光を受けて柔らかく浮かび上がる曲線。まるで花がほころぶ瞬間や、しなやかに折り重なる布を思わせる質感に、思わず手を伸ばしたくなる。漆でつくる「思わず触りたくなるようなかたち」を探求する漆芸家、笹井史恵さんは、日々漆と語らいながら、まだ見ぬ新しいかたちを生み出している。

漆でつくる、触れたくなるかたち

京都府向日市にある自宅兼アトリエ。漆を乾燥させるための戸棚「漆室（うるしむろ）」には、不思議な存在感のある作品が並んでいる。風を含んだようなやわらかな膨らみや、たわわに実った果実のようにみずみずしいかたち。表面は光を受けてしっとりとした艶を帯び、思わず指先を近づけてみたくなる。

笹井さんが手がける漆の立体作品は、一度塗っただけで完成するものではない。漆を塗り重ね、そのたびに研ぎを入れることで、わずかな凹凸を整えながらムラなく均一な塗り面をつくっていく。さらに漆は温度と湿度を管理した空間でしか硬化しないため、乾燥を待つ時間も必要だ。その反復が何度も積み重なって、初めてこのなめらかな質感や柔らかなフォルムが立ち上がってくる。

「触ったときの感覚を想像しながら、塗りや形を決めていきます」というのが、笹井さんの制作スタイル。塗っては研ぎ、また塗り重ねるうちに漆の厚みがふくらみになり、研ぎの精度がなめらかさを生む。そうして少しずつ育てられる造形には、笹井さんが指先で確かめながら漆と向き合った時間が折り重なっている。

選んだのは「痩せない作品」

笹井さんが生まれ育ったのは、大阪府八尾市。下町育ちで父は会社員、母は専業主婦と、芸術に縁のある家庭ではなかったという。高校生のときに美術の道に惹かれ、京都の芸術大学に進学した。

「高校では絵を描いていたのですが、続けているうちに、自分は平面に向かうより手の内でかたちを作る方が向いてるんじゃないかな？と思うようになって。陶芸家はどうだろう？まずはやってみよう、という気持ちで芸術系の大学に飛び込みました」

大学に入ったら、まずは染織･陶芸･漆芸をひと通り体験。そのなかで笹井さんの心をとらえたのが、漆だった。「陶芸は焼くと縮んでしまうのが、ちょっと寂しかった」という笹井さん。逆に漆は、塗り重ねるほどにふっくらと肉付いていく。重ねるごとに表情が変わり、その変化を見ながらゆっくりとかたちを決めていけることに魅力を感じた。

誰も歩んでいない道を、自分の手で

こうして漆芸を選んだ笹井さんは、当初は工房で器をつくる未来を思い描いていた。しかし、実際に手を動かすうちに器づくりの枠を越え、自分の感覚に正直にかたちを追い求めるようになっていく。心のおもむくままに進んだ結果、行き着いたのは自分の好きなかたちを追求できる漆のオブジェだった。

当時はまだ、器や仏具をつくる“職人”として活動する人がほとんどだった漆芸の世界。だからこそ、あえてアートの領域に振り切れば、まだ誰も踏み入れていない新しい道を切り開けるのではないか――。そう考えたことが、アーティストへと舵を切り、自分だけの表現を模索し始める大きなきっかけとなった。

身近な自然や人との対話が、創作の源に

漆に出会って以来、笹井さんは一貫して「かたち」と向き合い続けてきた。その道のりは、自分の心に浮かぶ感覚をどうすれば漆に託せるかを探し続けてきた歩みでもある。笹井さんの作品づくりには、時間のかかる工程を楽しみ、美意識を貫く芯の強さがうかがえる。

日常の気づきが生んだ、ふっくらとした生命のかたち

笹井さんの代表作のひとつに「ビラブド」シリーズがある。丸みを帯びた柔らかなフォルムは、赤ん坊や子どもといった「ヒトがもっとも愛情を注がれる時期の姿」を連想させ、見る人の顔を思わずほころばせる。ふっくらとした輪郭が、「触りたくなるようなかたち」という笹井さんのテーマを端的に示している作品だ。

もうひとつの代表作「空のさかな」シリーズは、笹井さんの作品の特徴であるふくよかな丸みと稜線の重なりが美しく調和した作品だ。

こうした作品には共通して、日常のささやかな気づきや、身近な自然を見つめる笹井さんの好奇心が感じられる。子どもの肌のようなみずみずしさ、水面を泳ぐ魚のようなしなやかさ。そうした生命の姿が、漆特有の深みある質感で表現されているのが、笹井さんの作品の魅力だといえるだろう。

学生と過ごす時間が、創作のエネルギーになる

笹井さんは自身の制作活動と並行しながら、京都市立芸術大学で教授を務め、漆の立体作品づくりを学生に伝えてきた。大学で若い世代に接する時間は、自身にとっても大きな刺激になるという。「ずっと制作だけに打ち込んでいたら、行き詰まっていたかも。学生さんと接することでバランスが取れて、エネルギーをもらっています。」

若い世代との対話は発想をひらき、笹井さんの作品づくりをより豊かにしている。

コラボレーションで開かれた、新たな世界

異なる分野の作家たちと作品をつくる“コラボレーション”も、笹井さんにとって表現の幅を広げる大きなきっかけとなった。漆とはまったく違う素材や考え方に触れることで、新たな可能性が生まれているという。

竹工芸家･四代田辺竹雲斎さんとの共作「天日の舟」はその代表例だ。青漆を使い、エッジの効いた円形で海面に浮かぶ太陽を表現した笹井さんに対し、田辺さんはその青い輪に竹の束を編み重ね、海原に太陽の光が広がる瞬間が表現された。漆でつくるシャープなラインと竹の柔らかさが融合して、新しい工芸の魅力が生み出されている。

