吹きガラスの味のある美しさに魅了され、伝統の技法で毎日の食卓にのぼる器を作るガラス作家・三浦侑子さん。使い勝手を考えた器は手にすると安定感があり、食卓で凛とした佇まいを見せる。和食や洋食といった料理のジャンルや場面にかかわらず、“日々使える器”をコンセプトに、暮らしに溶け込むガラス作品を作っている。

自然豊かな岡山県北の地に移住

吹きガラスの作家、三浦侑子さんの工房『Bamboo Glass』は、岡山県苫田郡（とまだぐん）鏡野町の静かな山間の地にある。岡山市内からクルマで約1時間半、鳥取県境まで15分ほどの距離。近くには岡山県美作地方を代表する奥津温泉や名勝地の奥津渓があり、四季を通じて豊かな自然に恵まれるエリアだ。三浦さんはこの地で2014年、工房を始動させた。

毎日の食卓にのぼる器を制作

三浦さんが作る器は、無色クリアや淡いグレーのかかったコップやワイングラス、お皿、ボウルなど。「吹きガラスは2000年以上の歴史がある技法です。私は昔の人が使っていた器のフォルムにとても惹かれるので、その歴史をしっかりと勉強して、現代の人にとっての使いやすさを考えながら自分らしいデザインに挑戦しています」

大学在学中、吹きガラスと出合う

三浦さんは大阪府生まれ。京都造形芸術大学在学中に陶芸や木工など様々な工芸にふれ、そのなかでもっとも惹かれたのがガラス工芸だった。さらに追求したくなり、京都市にあった工房「Glass Studio Aaty」の教室で吹きガラスの経験を積み重ねた。数あるガラス成形の技法から「吹きガラス」を選んだのは、じっとしているのが得意ではないから、と笑う。

だからこそ、体を動かしながら作る吹きガラスは性に合ったのだろう。実際にやってみると、そればかりでなく溶けたガラスの動きが面白く「吹きガラスについてもっと知りたい」「やわらかい状態のガラスを扱いたい」と考えるようになっていった。

吹きガラスは、高温溶融したガラスを「吹き竿」となる鉄管に巻き取り、空気を吹き込んで風船のように膨らませて成形する。型にはめ込んで成形するよりも薄いガラスを作ることが可能で、その技法は古代ローマ時代からほとんど変わっていないといわれる。

ガラスを仕事にするために勉強を続けようと、大学卒業後は富山ガラス造形研究所造形科に進んだ。2年間、ガラスの基礎となる理論、技法や必要なデッサンから、作家として独立するノウハウまで学んだのち、静岡県の『磐田市新造形創造館』でガラス工房のスタッフとして5年間勤務。同じスタッフとして働いていた夫の和さんが岡山県苫田郡鏡野町の『妖精の森ガラス美術館』に就職したことを機に、この地に移り住んだ。

同じことを繰り返しても、同じものはできない

現在は住まいの一角に工房を構え、ひとりで制作している。工房には作る器のサイズに合わせて自作した2つの炉が並ぶ。作業用の炉の温度は約1000℃。ガラスを溶かして貯めておく炉の作業中の温度は約1180℃。こちらはガラスの気泡などを除去するため24時間稼働させ、翌朝すぐに作業できる状態にしている。ふたつの炉が発する熱に包まれながら、コップであれば朝から晩まで20〜30個を作り続ける。「同じことをひたすら毎日、繰り返しても飽きない。それが不思議です。同じものを作っているつもりなのに出来上がったものは一つひとつがどこか違う。だからでしょうか」

古いガラスを見て学び、自身の創作では洗いやすい形状や簡単には割れない厚みなどを工夫して現在のスタイルにたどり着いた。色合いは汚れのつきにくい無色クリアが中心で、ほかに古いグラスの持つ雰囲気を出そうと、ガラスに鉄や銅を微量、混ぜ合わせてグレーがかった色味の器も作っている。いずれも食卓で主張せず、馴染みやすい色合いだ。

