠（たくみ）」と呼ばれる技術者が数多く育ち、1,300年ほど前から日本の木工や木造建築の先端を担ってきた。奈良時代においても、その技術の高さが認められ、年間100人ほどの匠を都に派遣する代わりに税が免除される「飛騨工制度」が特別に制定されるなど、薬師寺・法隆寺・東大寺など、数多くの神社仏閣の建立を支えてきた。
その後も歴史的な建築物に携わり伝統文化を発展させていくなかで、「飛騨春慶（ひだしゅんけい）」「一位一刀彫（いちいいっとうぼり）」などの工芸品を生み出してきた。そして、100年ほど前に西洋の家具技術“曲げ木”が伝えられ、試行錯誤しながら匠の伝統技術と融合した。日本人の食生活のスタイルがちゃぶ台からダイニングセットに変わっていくのにあわせて、高山の家具職人たちは高いデザイン性と機能性をあわせ持つ木工家具のノウハウをたくわえ、高山は日本を代表する家具生産地として誰もが認める存在となった。今日も国内外に“匠”のファンを増やし続けている。

伝統工芸を現代生活にあわせていく

東京都日野市に生を受けた大澤昌史さんは、20代前半に高山に移住し、職業訓練校で木工技術を学んだ後、家具職人として家具メーカーに就職した。「気にいってしまって、勢いで（笑）」と築80年を超える古民家を購入し、そこで自身の工房「まる工芸」を始めた。
当初は、木工家具を作っていたが、曲げ木の技法を追求していくなかでオーダーを受け「オーバルボックス」という楕円系の箱の制作を開始した。オーバルボックスはキリスト教諸派のシェーカー教徒が、19世紀ごろ｢美は有用性に宿る｣という信仰に基づき、ていねいな手仕事で生み出した家具の一つが起源。薄い木材を曲げて作られるシンプルな物入だ。多くのメーカーや職人たちがレプリカとして復刻版を制作するようになると、幅広い層からの支持をうけて、生活に溶け込むおしゃれな雑貨として知られるようになった。
それを大澤さん流に再現する。かなめは、家具職人時代に培った曲げ木の技巧。薄く堅牢な広葉樹を高温の蒸気で蒸して柔らかくし、型に入れて固定し、乾燥の加減を見極めてしなやかで美しい曲線を作り上げる。それぞれ異なる木目や木が持つ水分に合わせて、ミリ単位の調整が必要なため、一筋縄ではいかない。曲げた木が反ったり浮いたりしないよう“スワローテイル”と呼ばれる形に接合部をしつらえ、一つ一つていねいに貼り合わせる。絶妙な力加減で小刀を使って切り出し、細部にまで魂を込めていく。無駄が極限まで削ぎ落とされ、完全なる機能美を体現した作品は多くのファンをとりこにし、ほとんど店頭に並ぶことが無いまま、完売してしまう。
また、伝統的な工芸を現代の生活様式に合わせて再構築するのが、大澤さんのスタイル。曲げ木の技術を応用した優雅な曲線が美しい木製のティッシュケースや、見事な円を描いた木枠の中にはめた鏡なども生み出し、合理性とオリジナリティを両立させた様式美を追求する。今度の目標は、100年後も残る作品を作ること。「ただ、美しいと心から思えるものを作りたい」。先人の意思と技を継いだ現代の匠の願いは、作品の佇まいのように、どこまでもシンプルで、比類なく純粋だ。

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用の美を追い求めた木漆工芸家

大阪市中央区南船場。ひな人形をはじめ、おもちゃや駄菓子などの問屋や専門店が100軒以上並ぶ松町町筋商店街から程近いビルの３階に、木漆工芸家・藤嵜一正さんの工房「槌（つち）工房」がある。扉を抜けると、まわりの喧騒とはまるで別世界。棚には、美しくかつ温かみを感じさせる作品が並んでいる。茶箪笥などの家具から、小さな茶器など、木を彫り漆を塗っただけのように見える素朴な民芸調の作品たち。だが、シンプルであるがゆえに、造形の美しさが際立つ。
藤嵜さんは1943年京都府舞鶴市生まれ。15歳の時に木工の道を志し、富山で修行を積み、1967年に人間国宝の故黒田辰秋氏に師事、1971年に独立した。その後、2009年に第56回日本伝統工芸展で高松宮記念賞を受賞すると、2011年1月には大阪府指定無形文化財 木工芸保持者 工芸第１号に認定された。
「用の美」を追い求めた作家生活50年を超える木工界の大御所でありながら“今だに満足出来る物なし、コレカラ、コレカラ”と自ら作品を発表し続けるだけでなく、多くの門下生を輩出し、関西工芸会を支えてきた。「手に持ってみるとすごく馴染みます。飾っておくというより、日常でつかいたくなるような作品が多いですね」（中田）