截金（きりかね）ガラス作家の山本茜さんとの共作「瑠璃のさかな」も、2人の作家の個性が融合した作品だ。「截金ガラス」とは、細い線状に切った金箔で模様を描き、それを溶かしたガラスの中に封じ込める山本茜さんオリジナルの技法。山本さんがつくるガラスの目に着想を得た笹井さんは、水面を跳ねるような鮮やかな青いさかなを誕生させた。

「いろんな工芸家の方とのコラボレーションを経て、ひとりで制作していたらたどり着けなかった世界が見えました。もちろん自分のためになるし、学生さんにも還元できるので、2倍にも3倍にも良い影響を生んでくれていると思っています」。さまざまな作家との共作は、笹井さん自身がいつの間にか作っていた“漆はこうあるべき”という無意識の思い込みをほどくきっかけにもなったという。

もっと自由に、もっと遠くへ。漆の可能性を信じて

笹井さんの作品は、美術館での展示、個展、さまざまな企画展などで展示されてきた。また、ザ･リッツ･カールトン京都では、館内のアートワークの一部として笹井さんの作品が常設展示されている。訪れた人が、宿泊や食事の時間の中で作品を目にすることができる、特別な空間だ。

近年では、2024年に開催した個展「風様ふわり、忽ちに雷様」での新しい挑戦が評価され、第75回芸術選奨美術部門 文部科学大臣新人賞を受賞した。さらに2025年夏にはアメリカで初めての個展を実現し、活動の舞台を大きく広げている。

「日本の工芸って、やっぱりクオリティが高いと思うんです。だからこそ、もっと多くの人に見てもらえる機会が増えたら、海外でももっと関心を持ってもらえるはず。実際に、海外の方が作品を見に来られることもありますし、可能性は大いにあると思っています」

2026年、イギリス・ロンドンにあるヴィクトリア＆アルバート博物館では、日本の漆芸を紹介する展覧会が予定されており、笹井さんの作品も出品が決まっている。ひとりの作家として、日本の工芸を世界に伝える入り口に立つ。その意思と未来への期待が、笹井さんの言葉から確かに感じられた。

次はどんな出会いがあり、どんな表現が生まれるのか。そこから生まれる作品は、きっとまた私たちの心を揺さぶってくれるだろう。

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日本を代表する漆器のひとつ「輪島塗」。赤木明登（あかぎ あきと）さんが作る器は、洗練されたデザインと温かみのあるたたずまいで多くの人を魅了する。2024年、輪島塗の産地である石川県輪島市は、能登半島地震で甚大な被害を受けた。赤木さんは輪島塗の源流を見つめながら、産地の復興と再生に取り組んでいる。

丁寧な手仕事から生まれる、丈夫で美しい輪島塗

能登半島の先端に位置する石川県輪島市は、「輪島塗」の産地として知られている。500年以上の歴史を持つ輪島塗は国の重要無形文化財に指定されており、世界に誇る漆器として名高い。

輪島塗の特徴は優れた耐久性にある。例えば椀の縁などに布を貼る「布着せ（ぬのきせ）」。傷みやすい部分をあらかじめ補強することで、耐久性は格段に向上する。下地材に使う「地の粉（じのこ）」も輪島塗独特の材料だ。地の粉とは、輪島で採掘される珪藻土（けいそうど）を焼いて粉末化したもので、下地の漆に混ぜて塗ることで硬度が上がる。こうした丹念な手仕事によって、「100年もつ」といわれる輪島塗が生み出される。

124もの工程を分業制で担う

もうひとつの特徴は、124もの工程を支える分業制だ。器の木地を作る「木地師」、漆を塗り重ねる「塗師（ぬし）」、金粉などで装飾をほどこす「蒔絵（まきえ）師」など、それぞれの工程を専門の職人が担当する。分業制によって産地全体で効率的に生産できるだけでなく、職人は各工程に特化して技術を磨くことができる。こうして輪島のまち全体がひとつの漆器工房のように機能し、優れた品質の輪島塗が完成する。

輪島塗と出合い、編集者から塗師に転身

輪島塗の塗師･赤木明登さんは、漆塗りの仕上げである「上塗り」を手がけながら、器作りのディレクションも行っている。全国各地で開く個展はいつも盛況。ドイツのディ･ノイエ･ザムルング美術館に作品が収蔵されるなど、海外での評価も高い。

赤木さんが輪島塗の世界に入ったのは1988年のこと。東京で編集者として忙しい日々を送っていた頃、輪島塗の名工･角偉三郎（かどいさぶろう）氏の器と出合った。

角氏は輪島塗の「異端児」とも「革命者」ともよばれた人物。輪島塗作家として早くから頭角を現して数々の公募展で入選を重ねたが、能登の暮らしに根ざした古い器に魅せられて公募展から退き、日常使いの器を作り続けた。漆器の原点を問い続けた角氏の器は生命力にあふれ、赤木さんはその力強いたたずまいに衝撃を受けたという。

赤木さんは角氏の器の魅力に引き寄せられるように輪島に移り住み、下地職人に弟子入りして技術を学んだ。

暮らしに寄り添う器を作る

赤木さんが作るのは、鑑賞するための器ではなく、使うための器だ。そこにはシンプルで洗練された美しさがある。

「輪島塗にはきらびやかな美術工芸品のイメージがありますが、本来は輪島の暮らしと深く結びついた器だったはずです」と赤木さんは言う。「暮らしと深く結びついた器」の形や色にこそ、美しさがある。赤木さんはそう考え、輪島塗がまだ実用の器だった頃、特に江戸時代の器の写しを数多く作ってきた。輪島に息づく美しさ、豊かさとは何か。赤木さんは常にそう問い続けながら、器の形を追求している。

地震で倒壊した工房を再建するプロジェクト

2024年の能登半島地震は、輪島塗の産地を直撃した。地震被害を受けた輪島塗事業者は全体の8割超。多くの職人が生活と仕事の場を失い、廃業した人、県外に避難したままの人も多い。

