中世から続く六古窯のひとつ、備前焼。岡山県備前市周辺でとれた土を用い、釉薬をかけずに焼き締めることで生まれる、1点1点異なる表情が魅力の焼物だ。その備前焼のよさを大切にしながらも、現代の暮らしに合うモダンさを備えた器作りに挑んでいる、陶芸家･森本仁さんの工房を訪ねた。

日々の暮らしが作品に表れる

岡山県の南東部に位置し、備前焼の里として、数多くの窯元やギャラリーが立ち並ぶ備前市伊部地区。同じ備前市内にありながらも、そこからクルマで20分ほどの静かな山のなかに、陶芸家･森本仁さんの自宅と工房はある。街の喧噪から離れ、豊かな自然に囲まれた環境で、陶芸に勤しんでいる。
備前焼作家の父の元に生まれた、森本さん。大学で彫刻を学び、卒業後は父親からのすすめを受け、岐阜県で美濃焼の陶芸家･豊場惺也氏に師事。師匠と寝食をともにする生活を4年間続けた。

当時のことを森本さんは、「禅僧の修行のようだった」と振り返る。朝起きて、掃除や食事の手伝い、庭の手入れ、薪割りなど、師匠の動きを察しながら、それに合わせて自分も動いていく。師匠が気持ちよく仕事ができるようサポートするのが使命だった。そんな暮らしの中で、「日々の生活こそ、その人の作品なのだ」と実感したという。それを体感できたことが、今の森本さんの礎となっている。

現代の暮らしに溶け込む備前焼を

岐阜での修業を経て、2003年に帰郷し、父の元で陶芸家として歩み始めた、森本さん。地元を離れていた期間があったことで、備前焼を客観視できたことも大きな成果だった。森本さんが陶芸の道に進んだ今から20～30年前の備前焼は、重厚感を重視した作品が主流。そのため、いざ自らの生活に取り入れようと思っても、使いづらいと感じることも。「薄くしたり軽くしたり、備前焼の風合いを生かしつつも、普段使いしやすいものが生み出せるはず」。そんな思いを抱き、現代生活にフィットする備前焼への挑戦がスタートした。

土作りと登り窯が、備前焼の要

備前焼に用いる土は、備前市周辺の田んぼから採取した「田土」が基本。窯に入れた際の収縮率が高いため、しっかりと焼き締まる。そのために水が漏れないので、釉薬をかける必要がないのだ。さらに、窯の中での置き場所や、灰のかかり方などによって、色が変化し、さまざまな表情が生まれる点も大きな特徴だ。

現在、森本さんが使用している土は、父親が50年ほど前に購入したもの。まるで石のように硬い原土を砕き、水につけて溶かして自分好みの粘土にしていく。釉薬を用いない焼物だからこそ、仕上がりを大きく左右する土作りに力を尽くす。

そして、備前の土のよさを最大限に引き出すには、薪を使った登り窯で焼くことが重要だと考えている。登り窯に火を入れるのは1年から1年半に1回で、準備から焼き上げまで7～8か月を要する。いざ、焼き始めると約1週間は窯につきっきりに。「登り窯で火を焚き続けると、焼物を仕事にしているという実感があるんです。ぐっとくる感じがほかの窯とは違うんです」と、森本さんは目を輝かせる。

釉薬ものも手がけ続ける

薪窯で焼く備前焼の作陶と交互に、師匠から学んだ釉薬ものも灯油窯を用いて手がけ続けている、森本さん。「両方あったほうが食卓が生きるし、おもしろい」と、その理由は実に明快だ。さらには、備前焼と釉薬ものを両方手がけることで、自分の作品であっても、それぞれを客観視できるようになったことも、自分にとっては有益だったと語る。

灯油窯で焼く、独自の「白花」シリーズ

また、備前の土を用い、灯油窯で焼く「白花（しらはな）」シリーズは、森本さんが考案したオリジナル。伝統的な備前焼同様、釉薬を用いない焼き締めだが、灯油窯でなるべく焼き色がつかないように焼くことでフラットな焼き上がりと不思議な質感が生まれる。色は備前の土そのものが持つ、グレーがかった白。研ぎ澄まされたフォルムと、これまでの備前焼にはなかった色合いで、現代の暮らしにすっと溶け込むようなモダンな表情をたたえたシリーズとして人気を博している。
このように、同じ備前の土を用いても、用いる窯や焼成の仕方によって、まったく表情の異なる作品に仕上がる。焼物にとって大切なのは、土と窯の相性だと考えている、森本さん。その相性がよいとおもしろいものが生まれるというのだ。固定概念にとらわれることなく、さまざまな手法を試してみる軽やかな姿勢が、新たな魅力を備えた焼物を生み出すことにつながっているのだろう。

やりたいことは次々と生まれてくる

日々の生活では、庭の手入れを怠らず、季節の草花を飾り、母から茶道も学び続けている。仕事場も空間づくりや道具ひとつひとつにこだわり、自分が心地よく作陶に打ち込めるように、整えている。師匠から学んだ、「暮らしにこそ、その人の作品が表れる」という教えに恥じぬよう、丁寧な暮らしを続けている。そんな毎日のなかで、いろいろなものを見て、いろいろな人と話していくうちに、やりたいことが次々に湧きおこってくるのだとか。

今後について尋ねると、「やりたいことがありすぎて、全然消化できていない感じです、ずっと。だからひとつずつやっていくしかないですね」。これこそが森本さんの作陶における原動力に。近年は、海外向けの仕事も少しずつ増えてきた。焼き締めが海外の人にはモダンに映り、支持を集めているのだ。日本向けにはやりたくてもできなった、大型の作品を求められることも多く、やりがいにもつながっている。

これから先が、僕の本当の仕事

このように新しいことを試しながら、備前焼も釉薬ものも、プロの仕事として、説得力のある作品を生み続けていくつもりだ。そのうえで、陶芸に飽きることなく、慣れることなく、いかに楽しく続けていけるかが課題でもあるという。ある程度のことができるようになってきた今だからこそ、「これから先が僕の本当の仕事なんだと思います」と森本さん。師匠や父から受け継いだ教えや技を自分の陶芸へと昇華させながら、軽やかなにしなやかに、焼物の新しい世界を広げていってくれるはずだ。

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大分県北西部に位置する日田市。自然豊かな日田の灰や土を使い釉薬をつくり、人々の生活に寄り添う器を手掛ける陶芸家･三笘修（みとまおさむ）さん。日々の暮らしの中で生まれる「美しいもの」や「魅力的なもの」を追求、表現し続けている。

焼き物との出会い

2007年、故郷である日田に築窯した三笘さん。高校卒業までを日田で過ごし、デザインを学びたいという想いから、東京学芸大学の教育学部に進学し美術を専攻した。当時は、車などの工業デザインに興味があったというが、大学で才能ある人たちにふれて、自分の未来に悩んでいた時に授業で出会ったのが焼き物。その面白さにどんどん惹かれ、のめり込んでいくようになったという。生まれ育った九州は焼き物も盛んで、日田では一子相伝で受け継がれる「小鹿田焼（おんたやき）」や、近県である佐賀の「有田焼（ありたやき）」も国内外から高い人気を誇る。三笘さんの手掛ける作品とはテイストは違えど、小さい頃から陶磁器に触れるという意味では焼き物は常に身近にあったといえる。三笘さんが焼き物と出会い、地元に戻り工房を構えるという人生は、ある意味偶然ではないのかもしれない。

「型作り」で表現されるゆらぎ

三笘さんの主な技法は、「型作り」。ろくろは使わず、型による成形や手びねりだけで器をつくっている。大学の授業でろくろも体験したが、技術が身に付くまでに数年という時間を要するうえ、頭の中の理想のイメージと出来上がりのギャップが大きく、ろくろは性に合わなかったという。自分らしいスタイルを見つけるため、様々な雑誌を読み、展覧会を巡りながら見つけたのが「型作り」だった。また同じ頃、京都で人間国宝である石黒宗麿（いしぐろむねまろ）の作品を見る機会があった。その作品の中に、型でつくられているものがあり、「これがいいな」と直感的に思ったことが決め手となった。そのまま京都の型作りの先生のもとに弟子入りし、本格的に型作りを学び始めた。

