福岡県中央部東側に広がる朝倉郡東峰村は「小石原焼」と呼ばれる焼き物の産地。この地で長い歴史を誇る「ちがいわ窯」十六代･福島善三さんは重要無形文化財保持者（人間国宝）に認定されている名工だ。地元の土や釉薬にこだわりつつ、新しい小石原焼の可能性を追求し続ける福島さんの器の魅力とは。

伝統は創り、進化させていくもの

福岡市中心部から約1時間余り、1,000m級の山々に囲まれた福岡県朝倉郡東峰村（とうほうむら）は、自然豊かな美しい里山だ。なかでも小石原（こいしわら）地区は、陶器づくりに適した土、窯の燃料となる木々、釉薬の原料となる長石や藁灰、その原料になる稲や小麦に恵まれ、1600年代後半から焼き物づくりが盛んに行われてきた。

小石原焼には多彩な伝統的技法があるが、代表的なものが「飛び鉋（とびかんな）」と「刷毛目（はけめ）」だ。飛び鉋は、ろくろを回しながら鉋（かんな）の刃先を器に当て、規則的に小さな削り目を入れて文様をつけていく技法で、刷毛目はその名の通りろくろを回しながら刷毛（はけ）で文様を描いていくもの。どちらも素朴で温かい雰囲気が感じられ、小石原の多くの窯元でこの技法を使った生活雑器がつくられている。

質より量の時代に危機感を感じ、新たな作風を模索

福島さんのギャラリーには、いわゆる典型的な小石原焼は並んでいない。独特の青を纏った青磁作品が多く並び、形の美しさと柔らかく透明感のある色合いに「これも小石原焼なのか」と驚く。これらの作風が誕生するまでには、福島さんの長きにわたる挑戦の日々があった。

幼い頃から祖父や父、職人たちがろくろを回す作業場が遊び場だった福島さん。子どもの頃から家業を継ぐと決めていたため、ほかの有名産地も見ておきたいと大学時代に全国を巡った。しかし、多くの産地を訪ねて再認識したのは“小石原のろくろ技術の高さ”。それならば地元で学ぼうと決め、帰郷してからは、一日で湯呑み200個、徳利100本と、数をこなしながら修行に励んだ。

当時は民芸運動の活発化が影響し、日常で使える民芸陶器の需要が急激に高まっていた。もちろん、九州地方も同様。それもあって丈夫な上にシンプルで日用として生活に取り入れやすいデザインだった小石原焼は、広く消費者に受け入れられるようになり、作れば作るだけ売れたという。

福島さんが子どもの頃には9軒しかなかった窯元も30軒近くに増えたが、一方で質より量の価格競争が始まっていた。そんな状況を憂い、福島さんは「自分にしかつくれない小石原焼を」と新たな作風を模索し始めた。

県展、そして日本伝統工芸展へ

まず着手したのは釉薬の勉強だった。鉄分が多く、焼成時の縮みも大きい小石原の土と地元の原料でつくった釉薬を使って、いかに自分らしい作品をつくるかをテーマに、伝統的な小石原焼の技法を用いて試作を繰り返した。こうして完成した作品を福岡県美術展覧会（県展）に出品。見事入賞を果たした。

しかし、県展の会場である福岡市に足を運んだ際に立ち寄った日本最大の公募展「日本伝統工芸展」で福島さんは衝撃を受ける。

「こんなにもレベルが違うものなのか」。

そこから福島さんの新たな挑戦が始まった。「まずはいいものを見つづけることが大切」と日本伝統工芸展の図録を暗記するほど読み込んだ。小石原で誰も手がけたことのない新しい作風に挑む福島さんにとって、図録が師匠だった。

目指す作品をイメージしながら、「粘土×釉薬×焼成温度」と「時間×冷却時間」を組み合わせながら、果てしないほどの試行錯誤を重ねる日々。ちょうどその頃、小石原で最も古い1682年の窯の発掘が始まり、磁器や染付の茶道具など、現在の小石原焼からは考えられないようなものが多数出土した。当時の小石原は福岡藩の庇護のもと、殿様向けの多彩な器を焼いていたのだ。

それら出土品を目の当たりにし、福島さんは「飛び鉋や刷毛目も昭和に入って誕生した技法で、300年以上つづく小石原焼の歴史から見るとほんの一部。自分の挑戦も未来の小石原で“伝統”と呼ばれているかもしれない。外の声に揺らぐことなく自分を信じよう」と心に決めた。

小石原でしかつくれない青磁を

こうして福島さんは、無骨な雰囲気のある旧来の小石原焼とは相反する、見た目に透明感のある青磁づくりに着手した。

「小石原の粘土は鉄分が多く扱いにくいが、デメリットをメリットに変え、ここでしか作れない青磁を作りたい」。そう決意して土づくりや釉薬などを独学で研究し完成させたその青磁は、窯のある地域の古称である中野と、美しい色合いを合わせて「中野月白瓷（なかのげっぱくじ）」と名付けられ、福島さんの代表作となった。鉄分が多く黒い小石原の土に、青白い釉薬「月白釉」をかけて焼き上げた同作品は、柔らかく優しい青色で、たちまち見る人の心をつかんだ。エッジの黒い部分は釉薬を削って元の土の色を出し、小石原焼の匂いを残しているのも特徴のひとつだ。

この作品を初めて出品したのは第60回の「日本伝統工芸展」。飛び鉋や刷毛目の文様がないこの作品に対し、当時の工芸界からは「これを小石原焼と呼んでいいのか？」と問われることもあったが、福島さんは「すべて地元の原料を使い、小石原でろくろを回して釉薬をかけ、焼き上げたのだから正真正銘の小石原焼。新しい作風に挑戦し続けなければ次の時代の伝統は生まれない」と自信をもって出品した。

そこから10年間、毎年形や貫入の入れ方を変えるなど、月白瓷の表現の可能性を広げながら作品を出品し続け、その結果、当初は驚きを持って迎えていた見識者たちにも月白瓷の美しさが認められ、第70回「日本伝統工芸展」で「高松宮記念賞」を受賞した。

そんな唯一無二の世界観を表現すべく、福島さんは粘土や釉薬づくりから、ろくろでの造形、焼成まですべての工程をひとりで行っている。「分業化が進んでいる窯元の作家をオーケストラの指揮者と例えるならば、私はシンガーソングライターです」と笑う。

人間国宝認定が被災地を勇気づける

2017年7月、九州北部豪雨が小石原を襲い、窯元42軒のうち11軒が土砂流入などの被害を受け、地区全体に暗い影を落とした。その2週間後、福島さんが57歳という若さで「重要無形文化財保持者（人間国宝）」に認定されたという明るいニュースが被災地に届く。

「正直、小石原焼で人間国宝になれると思っていなかったし、地域が大変な時に喜んでいいのかとも思ったが、小石原焼の発展のためにも非常にありがたいと感じた」と福島さん。

そのニュースは小石原焼に携わる人たちに大きな勇気を与えた。福島さんが人間国宝になったのを機に、既存の技法にこだわらず新しい作品をつくりたいという若手も増えた。また、水害をきっかけに小石原焼が全国的に注目され、産地としても追い風も吹き始め、地域に活気がもたらされた。