被災した職人の中に、赤木さんとともに美しい形を長年追い求めてきた木地師がいた。86歳の池下満雄（いけした みつお）さんだ。地震の後に赤木さんが池下さんを訪ねた時、工房は無残にも倒壊していた。池下さんは崩れた工房の前に2日間座り込んだまま動かず、3日目に意識を失って救急搬送されたという。「池下さんを絶望したまま死なせるわけにはいかない」。赤木さんはすぐさま工房の再建を決めた。

「池下さんの家は江戸時代から代々木地師。彼の体には古くからの美しい輪島塗の形がしみ込んでいます。だから池下さんと仕事をしていると、彼のご先祖と一緒に仕事をしているように感じられた」と赤木さんは言う。その技術を絶やすわけにはいかなかった。

赤木さんが立ち上げた「小さな木地屋さん再生プロジェクト」には多くの賛同者が集まり、地震から約3ヶ月という早さで池下さんの工房再建が完了。がれきだらけの街の中にひとつの灯りがともった。市外の2次避難所から戻った池下さんは工房の再建を喜び、再び木地を挽き始めた。

ひとりの木地師から、次世代にバトンが渡された

しかし、池下さんには後継者がいなかったため、赤木さんの工房から2人の弟子が出向して木地挽きを教わることになった。「この子たちが一人前になるまで長生きする」と張り切っていた池下さんだったが、再建から間もない2024年7月、静かに息を引き取った。

池下さん亡き後、かつて角偉三郎氏の椀を挽いていた木地師が工房を引き継いだ。しかし被災後の心労が重なっていたのか、椀を20個挽いたところで倒れ、帰らぬ人に。現在はその息子が工房を継いでいる。彼は被災後に木地師をやめて県外で職を得たが、赤木さんの説得もあり、輪島に戻って再び木地を挽くことにしたという。赤木さんの工房から出向した2人の弟子も、新たな親方を得て技術習得に励んでいる。池下さんの技と魂が宿った「小さな木地屋さん」は、こうして次の世代へとつながれた。

失われていく能登の景観を再建する

赤木さんは地震後、輪島の景観を取り戻す活動にも力を注いでいる。もともと輪島市内で古民家を改修したオーベルジュと出版社を営んでいたが、いずれの建物も地震で損壊。特にオーベルジュの被害は大きく、再建には長い時間がかかると分かった。そこで急遽、海辺の集落にあった出版社の建物を修繕し、オーベルジュの仮店舗をオープンすることにした。

海辺の集落で仮店舗の工事を進めていた赤木さんは、集落の多くの家屋が全半壊し、解体を待っていることを知る。全半壊した建物の解体は全額公費でまかなわれるが、修繕や再建をする場合は自助が原則。高齢化、過疎化が進み、空き家も多い集落で再建はままならず、やむなく公費解体を申請する人も多いという。

この集落では、板張りの外壁に格子をはめ、黒い瓦屋根をのせた伝統的な家屋が多く、統一感のある美しい景観を形作っていた。公費解体が進めばこの景観は失われ、二度と取り戻すことはできない。赤木さんは「能登の景観の歴史的･文化的な価値を守りたい」と仮店舗の周囲にある2軒の家を買い取り、もとの姿に再建することを決めた。

さらに「ここを拠点になりわいを再生すれば、若い人の定住にもつながる」と考え、これらの家を弟子の住まいとブックカフェとして活用する予定だ。

能登半島地震による公費解体の申請数は、2025年3月現在で約3万8,000棟にのぼる。これらの中には修繕すれば住み続けられる建物も少なくない。「このまま景観を考慮することなく解体を進めれば、個性のない画一的な町並みに変わってしまう。景観の価値にもっと目を向けてほしい」。赤木さんが公的支援に頼らずに自力で再建できる範囲は限られているが、能登の伝統的な景観を未来につなぐ大切さを発信し続け、活動の輪を広げたいと思っている。

輪島塗のふるさとを未来につなぐ「器屋」でありたい

塗師の仕事と景観の再建は、はたから見れば関連性がないように思うかもしれない。しかし赤木さんの中では、すべて同じ「ものづくり」であるという。「形あるものはいつか壊れる。それは逃れられない運命です。僕にとってのものづくりは、壊れていくもの、失われていくものにあがらい続けることなんじゃないかな。地震を経験してそのことを強く実感しました」。

失われた古い時代の輪島塗の美を掘り起こし、倒壊した木地師の工房を再建して技術をつなぎ止め、消えゆく能登の景観をよみがえらせる。赤木さんの「ものづくり」は、必死にあらがい続ける中で形になっていく。

「僕は器屋なんですよ」と赤木さんは言う。「お椀はもちろん、人が入る家も器。たくさんの人が入るまちも器です。ものづくりを通じて輪島の器を未来につなぐことが、器屋の自分に与えられた仕事だと思っています」。50年後、100年後の赤木さんの「器」は、どんな形をしているだろうか。輪島の美しい器をつなぐ物語は、これからも続いていく。

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塗師・中野知昭さんは、福井県鯖江市にて「河和田塗り（越前漆器）」の制作を行う作家です。
熟練の技と経験から生み出される中野さんの作品は、
漆ならではの温かく優しげな質感とふっくらした手触りが特長。
どこから見ても美しい一生物の器が、生活に優しく寄り添います。

中野知昭さんは、福井県鯖江市の河和田地区で同地の伝統工芸である「越前漆器」を制作している。越前漆器はホテルやレストランなどで使われる業務用漆器の分野で圧倒的なシェアを誇っているため、旅先や外食した先で手にしたことがある人も多いのではないだろうか。そんな大量生産に優れた越前漆器を作品の域にまで昇華させ、数を絞ってでも手塗りを徹底。マスプロダクツではなく、高付加価値の漆器に仕上げ、作家として生きる道を選んだ。