手で生み出されるニュアンス

三笘さんの器づくりは、まずイメージをスケッチしてデザインすることから始まる。描いたものを立体的になる様を見比べながら粘土を成形し原型をつくり、石膏で型をとる。型を張り合わせ、ひとつひとつ指で押さえてなめらかにし、特に口の部分はかなり薄めに仕上げるのが特徴のひとつ。また、器を持ったときに重心が下にある方が持った時の感触が良いため、腰の部分はわざと厚めにしメリハリをつけているという。すべてが手作業なため時間は要するが、それでもこの技法にこだわるのは、型作り独特の「ゆらぎ」を表現するため。型作りは、生地を型に当て上から叩くことで粒子が乱れムラができ、焼成後に予測できないような動きがプラスされる。ろくろ挽きでも勿論ゆらぎは出来るが、型作りの工程の中で生まれるゆったりとしたリズムや指の圧力、そして手掛ける時間が、唯一無二の個性に繋がっていると三笘さん。彼が手掛ける器の魅力となる柔らかな揺らぎ、美しい歪みはすべてを手でつくることで生まれている。

「こだわらない」こだわり

“一つとして同じものがない” それが三笘さんのつくる作品の大きな特徴でもある。

型おこしをする段階では端正な形を意識してシャープにつくるが、焼成することで独特のゆがみやゆらぎが出ると三笘さん。指圧ひとつで仕上がりに大きな影響を与えるが、それがまた面白いのだと笑顔をみせる。「毎回思い通りにいかず、コントロールできないのが陶芸の楽しさのひとつ。1から100まで人間の思い通りにつくったものは、あまり面白くないかな。」と三笘さんは言う。陶芸を始めた当初は、自分のデザイン通りにつくりたいという思いがあったが、月日を重ねていくうちに思い通りにいかない事も魅力だと感じるようになったという。また、器は使う人によって育つものだと言われ「焼物はこうあるべき」というルールは持たないが、唯一こだわるのは釉薬。陶磁器の表面を覆う釉薬は焼成することで様々な表情を生むが、三笘さんは地元の天然原料を使って地味(ちみ)ある器を作りたいと思っている。

自然からなる釉薬で伝えたいもの

独立してすぐの頃は、自分の作品に個性を出さなければという想いが強く、あえて使い勝手の悪い形や色の器を作ってみるなど、紆余曲折の日々が続いた。釉薬も市販のものを使用していたという。そんな折、知り合いから経筒（きょうづつ）を作ってほしいと依頼があり、たまたま人からいただいた天然灰で釉薬をつくると、とてもやさしい色合いの器が完成した。その方から、「その釉薬が一番あなたらしいよ」と言われたことがきっかけとなり、天然灰などの自然の原料にシフトするようになったという。自然の原料と言えど同じ木でも、幹と枝の部分では出る色が変わってくる。また土地が違えば養分も違う。更には同じ釉薬で焼いても、還元焼成と酸化焼成で焼き方が変われば仕上がりは大きく変わってくるが、毎回違った表情が見られるのが焼き物の一番の魅力であり三笘さんの個性に繋がっている。

また三笘さんの釉薬は、地元の山から採ってきた材料を手で砕き、自作しているため長い時間を要する。すべての工程を1人で行っているため生産量が少なく、「手に入らない作家」として知られている。手間ひまをかけ完成される作品は、色や濃淡、釉薬からなる表情、焼いた後のゆがみやゆらぎ、そのすべてが唯一無二の存在となる。他と一線を画す独特のオーラを放ち、無駄なものを省いた繊細なエッジなど、シンプルな中に個性を求める人に愛されているのだ。

使う人の想いをつなぐ、結ぶ

今から15年ほど前、台湾のお茶の先生と知り合ったことをきっかけに中国茶器も手掛ける三笘さん。中国や台湾にも足を運び、先生が持つ宋の時代や明の時代の器を見せてもらい、実際に使わせてもらった経験は大きかったという。「焼き物や作品を、どれだけ多く見るかが経験となり目を養うことにつながる。器や急須は、使っていくと育つもの。日本独特の文化「金継ぎ」もそのひとつだが、古くなるのではなく紡いでいくことで味が出る。」焼き物に限らず、詩や彫刻なども本物を感じられるものが好きだという三笘さん。中国や韓国、ヨーロッパなどの古い美術品からインスピレーションを受けつくられる作品は、日本のどの焼き物文化にも属さない独創性がある。

自分で作って美しいと思うものを見た瞬間、日常で仕事に集中できているとき、想像していないものが出来上がったとき。そんな日常のワンシーンが喜びであり、最大の癒しになると三笘さんは笑顔をみせる。「淡々と過ごす日々の中で、美しいものや偶然できた産物に出会い、充足の繰り返し。そこに、作家の主張はいらないのかな。」

作り手の想いだけはなく、ただ、使う人や見る人の想いを反映できるようなものを作りたい。そう言いながら、三笘さんは今日も５坪の工房で、人々の生活に寄り添い愛される作品をつくり続ける。

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大分県臼杵市に拠点を構える「USUKIYAKI研究所」。
ここでつくられる「臼杵焼（うすきやき）」という器は、江戸時代後期に臼杵藩の御用窯として存在しながらも、
わずか十数年で途絶えた焼き物が起源とされています。
自然豊かな環境の中で育まれる想いを器を通じて発信し、臼杵の歴史を受け継ぎながら新しい未来へ繋げています。

大分県の東南部に位置し、磨崖仏（まがいぶつ）として日本初、彫刻としては九州で初めて国宝に指定された臼杵石仏や、歴史薫る城下町など文化の風情漂う町、臼杵。独特の雰囲気を持つ臼杵の町に残された焼物文化に魅了され、新たな歴史を刻む宇佐美裕之さんのもとを訪れた。

「臼杵」という町が持つ文化

大分県臼杵市は豊かな自然環境や、二王座歴史の道に代表される城下町など様々な歴史や文化が残る町。中でも、海のもの、山のものがある「食の町」としても広く知られている。代表されるのは、人々が伝統を守りつつ改良を加えてきた味噌･醤油･酒造りの醸造業。また、江戸時代に起きた天保の改革の発令により生まれた「質素倹約」の精神が育まれる中、知恵を絞って生まれた郷土料理など、多様な食文化が発展し存続している。2021年には、これまで守り続けてきた食文化が評価され、2021年ユネスコ創造都市ネットワーク食文化部門に加盟認定された。　

そんな歴史ある臼杵で今から約200年前の江戸時代後期、臼杵藩の御用窯として島原（長崎）小石原（福岡）小峰（宮崎）の陶工たちが迎えられ陶器と磁器がつくられたが、窯が開かれ十数年ほど栄えたのち、衰退したとされている窯業。その幻の窯業文化に着目したのが「USUKIYAKI研究所」代表の宇佐美裕之さんだ。

「USUKIYAKI研究所」の設立までの道のり

美大時代に焼き物と出会った宇佐美さん。在学時から専攻していたアートと焼き物を融合し、手掛けたいという想いは常にあったという。卒業後は地元･臼杵に戻り、実家が営む郷土料理レストランを継ぐかたわら、観光の仕事にも携わっていた。料理の器などを扱うなかで、今は途絶えている焼き物が地元にあることを知り、「自分がもつ焼き物の技術とうまく結びつけて、臼杵独自のブランドを一歩でも前進させたい」と考えるように。またそれと同時に、途絶えてしまった臼杵の窯業文化を復興したいという想いもあり、大分で作陶をしていた仲間とともに2015年に立ち上げたのが「USUKIYAKI研究所」だ。かつてあった臼杵の焼物文化を自分たちでリニューアルし、一から作り上げたいという想いのもと誕生した。