好きなグラスのひとつに、20世紀のフランスの大衆食堂で使われていた脚付きのグラスがある。いわゆる「ビストログラス」と呼ばれるもので、ある程度大雑把に扱える丈夫なグラスだ。「このグラスのように手に取りやすく、素朴な日常性のあるものを作りたい」と話す。

創作を始めた当初は自分の作品を知ってもらうため、全国のクラフトフェアに出展した。長野県松本市の「クラフトフェアまつもと」や、静岡県静岡市の「ARTS&CRAFT　静岡手創り市」、岡山県倉敷市の「フィールドオブクラフト倉敷」などでお客さんと話をして自分の作る器への反応を知った。陶磁器と並んでも干渉せず、洋食にも和食にも使えるガラス器は意外と少ないことを知り、「食卓に馴染むガラス」というテーマが確固としたものとなった。口コミで取引先は徐々に増えていった。

仕事と暮らしがつながる環境

三浦さんは、古書市などで集めた古いガラス器に関する書物を夜な夜な眺め、制作のモチベーションにしている。「例えば16世紀のベネチアングラスなど、写真であってもずっと見ていると当時の職人が頑張って作ってきたんだなって感動するんです。道具の跡など作業の痕跡を見つけたりしながら、どんなふうに作っていたかを自分なりに考えてみるのが楽しくて」

山のふもとで気兼ねなく、のびのびと仕事ができる現在の環境は、仕事と日常がうまくつながっているという。例えば朝、家の周囲の落ち葉を掃き集めることも仕事に向かうまでの大切なリフレッシュ法のひとつ。自然を感じながらさっぱりとした気分で工房に入ることができる。「これから先も今の生活を続けたいです。機織りをして生活をつないできた女性のように、山の中でコツコツと毎日、作っているイメージなんです。仕事は生活の一部ですから」と笑う。

最近になって7月半ばから8月の気温の高い時期は炉の火を落とし、今までは持てなかった自由な時間を使って博物館でガラス器を見たり、ガラスの資料を集める時間にあてたいと考えている。資料を見ているだけではわからないこともあるはずと考える。

この地に移住して以降は子育てに専念し、アルバイトをしていた時期があった。それでも頭のどこかでいつも「また吹きガラスの制作をやる」と考えていた。自身の創作意欲を疑ったことがない点に三浦さんの強さが現れる。日々の生活からインスピレーションを見つけ出し、創作に向かえることが三浦さんにとって何よりの喜びなのだ。

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能登の自然を感じながらつくるガラス工芸品

能登島が浮かぶ七尾湾は、日本海に位置しながらも荒波の影響を受けることなく、まるで湖のようなさざなみがあるだけで、海鳥や魚たちもゆったりと過ごしているような印象だ。ガラス作家の有永浩太さんは、この自然豊かな能登島の七尾湾に面した工房で作品を作り続けている。すぐ近くには、石川県能登島ガラス美術館があるため、その縁でこの地に着たのかと思いきや、「親戚がこの家を使っていたのを譲り受けました」とのこと。
「もともとは大阪出身なんですが、倉敷の大学でガラス工芸を学び、福島や東京の新島のガラス工房で働いた後、４年前にこの能登島にやってきました」（有永さん）

空気は澄んでいて、音といえば風と波と鳥の鳴き声くらい。島内のなだらかな丘陵地には水田や畑が広がり、冬でも豪雪にならないため、四季折々、様々な農作物にも恵まれている。また、街灯が少ないため夜は星空が美しく、天然のプラネタリウムさながら、ため息が出るほど豊かな自然に囲まれている。

「能登半島は、“陸の孤島”と言われていたようですが、最近は交通網が発展していて、金沢からクルマで１時間ほどですし、能登空港から東京にもすぐ行けます。無理をすることなく、仕事に集中するには最高の環境なんです」（有永さん）リビングに飾られていたのは、触るのも怖いくらいに繊細なガラスの器。布地のように見えるガラスが重なりあい、周囲の光を柔らかく拡散、ガラスの透明感にやさしい色のベールを纏いなんとも言えないニュアンスを醸し出している。

