強固で美しい漆の家具

漆造形家　渡邊希さんは札幌を拠点に、漆を用いた立体造形、うつわ、小物、家具などを手がけている。作品の中でもひと際目を引くのが、立体造形や椅子テーブルなど大きなものだ。工房にある一客の漆の椅子は、朱赤で柔らかい曲線の造形。座ってみると、思ったより硬くしっかりしている。「強度があり、故意に突いたりしない限り壊れない」と聞き、これには中田も驚いた様子だ。作品はすべて乾漆技法でつくられ、家具類は漆と麻布だけで頑丈で美しい作品を生み出す。

漆の艶と力強さを表現

以前はジュエリーなど小さなサイズのものを作っていた渡邊さん。乾漆を主体に、現在の作品は大小さまざまだ。オブジェや家具など大きな作品を作るようになったきっかけを聞くと、「漆の麻を固める力に惹かれて興味を持った。漆の艶や力強さ、その性質を一番表現できる形を選んでいる」と話してくれた。「漆の力強さは一般的に知られていない」と漆に造詣の深い中田も興味深そうに相槌を打った。大きな漆の作品には意外性と驚きがある。

光をまとう漆作品の工程を知る

「そばの実をこねる鉢で漆を精製し、その後水分を飛ばして使う」と渡邊さんは工程を一通り説明してくれた。漆の家具は型を作って麻布5～10枚を覆って漆で固められる。最後は磨いて仕上げを行い、作品が完成。伝統的な漆の新しい解釈は国内外で広く注目されるところだ。漆黒の造形は、素材の持つ透明感のある艶が光を生み出す。素材から着想を得た漆の空間造形は、心の内側へ深くこだましていくようだ。

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工芸家として器に魂を吹き込む

金属工芸家の武田亨恵さんは、鉄やアルミを用いて器やオブジェを制作している。工房にはダイナミックなオブジェと繊細な器が並ぶ。「丸みがあって温かみがあるけど、金属らしいシャープさもある。随所にセンスを感じる」と実際に手に取り、中田は述べた。工芸家でありながら、“彫刻”とも評される自身の作品について両者の狭間を考え続けてきたと話す。「工芸と彫刻の定義は何なのか、私なりの工芸の再定義。それが作品づくりの原点ともいえる。工芸は技術ではなく精神性。一つの器には作家の魂があり、無限の宇宙が広がっている」と武田さん。

見えない力、人の存在を表現したい

工房ではアルミの大きなオブジェに出会った。この作品のモチーフを尋ねると、「工芸は自分のもとを離れて使い手のところで初めて反応がある。その場で感動を共有できる音楽とは違う。この作品では音楽のように見た人と共有する意識を感じたかった」と教えてくれた。「人と人には見えない力が働いている。人の存在のありようを表現したい」と白い布を材質のイメージにしたこの作品では、それまでの鉄ではなく、アルミを起用した。工芸は素材と向きあうことが第一だ。

ぐい呑みづくりにチャレンジ

鍛金の経験がある中田。この日はぐい呑み作りを体験させてもらう。錫の表面を叩き、柄をつけていく作業から始まった。「（しぼり技法とは違い）叩いていてすぐに変化が出るのは楽しい。吹雪が舞っている感じとかを出せればいい」と、つかの間、金槌の音が響き渡った。叩く作業が終わると、金属を切り取り円柱に成形し、側面を溶接していく。「仮止めのように点で止めていく。ずっと火を当てていると穴が空いてしまうので、当てたら離すを繰り返す」と手ほどきを受けながら、溶接作業が終わり、ぐい呑みの形が出来上がっていった。

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魔法のように変化するガラス

ガラス工芸作家の高橋禎彦（よしひこ）さん。ドイツのガラス工房で仕事をし、海外でも個展を開くなど、世界的に知られる作家だ。1985年から制作の拠点にしている工房で、高橋さんの制作方法を実際に見せていただいた。
中田に説明しながら、高橋さんの手が動く。塊だったガラスはみるみるうちに形をかえていく。ガラスを吹いて膨らませていたのは、丸みをつけるときだけ。あとは、「重さで伸ばすんです」といって、ガラスの付いた吹き竿を下向きに振る。すると溶けたガラスは遠心力を受け、伸びるように形を変えていく。また、飲み口を開く方法も道具を使わず、吹き竿を回し遠心力に任せるのだ。ガラスの温度、やわらかさ、重力、遠心力を感じながら形を作る。まるで、魔法のようにガラスに形をつけていく姿が印象的だった。