楚々とした美しき白磁の輪花

わずか十数年で途絶えた臼杵の焼き物は、当時の窯場が末広善法寺地区（通称･皿山）にあったことから地元では「末広焼」または「皿山焼」と呼ばれていたという。宇佐美さんが最初に出会った「末広（皿山）焼」は、アイスクリームを入れたらちょうどいいくらいの小鉢。菊の形をした白磁の輪花（りんか）を見た瞬間、「いいな」と惹きつけられた。昔から「質素倹約」の精神が育まれている臼杵の文化と、シンプルだが品がある白磁の輪花は、自分たちの手掛けたい器のイメージにぴったりだと直感したという。宇佐美さんは、菊や蓮の伝統的なモチーフからなる白磁の輪花や稜花シリーズを展開させたいという想いと、臼杵という町の地域活性化への願いを込めて「臼杵焼（うすきやき）」と名付けた。

長く、大切に使ってもらえる製品を作りたい

「臼杵焼」のモチーフとなるのは、臼杵の町にある豊かな自然。草花や風、海や山からなる風景など、様々なものからインスピレーションを受けている。陰翳が美しいマットな白と、菊や蓮（はす）など、古くから臼杵に根付く伝統的なモチーフを現代的にアレンジしたデザインが特徴だ。残された数少ない資料や現存する作品を元に、生の粘土板を石膏型に乗せて型を移し取る「型打ち（かたうち）成型」と「ろくろ挽き」を組み合わせてつくられている。その多くは手作業により作り上げられるため、手仕事の風合いを纏いながら完成する「臼杵焼」の器。マット感のある釉薬を使用することで、手にした時に感じる柔らかな手触りが心地良い。完成までに時間はかかるが、「USUKIYAKI研究所」では限られた資源を大切に使い、手間を惜しまず、人々に長く使ってもらえるものを目指している。豊かな自然が生み出した、この土地ならではの産物は「つくる人」と「つかう人」の双方が大切に育ててこそ完成されるのだ。

「臼杵焼」のビジョンに共感したプロフェッショナル集団

そんな「臼杵焼」を手掛けるのは、陶磁器だけでなく様々な分野のプロフェッショナル集団。最初は少人数で始めた工房だったが、現在はスタッフも増え「USUKIYAKI研究所」と、「アトリエ皿山」の２か所で製造をしている。地元の人や移住者、世代や性別のほか、国籍も異なるメンバーで分業し作品を完成させている。「あまり難しい作業にすると職人の数も増えないので分業できる方法を模索し、今の「型打ち」という方法に落ち着きました。」臼杵で焼き物の仕事をつくりたいという想いから、研究所を立ち上げた宇佐美さんは、分業制にすることで職人活動の裾野を広げている。

​​​​​​「うつわは料理の額縁」という信念

シンプルながら趣のある「臼杵焼」は料理をより華やかに彩る器だ。

「臼杵の食を広く知っていただくための道具として、臼杵焼が役に立てば嬉しい」と宇佐美さん。国内でも珍しい取り組みだが、臼杵は土づくりセンターを設置し、有機野菜の為の堆肥を作っている町。そのような理由から「臼杵で農業をしたい」と、全国から若い農家さんが移住するケースも少なくないという。宇佐美さんはそんな地域の取り組みを盛り上げるべく、地元で採れた有機野菜を使った創作料理も提供する郷土料理レストラン「USAMI」と季節のお菓子と本格中国茶を楽しめる「皿山喫茶室」を通じ、人々に臼杵の味を発信している。

「うつわは料理を盛ってこそ生き生きするもの。うつわは料理の額縁」という研究所の信念。器は人の生活の中から生まれ、生活の中で使われるもの。「臼杵焼」は白く美しいだけでなく、どんな生活にも溶け込む素直さや使いやすさなど多面的な魅力を備えている。

「臼杵焼」のその先に

宇佐美さんは言う。「臼杵焼」を通して一番伝えたいのは、臼杵という町に興味を持ち、臼杵という土地に足を運んでもらいたいことだと。

2020年以降コロナ禍の間、臼杵を訪れる人が減った一方で、器のネット注文は増加した。ちょうど海外展開を考えていたタイミングであったが、出向かずとも商品の展示や発送、コミュニケーションはネットでも十分とれるということが分かった。一方で注文品を作るのに追われ、地元に来てもらい、実際に器に触れ、見てもらいながら販売したいという本来の想いが果たせなかったという。その経験からショップだけでなく、器に関する体験や食事、お茶を嗜む時間をゆっくりと持つための場所を求め、食と器の体験空間「うすき皿山」を完成させた。ここでは「臼杵焼」の展示販売をするギャラリーや、型打ちや金継ぎの体験や製造の見学ができるアトリエのほか、喫茶室や焼き菓子工房で構成されており「つくる･みる･ふれる」がすべて体験できる。年間を通じて、器や季節の食事を楽しめる様々なイベントが開催され、お客様との新たなコミュニケーションの場として温かな時間が流れている。

どんな時も宇佐美さんの胸にあるのは「臼杵という小さな町を全国に、そして世界へ発信したい」という想い。それは「臼杵焼」を手掛けるにあたり、世界中に暮らす大分、臼杵出身の方たちからエールをもらったことが活動の原点となり、その人たちへ恩返しをしたいという想いからなる。

臼杵を愛し、臼杵と共に歩む人々の想いをのせた「臼杵焼」は、これからも世界とつながってゆく。

臼杵の町に息づく天然の素材からインスピレーションを受け、自然や意匠を焼き付けてつくる「臼杵焼」。使う人がいつも楽しくなる器となることが、僕と仲間たちの願いです。

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現代アートと伝統工芸、相反する2つの表現の場を行き来しながら、美しい白磁の色気を提案するチェ・ジェホ（崔在皓）さん。韓国にルーツを持ちながら、日本を作陶の場に選び、全国での展覧会やアートコラボが話題を呼ぶ白磁作家だ。シンプルかつ高貴な白磁の常識に、チェ・ジェホさんが加える新たな世界とは。

自然豊かな山口県周南市の山間で生まれる陶器

山口県東南部に位置する周南市。自然豊かで静かな山間に工房を構えるチェ・ジェホさん。韓国・釜山出身で2004年、自身が33歳の時に日本へ移住。

朝鮮時代に中国より韓国へ伝わったとされる白い素地に透明の釉薬が掛けられたシンプルな焼物「白磁」の作家だ。独自の風合いや柔らかな曲線、チェ・ジェホさんによってのみ生み出される独特な白色が一度手にした人を虜にしてしまう。アンティークの風合いと現代の洗練されたおしゃれ感が同居する作品は日本の白磁界に新風を吹き込んでいる。

日本を表現の場に選ぶ

チェ・ジェホさんがはじめて日本を訪れたのは31歳の時。日本で行われるグループ展に招かれ、制作のため愛知県瀬戸市にある窯元に2ヶ月ほど滞在する機会に恵まれた。開催されたグループ展で出会った日本人の陶芸に対する熱意が印象的だったのと、はじめて触れた日本の白磁用の土の感触がとても魅力的だった。

「母国韓国では、美術館や博物館に展示されるような美術工芸品と普段使いする民衆的工芸品に対する理解に大きな差がある。日本では両者の境目がどこにあるのかが議論になるほど、工芸を取り巻く環境は円熟しているといえる。華美な装飾をほどこさない白磁にも芸術品としての定評があり、日本人の工芸に対する感性の高さに期待を持った。日本には自分の表現したかった白磁の世界を受け入れてくれる余白があると確信。自身の作陶の拠点を日本に移そうと移住を決めた」と話す。

広島出身の奥様のご家族を頼りに、多少不便でも、音も煙も出す器づくりが気兼ねなくできる工房を構えるためにと、自然の中の古民家を探した。ようやく見つかったのが山口県。韓国に居ながら写真と価格だけで購入を決めた。

アートの世界を目指して陶芸の扉をひらく

チェ・ジェホさんが白磁に目覚めたのは大学2年生の頃だった。幼いころから絵が好きで、中学でも美術クラブに在籍。特に現代アートに対する興味が強く、絵画を学ぶために韓国国内でも屈指の芸術大学、弘益（ホンイク）大学進学を目指していた。志望していた絵画コースが高難度だったこともあり、3年浪人した。4年目には入学することを優先し、手の届いた同大学の陶芸科に進むことを決意。たとえ希望の学部で学べなくとも、芸術センスあふれる学友たちとの交流が自身にとって良い刺激になることが分かっていたからだ。