福井県で現代の暮らしに合う漆器

中野さんの工房は、県道18号線･通称「うるしの里通り」からすぐ近くにある。この通りの名称の由来は、通り沿いに漆器の絵付け体験などができる「うるしの里会館」があり、周辺には古くから漆器の工房や職人の家屋が数多く建ち並んでいるから。

漆器作りのすべてに関わる

漆器作りには、大きく分けて「木地作り」、「下地塗り」、「中塗り･上塗り」などの工程があり、各工程を請け負う職人が異なる分業制が一般的。しかし中野さんは、自らデザイン画を書いて木地職人に発注し、下地塗りから仕上げの上塗りまですべて自分で行う。木地を発注してから完成品の漆器として出荷するまでには、なんと１年もかかるという。顧客からの注文に応じて、それぞれが専門的に仕事をこなす中で、一貫して自分の手で作品を作り上げる中野さんは、稀有な存在だ。

全国のギャラリーから注目を集める

中野さんの作品はシンプルながらも漆ならではの気品があり、美しい。その評判は日本中に轟き、展示会は年間で10を超えるようになった。今や中野さんは、全国のギャラリーなどから熱い注目を集める気鋭の漆器作家だ。

仕上げの美しさで魅了する

中野さんが制作する漆器の中でも特に人気が高いのが、華美な装飾を廃した椀。冠婚葬祭やハレの日だけでなく日常の食卓で使いやすいデザインや、美しいフォルムの中に温かみを感じる質感が、モダンな感性を持つ消費者から支持されている。その独特の質感を生み出しているのが「真塗り」という仕上げ。真塗りは、上塗りの最後に磨きをかけずそのまま仕上げるため、熟練した塗りの技術が求められる。中野さんは、「越前漆器は上塗りが得意」と言われるほど、職人たちの上塗りの技術が総じて高い同エリアにて、27年間、塗りの技術を磨き続けてきた。

上塗り用の漆も手仕事にこだわる

漆器の上塗りには「上塗用の漆」が使われる。上塗漆を作る作業は「手黒目（てくろめ）」と呼ばれ、昔は産地でよく行われていた。しかし、手作りの「上塗漆」は4～5年寝かせる必要があるなど時間も手間もかかる。そのため、時代と共に既製品を購入する職人がほとんどになっていたが、中野さんは “手仕事こそ、漆器の価値を高める”と考え、2004年から年に一度のペースで生漆（きうるし）を日光に当てて水分を蒸発させ、上塗り用の漆を作る、手黒目を行っている。

作家として生きるために

鯖江市で生まれ育った中野さんは高専を卒業後、土木設計の仕事に就いたのだが、越前漆器の上塗り師として産地の仕事を請け負う父が病に倒れ、それを機に父の仕事を手伝うことになった。幸いなことに父はその後、病から回復し、塗りの技術を父から学ぶことができた。

その基礎が今に生きているんだという。「当時はお陰様で仕事も忙しくて、色々なものを塗らせてもらいました。この産地の上塗り師は、丸いものを塗る丸物師と四角いものを塗る角物師とに分かれます。父の工房は丸物が得意でしたが角物を扱うこともあり、両方の幅広い技術が身に付きました」。

産地の仕事に感じた違和感

父の工房で修業を積んでいた中野さんは、樹脂の器に漆を塗ったり、化学塗料で下地をしたものに上塗りをしたりする仕事に疑問を抱くようになる。「漆器と呼ばれるものの中にはスプレーガンで塗料を吹き付けるものもありますが、私はあくまで手塗りでしか出せない美しい仕上げにこだわりたかった」。中野さんは仕事と並行して自分自身の作品を作り始める。その作品をコンテストに出品したところ、「酒の器展」大賞、「椀One大賞」優秀賞、「越前漆器展覧会」福井県知事賞など権威ある賞を次々と受賞。作家として才能が開花していることは誰の目から見ても明らかだった。

憧れの作家の存在

父のほかにも中野さんに大きな影響を与えた人物がいる。中野さんと同じく福井を拠点に漆器作家として活動していた山本英明さんだ。山本さんは、今でこそよく耳にするようになった “普段使いの漆器” という言葉が広まるきっかけをつくったと言われる人。自分で考えた木地に下地をしっかりと塗り、無地のお椀や重箱に仕上げる山本さんのスタイルに中野さんは強く惹かれたという。山本さんが「手黒目の漆」を作っているのを見て、中野さんも同じく作り始めた。山本さんはすでに亡くなってしまったが、その作品づくりのスピリッツは、現在でも中野さんの心に深く刻まれている。

営業や展示会で人脈を増やす

中野さんは山本さんの死後、同氏に倣って自分自身の仕事を楽しむために、作家として生きていく道を選んだ。その当時、「家庭画報」や「婦人画報」といった女性誌から人気ギャラリーの情報を集め、作品を大きなリュックに詰め込み、そのギャラリーをめがけて営業に回ったりもした。その成果もあってか、長野県松本市で開催されている全国でも最大規模の工芸展示会「クラフトフェアまつもと」に出展。そこに集まる器屋やギャラリーとのつながりを広げていった。

自分の工房を構えて独立

営業まわりやイベントへの出展を続ける中で、少しずつギャラリーから個展やグループ展への誘いが増え、作家として食べていける目処がたってきた。そこで2014年に現在の場所に小さな展示室を備えた工房を構えて独立。父の仕事は兄が継承した。

中野さんの個展やグループ展は年を追うごとに回数を増やし、2019年には年に10回を数えるまでになっていた。現在は、一度の個展で2〜300の漆器を用意する。

パートナーの大きな支え

中野さんは個展に合わせて常に1、2点の新作を発表する。期間中はギャラリーになるべく在廊するようにして来場者にその魅力を直接語り伝えることでファンを増やしている。最近ではギャラリーの要望に応えて、漆器では珍しいオーバル皿やスプーンなども制作。妻の柳子さんが個展やグループ展の準備、事務作業などをサポートしてくれることも創作活動の大きな助けとなっている。