芸術と実用性の両方を目指す

「gaze」と名付けられたシリーズは、その名の通り、ガーゼのような柔らかな生地をガラスの中に封じ込めているように見える。「ベネチアで伝統的に使われているレースガラスという技法なんですが、それを日本人の感性でアレンジしたいと思ったんです」（有永さん）自宅に併設されたガラス工房に行くと、ガラス窯が赤く燃えたぎっていた。普段はここにこもって作業をしているという。

「さきほどの作品も素敵でしたが、こういう素朴な器もいいですね」（中田）
中田英寿が目をとめたのは、何気ないグラスや水差し。色ガラスでつくられたそれらの作品は、たしかに素朴な雰囲気だが、繊細な造形と手作業ならではの味わいの両方を感じさせるものだった。リビングで見た作品群とはまた異なる趣がある。

「展示会に出すような作品をつくるのと、日常のための器をつくる作業の両方があるからバランスが取れているような気がします」（有永さん）作家として美を追求することと、職人として実用性を追い求めることを両立するのはけっして簡単なことではないだろう。しかし黙々とガラスを吹き、カタチを整える有永さんの仕事ぶりを見ていると、そのふたつが違和感なく存在しているように思えた。

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電球ガラスから始まった「松徳硝子」

創業は1922年。もともとは電球用ガラスの生産工場として立ち上げられた、松徳硝子。
時代の波に押され、電球用のガラスは機械製造がメインとなり、職人たちの手作りであった松徳硝子は電球用ガラスから撤退を余儀なくされていった。
そこでメインとなったのが器。機械化が大きく押し寄せた時代だったが、金型に向けてガラスを吹き、形を整える「型吹き」という手仕事を貫いて、評判を高めていった。

電球製造の技術で作るグラス

一般に「一口ビールグラス」と呼ばれる、古くからある江戸硝子のグラスがある。料亭や割烹で広く愛用され続けている薄吹きグラスだ。「まずは一杯」といって、ビールを注ぎ、それをくいっと一口で飲み干す。宴会の席でいつも使うグラスより小さなビールグラスを見たことがある人も多いと思う。そのグラスに電球製造で培った薄吹きの技術を注ぎ込み、多くのお店で評判を得た。

繊細さを要求される「うすはり」シリーズ

現在でも松徳硝子が酒器をメインに扱っている理由はそこにある。そしてその技術をさらに発展させて「うすはり」というブランドを作ったのだ。うすはりはその名の通り、非常にうすいことが特徴。だからこそ口に当たる飲み口の感触がきれいに伝わってくる。それから、氷のカランという音がそのまま伝わってきて、心地よさをよりいっそう引き立ててくれるのだ。
はじめに、ショールームでグラスを拝見し、次に隣にある工場へ案内してもらった。そこでは数十人の職人さんがうすはりシリーズを始め、ガラスの器を作っていた。
「うすはりを作るときには、普段より気を遣わなくてはいけないことがあるんです」と案内してくれた広報担当の齊藤能史さんは説明してくれた。
「まずはガラスを溶かす段階。どれだけ最上の状態に仕上げるかというのが勝負なんです。うすはりのデザインはシンプル。そしてもちろん、厚さは均一なので、ガラスそのもののアラが目立ってしまうんです」
そのため、窯や原材料の状態、風や気温などの条件で、「うすはりを作れない日」というのも出てきてしまうのだという。それだけ、繊細に条件を見極めるのだ。
「それと、職人の技術。例えば100gのグラスを作るなら、切断する部分等も計算して、仕上がりが100gになる量のガラスを窯から巻いてこなくてはいけないんです。そうしないと、厚さや重さに影響が出てしまって、これも目立ってしまう」
徹底した管理と職人さんの繊細な技が、うすはりを支えているのだ。