そんな人生の選択に導かれるように、陶芸の道に進んだチェ・ジェホさん。現代アートとしての陶芸の基礎を学び、オブジェなどの制作に没頭していた。大学2年生の授業で古典美術に関するレポートの為に国立美術館を訪れ、目にした朝鮮時代（1392年〜1897年）の白磁「満月壺（タルハンァリ）」が、その後のチェ・ジェホさんの進む道を変えたのだという。 なんとも言えない柔らかなラインと表面の質感、そして温かな白に魅せられた。いつか同じような作品を自分でも作ってみたいと、朝鮮・高麗時代の「古典白磁」の世界にはまっていった。

現代アートからはなれ伝統工芸の世界へ

大学を卒業する頃には、現代アートの作家ではなく白磁の作家を目指すと決意。朝鮮時代の白磁作品から受けた感動を自身の作品で再現する作家になりたいと考えた。韓国では白磁用の土を手に入れることが難しい事もあり、白磁作家自体の数が少ない。弟子入り先を探すのには苦労した。教授のつてを辿り、ようやく見つけた弟子入り先が古美術の修復や古典美術の写しなどを手掛ける専門家だった。学びたかった朝鮮白磁のいろはや古典作品を見極める審美眼を身につけていった。

守り続ける恩師の教え

師事した恩師の教えは、同世代の現代作家の作品を真似るのではなく、博物館や美術館に展示されている「美しいもの、いいものを見て学べ」だった。時代を越えて人々が残そうとした本物の作品を見て心で感じ、想像を膨らませる。そこから見えてくるバランスと質感を学び、自身の感性が生み出す解釈として表現することが大切だと。自分なりの解釈ができた時に、レプリカではない独自の作品を生み出せるようになるというのだ。

そんな教えを守りチェ・ジェホさんは今でも、個展や商談で訪れる先に美術館や博物館があれば立ち寄るようにしていると話す。東京国立博物館や日本民藝館にもよく訪れるのだとか。オリジナル作品の作陶で忙しい今でも、インプットする時間を何よりも大切にしている。

独立で覚悟を決めた代表作作り

弟子入りしてから2年半が過ぎたころ、師匠が他界するという不運が訪れた。独立への十分な備えがあったとは言えなかったが、白磁作家としての一歩を踏み出すことに。独立するにあたり、大学時代のレポートで感銘を受けた「満月壺」を自身の代表作に据える覚悟を決めた。この時から今でも理想の曲線と表面の風合いを求め作陶する日々が続く。

チェ・ジェホさんの白磁

そもそも白磁とは陶芸の中でも「磁器」に分類される焼物で、陶石と呼ばれる石が主な原料。透明の釉薬をかけ白色に焼き上げるのが特徴で、鮮やかな絵付けなどを施した佐賀県の「有田焼」や石川県の「九谷焼」でよく知られている。

チェ・ジェホさんの白磁作品には、鉄分の少ない3種の土を用いる。陶芸用の白磁粘土に佐賀県有田の陶石や作品に独自の白色を引き立たせる韓国の粘土カオリンなどを混ぜる。鉄分を含まない透明釉により素地の白色を乳白色のニュアンスに変化させ光を通すと、白磁の凛としたツヤの中にやさしさを携えた透明感が生まれる。

制作時に、寸法は一切計らない。はじめに重さを計った後は、自身の手指の感覚のみで、ギリギリまで薄くして、自然的な歪みも含めたラインの美しさを大切にする。作品として飾るだけではなく、薄く軽いため使い勝手が良いこと。また白の引き算の効果で、草木花を上品に美しく引き立たせることは言うまでもない。

代表作「満月壺」

満月壺とは両腕で抱えるほどの大きさの壺だ。形が満月を思わせるので「満月壺」と呼ばれている。朝鮮王室が白磁を王室専属磁器とされた時代から伝えられる技法で、繊細なラインと大きな膨らみを持つ独特な曲線が見る人に癒しを与える。「胴継ぎ」と呼ばれる制作手法で、2つの椀型の原型を、上下繋ぎ合わせたあと窯で焼く。完全な球体にはならないが、圧倒的な膨らみと自然な歪みがうまれ、素朴な中に温かみと力強さが同居する。壺が放つおおらかな優しさに魅了される人が多く、白磁に魅せられた人々は行きつく先がこの満月壺の所有欲の沼なのだそうだ。

チェ・ジェホさんは満月壺に機械的に造られた綺麗なものには無い、手作りだからこそ生まれる風合いを表現し、朝鮮時代を生きた陶工たちの息遣いを感じさせることを意識している。満月壺からにじみ出る「温かみ」はどこか赤子を抱く母のぬくもりに似たやさしさがある。物でありながら人間らしさを感じさせる魅力は陶工たちがものづくりに込めた思いがこもっているからこそ。これを「色気」と表現し、自分なりの解釈で唯一無二の色気を満月壺に宿すことにこだわる。

日本での成功をつかむまで

日本に移住して作品作りを始めた当初は、お金もなく細々と手に入れた古民家の改修をしながら作品作りをする毎日。日本での知名度もなく「チェ・ジェホ」の名では作品が売れない。しばらくすると作品を作る原資すら無くなり途方に暮れた。いったい自分は何を目指しているのか、分からなくなる瞬間があったという。

ふと我に返り浮かんだのは「自分の考える、自分らしい白磁を作ろう」という思いだった。何かをまねるのではなく、見たもの感じたものの先にある自分の解釈を表現することが重要だと教えてくれた恩師の言葉を思い出し、朝鮮白磁がこうあるべき、という思い込みを捨てた。自分自身の解釈を投影する作品作りに振り切ったとき、「自分のつくりたい白磁」の解を得た。チェ・ジェホさんの迷いは消えて、作品作りへの自信がみなぎったという。

満を持してたどり着いた自分流の答えをもって、流行の中心である東京のギャラリーやショップへ売り込んでまわる日々が続いた。抱える白磁作家がいるからと断られることがほとんど。そんな中、とある古美術店の店主がチェ・ジェホさんの白磁を気に入り取り扱いが決まった。つづけて同店で個展を開くと、その評判はお客さんを通じて広まり、2008年ごろになると東京でも別のギャラリー主の耳に届くように。とんとん拍子でいくつかの有名ギャラリーで個展が開けるようになっていった。

駆け出しの頃は東京と山口の往復を続けながら、陶芸に強い関心を持つ日本の風土とまだ見ぬ将来顧客との出会いに胸を膨らませて心を弾ませていたと話す。

チェ・ジェホの白磁がさらに広く知られたきっかけ

日本での評価を受けはじめたチェ・ジェホさんの作品は、ギャラリーやショップだけでなくNHKの美術番組でも取り上げられ、注目を浴びることとになった。2020年「白磁」のテーマ回で、白磁界の大家・黒田 泰蔵氏、人間国宝の井上 萬二氏に名を連ねた。両者に並んで40代の外国人作家としての紹介には、本人も驚いたという。これまで自分が信じてのめり込んできた「チェ・ジェホの白磁」を日本が認めてくれたことを実感する瞬間だった。

独自の白が生み出すおしゃれ感をめざす

満月壺以外にも、年代を問わず毎日使ってもらえるような「生活に溶けこむ作品」作りも大切にしている。普段使いのマグカップや中皿、酒器、花器、中国茶器など幅広いバリエーションがある。シンプルで独特な質感が、ただの白ではなくおしゃれ感を醸し出す。白といってもその種類は様々で、チェ・ジェホさんが生み出す白は温かみを感じさせる。酒器や皿の中央にぽつんと佇む「人型」のワンポイントシリーズは若い層の顧客を中心に人気がありチェ・ジェホさんの遊び心を感じさせる作品だ。