ただ良いものを作り続ける

「最初に出会う漆器の良し悪しで、その人が漆器を長く使うようになるかどうかが決まるからこそ、良いものを作り続けたいんです」と話す中野さん。

個展では、過去に購入してもらった漆器を持ち込んでもらえれば、それの塗り直しも行なっている。丁寧に使い込まれた器が自分のもとに戻ってくることは中野さんにとって最上の喜びだという。「漆器は洗う度にきちんと拭くと美しいツヤが出てきます。それを見るのが一番うれしい。毎日使ってもらってきれいに育ったな、と感じる」と顔をほころばせる。

中野さんが心血を注ぐ漆器は、使った人の生活を反映し、その人ならではの個性が生まれる。やがて、使う人の暮らしになくてはならない存在となり、その食卓、ひいては生活までも豊かにしてくれることだろう。

漆器というと扱いが難しいと思われがちですが、毎日の生活で気軽にお使いいただけるよう、手間暇をかけ、丈夫で実用性の高い漆器を制作しております。手入れも簡単で、万が一に傷んだ際は修理が出来るのも、漆器の利点です。末長く使える漆器を、ぜひ日常に取り入れてみてください。

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福井県のほぼ中央に位置する鯖江市。その東部の山間部にある越前漆器の産地・河和田地区では1500年続く伝統の技を受け継ぎながら、近年は現代に合わせたデザインや機能を持つ漆器が生みだされている。その先駆け的存在の山岸厚夫さんが生み出したのは、毎日の食卓で気軽に使えてキズでさえも器の味わいに変える漆器だ。

職人たちで分業する作り方が一般的な越前漆器。家族で手がける理由とは

ピーク時には国内の業務用漆器のシェア80％を誇っていた越前漆器。その産地である河和田地区での漆器の歴史は1500年と長く、器の制作は専門技術を持った各職人により今でも分業で行われている。そのため現在でも人口4,000人ほどの町に、漆器の問屋や職人の工房が数多く存在している。山岸厚夫さんは、漆器作りだけでなくギャラリーなどからの依頼にあわせた漆の作品などを手掛けており、工房「錦壽（きんじゅ）」は、その町の中心地から少し離れた山中にある。

現在そこで、漆器など工房の定番商品は山岸さんから代替わりした息子の芳次さんを中心に制作しており、その工程を家族で分担し、下地から上塗り、仕上げまでを行っている。身内だけで制作をするのは、山岸さん親子の器の製法が特殊で、他の工房に外注するのが難しいためだ。

漆器と聞けば、色は朱か黒で、光沢のある椀を思い浮かべるのが一般的かもしれない。山岸さんの椀は、刷毛の目が表面に残り、手触りは少しボコボコしている。持つと木の器ならではの温かみがあり、手にフィットする独特のフォルムをしている。河和田地区で伝統的に作られてきた、旅館や飲食店で使われる業務用漆器と比べて、一つひとつ表情が違うことと、毎日毎食使って漆にキズがついたとしても気にならない工夫がされている点が特徴になっている。

手入れに気をつかう漆器を一般家庭でも普段使いしてほしい

山岸さんは、代々続く塗師の家に生まれ、5代目として父から技法を受け継いだ。20代半ばの頃、県外の展示会に出展した際、お客からの質問が漆器の造形の美しさに関するものではなく、家庭での使い方や普段の手入れの仕方ばかりなのが気になった。「うちが作っているような手塗りの器を、普段使いするのは難しいと思われているのでは」と。

元々、漆器はハレの日である冠婚葬祭の場で使われるものだったため、日常の器とするには気をつかってしまうのかもしれない。宝石のような美しい光沢はキズをつけたくないという不安に繋がっているのかも。そう考えた山岸さんは、普段から気兼ねなく使える耐久性のある漆器を開発しようと漆そのものの研究を始めた。

自ら山に入って漆かき（漆の木から樹液を採取すること）をしてみると、ウイスキーのような茶色をした生漆の樹液は、固まると石のようになり、爪を立ててもキズが付かない。しかし、器の耐久性を高めようとして木地に漆を何層も厚く塗ると、衝撃に弱くなり剥がれ落ちやすくなる。

漆器について書かれた文献を調べると、器が割れにくく、さらには漆も剥げにくくするためには「塗り」よりもさらに基礎の「木地（削ったままの木材）」が肝心であることを知った。木地に漆をたくさん吸い込ませる「木固め」という技法を使えば、木そのものが固くなり、次の工程である下地塗りの密着度が高まる。実際にこの方法で器を作ってみると、購入されたお客様から修理依頼が来るまでの年数が大幅に延び、また10年以上経ってもメンテナンスなしで使えるようになったものもあると言う。

越前漆器の作家として、山岸さんのこだわりが受け入れられるまで

さらに下地の強度を上げるため、塗り液も漆に地の粉や砥の粉を混ぜてベストな配合に行き着いた。耐久性は満足するものになったが問題もあった。一般的に塗りに使う漆液は塗る前に漉して異物を取り除き、塗り跡に残らないようにする。だが、山岸さんの漆液は最初から粉を混ぜ込んでいるので、どうしても刷毛目が残ってしまう。しかし、その刷毛跡の凹凸のおかげで漆器の表面に表情を作るのでキズがついても目立たない。仕上げも、完成した器の表面をサンドペーパーで研ぎ、あえてツヤ消しをして使い込まれた古い漆器の風合いを出した。それは当時流行っていた、新品のジーンズをあえて洗い込んでユーズド感を出す方法に倣った逆転の発想だった。

当時、山岸さんが考えた椀は、刷毛の線が残った手作り感の強いものだった。現在の作業場に並ぶ、整った造形の漆器とはかけ離れたものだったため、山岸さんの持ってきた器を見た途端、家族も含めた産地の職人たちは「下手な塗りを売り物にする気か」と大反対。器を仕上げるための次の行程に行く処理を依頼した親戚からは「『こんなものできるか』と器の箱を足で蹴られ、悔しい思いをしました」という。