「こうして50代で人間国宝の認定をいただいたことには、“これからつづく作家人生、もっと挑戦しろよ”というエールが込められているのだと捉えています。重圧もあるし、生みの苦しみもある。今でも日々、失敗の連続です。しかし、失敗を糧にして学ぶことが何より力になる、それだけは確かだと信じています」。

人間国宝という名誉を与えられ、ますます創作意欲が湧くようになったという福島さん。

その作品からは伝統とは守るべきものだけではなく、新たに創造できるものだというメッセージが伝わる。

今後、その手からどんな小石原の伝統が誕生するのか、楽しみでならない。

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細くまっすぐな柄に、丸っこい匙の部分が印象的な真鍮のスプーン。このスプーンは、菊地流架さんが代表を務め、真鍮のカトラリーや雑貨などを手がけるブランド「Lue（ルー）」のもの。無駄な装飾などいっさいないシンプルなデザインだからこそ、手仕事ならではの温もりが感じられる。

大切なのは、誰が作ったかではない

「Lue」の工房は、岡山市中心部から東へクルマで約40分ほど、瀬戸内市邑久町（せとうちしおくちょう）の、のどかな田園地帯に建つ。妻の実家の納屋を改装した建物で、1階が工房、2階がギャラリーショップとなっている。

真鍮のアクセサリー作家の父親の元に生まれた菊地さんは、高校時代からその手伝いを始めた。独立を考えたとき、父親が手がけていたアクセサリーをそのまま継いでいく自信がなかったことと、料理が好きだったことから、自身は真鍮のカトラリーを専門にしようと決意。2006年に「Lue」というブランド名で活動をスタートした。その名の由来は、子どもの頃の愛称。「僕の名前は、菊地流架（るか）。クリスチャンだった父が、キリスト教徒の信徒・ルカから名付けてくれました。子どもの頃は、「ルーくん」と呼ばれていて、それを元に」。

父親の影響を受けた、美しく機能的なスプーン

そして最初に生まれたのが、「ティースプーン」だ。現在も作り続けているこの定番商品にも父親の影響を色濃く受けている。スプーンを作ってみたいと相談したときに、見本のような感じで作ってくれたものが、今の形に近いものだったのだ。特に、菊地さんが注目したのは、柄を叩くことで施される槌目を、デザインではなく持ちやすさのために付けている点だった。無駄な作業がなく、かつ見た目にも美しく、機能的であることに、強く惹かれたという。

さらに、銅と亜鉛の合金である真鍮の使ううちに酸化して色が落ち着いてくるという特性も気に入っている。使い方や手入れの仕方によって色の変化も変わってくるので、世界にひとつだけのアイテムとして、愛着を持てるからだ。

末永く使い続けてもらうことが幸せ

菊地さんが大切にしているのは、末永く使い続けてもらえること。そこには民藝的な考えも含まれている。「民藝の方にはそう思われないかもしれませんが」と前置きをしたうえで、「岡山の民藝は、いいものを、同じ形で、安く提供できるように作ることで、長く作り続けていく。そんな職人的な考えに基づいているように感じています。同じ形を作り続けるという点において、「Lue」のアイテムは民藝品に近いイメージなのかなと思っています」と語る。

そのことは、自分の名前が前面に出る作家としてではなく、「Lue」というブランド名で活動していることにもつながる。最初はひとりで始めた工房であったが、現在は製作スタッフ2名と、営業や事務などを担当する1名とともに運営。「自分たちが亡くなったあとも、誰が作ったとか関係なく、このスプーンをずっと使い続けてもらえたらうれしい。僕自身には「Lue」という名前が残ることへのこだわりもない。おもしろがって使ってくれる人がいるとしたらそれが幸せ」と。

他者とのかかわりが新たな製品を生む

また、「Lue」ではオリジナル製品のほか、店や企業などからオーダーを受けて製作するアイテムも数多く手がけている。京都のレストラン「monk（モンク）」のために作ったピザ取り分け用の「ピザスクープ」や、自動車メーカー・トヨタの「LEXUS NEW TAKUMI PROJECT」から生まれた和菓子用の「黒文字」などが一例だ。それらのアイテムは、多くの人に長く愛されるよう「Lue」としても定番商品化し、継続して販売している。

手仕事だけにこだわらない姿勢

さらに、2013年からは、すべて手作業で行う「ハンドクラフト」以外に、「インダストリアル」というラインでの商品も展開している。その名のとおり、工業製品だ。

工房にこもっての仕事だけでなく、人とかかわる仕事をしてみたいと思ったのがきっかけ。自ら工場をまわり、協力してくれるところを探すことからスタートしたと、当時を振り返る。「インダストリアル」のラインは、菊地さんが手作業で作った原型を元に、金属加工製品の産地・新潟県燕市の工場で機械生産。手仕事では実現できない、統一された形と薄さ、輝きを備えた製品に。機械生産することで、価格を抑えることにもつながっている。

工業製品である利点を生かすべく、「スタックできること」をこのラインのコンセプトに掲げた。第一作となったのは、アウトドアや子ども用のスプーン兼フォークの「スポーク」。重ねてもかさばらず持ち運びしやすいアイテムが誕生した。工業製品であっても原型がハンドクラフトのため、「Lue」ならではの温かみをまとった製品に仕上がる。もちろん、真鍮ならではの色の経年変化も楽しめる。機能的で長く使えるアイテムを生み出すためには、どうあるべきか。手仕事だけにこだわらず、最良の方法を選択する。これこそ、菊地さんのもの作りの真髄なのだろう。

次なるステップは、自ら楽しむこと

ハンドクラフトの製作に関しては、2、3年前からスタッフに仕事をすべて任せられるようにシフトしてきた。それにより、菊地さんの仕事の取り組み方にも変化が。仕事として割り切らずに、「自分も楽しめる、半分遊び感覚での仕事にも挑戦できる」ようになってきたのだ。

たとえば、2022年には、鹿児島県奄美大島の染色工房「金井工芸」で「奄美泥染め」を行う金井志人さんと、兵庫県神戸市の「つくも窯」でスリップウェアを中心に手がける陶芸家の十場天伸さんと、コラボ作品を作った。ひとまずは実験的な試みとしての位置付けだが、ゆくゆくはライターや写真家など、異業種の仲間も巻き込んでの展開をも視野に入れているというから楽しみだ。

そしてもうひとつ、真鍮のオブジェを手がけたい気持ちもあるという。「無理やり作ってもいいものは作れないので、今はまだそっと寝かせている状態です」と菊地さん。無理せず、焦らず、機が熟すのを待つというのが、彼らしい。そんな風にまるで真鍮のごとく、少しずつ変化しながら深い輝きを増していく「Lue」の活動。これから先、菊地さんが心をくすぐられるような楽しい仕事に巡り会えたあかつきには、真鍮の新たな魅力で我々を驚かせてくれるはずだ。

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岡山の焼き物といえば、備前焼。時間をかけて焼き締める、土味の濃い焼き物だ。伊勢﨑晃一朗さんは、備前焼作家の祖父と父を持ち、作陶が身近な環境で育った。しかし備前焼をつくりたいと思ったのは意外と遅く、彫刻を学んだ大学を卒業する頃。土を使った立体造形にひかれている自分に気づいた。