使い手に愛され育てられたことによって、後天的に生まれる風合いの変化が美しいとされる朝鮮白磁を基礎に学んだからこそ生まれる発想で作品を生み出していく。

朝昼晩と移りゆく光に映える器を想像し、使い手のあらゆる利用シーンに馴染むよう、自身の感覚を頼りに、あえて指の筋跡を残す。目で見る凛とした佇まい、持って伝わる柔らかい曲線が醸し出す色気は、現代デザインとして目の肥えた人にも通用すると考えている。

アートシーンへの挑戦、黒と白の世界

2019年には、ニューヨークを拠点にペインティングやネオン、写真やビデオといった多岐にわたる素材を用いて制作するアーティスト、グレン・ライゴン氏からの熱烈オファーを受けて、コラボ制作が実現した。ファッションブランド「HYSTERIC GLAMOUR」が運営するギャラリー「RAT HOLE GALLERY」で、ライゴン氏のルーツを表現するものだ。近代美術やコンセプチュアル・アートに基づく作品を制作しているライゴン氏からの依頼は、「象徴的な白の満月壺を『黒』で表現すること」。

白磁作家が紡ぐ、漆黒の満月壺は荒々しい表面感と白磁の満月壺との対比が素晴らしく、話題を集めた。

誰もチャレンジしたことのない「黒の世界」

完成した黒い満月壺は、どこか宇宙を彷彿とさせる。遠くからみると吸い込まれそうなほど漆黒の重みがある。近づいて見ると、光の届かない月面の裏側や、凍った雪の表面のような凹凸があり、力強い作品に仕上がった。仮称として黒磁（こくじ）満月壺と呼んだ。

「静と動」「始まりと終わり」を、黒で出す引き算と白で出す引き算の対比が、現代アートとして象徴的に表現された。従来、満月を思わせる伝統的な形状と乳白色が特徴の満月壺の表現を拡張させることに成功した。

他のどの白磁とも違う、チェ・ジェホさんが生み出す「チェ・ジェホの白磁」は朝鮮が紡いだモノづくりの情熱とそれを新たな時代の表現に昇華させたハイブリッドな存在感で手に取る人の心をなぜか温かくする。

「白磁には色気が無いと魅力がない」とチェ・ジェホさんは語るが、確かにえもしれぬ妖艶さを秘めた温かさの沼にはまっていく。近づけば近づくほど表情を変える壺の魅力は作家チェ・ジェホの人柄を映し出しているようだ。これからも朝鮮白磁の魅力をチェ・ジェホ流の白と質感で表現し続けていく。

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京都を代表する焼き物「清水焼（きよみずやき）」と聞いて、あでやかな絵付けが施された和風な器を思い浮かべる人は多いのではないだろうか。そんなイメージとはかけ離れた器を作り、若い世代の消費者やプロの料理人に支持されているのが、陶芸家・清水大介（きよみず だいすけ）さんだ。

工房で働く職人の姿が見える。京都・清水焼団地の「TOKINOHA Ceramic Studio」

京都市東部にあたり、滋賀県との県境を有する山科区にある清水焼団地。1960年代に造成された工業団地で、陶芸作家の店や工房、材料を扱う店などが軒を連ねる。その一角にあるのが、清水さんと陶芸家の妻・友恵さんが運営する「TOKINOHA Ceramic Studio（トキノハ・セラミック・スタジオ）」だ。

入ってすぐ目の前に広がるのは、ふたりのブランド「TOKINOHA」のショップ。工房で作業する職人の姿をガラス越しに眺めながら器選びができるこの空間には、さまざまなテイストの器が並ぶ。

毎日そばに置きたくなるシンプルな形と色づかい。それでいて、使う人の気分を上げてくれそうなスタイリッシュさ。しかし、いわゆる「京都っぽい器」ではないかもしれない。「実際、『こんなのは清水焼じゃない』と同業者から言われたこともありました」と清水さんは話す。

清水焼の特徴とは

ところが実は、清水焼には材料や技法に関するきまりはない。というのも清水焼は、茶の湯が流行した安土桃山時代～江戸時代初期に、全国から京の都へ呼び寄せられた職人が、時の権力者や文化人らの求めに応じて各地の技法で器を作ったことを起源とする焼き物である。そのため、清水焼には全国のエッセンスが詰まっていて、それらをどう用いるかは自由だという。

「ここから何かを生み出してやろうという気概を持って、全国から土を探し出して最高の品を焼き上げる。その精神性こそが清水焼なのかもしれません。僕も自分の作品を通して『こんな清水焼もある』と伝えていけたら」と清水さんは言う。

では、清水さんはどのようにして現在の作風にたどり着いたのだろうか。

数々の変遷をへて見つけた「くらしを味わうための清水焼」というコンセプト

清水さんの出身地は京都市東北部を南北に占める左京区の南、岩倉と呼ばれるエリア。曾祖父は江戸中期から続く清水焼陶工の名跡・5代目清水六兵衛で、父親の清水久さんも陶芸家という陶芸一族の家に生まれ育った。しかし自身は、高校卒業後は京都府立大学環境デザイン学科へと進学し、建築を専攻。このころは陶芸家という将来をまったく描いていなかったという

変化が訪れたのは大学在学中だった。ものづくりが好きで建築という分野を選んだが、学んでいくにつれ、制約の多さにも気づかされた。そんなとき久さんが制作に打ち込む姿を見て「親父は面白いものづくりをやっているな」と自らも陶芸の道へ進むことを決意。大学を卒業後、京都府立陶工高等技術専門校で陶芸を学び、修了後は日本工芸会に所属し国内の工芸展で数々の賞を受賞していた陶芸家・猪飼祐一氏に弟子入りした。2009年には、専門校時代の元同期だった妻・陶芸家の清水友恵さんと京都市北区の借家で「トキノハ陶房」というアトリエ兼ショップを立ち上げるが、ここで清水さんはひとつの壁にぶつかる。

「勝つ」ために作ってきた器が刺さらない。来店客の無反応がつらかった日々

当時の清水さんは、展覧会への出品を目指しながら制作活動を行っていて、ほかの出品者に負けない、印象に残る作品を作ることに必死だったという。「トキノハ陶房」の店頭にも、今よりも作家性の強い作品を並べていた。

市街地にあった「トキノハ陶房」は、たまたま前を通りかかった人が中をのぞいていくことも多かった。しかし、そうした人たちの多くが全体を漠然と眺めたあと、すっと出て行く。

清水さんにはこの「無反応」がこたえたという。そうした経験を繰り返すうち、これまでの自分の作品は何かが違うのではという思いが芽生えた。

個性をそぎ落とした、シンプルな器にたどり着く

そして清水さんは、感想を聞かせてくれた来店客や異業種の友人らの声に積極的に耳を傾けるようになる。

「作品としては面白いけど、毎日使うにはちょっと」

「この部分がもうちょっと違っていたら、使いやすくなるのに」

そうした意見を受け止めながら、清水さんは「自分と同世代の人が使いたくなるような器」を目指した。そして、さまざまな技法を用いながら施した装飾をそぎ落としていくようになったという。

清水さんはそのころから展覧会への出品をやめた。そして、「生活に寄り添う器」というブランドコンセプトも固まった。

「グループ展で目立つ作品を作って、その中で勝てたとしても、使ってもらえないなら意味はない。作品単体で勝つことより、自分の作品の『群』を見て何かを感じてもらえたらと考えました。そのやり方に気づいたとき、ふっきれたような気がしました」

数ごまかしがきかないから、何の変哲もない皿こそ難しい

このころ清水さん夫妻は活動の拠点を清水焼団地に移し、ブランド名を『トキノハ陶房』から『TOKINOHA』に変更。工房兼ショップも同じ名前で運営しはじめた。2011年のことだった。

TOKINOHAの器の持ち味は「一見何でもない、シンプルなフォルム」だと清水さんは話す。たとえば何の変哲もない皿のようなごまかしのきかない形こそ、陶芸家にとっては難しいのだという。