まずは知ってもらうこと。機械にはないものを

再度ショールームに戻ってお話を聞いた。松徳硝子では金型をオーダーメイドで作って、オリジナルのグラスを作るという相談もできるそう（数量・予算等、応相談）。中田もこれには興味津々。デザインもあらゆる形に対応できるという。松徳硝子は手作りにこだわる。だから齊藤さんは「機械ではできないことをして、どこかに特徴を出していかないといけない」と言う。
「機械で作ったものが1000円。手作りのものが1500円。でもこの500円の部分は“手作りだから”ということではいけない。同じものを作っていてはいけないと思うんです。機械ではできない付加価値を、1500円でも納得していただけるものを作らないといけないんです」
職人の技が作り出す「うすはりシリーズ」はそのひとつだろう。細かく、繊細な作業は機械のほうが得意というイメージもあるかもしれない。しかし、その日の天候に合わせてガラスの溶け具合を調整する。毎回同じ100gを持ち出すという、本当に大事な繊細さは職人の熟練された技のなかにあるのだ。

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万華鏡のような江戸切子のカットグラス

中田がグラスを手に取り、覗き込む。そこには万華鏡のような世界が広がっている。ぐるりとグラスをひとまわりさせると、さまざまに違った紋様が浮かび上がる。篠崎ガラス工芸所の篠崎清一さん、英明さんの親子が制作した作品だ。
これは江戸切子のグラス。江戸切子というと、線を主体とした複雑な幾何学紋様ものものがすぐに思い浮かぶかもしれない。「昔は矢来という、線の紋様を描けるだけで飯が食えたんです」と清一さんが話してくれた。

「でもそれは昔のこと。シンプルなものは海外へ発注するなどして、日本の職人は淘汰されていってしまった。それから昔は有名なデザイナーがデザインしたという付加価値がなければ、百貨店などで取り扱ってもらえなかったんですよ。だから職人は大変だったんです」
そのお話の途中で息子の英明さんが持ってきてくれたのが、最初に中田が眺めていた万華鏡のようなグラスだった。

清一さんが作る江戸切子の特徴とは

技で生み出された江戸切子の魅力

「これはオヤジの代表作なんです。この花模様は今でも人気があります」
清一さんの作り出す切子は、緻密な細かいカットが特徴。その技術が作り出すのが、ガラスのなかに点と円を描いた万華鏡の江戸切子だ。しかも単にグラスに花模様を描くだけではない。手前のガラスの花模様のなかに、向こう側の花模様が映り込むのだ。それで万華鏡にように見えるというわけ。これはすべて計算されたデザイン。曇りガラスのような加工を入れてアクセントを付けることもある。この花模様のほかにも円を描いたり、華やかなデザインがあり、目を楽しませてくれる。
「昔の切子は線で始まって線で終わるから、昔の切子職人はこれは江戸切子じゃないと言うかもしれない」というが、江戸切子の職人が作りなら発見したガラスの魅力のひとつではないだろうか。技術が先にあり、それならこういうこともできると考えてデザインをする。こうして職人の頭のなかから、新しい独特の江戸切子は生まれたのだ。

集中して重さを忘れる

さらに篠崎さんはサイズの大きな作品を作る。江戸切子というと、手に収まるコップやワイングラスが思い浮かぶ。しかし篠崎さんは、数人前の食べ物が乗るのではないかと思える大皿や料理用の鍋ぐらいあるのではないかと思う水差しも作っている。中田がその水差しを持ってみると「重い」とつい言葉に出てしまうぐらいの重量があった。材質はクリスタルガラス。当然大きくなれば重い。何と10キロ以上もある器もあるそうだ。
「削りを入れるときは当然、これを持って作業をするんですよね。重い、ですよね…」
「もちろん。重い。でもね、どんどん作業にのめり込んでいくと、その重さを感じなくなるんですよ。それよりももっといいものをって集中してしまうんでしょうね」
10キロもあるガラスを抱えながら繊細な紋様を入れていく。失敗すれば一貫の終わりという作業に、集中すればするほど重さは気にならなくなるのかもしれない。拝見した数々の器は、まさに職人の心意気がつまった作品なのだ。
「ただ集中しすぎてＧＷだっていうのに仕事ばかりしてしまって、妻に友達と旅行にいってきますと愛想をつかされたこともありましたよ」そういって苦労をまるで感じさせないような明るさで清一さんは笑っていた。