800年前から現在に続く日本六古窯

備前焼は、平安時代から戦国時代、いわゆる中世に発生し、現在でも生産を続ける代表的な陶磁器窯として、瀬戸焼や信楽焼、越前焼、常滑焼、丹波立杭焼とともに古陶磁研究家･小山冨士夫氏により命名され、2017年には日本遺産にも認定された「日本六古窯」のひとつ。その産地は、岡山県の南東部に位置する備前市伊部（いんべ）周辺にある。この地域で採れる鉄分が豊富な土を使い、釉薬を使わない「焼き締め」により備前焼の茶褐色が生まれる。窯焚きに1週間以上の時間をかけ、ゆっくりと温度を上げて焼成することで堅牢になる。加飾を施さない焼き物だが、窯詰めの配置や、窯焚きの薪の焚べ方により、さまざまな色合いと模様を生み出せる。

時代に適応しながら、現在に続いてきた技法

その始まりは、およそ800年前。平安時代の末期、陶工の集団が豊富な陶土と火力の出る薪を求め、この地に移住してきたといわれる。鎌倉時代には擂鉢（すりばち）や壺、瓷（かめ）などの日用雑器がつくられるようになった。安土･桃山時代になると茶の湯が流行し、千利休、豊臣秀吉は茶会で備前焼の水差しなどを茶道具として頻繁に用いたことが記録されている。

「備前焼の陶工は、この場所で採れる土と焼き方で、時代の欲するものをつくり続けてきた。都の茶人から『こういう形を』と所望されても、そのままをつくれるわけではない。粘りが強く、コシがある自分たちの土でつくるものは、それに適した形になる。できるものを一生懸命考え、適応してきたんじゃないかと思います」。伊勢﨑晃一朗さんは、いにしえの備前の陶工にそんなふうに思いを馳せる。

大学で彫刻を、アメリカで焼き締めを学ぶ

伊勢﨑さんは1974年、備前焼作家･伊勢﨑淳氏の長男として備前市伊部に生まれた。父と弟子たちが忙しく立ち働き、書棚には彫刻や美術の作品集が並ぶ環境で育った。当然、創作は身近なもので、いつも頭の中にあった。大学では彫刻を勉強したいと思い、東京造形大学美術学科に進んだ。家を出るとき、父に「焼き物はやらないと思います」と伝えると、「ふうん」という反応が返ってきたという。木材の彫刻をしていたが、卒業間近になると、土を使って、立体造形をしてみたいと思うようになった。卒業後、1年間父のもとで勉強し、それから父の長年の友人で、アメリカを代表する陶芸家であるジェフ･シャピロ氏に師事するため、アメリカに渡った。

ニューヨーク郊外に工房を持つシャピロ氏のもとで2年間、焼き締めによる焼き物を学んだ。ろくろを引くとき、目の前の土とセッションをしているように見えたシャピロ氏の動きを見つめる日々と、多くの人との刺激的な出会いを経て、伊勢﨑さんの備前焼に対する立ち位置が変わった。「備前焼をつくりたい、器をつくりたい、というより、土を使った立体造形を、薪で焼き締めてやりたい。土のものの良さを誰かと共有し、共感したい」。そこが備前焼への入り口となった。

父と並んで制作する

伊勢﨑さんが30歳になったとき、父の伊勢﨑淳氏が備前焼で重要無形文化財保持者（人間国宝）の認定を受けた。現在、父と息子は同じ敷地にあるそれぞれの工房で制作をしている。伊勢﨑さんから見た父･淳氏の作品は、ひとことでいうと「おおらか」。人となりが出ていて、つくったものが人を威圧しない。一方、伊勢﨑さんの作品は伝統的技法を守りながら、土から受ける強いエネルギーを表すかのようなユニークな造形があり、さまざまな色合いと質感のなかに、細やかな表現力がある。ふたりの窯は工房の裏山のふもとに３つ並んであり、全長約15メートルの最大の窯と約10メートルの中型の窯を淳氏。伊勢﨑さんは同じ中型の窯と全長約5メートルの小さな窯を使い、年に２、3回窯焚きをしている。

窯詰めで絵を描く

備前焼の仕上がりを決めるのは、窯詰めの作業だ。窯のなかに数100個の作品を並べるため、炎の当たり方や灰の降り掛かり方を読んで、焚き口からの距離や大小異なる作品の配置、炎に対する角度などによって「焼け」（仕上がり）をコントロールする。「窯詰めで絵を描く」という言い方をするが、作品をひとつずつ並べるのはパズルのようだという。基本的に炎が当たったところは赤褐色に、物の影なり炎が当たっていないところは白色に仕上がる。アカマツの薪の灰が表面に降りかかり、高温で溶けることで備前焼の特徴である「胡麻（ごま）」など（自然釉による）模様が生まれる。どれほど長さのある窯でも、前と奥はつながっていて、置かれた作品同士は影響する。そのため成形の段階から、どの場所にどのように置くかをイメージしながらつくっている。

とはいえミリ単位で狙った焼けが生み出せるわけではない。「すべてを思い通りにしたいなら、このやり方を選ばない。その中に何か大事なものがあると信じている人がこの土地でこの焼き物をしているんだと思う」と伊勢﨑さんは言う。以前、違う種類の土を使い、電気窯でやってみて、薪を使った窯から生まれる情緒に生かされていることを痛感した。「自然相手だと不確定要素が多い。でも、そういうものと付き合える能力が大事なんじゃないか。絶え間なく変わる環境で、創作を成り立たせていく感覚を失わずにいたい」と語る。

窯焚きは自然と交わる感覚

窯焚きには、約15メートルの窯で13日間、5メートルの窯で1週間かける。土の収縮が大きいため、最初に温度が上がりすぎてしまうと壊れやすくなるため、ゆっくりと温度を上げる。それぞれの窯にセオリーがあり、予定する温度と日数で焼き上がるよう薪の量、焼成の時間を計算し、3人が8時間おきに交代しながら昼夜、焚き続ける。この時間が伊勢﨑さんは好きだという。頭を整理する時間になるからだ。そして最後の1日半は「攻め」や「大焚き」と呼ばれる本焚きで、前の扉は閉じて窯の横穴から薪を焚べる。すると灰が全体に飛ぶ。温度が上がり、土を焼き締めて高温で灰を溶かす。最高温度は1250〜1260度。焼き物にするだけであれば４、5日で足りるが、緋色の深みなど、つくり手の欲しい「焼け」を求めると、これだけの日数になる。

薪で焼くことの魅力は、自然と交わっている感覚だという。「木も命のあるもので、それを燃やさせてもらう。脂分が多く、燃やすと高温になるアカマツを使うことは、先人が見つけた知恵のひとつ。同様に、土も天然資源であり、有限。備前焼が現在まで続く技法になったのは、数100万年という時間をかけてできたこの土があるからで、いただききもので成り立っている感覚が強い。農業や林業、酒造りに近い部分があって、農家が「おいしい」と思ってもらえるものをつくるように、材料の力を引き出すことが仕事だと思う。焼き締めの営みを続けることは自然にふれ続けることで、自然とともに生きていく人間にとって、備前焼は絶対に必要な焼き物だと信じている」。