藤嵜流が生み出すオリジナリティー

「僕は工芸品は使ってもらうためにあると思っています。どんなときに、どんなふうに使うのかを考えることから、ものづくりが始まります」（藤嵜さん）藤嵜さんの工房では、作品を完成させるまでの工程を一貫作業で行う。そのため、分業する多くの工房とは違い、オリジナリティーを追求することが出来る。完成までに時間がかかっても納得のいくものを造るのが藤嵜流だ。
奥を見せてもらうと、ノミやのこぎりが並ぶ作業場が。ビルの中だけに決して広くはないが、機能的につくられた空間で弟子たちが木と向かい合っている。「中田さんもやってみますか？」。もちろん中田もその気だ。早速ノミと木槌を持って、盆づくりに挑む。「力任せではダメです。木の目を見ながらノミを入れていってください」（藤嵜さん）まな板のような板を少しずつ削っていく。最初はノミがスベったり、木槌がうまく当たらなかったりしていたが、徐々にリズムよく削れるようになっていく。季節は秋だというのに、中田の顔に汗がにじむ。「うまくノミを入れられるようになると、今度は削りすぎてしまうような気がしてしまいます。力加減が難しいですね」（中田）

集中して作業をしていると、あっという間に数時間が経過していた。藤嵜さんはこの懇切丁寧な手仕事を50年間続けてきたのだ。長く大切に、受け継ぎたいものが持つ価値が何かを垣間見たような気がした。

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山中漆器に新風を吹き込む人間国宝

川北工房の作品を見てから、一度伺いたかったという中田を、工房を親子で営む川北良造さんと川北浩彦さんが出迎えてくれた。川北工房ではろくろを使った挽物で、お椀やお盆など円形の器ものを制作している。父の良造さんは先代から木工の挽物の技法を受け継ぎ、匠の技術を持つ人間国宝である。木の魅力を最大限に生かした作品づくりが得意で、１mm中に8本の線を引くという技に卓越性が光る。加飾の面では、加賀市で生産される山中漆器特有のさまざまな筋挽きを自在に取り入れ、縮れ象嵌(ぞうがん)、べっ甲、珊瑚(さんご)によって華やかさを加味するなど豊かな表現方法で、山中漆器に新風を吹き込んでいる。

生活の中で活かされる漆器を

工房の展示室でまっ先に目を引いたのは、象嵌によって大きく花柄が描かれた漆器のお盆。中田は興味深そうに拝見しながら、「漆器というと器だけれど、過去に川北さんの作品を見てから漆器のお盆の素晴らしさに気付いた」と称賛した。川北良造さんは、「私たちの作るものは飾るものではなくて、まずは用にかなうもの。“これはこういう用途で”と生活の中で活かされることが主たる目的となり、このお盆は仏様やお人形を置く用かと、想像しながら作った」と話してくれた。

お椀作りを体験させてもらう

中田は浩彦さんに習いながら、木工芸のお椀作りを体験させてもらった。ろくろにつけられた木材に刃物を当てて、形を作る作業だ。刃物を右脇に挟み、刃先を木材に当て、重心を動かしながら削っていく。「やってみないと分からないものだ」と苦闘するも、慣れてくると道具を使いこなし、スムーズに作業は進んでいった。「まずは削ることから、毎日毎日やっていかないとできない」と浩彦さん。日々の努力の積み重ねが感じられるアドバイスであった。