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海外のデザインを受け継いだ江戸切子の歴史

江戸切子の紋様には決まったパターンがある。「だいたい10数種類のパターンの幾何学紋様が基本としてあるんです」と話してくれたのは小林淑郎さん。お祖父さんのころから３代続く、江戸切子の職人だ。
「自分でデザインする人は独特な模様もあるが、基本的には既存の紋様を使うんです。新しい柄が“江戸切子”と呼ばれて流通することはあまりない。独自の一点ものはあるかとは思いますが」
小林さんによれば江戸切子の幾何学紋様はもともとガラス工芸の盛んだったヨーロッパから伝わってきたものだという。特にカットの技術はアイルランドやイギリスが盛んで、そこから入ってきた紋様が多いという。それを日本風にアレンジしていって、現在”江戸切子”と呼ばれる、日本独自のものとして確立したのだ。古い紋様も以前はたくさんあり、薩摩切子などに特徴的に残っているものもあるという。

古いものと新しいものと

小林さんの家は、代々続く江戸切子の職人さんの家。現在は息子の小林昂平さんが４代目を継いで活躍もしている。そういう家ならではの、昔ながらの道具などもたくさん残っている。
なかでも現在と昔を大きく違うのは、江戸切子ができる最後の工程、磨きの部分。工房にある昔の砥石を見せてもらったが、昔はすべてその砥石で手磨きで仕上げをしていていた。手磨きだと工程がいくつもあり、かなりの時間を要したという。それを一変させたのがダイヤ盤の登場。研磨する効率が良いダイヤ盤により工程はひとつに、時間にすると４倍ほどスピーディーになったという。

「道具がよくなると職人の腕は落ちます。でもそれが悪いことかといえば必ずしもそうとは言えない。導入しないとやっていけないという事実もある」
現在、手磨きとダイヤ盤のほかに酸磨きという方法がある。一時「手磨きでないと江戸切子ではない」と言われたこともあったそうだが、小林さんは「酸磨きは大正の時代からあった技術。だから手磨きじゃないと江戸切子じゃないというのは誤解なんですよ」と言う。

古き伝統の中に、新しい技術が入ってくる。いつの時代の伝統も同じ壁にぶつかり変化していく。そうした江戸切子の変化が小林さんの工房には残されていた。

職人が描く江戸切子の特徴

江戸切子の大きな特徴は、マス目を使った幾何学紋様のような図柄。作品として見れば“美しさ”だが、ひとたびその模様を描くとなると“難しさ”という壁になる。それを中田が身をもって体験。
「この赤い線が消えるまで削ってください」と小林さんに言われ、グラスを円盤にあてて削っていくがなかなかうまくいかない。
「どうしても線の太さが均一にならないんです」。中田はそう言って悔しがる。線の太さ、深さが均一でないから、マス目の角が合わなくなってしまう。これでは江戸切子の魅力は半減だ。「これは身体で覚えるしかないんですよね」と小林さんは言う。昔は10年やって一人前と言われたそうだ。たしかにこの技術が一朝一夕で身につくはずはない。だがこの技術があってこそ江戸切子の美しさが導き出されるのだ。

江戸切子が直面する課題

現在江戸切子を作り出す会社は、都内に59社ほどしかないそうだ。その多くは職人がひとり、ふたりという状況だともいう。ガラス製品は高価な印象もあり、需要が少なくなってきていること、そして、若手を育てるのに時間がかかることが大きな課題だと小林さんは言う。江戸東京に伝わる粋の伝統工芸。未来へ向けての課題もあると話してくれた。

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江戸切子のこだわり抜いた作り方

江戸切子の店 華硝は、江戸切子の工房として1964年に創業した。現在は2代目熊倉隆一さん、3代目熊倉隆行さんが制作に携わる。
江戸切子の店 華硝の大きな特徴は、商品は全て「手磨き仕上げ」を行うこと。カットの美しさを最終的に完成させる磨きの工程にこだわりを持つ。そして手磨き仕上げを行うための機会や材料は全て自作したものだという。
ガラスでありながら手触りにも気を配る、大量生産の器にはない手仕事をひとつひとつの器にこめている。