「いま、ガラスの加工というのはあらゆる道具を使うことができるんです。とても便利な道具。だたね、その道具を使う理由を考えたけど納得できる答えが出なかった。それで、自分の中にルールを決めたんです。」と語る。そのルールとは、吹き竿を使うこと、溶かすこと。このルールの中で制作するということだった。「例えばね、コップの底は削って仕上げることが多い。でも、自分はできる限り削りたくないことに気がついた。だから削るのもやめました」その言葉のとおり、高橋さんのガラスは柔らかなたわみと、つるりとしたその肌の質感が目に鮮やかだった。

ガラスの”頃合い”を体験する

そして次は中田の番。「はい」と言って手渡された吹き竿を火に入れる。それを取り出して、「頃合いを見て、息を吹きましょう」と高橋さん。「え、頃合いって、どんな!?」と中田がひるんでいると、「いま、いま」と高橋さん。「うん、いいかんじです、じゃあ、振り子みたいに振ってみてください」。言われたとおりに振るとどんどんとガラスが伸びてコップの形に近づいていく。万事がそんなふうに作業が進む。吹き竿を回し続ける中田と、ガラスの温度に気を配る高橋さん。作業を見ているだけではわからない、ガラスという素材の動きや面白さを体験することができた。こうして仕上がったのは大きなコップ。実は、高橋さんがいま最も多く作っているのがガラスのコップなのだ。

ガラスのコップをつくること

「この前たまたま糸井重里さんの事務所と仕事をすることになって、毎日の生活で使うコップばかりで展示をやらないか、ということになり、それをウエブで紹介していただきました。コップのようにじかに触るものは、手で触る、口でも触る、だからいろんなことがじかにわかってしまいます。ある意味ほんとうに敷居が高くて難しい世界です。そんなことがあって、最近はコップばかり作っています。」

これは意外な言葉だ。「敷居が高い」「わかっちゃう」。たしかに、口にするコップは、飲み口が分厚い、薄いという一点だけでもどうにも気になる。
美術品では感じられないこと、それは、物を知るということでもあるのかもしれない。
「どんなコップで飲みたいと思うかは人それぞれだから、ひとつひとつ作るのがいい。町のパン屋みたいに。そういう人との距離感も大事ですね」
「個人オーダーみたいにするのがいいっていうことですか？」
「そう。建築家がそうでしょ。器屋もそうなのかなって思いますね」
長年にわたり、オブジェや独創的な造形を作り出してきた高橋さん。そしていま、ガラスという素材の特性を表情として引き出しながらコップという器を作っている。

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砂糖菓子のような磁器

「砂糖菓子のようで、今まで見たことない磁器だなって」。そう中田が感想をこぼした作品は、陶芸家の大槻智子さんの手によるもの。作品は器からランプシェード、オブジェまで幅広いものを制作しているが、どれも共通してピンクなどのパステルカラーが多用された作品が多い。また、小さく作ったデコレーションが配されていることや、印花と呼ばれる型押しで作る模様もファンシーさを感じさせる。そのポップで独特な感覚が人気を呼び、注目を集めている作家だ。
中田が「砂糖菓子みたい」と表現したわけは、このデコレーションと配色に加えて、もうひとつ理由がある。それが透明感だ。土にガラス質の粉を混ぜ込むことで、表面の透明感がアップするという。その透明感をまとった姿が、何ともいえず美しく、かわいらしい。

OLから陶芸家への転身

大槻さんは美大や芸術学校で専門に陶芸を学んだ人ではない。
しかも前職は会社員。在職中に貯金をして、１年間毎日陶芸教室に通ったという。その１年を終えた時に、もっと本格的に陶芸の道を進みたいと、先生に弟子入りを頼んだところ、答えは「やめておいたほうがいい」だったそう。学校で正式に学んできたわけでもないので、これからの道は他の人よりもかなり厳しいと一度は断られたというのだ。