まだ気づいていない焼き締めの力を探す

伊勢﨑さんは、2022年度日本陶磁協会賞を受賞した。陶芸界でその年、もっとも優れた作家に贈られる賞だ。人前に作品を出すようになって21年が経つ。祖父と父だけでなく、親戚にも備前焼作家が多い家で、自分を表現できるようになったのは、思いきって新しい試みを始めたとき、「おもしろい」と背中を押してくれる人との出会いがあったから。だから作品そのものが魅力的であることだけを追う。焼き上がったものを「良い」と自身で納得するには、まだほかの色合い、質感があるはずだと、まだ気づいていない焼き締めの力を探している。まだあるはず、もっとあるはず、という思いが底流にあり、そのフィロソフィーに基づいて、伊勢崎さんの作陶は日々アップデートを続ける。

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塗師・中野知昭さんは、福井県鯖江市にて「河和田塗り（越前漆器）」の制作を行う作家です。
熟練の技と経験から生み出される中野さんの作品は、
漆ならではの温かく優しげな質感とふっくらした手触りが特長。
どこから見ても美しい一生物の器が、生活に優しく寄り添います。

中野知昭さんは、福井県鯖江市の河和田地区で同地の伝統工芸である「越前漆器」を制作している。越前漆器はホテルやレストランなどで使われる業務用漆器の分野で圧倒的なシェアを誇っているため、旅先や外食した先で手にしたことがある人も多いのではないだろうか。そんな大量生産に優れた越前漆器を作品の域にまで昇華させ、数を絞ってでも手塗りを徹底。マスプロダクツではなく、高付加価値の漆器に仕上げ、作家として生きる道を選んだ。

福井県で現代の暮らしに合う漆器

中野さんの工房は、県道18号線･通称「うるしの里通り」からすぐ近くにある。この通りの名称の由来は、通り沿いに漆器の絵付け体験などができる「うるしの里会館」があり、周辺には古くから漆器の工房や職人の家屋が数多く建ち並んでいるから。

漆器作りのすべてに関わる

漆器作りには、大きく分けて「木地作り」、「下地塗り」、「中塗り･上塗り」などの工程があり、各工程を請け負う職人が異なる分業制が一般的。しかし中野さんは、自らデザイン画を書いて木地職人に発注し、下地塗りから仕上げの上塗りまですべて自分で行う。木地を発注してから完成品の漆器として出荷するまでには、なんと１年もかかるという。顧客からの注文に応じて、それぞれが専門的に仕事をこなす中で、一貫して自分の手で作品を作り上げる中野さんは、稀有な存在だ。

全国のギャラリーから注目を集める

中野さんの作品はシンプルながらも漆ならではの気品があり、美しい。その評判は日本中に轟き、展示会は年間で10を超えるようになった。今や中野さんは、全国のギャラリーなどから熱い注目を集める気鋭の漆器作家だ。

仕上げの美しさで魅了する

中野さんが制作する漆器の中でも特に人気が高いのが、華美な装飾を廃した椀。冠婚葬祭やハレの日だけでなく日常の食卓で使いやすいデザインや、美しいフォルムの中に温かみを感じる質感が、モダンな感性を持つ消費者から支持されている。その独特の質感を生み出しているのが「真塗り」という仕上げ。真塗りは、上塗りの最後に磨きをかけずそのまま仕上げるため、熟練した塗りの技術が求められる。中野さんは、「越前漆器は上塗りが得意」と言われるほど、職人たちの上塗りの技術が総じて高い同エリアにて、27年間、塗りの技術を磨き続けてきた。

上塗り用の漆も手仕事にこだわる

漆器の上塗りには「上塗用の漆」が使われる。上塗漆を作る作業は「手黒目（てくろめ）」と呼ばれ、昔は産地でよく行われていた。しかし、手作りの「上塗漆」は4～5年寝かせる必要があるなど時間も手間もかかる。そのため、時代と共に既製品を購入する職人がほとんどになっていたが、中野さんは “手仕事こそ、漆器の価値を高める”と考え、2004年から年に一度のペースで生漆（きうるし）を日光に当てて水分を蒸発させ、上塗り用の漆を作る、手黒目を行っている。

作家として生きるために

鯖江市で生まれ育った中野さんは高専を卒業後、土木設計の仕事に就いたのだが、越前漆器の上塗り師として産地の仕事を請け負う父が病に倒れ、それを機に父の仕事を手伝うことになった。幸いなことに父はその後、病から回復し、塗りの技術を父から学ぶことができた。

その基礎が今に生きているんだという。「当時はお陰様で仕事も忙しくて、色々なものを塗らせてもらいました。この産地の上塗り師は、丸いものを塗る丸物師と四角いものを塗る角物師とに分かれます。父の工房は丸物が得意でしたが角物を扱うこともあり、両方の幅広い技術が身に付きました」。

産地の仕事に感じた違和感

父の工房で修業を積んでいた中野さんは、樹脂の器に漆を塗ったり、化学塗料で下地をしたものに上塗りをしたりする仕事に疑問を抱くようになる。「漆器と呼ばれるものの中にはスプレーガンで塗料を吹き付けるものもありますが、私はあくまで手塗りでしか出せない美しい仕上げにこだわりたかった」。中野さんは仕事と並行して自分自身の作品を作り始める。その作品をコンテストに出品したところ、「酒の器展」大賞、「椀One大賞」優秀賞、「越前漆器展覧会」福井県知事賞など権威ある賞を次々と受賞。作家として才能が開花していることは誰の目から見ても明らかだった。

憧れの作家の存在

父のほかにも中野さんに大きな影響を与えた人物がいる。中野さんと同じく福井を拠点に漆器作家として活動していた山本英明さんだ。山本さんは、今でこそよく耳にするようになった “普段使いの漆器” という言葉が広まるきっかけをつくったと言われる人。自分で考えた木地に下地をしっかりと塗り、無地のお椀や重箱に仕上げる山本さんのスタイルに中野さんは強く惹かれたという。山本さんが「手黒目の漆」を作っているのを見て、中野さんも同じく作り始めた。山本さんはすでに亡くなってしまったが、その作品づくりのスピリッツは、現在でも中野さんの心に深く刻まれている。

営業や展示会で人脈を増やす

中野さんは山本さんの死後、同氏に倣って自分自身の仕事を楽しむために、作家として生きていく道を選んだ。その当時、「家庭画報」や「婦人画報」といった女性誌から人気ギャラリーの情報を集め、作品を大きなリュックに詰め込み、そのギャラリーをめがけて営業に回ったりもした。その成果もあってか、長野県松本市で開催されている全国でも最大規模の工芸展示会「クラフトフェアまつもと」に出展。そこに集まる器屋やギャラリーとのつながりを広げていった。

自分の工房を構えて独立

営業まわりやイベントへの出展を続ける中で、少しずつギャラリーから個展やグループ展への誘いが増え、作家として食べていける目処がたってきた。そこで2014年に現在の場所に小さな展示室を備えた工房を構えて独立。父の仕事は兄が継承した。

中野さんの個展やグループ展は年を追うごとに回数を増やし、2019年には年に10回を数えるまでになっていた。現在は、一度の個展で2〜300の漆器を用意する。

パートナーの大きな支え

中野さんは個展に合わせて常に1、2点の新作を発表する。期間中はギャラリーになるべく在廊するようにして来場者にその魅力を直接語り伝えることでファンを増やしている。最近ではギャラリーの要望に応えて、漆器では珍しいオーバル皿やスプーンなども制作。妻の柳子さんが個展やグループ展の準備、事務作業などをサポートしてくれることも創作活動の大きな助けとなっている。