釉薬の研究を重ね、多彩な色味やデザインに挑戦

また清水さんは、釉薬の実験を『トキノハ陶房』時代から続け、さまざまな色合いの器を生み出してきた。

人気シリーズのひとつに、銅釉を使った『copper』がある。ブルーの器が特に人気で、食欲減退の色だとして通常青い器を好まない洋食のシェフが「この青なら使える」と選んでいくという。“引き算”のデザインに徹し、料理を引き立てる器づくりに取り組んできたTOKINOHAらしいエピソードだ。

使う人の気持ちに応えるために。料理人専用のブランド『素—siro』を立ち上げ

TOKINOHAの器は、プロの料理人から支持されていることでも知られている。

清水さんがシンプルな器作りに取り組み始めたころ、TOKINOHAの器がある料理人の目にとまり、その店の器を一式手がけたことが始まりだった。それを見た別の料理人からも注文が入り、いつしかそうした注文が相次ぐようになったのだ。使う人の気持ちに応えたいと、シェフや周りの人たちの意見を取り入れながら微調整をいとわない清水さんの姿勢が信頼につながり、評判を呼んだ。

また、清水さんも料理人との関わりで多くを学んだ。

流行へのアンテナの張り方と、それをレシピに取り入れようとする貪欲さ、来店客の様子から課題を見つける観察力や、その解決を一皿にどう落とし込むかを考える力。料理人たちのマインドの高さに刺激を受けたという。

さらに、料理人との仕事が増える中での気づきもあった。

たとえば器のサイズや形、質感、扱いやすさへの考え方など、店の器に求めるものは注文者によって千差万別で、すべての料理人が納得するスタンダードは存在しえないということだ。そこで、2017年にはTOKINOHAとは別にオーダーメイドに特化した料理人専用のブランド『素—siro』を立ち上げた。この事業を通じてさらに多くの料理人と関わったことで、清水さんの経営者としての問題意識は深まりと広がりを見せていく。

陶芸家を「持続可能な仕事」に

実は、清水さんには陶芸専門校時代から引っかかっていたことがあった。同級生には跡取りが少なく、陶芸初心者が多くを占めていたことだ。

かつて生徒の8割程度が跡取りだった時代もあったという。しかし、今では親の苦労を見て陶芸家の道を選ばない人が増えたのだ。一方、入学してくるのはそうした背景を知らない人たち。結果、陶芸家になってから行き詰まってしまう姿を数多く目にしてきたという。

「学校で陶芸の技術は学べるけど、食べていく方法を教わる機会はほとんどありません。だから僕は、陶芸がちゃんとしたビジネスになって、仕事として続けていけるようにすることに力を傾けたいです」

陶芸家専用のポータルサイトを作る

陶芸家が生計を立てづらい理由の一つに「流通」の問題があるのでは。清水さんのそんな思いは、2019年以降に起きた生活様式の変化によってリアルショップが閉鎖され、多くの陶芸家が販路を失ったことで、より強まった。

2019年10月、問題解決の一助になればと、清水さんは陶芸家のためのポータルサイト「ソーホー」を立ち上げ、ブランディングのアドバイスにも取り組んだ。陶芸家が自分の作品を、流通を介さず自分で売る力を付けていけるようになれば、それが業界の活性化にもつながると考えていたからだ。この活動による一定の成果を感じた事もあり「ソーホー」サービスは2022年11月末をもって終了している。

清水焼の魅力を全国へ、世界へ発信するために。陶器市のあり方にも変化を

TOKINOHAが清水焼団地に移転してから11年。移転したてのころは、京都生まれの清水さんといえどもアウェー感があったという。

しかし、清水焼団地の一員として奮闘を続ける中で変化もあった。

2022年10月、3年ぶりに開催された陶器市「清水焼の郷まつり」は、清水さんの発案で運営方法にいくつか変更点が設けられた。ひとつは、出展者の募集を毎年ゼロから行い新規出展の間口を広げたこと、そしてもうひとつは、他府県の事業者による出展を不可とし、まつりへの出展者を京焼・清水焼に関わる事業者に限定することだった。

こうすることで、京都で焼き物づくりに携わるより多くの人に出展のチャンスがもたらされるだけでなく、清水焼としてのアイデンティティーも確立でき、全国へ、世界へアピールできる。まつりに訪れた人が清水焼だと思って買った焼き物が、他府県産のものだったということを避けたいとのねらいもあった。そして2022年11月にはTOKINOHAのタグラインを一新し、コンセプトを「くらしを味わうための清水焼」に変更。清水さん自身のブランドコンセプトも「清水焼」というキーワードへの回帰を果たしている。

清水焼業界の活性化のため、手間とアイデアを惜しまない清水さんに、かつてTOKINOHAの器を「こんなのは清水焼じゃない」と評していた人たちも、今では信頼を寄せてくれている。

「僕らはここでいろんな挑戦をさせてもらい、育ててもらってきた。だから今があるんです」

清水さんの真摯な姿勢は、今後も清水焼業界や陶芸界をアップデートし続けていくに違いない。

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良質な陶土に恵まれ、陶産業で発展してきた滋賀・信楽町。
器好きからも注目を集めるこの地に、陶芸家夫妻が営む「大谷製陶所」はあります。
現代のライフスタイルに合わせて土鍋をアップデートした万能調理器具「平鍋」をはじめ、
白磁や絵付けなど、暮らしを彩り生活に寄り添う陶芸作品を日々生み出しています。

日本六古窯のひとつ信楽で陶芸に向き合う大谷哲也・桃子夫妻は、東京や海外からも個展のオファーが途切れない人気作家。山間の集落にあるふたりの工房には、ほっと肩の力が抜けるような、穏やな時間が流れている。白磁と絵付け。作風が違ってもどこか共通項を感じる、ふたりの器が生まれる場所にあったものとは？
 

丁寧な暮らしが、良いものを生み出す

鳥がさえずり、季節の花が咲く広々とした敷地に、ゆったりと構えた工房と自宅。「大谷製陶所」を訪れた人はまず、そのロケーションの良さに魅了されるという。

「暮らしを整えることが仕事のひとつ」と話す哲也さん。庭木に水をやる、家族で食卓を囲むなど、職と住が重なり合う空間が、ふたりのものづくりのベースになっている。

信楽は陶産業で発展してきたまち

滋賀県の南部に位置する甲賀市信楽町。およそ400万年前は琵琶湖の底だったこの地域には全国でも有数の良質な陶土が堆積しており、時代の移り変わりとともに、芸術的な茶道具から日用品、建築に使うタイルまで、世の中のニーズにあわせ製造し発展してきた。なかでも大型陶器の制作を得意とする産地で、火鉢やタヌキの置物が有名。

近年は、土の素朴な風合いを生かした信楽焼の食器が、器好きから注目されている。

暮らしに憧れ、陶芸家へ

大谷夫妻がこの地に工房兼自宅を構えたのは2008年のこと。陶芸家だった桃子さんの両親が、信楽でものづくりをしながら穏やかに暮らす様子に憧れ、ふたりもこの地に工房を構えようと思った。

「生活によって培われる美意識は自然と作品にでてしまう」と、建物やインテリアにもこだわっている。

大谷家のリビングにクーラーはなく、大きな窓を開けっ放しにすれば夏のそよ風が部屋を渡っていく。物が少ないわけではないけれど、置かれているものに統一感があり、自分たちが心地良いと思えるものだけが存在する。

派手さはないけど地に足をつけた豊かな暮らし。それが、ふたりの作品の根底になっている。

「豊かな暮らし」が生みだす、普遍的な器

工房と自宅をつなぐ部分には「knot」（結び目）と名付けられたギャラリーがある。窓から差し込む柔らかい光が、ディスプレイされたふたりの作品の造形美を浮かび上がらせている。

それぞれの作風は最初の頃からほとんど変わらない。何年後かに買い足しても違和感なく馴染み、暮らしに長く寄り添ってくれる器だ。

シンプルで無国籍。どんなシーンにも合う白磁

哲也さんが作るのは磁器の白い器。研ぎ澄まされたフォルムはとてもシンプルで美しく使いやすい器として、単体でも十分機能しているが、スタッキングさせたときに、また違った表情で魅せてくれるから不思議だ。