それでも、諦めきれずに「どんなことでもいい。お金もいらないからお手伝いをさせてくれませんか」と頼んだところ、ようやく了解を得た。熱意が人を動かした瞬間だ。
それから「厳しい」と言われた道を進み続けて、現在のように注目される陶芸作家にまでなったというわけだ。

ファンシーなモチーフのデザインはどこから？

どっぷりと陶芸作家の道を歩んできた人ではないからこそ、醸し出すことのできるのがこのファンシーさかもしれない。
中田が「このモチーフはどこから発想を得ているんですか？」と聞くと面白い答えが返ってきた。それは「写真」。
「何というか、ケーキの写真が好きなんですよ。そこから着想を。ほかにも花や草木の写真が好きでよく見ます。そういったところからアイディアが浮かんでくるんです」ケーキの写真から陶芸作品に。その発想の面白さが大槻さんの大きな魅力なのだ。

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細部へのこだわったガラス

馬越寿（うまこしやすし）さんのガラス作品の最大の特徴は”細部へのこだわり”だ。それは、形、色は当然のことながら、肌質まで細部にとことんこだわり抜く。大きなオブジェを制作していたこともあるというが、現在取り組む作品は花器や香水瓶。表面、内側、蓋、細部にまで繊細な美しさを持つ作品だ。工房で作業を見学させていただくと、精巧に作り込まれていく作品はガラスという素材の持つ表現の幅広さを感じさせてくれるようだった。

馬越さんの繊細な造形は「コールドワーク」という技法を多用している。つまり固まった状態のガラスを削る作業だ。吹きガラスに代表される「ホットワーク」で基本的な形をつくり、一度冷やした後に、さらに”削る”加工を加えて自身の世界観に近づけていく。
粒状の研磨剤を噴射してガラスを削るサンドブラストと呼ばれる技法もそのひとつ。実際にガラスを削ってみせてもらうと、「こんなに砂で削れるんだ。意外と、ガラスって強くないんですね…」と中田。切子や表面研磨とはまた異なり、削った後の表面にぼかしが残る。変化を見極め時間を掛けて、少しづつ形を変化させるのだ。

ガラスの偶発性も大切なかたち

馬越さんの特徴は表面の質感にも現れる。見せていただいた作品のなかで、中田が興味をもったのは、霜のようなざらざらとした質感のもの。それを可能にしているのがグルーチップという技法だ。手で彫って作り出した凹凸ではなく、自然の偶発性が作り出した表面の小さな割れとでも言おうか。グルーチップという技法のグルーは糊のこと。表面の下地をサンドブラストにしておいて、その上にニカワを塗るのだという。
「乾燥させると、表面のニカワが縮みます。それが限界を超えると、はぜるんです。そのときにガラスの表面もニカワと一緒に剥がれます。だからコントロールはできない。自然の偶発性が生んだ凹凸なんです」
「海外の窓ガラスでよく見るような気がしますね」
「そうですね、もともとは板ガラスに施されていた技法なんです。立体物にそれを利用してみようと思ったんですよ」

質感が生まれる

また、作品の表面にエナメル絵付けをする作品にも取り組む。ガラスの表面にエナメル塗料を塗り、高温で焼き付けるのだ。白いエナメルはやや不透明で艶やかな質感をその表面に残し、独特の表情が生まれるのだった。
直線に掘り込んだへこみにエナメルを埋める作業をしながら、ふと、ガラスと光の話になった。
「ガラス作品は、光のあたりかたですごく見え方が変わりますよね？」と中田。「そうですね、ガラスは光を見ているようなもの、とも言えますからね」と馬越さん。表面の質感や造形が美しい馬越さんの作品。しかし、表面の質感は光を受けたときにまた、にじみ出る別の表情があるように感じられた。
削ることで自分の思った表現に近づけていく。そのガラスの変化を受け入れ、発見を繰り返しながら、新しい作品を作り出していくのだ。

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器からオブジェまで。

数々の賞を受け、国内はもとより海外でも評価の高い陶芸家・寺本守さん。花器や器などは、銀彩や象嵌などを施し、丸みを帯びた姿の中に洗練された印象を受ける作品が多い。九谷で修行をしたという絵付けも、大仰な模様を描くのではなく、色の折り重なりが意表をつくような模様が多く、作品のシャープさを増す。 また、モニュメントのような大きな作品を作るのも寺本さんの特徴のひとつ。見学当時も、長さ６メートルにもなるオブジェの製作中だった。まだ床にならべてある状態だったが、その時点ですでに迫力満点。焼き上がり、完成した作品がどのような雰囲気を醸し出すのか楽しみだ。