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角館の桜が描く美

角館といえば桜の名所。武家地のしだれ桜は「角館のシダレザクラ」として国の天然記念物にも指定され、毎年多くの人がその美しさを堪能しに訪れる。その桜は角館にもうひとつの美を生んでいる。それが今回見学させていただいた樺細工だ。
樺細工は独特の技法でみがいた山桜の樹皮を貼り付けた伝統工芸品。山桜特有の光沢がありながらも渋く奥深い色合いが美しい。また、樹皮の防乾性、防湿性が特徴で、代表的な製品としては茶筒などのお茶道具類や茶だんすなどがある。

生活を彩る樺細工

今回伺ったのは1851年に創業された藤木伝四郎商店。樺細工というと茶筒のような円筒形のものが思い浮かぶのだが、こちらにはさまざまな商品が並んでいる。例えば写真立て。枠の部分が樺細工になっており、写真がより美しく映える。例えば名刺入れ。無機質なメタルの名刺入れでは味気ないが、これならば愛着がわくというもの。ほかにお盆やお皿、コースター、さらにはランチョンマットもあった。普段の生活のさまざまな場所で温かい「和の彩り」を加えてくれる。

日本の美を海外展開も

もともとは江戸時代に始まり、のちには武士の内職として発展した樺細工。当時は印籠、根付、帯締めなどが流行していたそうだ。やはり大げさに「美術品」というよりももっと身近な「生活の彩り」という面が強かったのかもしれない。
　その伝統を受け継いでひとつひとつ手仕事で丁寧に作品を仕上げる藤木さん。デザイナーさんといっしょに仕事をしたりと現代的な感覚も取り入れた作品を作っている。海外への展開もしているが、美術品としてよりは「使ってほしい」という。作い手の顔を思い浮かべ作り続ける。伝統は生活のなかに生き続けてこそ伝統なのかもしれない。

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山形に伝わる山形仏壇とは

良質な漆がとれることで、山形県の村山盆地は漆工業が盛んな土地だった。また、木材資源も豊富だったために木工業でも賑わっていた。その歴史のなかでいまでも残っている工芸品のひとつが山形仏壇だ。その特徴はけやき材を使ったほぞ組による頑丈な作りがまず挙げられる。それに加えて、精密な彫刻、奥行きのある宮殿も特徴だ。さらには、黒金具を使うことや、木目を活かした漆塗りによって、全体的に落ち着きのある温かな印象を与えてくれる。
起源は江戸中期の享保年間。星野吉兵衛という人物が江戸浅草に木彫りを学んだことに始まる。その技術を山形へ持ち帰り、欄干や仏具の製作を始めた。そこに漆の塗師や、蒔絵師、金工職人などが集まり、仏壇の製作を始めたというのが、山形仏壇の起源とされている。

指物も作る指物師でもある

こうした歴史もあり、もともと山形仏壇は分業の仕事だった。明治になって量産を始めるにあたっても、木地、宮殿彫刻、金具、塗、蒔絵、箔押し、仕組と七つの仕事に分かれた分業制をとった。お話を伺った齋藤義孝さんはそのうちの木地師だ。仏壇を形作る木を選定し、素地を整えていく職人。山形仏壇の特徴である美しい木目は木地師によって作られるのだ。
「でもね、人が少なくなって、小物屋さん（指物師）が少なくなってね」と齋藤さんは話す。そのため、現在では齋藤さんは木地師として活躍するとともに、指物師の仕事も行う。ちなみに指物師の仕事は、木材を組んでいく仕事。ときには、ものすごく細かい作業もあり熟練の技が必要になる。「ほんとは、木地師はつくるもんでないのよ。屋根だけの職人がいるのよ」と言いながら見せてくれた細工は本当に細かなものだった。
それでも「ごまかしは気に喰わない」と、仕事について語る。木地師に指物師、どちらとも専門の知識と特有の技などがあり、その両方をこなすというのがどれほど大変か容易に想像がつく。でも齋藤さんは「もちろん大変だけど、すごく楽しくもあるんですよ」と話していた。