ただ良いものを作り続ける

「最初に出会う漆器の良し悪しで、その人が漆器を長く使うようになるかどうかが決まるからこそ、良いものを作り続けたいんです」と話す中野さん。

個展では、過去に購入してもらった漆器を持ち込んでもらえれば、それの塗り直しも行なっている。丁寧に使い込まれた器が自分のもとに戻ってくることは中野さんにとって最上の喜びだという。「漆器は洗う度にきちんと拭くと美しいツヤが出てきます。それを見るのが一番うれしい。毎日使ってもらってきれいに育ったな、と感じる」と顔をほころばせる。

中野さんが心血を注ぐ漆器は、使った人の生活を反映し、その人ならではの個性が生まれる。やがて、使う人の暮らしになくてはならない存在となり、その食卓、ひいては生活までも豊かにしてくれることだろう。

漆器というと扱いが難しいと思われがちですが、毎日の生活で気軽にお使いいただけるよう、手間暇をかけ、丈夫で実用性の高い漆器を制作しております。手入れも簡単で、万が一に傷んだ際は修理が出来るのも、漆器の利点です。末長く使える漆器を、ぜひ日常に取り入れてみてください。

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信楽焼に代表される焼き物の町、滋賀・信楽町を拠点とする古谷 宣幸さんは、
日本のみならず欧米諸国など海外でも活動する陶芸家です。
繊細な技巧と洗練された美しさを宿す暮らしの器を、多彩な技法を用いて制作しています。
また、和洋を問わず使いやすいデザインも相まって、海外でもその名を知られています。

漆黒の地に、きらきらと輝く銀色の斑紋が浮かぶ「天目」と呼ばれる器。その神秘的な美しさは“宇宙を写した”と称され、織田信長をはじめ多くの歴史的人物や陶芸家を魅了してきた。現代における天目作家のひとり、古谷宣幸(ふるたにのりゆき)さんは、多くの作家が温度調節のしやすい電気やガスの窯を使う中、あえて薪窯を使い、新たな天目の表現に挑戦し続けている。

薪の炎が想像を超える作品を生み出す

古谷さんの工房があるのは、滋賀県の信楽町。ローカルな居酒屋の軒先などでよく見かけるたぬきの焼き物でも知られる「信楽焼」発祥のこの町は、周囲の山々で良質な土がとれることから鎌倉時代に焼き物づくりが始められ、日本六古窯のひとつにも数えられている一大産地だ。

「いい温度まで上がってきました」そういいながら迎えてくれた古谷さんが向き合うのは、すぐ目の前で赤い炎が燃えさかる「穴窯」。

薪をくべてじっくり焚き上げる昔ながらの窯で、古墳時代に朝鮮半島から伝わった日本最古の様式といわれている。温度管理が難しく焼きムラが出やすい一方で、炎の当たり方や灰の被り具合によって作品の表情が変わり、焼き上がる作品にひとつとして同じものがないのが穴窯の特徴だ。

「僕が作っているのは、天目と普段使いの器。もちろん灯油窯や電気窯を使うこともありますが、天目だけは必ず薪の窯で焼くようにしています。薪で焼く方が黒釉（こくゆう）の部分がより深く、存在感のある濃い黒になる感じがするので」。また、窯出しのたびにどんなのが出てくるかわからない、自分のコントロールと自然の力が相まって想像を超える作品が生まれるのも、薪で焼き続ける大きな理由だという。

国宝「油滴天目」を見たときの衝撃が忘れられず、天目の世界へ

古谷さんは、信楽に穴窯を復活させた陶芸家・古谷道生（みちお）さんの三男として生まれた。地元の高校でデザインを学び、大学進学を機に陶芸の道へ。天目の研究を始めたのは大学生だった18歳の頃で、美術館で見た国宝の「油滴天目」に魅せられたのが、天目の研究を始めたきっかけだという。

「父が信楽焼の陶芸家だったので、子どもの頃から昔ながらの信楽焼を見て育ちました。だから初めて天目を見た時、『こんな焼き物があるのか』と衝撃を受けて。父が作っている器とはまったく違いうものでしたが、釉薬のおもしろさに惹かれて天目の世界にのめり込んでいきました」。

大学卒業後は全国の焼き物の産地を訪ねながらさまざまな技術を学び、現在は信楽に工房を構えて日常使いの器を作りながら、天目の研究を続けている。

日本における天目の歴史

日本に天目が伝わったのは、鎌倉時代。茶葉の産地であった中国の天目山より、日本の禅僧が「天目釉」と呼ばれる黒い釉薬をかけて焼かれた茶碗を持ち帰ったのが始まりだ。当時は黒い釉薬、いわゆる“黒釉”のかかったすり鉢形の茶碗飲みを天目と呼んだが、ぐい呑みや徳利、花入などさまざまな形の器が焼かれるようになった今日では、黒釉のかかった焼き物全般を天目と呼ぶようになった。茶碗に現れた文様により「曜変（ようへん）天目」、「油滴（ゆてき）天目」、「禾目（のぎめ）天目」などの種類があり、室町時代の伝書には、天目の中で最高とされるのは曜変、これに継ぐものが油滴であるとの記述が残されている。現存する曜変天目は世界に4点のみ。そのすべてが日本にあり、全国各地の天目作家たちが希少な天目を再現するため、独自の表現を生み出すための研究を続けている。

油滴天目の研究

油滴と呼ばれる結晶は、窯で焼く時間や温度、釉薬の配合など、さまざまな条件が重なってようやく現れる。

「ごく普通に焼くと、黒地に茶色や銀色の細かい縦筋が無数に入った禾目天目の茶碗が焼き上がります。それを高温でもう一度焼くことで、釉薬がさらに溶けて油滴が現れる。高温で焼いている最中は、いわば釉薬がグツグツと沸騰してうごめいている状態。もしそこで出してしまうと表面がボコボコとしたクレーターだらけの茶碗ができ上がります。そこで出さずにさらに高温で焼き続けることで、釉薬から分解された鉄の結晶がクレーターの中に溜まり、黒釉の中に斑紋が広がったような油滴天目の模様が現れるのです」。

一般的な窯焚きと違うのは、焼きと同じくらい冷ます過程に重きを置いていること。天目は、温度を上げる過程で油滴の形が決まり、冷ます過程で色が決まるという。冷却にかける時間の長さによって油滴の色がさまざまに変化するほか、冷却時に吸わせるガスの量も油滴に作用するそうで、あえて湿った薪をくべて水蒸気を発生させることもあるそうだ。

初めて窯を開けた時の楽しみがずっと続いている

古谷さんが目指す天目についても聞いてみた。「僕は黒い部分はより黒く、油滴にはしっかりと輪郭を持たせるのが理想です。天目は、セオリーをつかんだと思ったら裏切られたり、想像以上のものが出てきたりするからやめられない。僕は簡単に同じもができ始めると飽きてしまう性格なのですが、天目は焼くたびに無限に変化します。温度管理がしやすい電気窯やガス窯で油滴の出方をテストすることはありますが、いざ穴窯という自然が大きく作用する環境で焼いてみると、テストとはぜんぜん違うものが出てくるからおもしろい。学生の頃に初めて窯を開けた時と同じ楽しみが、今も変わらず続いている感じです」。失敗も多いが、半分は自然が作り出すもの。それも含めて楽しいと古谷さんは笑う。