笠間の地で陶芸に向き合う。

寺本さんは1976年に笠間に窯を建てた。だけれども、元々笠間の出身というわけではない。ではなぜ笠間に窯を持ったのかという質問をすると「自由にできるかなと思った」という答え。笠間焼そのものは歴史を持っているが、寺本さんが窯を作った当時は、古くからある窯があまり多くなかったという。 「それで、形式にとらわれずに、自由なものを作れると思った。だから笠間を選びました」と言う。

もともと笠間は良質な土が取れる土地だったそうだが、現在ではあまり採取できず、土は全国からも取り寄せて使っているそうだ。だからその土地を使うことがその時代の焼き物というわけではなくなっている。 「たまたま笠間に住んでいる人間が焼いていますよっていうことになる。僕の友達は六本木で”六本木焼”といって作陶していますよ」と寺本さんは言う。笠間の地で作陶に集中できる環境を持ち、あらゆる可能性に挑戦しているのだ。

自然の偶発性が出す色。

寺本さんの工房には、電気窯、ガス窯のほかに、登り窯もある。登り窯は、斜面を利用していくつもの連なった部屋をつくり、すべての部屋を高温に保てるように作られた窯だ。ガスや電気と違い、木を燃やして火をたくので、当然、灰が出る。それが作品に付着することで、灰のアルカリ分と土の鉄分が反応し、赤い色がでる。この赤い色は電気窯では出ないのだ。ただし、窯のなかを見られるわけではないので、どのような色が出るかは、勘と経験がものをいう。

登り窯の姿をみて、中田が「実際に焼いているところを見てみたい。実際に器を作って焼いてみたい」というと、すかさず寺本さんは「一度やるととりこなっちゃいますよ」と言う。やはり、自分で作品を制御しきれない部分がたのしいのだという。

灰がかぶれば出来上がりが違う。熱の伝わり方、炎のあたり方で出来上がりが違ってくる。そういう偶発性と、自分の思い描いた作品の姿が、最後にどのようなものになってでてくるのか。想像を超えて、興奮する瞬間だろう。

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ぱっと目に飛び込む、鮮やかな色の作品がずらり

森に囲まれたアトリエ。一歩足を踏み入れると、色とりどりの陶器が陳列されている。国内外で数々の賞を受賞し、高い評価を得ている陶芸家の松田百合子さんのアトリエだ。
作品の特徴は、華やかな色使いと、独特の造形。鮮やかな赤や金の色に植物を象ったデザインが目に飛び込んでくる。

「作品を作られるときはどういうイメージで作られるんですか？」と中田が質問すると、松田さんはこう答えた。
「一応テーマを決めてるんです。野菜をテーマに作っていたときもあるし、富士山をテーマにしたものもあります。それから注ぐ、盛るといったような用途を先に決めてから作るときもありますね」

展覧会に出す作品も制作しながら、食卓にのぼるような実用的な作品も作る。
「“使えるもの”となると、デザインなど独創性とどの程度折り合いをつけるか、その度合いが難しいですよね」と中田。
「そこはいつも頭を悩ますところではありますね。でもこういう絵を描きたいから器を作ろう、おもしろい形ができたらこれに何を描こうかって楽しみながら作ってますよ」

「土だから、ちょっと伸ばせばいい」土の自由な特性をいつも心に

当日は、カップ作りを体験させてもらった。土を丁寧に伸ばす。

「あ、ほら、これはちょっと短いかな。でもね、土ですから、ちょっと伸ばせはいいだけ。近ごろは、そんなふうに余裕も出てきましたね」そう笑う松田さんと同じように、作品からもゆとりと楽しさが伝わってくるようだった。

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日本現代美術の収集にも力を入れる。

豊田市の中心、かつて挙母城（ころもじょう）のあった高台。そこに、近現代作品を中心にした「豊田市美術館」がある。 葛西臨海水族園やニューヨーク近代美術館新館の設計で知られる谷口吉生氏による建築で、美術館の敷地の西側には、日本式庭園のなかに復元された挙母城の隅櫓や茶室が点在し、東側のテラスからは“クルマのまち・豊田”が一望できる。 収蔵するコレクションは、20世紀美術運動をほぼ網羅。エゴン・シーレやグスタフ・クリムト、サルバドール・ダリなどの絵画、藤田嗣治、岸田劉生などの日本洋画から日本画、オブジェなど多様だ。