木地師人生まだまだ

木地師で指物師というのにも驚いたが、齋藤さんは仏壇だけでなく神社のお仕事も請け負うことがあるのだという。神輿なども手掛けているのだ。その話が出たのは中田が宗派による違いを聞いたときだ。
もちろんお寺の宗派によって、仏壇には決まりごとがたくさんあり、その種類を覚えるのが重要であり、大変だと齋藤さんは答えてくれた。そのときに中田が「神社関係のものも作るんですか」というと、「ほかの人はほとんどやらないけど、私は作ることがある」と話してくれたのだ。お寺でも宗派でさまざまな違いがあるのだから、お寺と神社ではまた大きな違いがあるだろうと聞いてみてると、答えは「もちろん」。材質も造りも違うところがいっぱいあるのだという。それでも「今後は総けやきのお稲荷さんを作りたい」と、すごく楽しそうにその話をしてくれたのが印象的だった。「人生まだまだ。何かを覚えれば覚えるほど、難しくなっていくね」と山形仏壇の匠はしみじみと語ってくれた。

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箪笥に向き合うと思うこと

岩手には岩谷堂箪笥という工芸品が伝わる。もとは1100年代に藤原清衡が産業・神仏に力を入れた時代にできたものだ。時代がくだり1700年代の後半に岩谷堂城主の岩城村将が車輪のついたものを作らせ、1800年代に入り彫金の装飾がつけられるようになった。そうして現在の岩谷堂箪笥は形作られた。その岩谷堂箪笥を制作する及川孝一さんの工房、藤里木工所にお邪魔した。及川さんが箪笥を作るときに思うのが「木」のことなのだという。
「この木は切られなければ何百年と生きていたんだなってふと思うことがあるんです。それを切ってまでこうして箪笥にしているのだから、何百年も生き続けるようなものを作りたいって思うんです。だから大量生産という時代の波はどうも好きになれない。木の大切さをわかってくれる人にぜひ使ってもらいたい」とまず木を見ながらお話をしてくれた。

時代とともに変わる箪笥作り

そういう時代の変化でいろいろなものが変わった。例えば金具。もともとは彫金でひとつひとつ職人が彫り込んでいたものを、箪笥を彩る金具として使っていたが、現在はひとつの型から鋳物で作るものが多いという。「ただ」と及川さんはいう。「これは彫金だからいい鋳物だから悪いっていうことではない。時代に合わせた変化なんです。実際に鋳物のほうがどっしりしていて、いい風合いだという人もいる。価値観は人それぞれですから」
時代とともに変化する。それは決して悪いことではないむしろ自然なことなのだ。ただし木の美しさなど変わらないものもある。そういった変わるものと変わらないものが混じり合って、伝統というのは受け継がれていくものだろう。

造形への興味はなくならない

及川さんも伝統的なものだけでなく新たなチャレンジもたくさんしている。例えばハーモニカを仕込んだ箪笥。これは「岩谷堂箪笥とはいえないけど」と前置きをして見せてくれたその箪笥は引き出しをあけるのにあわせてハーモニカがなる仕組み。
及川さんのギャラリーには、箪笥以外にもたくさんの作品が置いてあった。もともと若い頃は彫刻をしたかったという。だがいきなりは無理だということで友人のお父さんの指物師に弟子入りしこの世界に入ったそうだ。そうした志があったことから、本来は分業である彫金の作業も及川さんは自分でできるかぎり作るという。
また木彫をやりたいという気持ちは今でも持ち続けている。「そう思って木は買ったんですけどね。なかなか進まなくて」と話してくれた。その木に何が彫り込まれるのか。いまから楽しみだ。

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家具になる大きな木がならぶ貯木場

待ち合わせの場所は“広葉樹の森”と名付けられた「貯木場」だった。岩泉純木家具有限会社は家具製作の会社だけれど、まず木を見てもらいたいということだ。中には見たこともないような大きな木が1枚1枚、凛とした姿で「木材」になり保管されていた。そこで案内してくれた工藤宏太さんから衝撃的な一言が出た。
「実は日本の国有林の広葉樹はすべて伐り尽してしまった状態なんです」という。この貯木場にあるのは約30年以上前から買いためてきた木なのだそう。一枚板をそのまま家具にするような場合には大きな木が必要になる。しかし、国内の広葉樹の木材市場は縮小の一途をたどり、それほど立派な木材を見つけるのは難しくなってしまったのだ。外国産の輸入木材が市場に多く出回り、国有林では針葉樹のほうが生育が早いと考えられて針葉樹の植林が進められていることもその理由の一つだという。