黒釉や粉引など、日常に溶け込む器作りも

天目の研究と同時に、日常使いの器も作り続けている。古谷さんの作る食器は、日常遣いに心地よい、モノトーンのシンプルなデザインが特徴だ。「料理を盛ってこそ器は生きてくる」という考えは、唐津の陶芸家・中里隆さんの影響が大きい。「中里先生を紹介してもらったのは、先生が信楽にある陶芸の森に講師として来られた時。2ヶ月ほど滞在されるということで、『僕はしばらくここにいるから、ここでろくろの練習をしたらいいじゃない』と誘ってもらったのが弟子入りのきっかけでした」。驚いたのは、中里さんがまずは滞在中に使う食器作りから取りかかったこと。皿や茶碗はその場で作り、持参した醤油さしや箸置きとともに並べてきちんとした食卓をつくる。その後、「アメリカに行くけど一緒に来ない？」と誘われて世界中、日本中を旅する中で、一緒に食事をして器を作って、衣食住をともにしながらあらゆることを学んだ。「自分たちが作った器で毎日ごはんを食べて、暮らす。そこにある土とそこにある窯で、自分を表現する。その体験がとても勉強になりました」。同行中には器の整形に役立つ「牛べら」の使い方を学び、ろくろの回し方に無駄がなくなって、食器を作るスピードが格段に上がった。古谷さんの器に同居する、どんな料理も受け止めてくれるおおらかさと繊細な美しさは、こうした経験によって培われたものだろう。

ゴールがないからずっと続けていける

どんな器が好きですか？という質問には「粉引の器はすっきりと白いものが好み。黒は永遠に挑戦し続けたいテーマで、マットな黒から光沢のある黒までいろんな黒を極めたいと思っています。こんな風にゴールがないものだから、ずっと続けていけるのかもしれません」という答え。器は日常の中にあるものとして、天目の研究とはまた別に、気持ちを切り替えて向き合える良い対象だという。こうして話している間にも、古谷さんの手からはなめらかなカーブを帯びた徳利や、洗練された形の小皿がするするとでき上がっていく。好奇心とエネルギーにあふれる古谷さん。これからの活躍が楽しみだ。

誤魔化しの効かない、ミニマルなものこそが一番難しいけれど、流行に惑わされず小手先の技術に頼らず、そのままの自分を轆轤で表現できれば、長い時を経ても飽きずに使い続けられる器になる。私が常日頃から感じていることです。使っているうちに、気づけば生活になくてはならない存在にまで成長するような器となりますように。

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「陶芸オタク」と言わしめるほどの研究実績に裏打ちされた確かな技術力で、
既成概念にとらわれない作品を発表し続ける美濃焼の作家・青木良太さんが運営するブランド。
ジャンルの垣根を超えた幅広い作陶活動のほか、
世界と陶芸を結びつける活動も積極的に行っています。

常識を覆す陶芸家

陶芸の日本代表になろうとしている陶芸家が美濃焼の産地で知られる岐阜県土岐市にいる。陶芸家・青木良太さんだ。陶芸家といえば、作務衣を着て静かな空間で、落ち着いた色合いの作品を作るというイメージがあるが、青木さんは少し違っている。頭に巻いたターバンに足元はゴールドのスニーカー、工房のBGMは爆音のヒップホップが流れている。また作品にもその特徴は出ていて、美濃焼が落ち着いた青や黒といった色合いが多いのに対して、青木さんの作品は鮮やかな赤や金といった派手でおしゃれな作品が多い。いわゆる陶芸家らしくないスタイルの反面、誰よりも研究を続けているのは間違いなく彼である。唯一無二の器の色を表現する為の「釉薬」を年間約15,000回試し続け、気づけば20年が経過。その過程で、金や銀にプラチナ、果てはスワロフスキーなど、扱いの難しさゆえ陶器に用いられてこなかった素材を使い、今まで誰も見たことがない美濃焼を生み出している。

後世に日本の陶芸を残したい

青木さんが目指しているのは陶芸を奥深く追求することだけではなく、日本の陶芸そのものを世界に発信することだ。だから青木さんは「陶芸の日本代表」と呼ばれることにこだわっているのだ。その証拠として工房には日本国旗が掲げられており、常に意識している。

青木さんは世界中の人に自身の器を手に取って使ってもらいたいのだという。そして親の代から子の代へと受け継がれる良いものとして残したい。その為には世代問わず、まずは陶芸に触れてもらう事が重要だと考えた。様々なジャンルの作品を作った上で、日本の陶芸との接点を数多く用意している。現代アートの文脈に沿った作品からアバンギャルドなアイテム、ふだん使いの器、果ては“ガチャガチャ”向けのアイテムを作り、幅広い年齢層に向けて陶芸で語り掛ける。また、自身のオンラインショップやアートギャラリーだけでなく、アウトレットモール「土岐プレミアムアウトレット」で店も始めた。実は土岐プレミアムアウトレットは岐阜県で一番人が集まる場所。陶芸に興味がない不特定多数で幅広い年齢層の人が集まるからこそ、そこに美濃焼を気軽に買える店を置きたかった。より多くの世代の人々に陶芸に触れてもらい、知ってもらう事こそ自身の使命だと考えているのだ。

陶芸で作ったとは思えない作品

様々なチャレンジをしてきた青木さんだが、その中でも代表作といえるのが「王様のワイングラス」だ。ただでさえ焼いてみないと仕上がりがわからないとされる陶芸の世界において、不可能とされてきたワイングラス を、長年の研究の末に世界で初めて完成させた。海外の文化であるワイングラスを、日本人の陶芸家が日本の陶芸を用いて完成させたことに大きな意味があると青木さんは語る。そして、現在も彼以外に陶器のワイングラス を安定的につくることができる陶芸家は地球上に存在しない。

それだけではなく、コスト的にも技術的にも厳しいとされてきた真紅の釉薬「RED」の開発にも成功した。完成までの間に釉薬を塗ったテストピースは約10万個を超え、この色を生み出すのがどれだけ大変だったかを物語っている。このように日々のたゆまぬ努力と、いつまでも尽きない陶芸への好奇心が陶芸界に新たな風を吹かせているのだろう。

「今も土に触れることが一番楽しいし、思っていたものと違うものができるのも面白くて飽きない。結局好きなことを続けたくて必死に頑張ってきただけ」と語る青木さん。青木さんには日本の陶芸をどうしたらもっと広げることができるのかという研究家としての視点といつでもかっこいいものを作りたいという少年のような視点の両方が備わっている。青木さんの言葉以上に、彼の器は日本の陶芸の魅力を世界に発信することだろう。

時には数千年もの悠久の時を経て世に残る焼き物。何千年後の未来に、「21世紀にどんなアーティストがいて、どんな作品があったか」を論じる時が来たら、自分の名前が挙がってほしい。そんな歴史に名を刻むような作品を死ぬまで残し続けたいと思いながら、今日も作陶に励んでいます。