それでも山岸さんは自分のやり方を理解してくれる家族に頼んで工程を進め、なんとか器を完成させた。さっそく地元の問屋に持ち込んだが、キズがつくことを受け入れるというコンセプトの器は、あまりの斬新さに発注してくれるところはなかったそう。山岸さんは今までの催事などで培った自らの伝手を頼って、全国の催事や小売店で展示をすることにした。

使い込むほどに美しさが増す一点物の越前漆器

知り合いの店にお願いして何度か個展を開くうちに、山岸さんの今までにない斬新なコンセプトの器は次第に評判を呼ぶようになる。ある時、雑誌「家庭画報」に掲載されたことで、全国の陶器店やギャラリーから問い合わせが来るようになった。通常、手作りの味わいを生かした陶芸の器は、従来の光沢のある漆器とはテイストが合わず、同じテーブルの上ではコーディネイトしにくいとされる。しかし、山岸さんが手がける器や皿のクラフト感のある風合いは従来の陶器とも合わせやすいのだという。

さらに個性が強い陶芸作家の器とも相性が良く、同じテーブルに並べても不思議となじむ。たとえば、陶器のカップに山岸さんの漆器を受け皿として合わせた際も、ザラザラとした陶器の底が漆器に擦れてもキズが目立たないというわけだ。山岸さんの「気軽に使える漆器」は、着実に知名度を上げていき、全国各地での個展開催に繋がっていく。2005年にはニューヨーク市内の4ヵ所で個展や講演を開く機会に恵まれ、現在でも年に数回は東京都内のデパートや画廊で企画展を開催している。

刷毛目が残る技法を追究していくうち、山岸さんは日本に古くから存在する塗装技法「根来塗り」と巡り会った。和歌山県発祥の伝統的な技法で、黒漆を下地として朱漆を重ねて塗る。使うほどに表面の朱地が薄くなって下の黒地が見えてくるのだ。また「逆根来」ともいわれる、朱漆の下地に黒漆を塗り重ね、使い込むほどに表面の黒の中に朱が浮かび上がってくる「曙」の技法も取り入れ、自身の表現の幅をひろげていった。

木地づくりも、より丈夫なものにするために木の粉を固めてさらに多くの漆液を染み込ませる「木乾漆器」という方法で行っている。その木地なら乾燥しても反ったり割れたりする心配がないので長い間使え、器の経年変化を充分に楽しめる。「同じ椀を家族で何点か買われても、使う人が違うとそれぞれの表情に育っていきます」。まさに使う人が「一点物」に創り上げていくという器だ。

福井の伝統・越前漆器に現代感覚を採り入れたオリジナルの美しさ

また、山岸さんは自分で個展を開くようになった頃から、伝統の技法に現代感覚を採り入れた漆器や漆を使った創作活動にも励んでいる。

かつては作家として全国を巡回する個展用として、漆のカップや皿、箸などにカラフルな色彩を施したものを作っていた。だが、数年前に病気を患い右手の作業が難しくなったことから、右手を使わなくても制作が可能な絵付けに作業を絞ることにした。一点物の作品としてジャケットの背中や木のパネル、和紙などをキャンバス代わりにし、思いつくままに制作を始めた。以前は奥様に器を持ってもらったり紙を押さえてもらったりもしたが、今はお椀に水を入れて布や紙の重しにし、ひとりでも制作できるように工夫している。「自分の世界に没頭して左手だけでどこまで作品を創ることできるかチャレンジしているんです」と楽しげだ。

今のお気に入りの作品は、木から器を切り抜く途中の「荒挽き」と呼ばれるどっしりとした素材に漆を塗ったもの。削り出されるまでの荒々しさに生命力を感じるという。

今、漆器業界では、例えば「樹脂に漆を塗る」などこれまでありえなかった組み合わせや技法が生まれている。「やりたいことはまだまだ溢れてきますね」という山岸さんが生み出してきた漆器や漆のアートは、その中心にあって漆の文化を担う翼となり、産地・河和田が次世代に生き残るヒントを創り出していくのだろう。

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伝統工芸「越前漆器」の産地である福井県鯖江市河和田（かわだ）地区で、工房「ろくろ舎」を構える酒井義夫さんは、木地師だけが知る木目の美しさを生かしたミニマムなデザインの器を考案・商品化し全国を回ってオーダーを受け、若い世代を中心に全国にファンを獲得している。

縮小傾向にある木地師の仕事

福井県のほぼ中央に位置する鯖江市の東部の山間にある河和田地区は、1500年以上続くとされる「越前漆器」の産地だ。漆器制作は分業制で、現在でも木地作り、下塗り、中塗り、上塗り、装飾などといった専門技術に長けた職人が各々で工房を構えて自立している。

その中で、木地作りの職人はろくろを回して木に刃を当て、椀や盆などをくり抜いて作るため、木地屋またはろくろ師とも呼ばれる。福井県でも、全国的な知名度を誇る福井県恐竜博物館（勝山市）の比較的近く、丹生群越前町（にゅうぐんえちぜんちょう）に「六呂師」という地名が残るほど木地師が活躍していたことがうかがえる。

しかし現在木地づくりは、プラスチックなど型抜きできる安価な素材の普及によって縮小傾向にあり、椀を作る木地屋は河和田にわずか数軒が残るのみ。「斜陽」とも表現される木地屋業界に、北海道・小樽出身の酒井さんが飛び込んだのは15年前のことだ。

木地師だけが知る、木目の美しさを器に活かす

酒井さんが自ら考案し、商品化した器「BASE」シリーズは、縦長のがっしりしたデザインに木目の美しさが映え、陶器のような高台を持つのが特長。生漆や黒漆を塗って布で拭き取る作業を繰り返す「拭き漆」の技法で仕上げているので、本来の木目や下地の温かみが楽しめる上に使い込むほどツヤが増してくる。使う素材はミズメザクラやケヤキ、トチ、センなどで、「木地を作っている時に感じた木目の魅力を使う人にも見て欲しかった」と酒井さん。顔料などの色を混ぜない漆を塗ることで、細かい木目に重厚感が出てモダンな雰囲気を醸し出している。