色は“白”、成形方法は“ろくろ”という限定された世界の中で戦い見つけた、自分だけのフィールド。

器には使い手のための余白も残されていて、料理を盛ったり、花を飾ったり、自分だけのアレンジを楽しむことで器の世界観が完成する。

のびやかな絵付けで食卓を彩る器

桃子さんの作品は、信楽焼特有の土の質感を残した器に、のびやかで繊細な絵を描いたものが多い。

「アイデアは台所で生まれます」と桃子さん。料理をしたり、お客様をもてなしたり、暮らしを楽しむの中で生まれてきた。

絵付けのモチーフは、ハスの花やバナナの葉など主に植物。海外の大学に留学していた際にインドネシアに渡る機会がありその時目にした熱帯の魅力に触れたのがきっかけ。絵付け作品はともすれば存在感が強くなりがちだが、そう感じさせないのは、自然を題材にしているからかもしれない。 使い勝手がよく、使えばなんだか心が弾む。暮らしに彩りを与えてくれる器だ。

和洋中、どんな料理にも活躍する平鍋

哲也さんが最初に陶芸家として注目されたのは白磁だった。

白磁のシリーズを作りながら、大谷家では「平鍋」を日常の中で使っていたのだが、使い勝手もよく、作品として発表するとたちまち人気に。直火でもオーブンでも使え、グラタンやキッシュなどの洋食はもちろん、和食の煮物やお菓子作りまで、どんな料理にも万能な土鍋。 従来の土鍋のような持ち手はなく、シンプルなフォルムで食卓にそのままだしても様になる。使い込むほどに白色から褐色へと変化し、風合いを増していく。サイズ違いでスタッキングして収納できるのも魅力的だ。

大谷製陶所のホームページで「日々平鍋」と題し、桃子さんが発信するブログには、暮らしを楽しむヒントも盛り込まれている。

自分たちが良いと思うものを周りへ繋げていきたい

いまや展覧会初日に整理券が配られることも珍しくない人気作家の地位を確立したふたり。子育てもひと段落し、いまは新たな目標に向かって歩み始めている。 

視点は海外へ。往復航空券をにぎりしめ、滞在費は現地で

いまからおよそ10年前には大胆な行動にでたこともあった。「海外で展覧会をすることを目標にしてお金を貯めていたんです。子どもたち3人を連れて、シアトルのギャラリーで二人展とワシントン大学でワークショップを開催することが決まりました。チケットを買いに行ったら、往復の飛行機代だけで予算オーバー。とにかく現地入りして、知り合いの家に泊めてもらいながら、展覧会の売上をすぐに現金でもらう事になりました。ゆとりが出た予算でレンタカーを借りてサンフランシスコまで旅行しました。」と懐かしそうに話す。

そんな無謀ともいえる挑戦をきっかけに、海外へ出向き評価されることも増え、アメリカ、台湾、オーストラリア、中国などで毎年展覧会を開くようになったという。

「海外はダイレクトに反応があって刺激になります。食器は世界中で使われているもの。文化の違いを知ることも楽しい」。現在の仕事も、3分の1は海外から舞い込んでくる。

陶芸家が憧れの職業になるために

陶芸家になる前は、地元の窯業技術試験場でデザインを教えていた哲也さん。試験場を卒業した人材が、信楽に定着しない現実を目の当たりにしてきた。

また、信楽で育った桃子さんも、地元の小学生が誰も将来なりたい職業に陶芸家をあげないことを憂いていた。

「作家としてやりたいことはやってきました。これからは若い人材が信楽に定着して、陶芸家としてやっていけるようにサポートしたい。毎年ひとりでも信楽に陶芸家が増えれば、この先の30年で30人の面白い陶芸家が増える。それはきっと町にも良い循環を与えると思います」。

現在工房ではふたりの弟子が一緒に働いている。弟子は基本的に5年で独立できるよう計画的にプラン立ててサポートしている。年内には工房も増築し、弟子の受け入れ態勢を整える予定だ。

陶芸の里で営まれてきた穏やかで豊かな暮らし。そこには信楽の未来へと向かう熱い想いもあった。ふたりの生活に憧れ、信楽で陶芸家を目指す人が増え、町全体が活気づくのも遠い日ではないだろう。

大谷夫妻が見つめる先にあるもの

哲也さんの「平鍋」は大谷製陶所の看板商品として不動の人気を誇っている。

大谷さん夫妻は「平鍋」を今よりもさらに人気商品に育てる事で、いつしか弟子が巣立ち、作家としての暮らしが軌道にのるまでの助走期間を支えてやれたらと考えている。弟子たちが「平鍋」を作りながら暮らしのベースを整えられたら、今売れているものの模倣や類似品を作らずに、自分らしい作品作りが出来るのではないかと、弟子たちの健全な作家としての独立の一助になりたいと切に願っているからだ。そしていつしか日本の食卓だけの特別なものではなく、世界中で愛用される「平鍋」になってくれることを楽しみにしていると話す。

いつか自分たちがこの世にいなくなっても、自分たちが育てた器がいつまでも人々に愛される不変のものとして受け継がれていく、そんな陶芸家冥利につきるような世界を、いつの日か二人で微笑みながら迎えられるのが夢なのだろう。

二人が醸し出す世界観がなぜかとても温かく、二人の作り出すそれぞれの器に引き込まれていく。そんな大谷夫妻の器に信楽の未来が見えた。 

はるか昔から人々の食文化を支えてきた土鍋が使われなくなるのは、とてももったいないこと。少し目線を変えれば、土鍋はいろんな調理に使える優れものです。それを今の暮らしに合わせてアップデートしたのが「平鍋」。「にほんもの」を通じて、無限の可能性を秘めた「平鍋」をもっと多くの人に知ってもらえたら嬉しいです。

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志野焼を愛した陶芸家

日本でつくられる陶磁器のうち、最大のシェアを誇る”美濃焼”。その特徴は、“特徴が無い”こと。その時々の、ニーズに合わせたデザインが生まれる過程で、発展を遂げてきたため、九谷焼や有田焼などのように、固有のスタイルを有しておらず、産地が岐阜県（旧美濃国）の東濃地方であること、が美濃焼の定義とされている。使い勝手の良さから、日本人の日常に自然と溶け込んできた美濃焼が、最も進化を遂げたのが、茶の湯文化が栄えた安土桃山時代。武将でもあり、茶人でもあった文化人・古田織部（おりべ）が、陶芸家に作らせたとされ、大胆な歪みを良しとした「織部」。そして、「黄瀬戸（きせと）」「瀬戸黒（せとぐろ）」「志野（しの）」と呼ばれる代表的な4つの様式が生み出され、今日まで日本の食卓に当たり前のように馴染んできた。
岐阜県南東部に位置し、陶磁器生産量日本一の町、焼き物のメッカとして知られる土岐市。ここに工房を構えて活動する林友加（ゆか）さんは、「志野」を愛し、そのスタイルを新しい解釈で体現できる陶芸家だ。「志野」は耐火温度が高く焼き締りが少ない、「五斗蒔（ごとまき）粘土」や鉄分が少なく、ほんのりとした紫色やピンク色がかった白土の「もぐさ土」を使った素地に、白い長石釉（志野釉）をたっぷりとかけて焼成する。ぼってりとした厚みのある素地に入るきめの細かい貫入（亀裂のような模様）と乳白色のやさしい色合いと、表面のゆず肌と呼ばれる多数の小さい孔が特徴だ。