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大正13年に設立した大阪府八尾市の工房。
銅とアルミを原材料にした厨房機器や調理器具を主に製造し、
代々受け継がれた技術で作られる実用的で美しい道具は、
プロの料理人にも愛されています。

知る人ぞ知る鍋作りの最高峰の工房

いい職人は、いい音でものをつくる。大阪府八尾市にある、知る人ぞ知る有限会社姫野作.の工房では、職人・姫野寿一さんが鍋を打つ心地よい音楽のような音が耳に響いてくる。

「子どものころは毎日カンカンと鍋を叩く音が聞こえてきて本当にイヤだったんです。実際に継いでからもうるさいし、大変だし、おまけに作っても売れ残る（笑）。どうしてうまく作れないんだ、売れないんだと意地になって鍋作りを追求するようになった。いかに均等にきれいに打つか、道具や座り方、力の入れ方などとことん考えてきました」

一流の料理人にも愛される手作り鍋

大正13年、約100年前に祖父が立ち上げた鍋作りの工場を姫野さんが継いだのは、30歳のときだ。彼がつくる行平鍋は、プロの料理人も愛用する逸品。その特長は、熱伝導率が高く、熱ムラがないこと。食材へ均一に熱を伝えられることで焦げ付きにくくなる。

「叩いて槌目を入れることで純度の高いアルミが締まり素材が強くなる。さらに鍋肌が広がることで熱伝導率が高くなり、食材を早く均一に煮ることができます。一般的な行平鍋は暑さが２mmですが、うちのは３mm。そのほうが丈夫で保温性が高く、安定感がでるんです」

卓越した技術と経験

行平鍋の特長ともいえる槌目（つちめ）とは、金属の強度を高めるために金づちで素材を打ち付けるとできる模様のこと。一回叩く毎にカタチができる。つまり、打ち直しをすることはできない職人の感覚が頼りの技だ。姫野さんがリズミカルに金づちを打ち付けつくる鍋の槌目は芸術のように美しい。

使いやすさと機能性をあわせもつ作品

アルミの熱伝導率は鉄の3倍よいと言われ、鉄やステンレスと比べて焦げ付きにくい。また、重さはステンレスの１/３と軽いので女性が扱いやすい一面も。空気に触れることでできる酸化皮膜は内部をサビや腐食から保護するので耐久性もあり、表面が滑らかなので洗い落ちもよく菌が繁殖しにくく衛生的でもある。まさに至れり尽くせりの一品だ。行平鍋だけでなく、親子鍋、段付鍋、八角鍋など、種類もさまざま、料理の用途によって使い分けるのもおすすめだ。

現在は、全国に10軒もないという手作り鍋の店。注文の半分はオーダーメイド。大きさ、素材、柄の付け方など、使い方やこだわりにあわせて鍋をつくる。

「一度、金の鍋を作って欲しいといわれて見積もりをとったら1000万円以上になって実現しませんでした（笑）。これまでいろいろな注文がありましたけど、いちばん変わっていたのは花園ラグビー場前にある近鉄・東花園駅の駅舎に飾ってある大きなラグビーボールかな。あれは大きくて大変でした」

「使い手と一生付き合える製品」をつくる

姫野作を打ち始めてから変わらない思いが三代目の姫野寿一にはある、

それは、「使い手と一生付き合える製品」という考えだ。市販で売られている鍋の寿命は2～3年。長く使えても5～10年が限度。そんな大量消費、使い捨ての時代において古臭い考えかもしれないが、この思いを崩すことなく日々「姫野作.」の刻印を打ち続けていきたいと思っているという。50年以上つかえるというその鍋つくりの腕は、日本最高ともいわれている。だが、職人の道にゴールはない。

「まだ１度も満足したことがないんですよ。でもだからこそ飽きずに続けていられるのかもしれませんね」

「使い手と一生付き合える製品」という考えは、今の大量消費、使い捨ての時代において古臭い考えかもしれませんが、これを崩すことなく日々「姫野作.」の刻印を打ち続けていきたいと思っています。

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400年以上高知で受け継がれてきた伝統工芸「土佐刃物」を作る工房。
和包丁の9割は大阪・堺産とされていますが、実は その刃物の6～7割は高知産。
「土佐包丁の価値をもっと高めたい」と、日々技術を磨いています。

400年以上受け継がれてきた歴史ある包丁「土佐刃物」

高知の伝統工芸「土佐刃物」は、当時の領主であった長宗我部元親が豊臣秀吉の小田原征伐に参戦した際、刀鍛冶職を連れ帰ったことがきっかけで始まったといわれている。このように土佐刃物の歴史は古く、現在まで長い間大切に受け継がれ続けている。

日本でも屈指の研ぎ師である、土佐包丁工房 田所刃物の田所真琴さんも、最初は須崎市の「刃付屋」で修行を重ねたという。

「最初は見ているだけで触らせてももらえない。負けず嫌いで悔しいから自分も技術を身につけようと思うようになり、いつの間にか夢中になっていました。頑張れば頑張るだけ技術が身につくので、勉強や遊びよりもずっと楽しかったですね」

堺の包丁技術を取り入れて新たな土佐刃物へ

地元で17年間修行をした田所さんは、土佐刃物の価値をさらに高めるため、全国各地の刃物の産地を巡った。そこで出会ったのが、包丁の本場、大阪の堺にいる現在の師匠だった。

「高知でやってきたことは何だったんだろうっていうくらい、これまでの技術や知識が通じませんでした。同じ作業をするとして、高知が10工程だとしたら、師匠のところは20とか30とか。とにかく手間ひまをかけて研いでいく。この技術を学ばなきゃダメだと心から思いました」

研ぎの作業は、“粗研ぎ”、“中研ぎ”、“仕上げ研ぎ”と流れる。堺で衝撃を受けた田所さんは、土佐刃物に新たな風を吹き込むべく、一日を要するほど時間をかけて丁寧に研ぎあげていく。

「手に伝わってくる振動、音、火花の色、すべてを感じながら砥いでいきます。経験を重ねていくことでその感覚が身につくようになるんです」

包丁の切れ味が料理をおいしくする

丁寧な仕事で出来上がった田所さんの包丁は、美しく、切れ味も抜群だ。

「よく切れる包丁は、魚や肉、野菜などに圧力をかけないので、料理もおいしく仕上がるんです」

実際に切れにくい包丁で食材を切った場合には雑味や苦みが増し、旨味が落ちてしまうこともある。切れ味が良い包丁は見た目にも美しいだけではなく、料理をおいしく変えるほどの大きな力を持っている。

日本の和包丁の生産の９割は堺産ということになっているが、実はそのうち７割は高知で作られているという。

「いつまでも堺の“下請け”をやっているわけにはいかない。なんとか土佐包丁の価値を高めていかなければと思っています」

田所さんは土佐包丁の価値を高めるべく、今日も切れ味を追求している。

日本の包丁は和食の料理人だけではなく世界からも注目を集めていて、フレンチのシェフが日本までわざわざ包丁を買いに来ることもあるほどです。いい包丁を使えば、それだけで料理はおいしくなります。ぜひ1度切れ味を試してみてください。