江戸切子を世界へ

江戸切子はその色と独特の紋様が国内外から人気を集める工芸品だ。江戸切子の店 華硝では、より多くの海外の方々へもその魅力を伝えたいという。オールドグラス、ワイングラスをはじめ、ランプシェードも手掛け、欧州の生活にも美しく栄えるデザインだ。
また、新しく独自の紋様を器に取り入れ、現代的な感覚を追求した作品にも取り組んでいる。その新しい紋様は新たなファンを獲得し、江戸切子の認識の幅を広げることにも繋がっている。
手に持って使用するグラス、灯りをともして眺めれば美しく佇むランプ。現代の生活をより豊かに美しく演出する江戸切子を作り続けている。

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薩摩切子の歴史

薩摩切子（さつまきりこ）の誕生は、1846年に島津家第27代藩主・島津斉興（しまずなりおき）が創設した製薬館・医薬館をきっかけに、そこで用いるためのガラス器として製造されたことに端を発する。その後、第28代藩主・島津斉彬（しまずなりあきら）によって工場が設営され、本格的な製造が行われると、城内にあった花園跡精煉所が研究の末、当時の日本では薩摩藩でしかつくり得なかった、紅ガラス創造に成功。その後も多彩なガラス創造を実現し、全国に「薩摩切子」の名を知らしめた。
しかし、1858年に斉彬が急死すると、西洋技術による藩の産業振興を目指した活動は、財政を圧迫しているとの理由でそのほとんど縮小・閉鎖。さらに、1863年の生麦事件から発展した薩英戦争で、多くの工場が壊滅し、薩摩切子は幻の工芸となってしまう。
その後1960年代に薩摩切子再興が図られ、1966年に紅･藍･紫･緑の4色のガラス器の復元に成功、その後も金赤色・黄色が復元され、現在は薩摩切子の全6色が復元されている。

“ボカシ”を特徴とする薩摩切子

「切子」とは、ガラスにカット文様を刻み込んだことをいうが、薩摩切子の最大の特徴は、”ボカシ”といわれる色彩のグラデーション。
これは、透明なガラスの上に色ガラスをかぶせ、角度の浅いカットを施すことで生まれる技法で、ほかにはない温かみと奥行きが独特の雰囲気を醸し出し、日本人がもつ細やかな感性で生まれた美の表現といわれる。美しい”ボカシ”は、色ガラスをかぶせた厚みが均一で、かつカットも同様に均一でないと生まれないといわれており、薩摩切子の技術の高さがうかがえる。

繊細な仕事が薩摩切子の美しさの秘訣

薩摩切子の作り方

薩摩切子をつくるにはいくつかの工程があるが、おおまかには以下のようになる。

• 坩堝（ルツボ）でガラスを溶解。溶けたガラスを吹き竿に巻きとる
• 巻きとったガラスを、濡れた新聞紙を折りたたんだ『紙りん』で丸くならす
• 『ポカン』と呼ばれる型に色ガラスを吹き込み、バーナーでカット。その内側に別に巻き出した透明のガラスを押し込み、色のガラスをかぶせる
• 型に入れたりコテを用いるなどして成型、徐冷炉とよばれる冷却装置に入れて、ゆっくりとさます
• 『当たり』と呼ばれる、カットの目安となる線を入れる
• 少量の水をかけながらダイヤモンドホイールを回転させガラスを彫りこむ。ダイヤモンドホイールでの掘り込み方にも種類があり、組み合わせることでさまざまな文様が生まれる
• カットされたガラスを磨きにかける。この磨きにも種類があり、この作業でカットの艶を出す。

今回中田が訪問した「薩摩びーどろ工芸」では、職人の方の技術を間近で触れたほか、製造過程のガラスを巻き取る作業やカットを体験。少しでもずれると作品の美しさを損ねてしまう、その難しさを実感した。

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