また、1995年の開館以来、日本現代美術の収集にも力を入れていることも、「豊田市美術館」が注目を浴びている理由のひとつ。現代美術というのは評価が定まらないため、大型の美術館はなかなか力を注げない。そのなかにあって、「豊田市美術館」のような存在は日本現代美術発展のためにも貴重な存在なのだ。

「高橋節郎館」の数々の作品

それらの作品を観てまわる中田は、ある展示を前に、長らく足を止める。漆芸家の高橋節郎氏の作品である。これまで日本の旅で多くの伝統工芸や美術作品に触れ、中田は特に「漆」への関心が高まっていた。 豊田美術館に併設する「高橋節郎館」の墨彩画や漆版画、グランドピアノやハープ、フルートといった楽器に金銀の装飾を施した作品から、また新たな漆の魅力を発見することができた。

「豊田市美術館」のランドスケープも収蔵コレクションも、歴史と現代文化の融合だ。過去と未来の境界線に立つように作品と向き合える場所なのだ。

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瀬戸の土地が育んだ作家

陶芸の街、瀬戸に生まれ、愛知県の窯業職業訓練校（現愛知県窯業高等技術専門校）で学び、その後二代目加藤春鼎に師事した竹内真吾さん。 加藤春鼎（しゅんてい）は瀬戸が生んだ有名陶芸家だから、まさに竹内さんは、陶芸の里・瀬戸に育くまれた陶芸家。本人は小さいころから焼物を特別に思ったことはないというが、瀬戸では窯を持っている小学校も少なくないというから、やはり土地が作家を生んだのだろう。 作品は、伝統的な器、茶陶といったものから、先鋭的なデザインが目を引く花瓶やオブジェまでと幅広い。中田が手にとっているのが、カメラを模した焼き物。制作には繊細な技術を要する。

台湾や韓国など海外でも評価される作品

竹内さんの作品はこれまで数々の賞を受賞しているが、その評価の高さは国内にとどまらず、海外にも轟いている。台湾や韓国、ヨーロッパの展覧会などでも高く評価されている。

じつは、竹内さんは訓練校に入る前に数年間、サラリーマン生活をしていた。いわば脱サラして陶芸家になったというわけで、だからなのか、決まった作風があるというよりは、自由で伸び伸びとした空気を感じさせる作品が多い。多様な技術を少しずつ作品に取り入れ、陶芸家として新たな作品に挑戦している。

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球体、集合体、水玉模様。

陶磁器の街・岐阜県恵那市に生まれ、美術学校の学生時代から一途に陶磁器による作品を作り続けてきたアーティスト、中島晴美さん。大阪美術学校のデザイン科に所属していたときに陶磁器の立体造形アートに触れ、そこから陶磁器一筋だという。
中島さんの作品は、一見「陶磁器」という言葉からは想像できない、ボコボコとした球体のようなフォルムを持ったものが多い。
そこに散りばめてある水玉模様が、体験したことのない異世界へと見るものを引きずり込む。

陶芸とは、有機的なもの。

拝見した作品が磁器だと聞いて、中田はしきりに「どうやってこの形にするんですか？」と質問する。本来、磁器はろくろなどで形を作るものだが、中島さんの作品はろくろで成形したようには見えない。その実、磁器の粘土にを手びねりで成形しているのというのだ。海外にも足を運び作陶を続けていくなかで、この方法に出会ったのだという。

この日拝見させていただいたのは、20代、30代に制作された作品もあった。
「陶芸とは、有機的なものです。」そう話す、中島さん。「有機」という言葉は、20代の頃から現在まで制作の根底にあるのだと話してくださった。

国内の美術館はもとより、アメリカを始め海外の美術館にもその作品が収蔵され、陶芸作家として世界的に注目を集めている中島さんだが、現在は愛知教育大学で教授を務め、多治見市意匠研究所で講師として教鞭をとるなど、後進の育成にも力を注いでいる。

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