こちらでもご紹介しております。

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江戸時代から約400年続く、伝統ある南部鉄器の工房。
その特長の1つは、無駄のない美しいフォルムと深い錆色。
その高いデザイン性と色合いが現代の生活にもなじみ、
気品のある印象を与えています。

400年の伝統を受け継ぐ女性職人

岩手県盛岡市にある鈴木盛久工房は、江戸時代から南部鉄器を支えてきた約400年の歴史を持つ工房だ。創業は1625年で現在でも昔ながらの技法を受け継ぎ南部鉄器を作り続けている。鈴木家は代々鋳物師として南部藩に仕え、現在で15代を数える家だ。

今回お伺いしたのは、15代鈴木盛久の名を継いだ熊谷志衣子さん。歴代のなかで初の女性職人ということで注目を集めている。志衣子さんは鋳物師になる以前には彫金を学んでいた。しかし、先代のお父様が亡くなったことを受けて、この道を継ぐ決心をしたのだとお話を伺う。彫金を専攻していた経験が現在の繊細で、たおやかな模様の作品につながっている。その中でも特に人気なのは鉄瓶だ。この日は仕上がったばかりの鉄瓶をひとつひとつ拝見した。

インテリアとしても飾れるおしゃれな南部鉄器

伝統の「日の丸形」という鉄瓶は明治時代のデザインだ。一般的な南部鉄器は、現代のやかんや急須と比べるとがっちりと重厚な印象がある。しかし、熊谷志衣子さんの作品は南部鉄器ならではの重厚感を残しつつも、女性らしいオリジナリティーを感じさせる。珍しい縦ストライプや手鞠模様といったデザインは驚くほど軽やかだ。このように伝統工芸品ではあるが、現代の生活を彩るインテリアとしても志衣子さんの南部鉄器は愛されている。

次にギャラリーと繋がっている工房に案内していただいた。明治18年の建設以来そのままという町家造りの建物、そのほの暗い通路を通り抜けると工房があった。現在、鈴木盛久工房では、志衣子さんや16代目を継ぐ息子の成朗さん、そして若いお弟子さん方が活躍している。

鉄瓶のデザインを考え、鋳型をつくり、鉄を流し込む、その南部鉄器づくりの全てがこの工房で行われている。代々受け継がれる技術があるからこそ、鉄瓶を繊細にも重厚にも作り上げることができるのだ。

伝統工芸品づくりは全体のフォルムから

工房で中田は鋳型に日本の伝統的な模様をつける「模様押し」という作業を体験させてもらった。大小異なる大きさのあられ棒を使って押し当てるように模様をつけていく。均等に模様をつけられず、「はあ」と中田のため息が聴こえてくる。けれども志衣子さんは「逆にそれが面白い」という。

次第に「ものづくり」という観点の話になる。作業をしながら中田は「例えばいまはこうして模様をつけさせてもらってますが、ものを作り始めるのは模様から入りますか。それとも全体的なフォルムから？」と質問した。中田は自身が参加したREVALUE NIPPON PROJECTで作品を作ったときにフォルムから入ったというのだ。

志衣子さんも同じようにフォルムから入ることが多いという。ギャラリーで拝見した鉄瓶は、たしかにどれも魅力的な形をしているものが多い。その時代、その時代に心地よい形が誕生していく。今後も400年の伝統を守りつつ、南部鉄器の新しい可能性を模索する志衣子さんの活躍が楽しみだ。

家に代々受け継がれてきた伝統をしっかり守りながらも、時代に即したデザインと実用性を兼ね備えた、遊び心もある南部鉄器を製造しています。ぜひ手に取っていただき、南部鉄器のある暮らしのよさを知っていただけたらと思います。

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「如月窯」は、岩手県内で採れる原料を中心に使い、素材の良さを生かした器を作る陶芸窯。
多彩な表現技法を駆使し、岩手の風土に息づく美しさを陶器で巧みに表現しています。土が持つ温かさと力強さ、そして日常的な使いやすさが魅力的な器は必見です。

温かみを生み出す工房

岩手県の中央部に位置する盛岡市。そこにある高松の池は白鳥の飛来地としても知られている。この池に隣接する高台に作陶を行う雪ノ浦裕一さんの工房、「如月窯」はある。雪ノ浦さんは岩手大学教育学部数学科に進むが、副専で美術を専攻していた。フレスコ画など古典絵画も学び、数学科卒業後には特設美術科専攻科を履修したのちに、北海道の野幌で焼き物を学んだ。1年間だけ作家さんのもとで修行をし、25歳のとき岩手に来てからは夫婦で作品を作り続けている。

工房に並ぶ食器などの作品を見て中田が「柔らかい」という感想をもらすと、「温かいといわれることが多いですね」と雪ノ浦さんはいう。たしかに棚にならぶ作品はどれもゆったりとした土の持つ素朴な温かさをたたえた作品ばかりだ。食卓にあったら心が落ち着く、そんな食器を雪ノ浦さんは日々創作している。

地元岩手のものを使う

「器は使ってもらってなんぼですから」と雪ノ浦さんはいう。「日常雑器を作れないとダメだと思うんですよ」。展示会に出すためのいわゆる「作品」を作ることもあるが、根本には日常の器にこだわる気持ちがあるという。その気持ちは見た目のおしゃれさだけではなく、使いやすさも兼ね備えた器に仕上げているところからも感じ取ることができる。

また、雪ノ浦さんは岩手の土や灰などの素材をできるかぎり使って陶器を作っている。ほとんどは遠野や花巻や紫波などの土を使っているが、強度を考えて耐火性がある信楽の土も少しブレンドする。また、りんごの灰を使った灰釉の調合比を変え何度も重ねることでガラスのような厚みを出して独特の風合いを出している。陶器の釉として漆も使う。本焼きし焼〆た器の表面に拭き漆して焼き締めることで、使用時に水分を吸収しにくくなるのだ。

広い岩手県の中から材料を探し、常に土のバリエーションを楽しむ。その全く異なる表情をどう活かすか試行錯誤している。

陶芸体験に中田も夢中に

雪ノ浦さんは、ろくろ、手びねり、型おこし、など様々な技法で制作するが、今回は、タタラ技法での陶器作りに挑戦させてもらった。タタラ技法というのは生地を板状にしてそれを成型していくやり方だ。ろくろのように土のかたまりをそのまま形にしていく作業とはまた違った難しさがある。

成形のときにゆっくりと少しずつ形を変えていかないとゆがみのもとになってしまうのだそうだ。また、形作りのために加える力のかけ方が均一でないと焼いた時に焼戻しというものが起きてしまい、これもまた変形の原因となってしまう。

中田もアドバイスを受けながら少しずつ成形していく。気がつけば熱中してしまい、茶碗を二個、そのうえ平皿まで作ってしまった。成形ができたら最後に模様をつけてできあがり。焼き上がりが楽しみだ。

雪ノ浦さんは私たちが忘れかけている素朴で温かみのある土の存在感を作品から伝えようとしている。デザインもさることながら、そんな想いも相まって、私たちの生活の一部としてそっと寄り添ってくれる食器だろう。

「如月窯」の作品が使う人の生活に潤いを与えることができればと思いながら、日々制作に励んでいます。普段使いしていただける器が中心なので、毎日の生活の中でどんどん活躍させてあげてください。

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