個性的なフォルムのヒントはお膳の器から

無骨ながらも洗練された形のルーツは、酒井さんが好きな古い椀にある。床の上やお膳に器を並べて食事していた中世の頃の器をイメージしていて、石川県能登町で作られていた合鹿椀や李朝の器、祭器をヒントにしたという。高さがあって持ち上げやすく、安定感もある。具だくさんの汁物、スープやご飯を盛っても料理が映える。食卓で使われる際には目立ちすぎないが、棚に他の食器と一緒に並べると直線的なフォルムが存在感を増し、長く付き合うほど時を経て変化する表情に魅了される。

カウンセリングで器のオーダーを受ける

酒井さんの代表的なプロダクトのもうひとつは「オンリー椀」だ。作業ができるよう改造したワゴン「ろくろ車」で全国のショップやイベントに出向き実演を行い、形や塗りを組み合わせるセミオーダーでその人オリジナルの器を作る。材質はケヤキで、形はキホン、ハゾリ（端反り）、ツボミなど5つ。そこに例えば山形県なら「芋煮椀」、長崎県なら「皿うどん用の皿」など、訪れた土地や風土になじんだ形も取り入れる。塗りは、クリア、拭き漆、真塗（しんぬり）など7種類。訪れたお客に対面でカウンセリングしながら必要な形や大きさ、用途を聞いて器の形を決める。さらに手入れの仕方なども丁寧に伝えている。

自由でいたい若者が職人を目指した

次々と新しい試みに取り組む酒井さんは「いつも自由でいたいし、目標や計画性もない。そして我が道を行くタイプ」と自身を分析する。若い頃はデザインスクールに通ったり、海外に出てみたり、25歳まで全国各地を放浪したりと「何をするでもなくぶらぶらしていましたね」。2006年、木工メーカーへの就職を機に河和田地区に移住してきたが長く続かず、鯖江市の後継者育成事業で地元の伝統工芸士に弟子入りし、越前漆器協同組合の研修生として技術を学ぶことになった。

産地での木地師の立ち位置に感じた疑問

３年間の修業の後、2014年に34歳で独立し「ろくろ舎」を設立した。同時に結婚もしたが、経験が少ない職人に下請け仕事の機会は巡ってこなかった。「妻の両親も職人だから、問屋に頭を下げろとか、組合に入れとか心配されました」。しかし、昔ながらのやり方を続けながら衰退していく産地の姿を見ていた酒井さんは疑問を感じたという。

下請けが手掛けた器は、漆器づくりの工程を経て流通に乗っていくだけ。自分の商品の良さを外部に伝える機会はなく、それにいくらの価格がついているのかも知らない。酒井さんは、河和田で作られる椀の質の高さをしっかり伝えれば、使う人に届くと感じていた。

独自企画として生まれた植物プランター

仕事が来ないなら自分で作ろう。展示会に出品し、直接商品の良さをユーザーに伝えるためにオリジナルプロダクトの企画に取り掛かった。

「そもそも食事用の器だけにこだわる必要はない」。そう視点を変え、福井県の県産材である杉の間伐材を用いて作ったのは、植物用プランターだった。「価値の再定義」をコンセプトに最後は土に還る素材を使い、使っていくうちにヒビや割れ、朽ちていく過程の面白さを楽しもうという提案を込めた。

常識に塗り込められない木地師が拓く道

そうして生まれた「TIMBER　POT」は、雪深い福井の風雪に耐えた杉の丸太から形を削り出し、無塗装のまま木目の表情の個性を前面に出すデザインとなった。東京・ビックサイトで開かれたインテリアや生活用品デザインの国際見本市「インテリアライフスタイル2015」に出店したところ、最優秀デザイナーに贈られる「young Designer Award」を受賞した。

「TIMBER　POT」で大ブレイク

副賞は、世界最大のインテリア見本市であるドイツの「アンビエンテ」への招待。世界中のデザイナーやバイヤーが集う場に立ったことは大きな刺激になった。さらに経済産業省が地方産品を海外へPRするプロジェクト「The WONDER500）」にも選出。「TIMBER　POT」は、環境に寄り添うコンセプトとデザイン性が話題となり、多くのメディアで取り上げられた。

独立からわずか１年。知名度が上がったことでいったんは下請けの仕事が増えたが、その後は徐々に尻すぼみに。その中で酒井さんは、木地師としての自身の技術の未熟な部分を実感するようになったという。

産地イベント「RENEW」で得た手ごたえ

「本格的にろくろを挽いてきた木地師とは、同じ土俵では戦えない」。そんな折、河和田地区を中心に伝統工芸の産地が協力する見本市「RENEW（リニュー）」が開催された。工房見学やトークイベントなどが多数催され、来場者数は3日間で約3万7000人（2022年）と伝統工芸関連のイベントとしては大規模なものだ。

その中で、酒井さんのオンリー椀は訪れた若い世代に好評だった。伝統に興味を持ち、大事にしたいと思う人たちは確実に存在していて、わざわざ地方まで訪れる。「そうした人たちに、ものづくりへの考え方、質へのこだわりを届けることができれば」。

形、塗り、工程、それぞれの工程のサンプルを作り、直接お客様と対面して説明する。そこに突破口を見出した酒井さんは、それまでSNSなどで繋がりを温めてきた知人を頼って、自ら全国に出向くことを決めた。