１本の木が100年でひと山の価値に育つ

「山を持っている人は何年かに一度、パルプ用に木を切り出します。本当はね、その時に山を丸刈りにしないで、いい広葉樹を10～20本残しておくといいんです。その残った良い木が100年、つまり三代残れば大きく育ちますから、1本でひと山分の価値になるんですよ。そうやって良い木を残すようにしていくことが大事なんです」
その話を聞いて「そんなに時間をかけて、長い目線で考えているんですね」と中田は驚いていた。たしかに木が成長するのには時間がかかる。その時間も見すえながら木と向かい合わなくてはいけないのだ。

そして外に出て見せていただいたのは長さ６ｍ以上もある巨木の前。特別にこの木を木材にする製材の場面を見せてもらった。木には必ずある“芯”がどのように入っているかを見極めながら製材していく。
「この技術というか感覚は教えるのが難しそう」と中田がいうと、「製材は習うことじゃない、経験。木に聞いて覚えるしかないんです」と工藤さんは話す。

この木はこういう家具になる運命だった

岩泉純木家具が一貫して自社で行う、木の収集と製材から始まる家具づくり。製材所で「木に聞いて覚える」と工藤さんは言っていたが、家具も同じ。
「うちの家具はその木に聞いてデザインしたいと思ってます。原板を見て、これはこうできるなというふうに考えていくんです」
それでできあがった家具を見て「この木はこうなるしかなかったんだと思えるように仕上げられるときがある」という。そのときは本当にうれしいそうだ。最後に木の手触りが残るようなオイル仕上げや漆仕上げを行う。
釘も一切使わないで、「木」を中心にした家具を作る。丸太を木材にするところから木に聞く。そしてその木材が「どんな家具になりたいの？」と、木に聞く。「この木はこうなる運命だった」と納得できるようになるには、とことん木と向かい合わなくてはいけないのだ。

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鳥越竹細工ってどんなもの？

「鳥越竹細工は1000年も続いている工芸品だと言われています」。そう教えてくれたのは、岩手県二戸郡一戸町の鳥越地区で鳥越竹細工を制作している柴田恵さん。鳥越観音を開山した僧が伝えたとされ、その起源は平安に遡ると言われている。
鳥越竹細工は地元に自生する「すず竹」といわれる細い竹を四等分に割り肉をそぎ、しっかりと編み込んでいくことで強さを出す。今も昔も変わらず、かご、ざる、行李など日用の「道具」を主に作る、生活に密着した工芸品だ。また、使い込むことで独特の色つや、風合いがでることでファンやリピーターも多い。

時代によって変化するもの

だが、作り手は若い人がなかなか増えず、高齢化しているということを柴田さんは危惧していた。「趣味として習いに来てくれる人は増えたんですが、仕事にするというとなかなか…。だからもっともっと若い世代にも広げていきたい」と柴田さんはいう。
そのためにも現代の生活に合わせたデザインが必要になる。どのあたりが変わってきたのかと中田が聞くと「これまで丸いかごっていうと本当に丸いものしかなかったんです。でも現代の台所の形にあわせて楕円形のかごも作るようになった」と柴田さんは答えてくれた。またほかの素材と組み合わせるということもしていきたいという。
「ただそのあたりのプロではないのでなかなか難しい。ほかの漆や木工の人たちとも一緒にやりたいねって話しています」
その話を受けて、中田もいろいろなアイディアを出す。
「基本的には丸いものが多いですよね。とがった角をいっぱいつけることもできますか？」
「なるほどね。でも、この技術では難しいかも」
「あとは食器籠を下の籠、上の籠で重ねられるようにするとか。下に茶碗を置いて、上にお箸をおけるように。網目の大きさを変えて、組み合わせられるようにバリエーションを作るとか」
「それはすごくいいですね。こうやって話すとこちらが考えもしないこと、やらないことっていうのがいっぱいでてきて楽しい。ぜひ作ってみますよ。ぜひお送りします」