優しさと美しさが溢れた器

林さんが「志野」を作り始めたのは偶然ではなく必然。つまり運命だった。兵庫県に生まれ、関西の大学に進学するまで過ごした土岐市での記憶。窯業を営んでいた父方の生家で自然と焼き物に触れ、無邪気に遊んでいた幼少期。東京で就職して充実した日々を過ごしていたものの、自分の生業ではないと感じ、通い始めた陶芸教室。さらに道を突き詰めようと帰郷して学んだ土岐市立陶磁器試験場。それから10年白磁と向き合い、新しい作品をと考えたのが、東京在住時に美術館で目に焼き付いていた「志野」。それは、枝分かれしたようでいて、しっかりと根を張り、どっしりと成長した幹になっていた彼女の人生を投影したものでもある。茶室や床の間が無い家が多く、ごく限られた場所でしか茶会が催されることが無い現代において「志野」がどうあるべきか。熟慮と数多くの実践の過程で、林さんが導き出した答えは、アートと日用品の間にあり、楽しく穏やかな気持ちになれる器であることだ。
彼女が生み出す、たおやかで凛とした表情の器は、エッジィな美しさと温かみのあるやさしさが共存し、奥深い「志野」の世界と現代の生活を、やわらかくつなげてくれる。誰もがときめくような、優しいピンクとグレーが織りなす表情は、一つ一つの作品で同じものは無く、どの器もコレクションしたくなるような所有欲を掻き立てる。使う事を目的にせずとも、手元に置いて眺めていたくなるような愛らしさだ。毎回作品に違って現れるピンクやグレーの色の表情に、一喜一憂しながら作品作りを楽しんでいるという。林さんは、なぜ「志野」に惹かれたのかは定かではないという。だが、彼女の器を見て、使って心地良いと感じる刹那が、理屈以上に日々の暮らしを豊かにするヒントをさりげなく教えてくれる。

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晩香窯で生まれる有田焼・白磁「白妙磁」

1600年代初期、豊臣秀吉の朝鮮出兵の際に日本に同行した陶工が有田の地で白磁鉱を見つけたことが佐賀県名物・有田焼の始まりだという。いまでも有田町を訪れると、たくさんの窯の煙突が並び、ゴールデンウィークに開催される「有田陶器市」には、100万人を超える観光客が訪れる。晩香窯の窯元として有田焼を作る六代目・庄村久喜さんは、独自の感性と手法で新しい時代の白磁、有田焼を追求している。

「白磁といってもその白の中に濃淡があります。白の中の白、白の彩りを見せていきたい」
一般的な有田焼の特徴は、白い磁肌と呉須 (藍色の顔料) で描いた染付け、ガラス質の上絵具を用いた華やかな赤絵があるのが特徴だ。しかし庄村さんが独自の感性と手法により編み出したオリジナルの白磁「白妙磁」は、伝統的な有田焼とはまるで別物。マグカップやお皿、湯吞みなど機能性はもちろんのこと、美しくなめらかなシルエット、独自の釉薬を用いたやさしくも華を感じさせるシルクのような色合い。昔ながらの和室はもちろん、現代的な洋室のインテリアにも似合うモダンさを感じさせる。

「有田焼の伝統を守りながら、現代の生活に溶け込むような作品を作りたい」

そんなフィロソフィーが作品にそのまま息づいている。地元で生まれ、地元で学び、そして地元で土をこねる。自宅のすぐそばにあるアトリエで彼は作品を作りつづけている。マスキングテープをつかうなど、その技法も独自に編み出したものだ。そこには相当な覚悟が必要なはずだ。だが、庄村さんの作品は、そんな覚悟を感じさせない。有田焼というブランドに頼らない、彼のような作家が生まれることで、秀吉の時代から続く伝統が守られていくのだろう。

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江戸時代、寛永年間から続く小代焼

小代焼とは、小代山で取れる土を用いて作られる陶器で、江戸時代初期から作られてきた歴史ある焼き物だ。陶器は焼くと黒く焼き上がってしまうが、それをなんとかしたいと試行錯誤した結果、藁釉（藁を焼いた灰を主原料とする釉薬）を陶器に塗って焼くと白濁することにたどり着き、藁釉をかけるようになった。しかし、鉄分の多い小代粘土で作るため、粘土に含まれる鉄分が強すぎて青白く色付けされて仕上がる。小代焼独自の “流し掛け”という技法は、黒々とした陶器に青白い自由奔放に描かれたラインは素朴で力強い作風を生み出す。

先人の知恵の結晶である登窯

工房の奥には何段も連なる登窯がある。一番下の窯に薪を入れ、1300度まで温度を上げたら非を止めて次の窯へ薪をくべる。1300度になった窯の隣の窯はその時点で1000度程度まで温度が上がっているので、薪をくべてあと300度あげれば良い。登窯の構造・余熱を上手く利用して効率よく順々に焼きあげていくのは先人の知恵だ。

小代焼職人、一人前になるには「湯呑み一万個」

小代焼の基本形は湯呑み。ろくろで丁寧に形作られた湯呑みを開いていくと茶碗になり、さらに開いていくと皿になる。職人として一人前になるまでには「湯呑み一万個」と言われているそうだ。また、徳利や一輪ざしのような“袋もの”と呼ばれるデザインの物を作れるようになるには最低でも3年はかかる。陶芸体験を終えて、小代焼 ふもと窯初代・井上泰秋さんは「ちょっと体験して、作ってみると違うよね。これ（器）ってこんな風にできているんだぁ、とかね」と笑顔で語ってくれた。
素朴で力強い小代焼の作風は、作者のキャラクターも反映されているのかもしれない。

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作り手、買い手、使い手が丸くつながる食器

介護食器、福祉食器と聞くと、どんな器を思い浮かべるだろうか？プラスチック製のコップや器、ステンレス製のスプーン。福祉施設だけではなく、在宅介護など様々な場面で福祉食器が使用されている。
「Te Maru てまる」－そう名付けられた器もまた、福祉食器として生まれた。工房を訪ねたのは、磁器の器を作る陶芸家の大沢和義さん。2008年から、大沢さんと岩手県工業技術センターが共同で企画し、岩手県の工芸家たちの手仕事による介護食器「てまる」を制作しているのだ。
磁器、陶器、木の器、木のスプーン。その最大の特徴は、介護用の食器でありながら現代の暮らしに馴染む美しさがある“普通の食器”だということ。お年寄りや障害を持った方、そして子供にも使いやすように計算されているが、実にシンプルな器なのだ。てまるの器について大沢和義さんはこう話す。
「気づけば、介護用だからといって最初から変形させることばかり考えてモノづくりが行われているように思えて、それは無理があると思ったんですね。その視点を見直すきっかけにしたいと思いました」こうした視点から生まれたデザインと食器の美しさが評価され、てまるの器は2011年にグッドデザイン賞を受賞した。

磁器だからできる食器の形

大沢さんの作る「てまるの磁器」には触ってみないと気づかないほど小さな工夫が施されている。それは口の内側に鋭角な“返し”を付けること。返しがあることで内容物が絶妙にひっかかるため、器の中のお粥をスプーンできれいにすくうことができるのだ。この返しは陶器や木の器にも付けられているが、磁器はより繊細な使い心地を追求しているのだという。

形のヒントになったのは、禅宗の僧が托鉢の際に持ち歩く「応量器」や、李朝時代の平べったく側面に立ち上がりのある広い器だった。
「使いやすさを突き詰めていくと古典に行き着いたんです。さじで食べる器なら返しがついていたはず、基本は同じだと思いました。でもね、応量器をそのまま作っても現代には合わない」こうして使いやすさに加えて、食事を美味しくする器本来の美しさも備わった形が生まれたのだ。
「需要はありますか？」と中田。
「あります。展示会をやってからは、障害を持つ方やその家族からもお問い合わせをたくさんもらいました。」今後は、持ちやすく飲みやすい湯呑茶碗の制作にも取り組みたいという。

さわってみてわかる

大沢さんのろくろ作業を見学する。
「陶芸をはじめてすぐに、あぁ磁器がいいなと思いました。手作りで量産することができる腕を身につけたいと思いましたね。」
大沢さんは大学を中退して専門学校で陶芸を学んだ後に、磁器の産地である愛媛県砥部町に移り、修行を積んだ。
「磁器は土がすぐに手にくっついて難しいです…」そう言いながら、中田もろくろでの陶芸を体験させてもらう。
「土を触れるときは、手の点でふれるようにするとうまくいきますよ。そっと触れるだけです」アドバイスをもらいながら、湯呑茶碗をひとつ作る。
無機質な印象がある工場生産の磁器ではなく、ひとつひとつ手作りの磁器を作り続ける大沢さん。現代の暮らしを見つめ、器の可能性に取り組んでいる。

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