鳥越竹細工の作り手がいなくなるのは寂しい

古くは農家の農閑期の副収入としての作業という立ち位置でもあった鳥越竹細工。農家の貴重な現金収入源であったのだ。それが江戸時代頃には特産品として注目されるようになったが、柴田さんによれば、「やっぱり農家で冬だけ作っていました。ほとんどの家庭で作っていたんではないでしょうか」という。
柴田さんは生まれも育ちも鳥越。だから鳥越竹細工は身近にあったということだ。小さな頃から母が作るのを見ていたという。ただし「教えてくれなかったんですよね。作業が忙しくて、そんな暇がないんですよ」という。その母が病気で倒れ、家の中に作り手がいなくなるのが寂しいと思い、自分でがむしゃらになって作り方を覚えたのだという。
古くから伝わる暮らしの道具、地域に根付いた工芸品がいまどのくらい私たちの身の回りにあるのだろうか。岩手の県北の小さな集落で、いまも1000年の歴史を持つ竹細工が受け継がれていた。

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父から家業を継ぐ

今回お話を伺った菅原伸一さんは、建具師（たてぐし）と指物師（さしものし）というふたつの顔を持った方だ。建具師として父である先代から家業を受け継ぎ、寺院では国の重要文化財に指定されている寛永寺旧本坊表門（黒門）の修復や、毛越寺の本堂復元では建具を担当した。
そして、指物師としては「工房いち乃葉」を立ち上げ、日本工芸会にも発表する箱物や、指物の技術を用いて茶室で使用する風炉先屏風なども制作している。
「茶道の先生のお家の建具を作らせていただいたことがあり、それから指物に興味を持つようになりました」と菅原さん。仕事や展覧会で出会った多くの人と話し、古典の様式や様々な美意識に触れることがとても勉強になっているという。

技術ではなく”素材”を活かす

天然の秋田杉で作ったという組子細工の夏障子に中田が見入っていると、菅原さんは「若い頃は細かく凝ったデザインのものばかりを作っていました」と話してくれた。そして目が行くのが木の模様。中田が「これは文様をつけたものだと思った」というその模様は、自然が生み出した年輪を活かしていたのだ。
「若い頃は、職人としてより複雑な技術を使いたいと思っていた気がします。でもいまでは素材からものを考えるというふうになりました。だから、どんどんシンプルになっています」と話す。

作品に用いられる神代杉とは

もうひとつ制作途中のお茶箱を見せてもらう。使われている木材は、モミジとイチイ。「これから表面を砥いで仕上げますが、最後の磨きあげには昔から使われている砥草（トクサ）を使います。いまも山に生えている草です」そう言って、お茶箱の表面を砥いで見せてくれた。すると木の表面がしっとりとした艶を帯びるのだった。
菅原さんは貴重な神代杉も作品に用いる。神代杉とは、樹齢数百年と考えられる巨大な杉が地中に埋まったまま数千年経過したもので、偶然掘り出されるときだけ市場に出るため大変貴重な素材だ。年輪を重ね、幾年月も生きてきた木が菅原さんの手によって美しい作品に生まれ変わる。

組子細工を作ってみる

工房では組子作りを体験させてもらった。「こういう作業苦手なんです…」と中田がいうと、菅原さんも「実は私も不器用なんですよ」と言う。
「不器用でも、とにかく丁寧に作ろうとすればなんとかなります」と笑う。そして、ひとつひとつの木片を組み合わせ、１枚の組子の板が完成した。
これまで数々の仕事をこなし、工芸展など作品を発表してきた菅原さんだが、「これからやりたいことは？」との質問には「まだまだたくさんありますよ」と答える。
「やりたいことはたくさんある。例えば、住まいを全体でコーディネートするということをまずやってみたいですね。建具を作るということで家作りに参加したことはありますが、壁も何もないところからすべてをというのはやったことがない。だから家一軒をまるまるコーディネートとするということに挑戦してみたい」そう話してくれた。箱物から、建具、そして住まい。改めて、日本の木工文化は面白いと感じさせられる。菅原さんのこれからの活動も目が離せない。

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