人と人のつながりに見た「勝ちパターン」

全国的に有名なセレクトショップや地方の小さな雑貨店などを巡り、オーダーで椀づくりを受注するうち「勝ちパターンが見えてきた」。注文の際は先払いだが納期は半年後、それも1〜2万円とけっこうな額だ。それでも酒井さんの器を購入しようとする動機は、場所やブランドではなく人への信用だということが分かった。つまり人（店主）に人（お客）が付いたところに出向き、さらに丁寧に思いを伝えてプロダクトへの信頼を醸成してもらうことがお客の心を動かすのだ。

クラウドファンディングへの挑戦

次に酒井さんが考えたのは、工房そのものを移動させて各地の出先で自分の仕事する姿を見てもらうという、突拍子もないアイデアだった。お客の細かな要望にその場で応え、モノづくりの作業そのものを実感してもらうことが、製品への一番の信頼や興味につながると考えた。現地の木材を素材として使うこともできる。

そうして2020年6月、酒井さんは移動式工房「ろくろ車」の制作のためのクラウドファンディングを立ち上げた。SNSやトークイベントなどで広く熱意を伝えたおかげで、主に都市部の若い世代からの多くの支持でプロジェクトは成功。目標金額の約２倍近くの約330万円の資金が集まった。そうして完成した「ろくろ車」で訪れた地は、15都道府県、20店舗となった。

産地に生きる職人として漆器業界を思う

現在、酒井さんはオリジナルプロダクトの企画を積極的に行っている。職人として駆け出しの頃は6〜7割を占めた下請けの仕事は現在１割程度。9割は自分で作り出した仕事だ。インテリアショップなどとコラボした商品プランニングも引き受け、そうして作り出した仕事を産地の職人たちへ分業している。「産地が少しでもうるおい、残っていくための一助になれれば」と語る。

あらためて向き合う、職人としての自分

モノづくりの仕事が軌道に乗っている現在も、酒井さんは「結局、自分がやってきたことは職人としての王道ではない」と感じているという。

今、最も時間を割くのは、作ることに向き合うこと。工房で過ごす時間を増やし、さらに技術や知識を身につける。木地づくりの歴史や出身地北海道のアイヌの漆器文化にも興味を持って調べている。

「クラフトもデザインもアートもビジネスもしっかり学んだことがないから、その都度調べて勉強するしかなかった。でもいつのまにかそれが血肉になってきたんです」

自身の企画で仕事が増え、産地がうるおう。そんなふうに「みんな」の力でプロジェクトに取り組むことに喜びを感じてきた。しかし今は自分が職人としての力をつけ、技術を磨くことこそを大事に思う。その姿を発信していくことが、産地のモノづくりにまた何かを刻む気がしている。

常識に塗り込められない酒井さんが今後創り出す器はどう変化していくのか。そこには時代に合った木地師の未来も、模様のひとつとして表れていくのかもしれない。

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日本最古の漆器の産地といわれる福井県鯖江市河和田地区。
この地で江戸時代から８代続く老舗「漆琳堂」は
伝統を継承しながら「漆器をもっと気軽に日常に」という思いのもと、
現代の生活に合わせた商品を開発、展開しています。
食洗機対応の本漆手塗りの漆器など生活に寄り添う器を提案しています。

福井県の中央付近に位置する鯖江市の東部、河和田地区で生産される「越前漆器」は長らく国内の業務用漆器の約80％のシェアを誇ってきた。しかし食生活の多様化や安価なプラスチック食器などの普及によって、業界は縮小するばかり。その中にあって自らをブランド化し、現代に合わせた器を生み出したのが「漆琳堂」だ。カラフルな色彩と食洗機で使えるという機能性を追求した器は世界からも注目され、漆器の歴史を塗り替えた。

業務用漆器を得意とする河和田地区

昭和50年には伝統工芸品として国の指定も受けている「越前漆器」。その産地・河和田（かわだ）地区は福井県のほぼ中央、眼鏡で知られる鯖江市の東部にあり、戦国史跡で有名な一乗谷朝倉氏遺跡とは山一つ隔てた静かな盆地にある。地域全体で漆器づくりを行っており、漆器作りの過程を担う木地師、下地師、塗師、蒔絵師、それぞれが工房を構え、専門分野の研鑽に励んでいる。

ピーク時には旅館や飲食店に向けた業務用漆器国内シェア約80％を占める

一説によると、河和田漆器の歴史は1500年余り。継体（けいたい）天皇の壊れた冠を塗り替えたことに始まると伝えられ、以来、旅館や飲食店などで使用される業務用漆器の国内シェア約80％までに成長した。

古くから漆液を採集するため全国に出稼ぎに出る「漆掻き」というプロ集団も生まれ、漆に傷をつけるための鉄刃物を普及させるなど、各地の漆産業に影響を与えていった。そうして河和田では、個々の職人はもちろん、それらを一貫して行う企業も成長。その中のひとつである、「漆琳堂」は、寛政5年（1793年）から200年以上続く漆器製造の老舗中の老舗だ。

時代が変化し、得意分野が未来を阻む

漆器産地の河和田が得意とするのは、クライアントの要求に柔軟に応える受注生産だ。主に旅館や飲食店に向けてのハードな使用に耐えられる丈夫さやクライアントが求める価格帯、さらに大量生産が可能といった実用性の高さで業務用漆器の市場を獲得していった。しかしバブル終焉後、安い海外生産品との競争やプラスチック製品の台頭、食生活の変化や食器の多様化とともにニーズは激減。日々縮小する業界に産地は頭を抱えることになる。

老舗の跡継ぎが着目した、産地ならではの高いハードル

塗師屋業を中心に家族経営で漆器の製造・販売を担ってきた「漆琳堂」も伸び悩む売上に頭を悩ませていた企業のひとつだ。だが、時代の急激な変化に追いつけずにあがく河和田の中で、20代前半だった内田徹さんは家業を継ぐことを決める。

若い頃は野球に夢中で、進学したのも県外の大学の体育学部だった。ボールをしっかりと握りしめる大きな手は塗り師にふさわしいと周囲から期待が寄せられていた。業界の状況を知っていただけに大学卒業を前にしても家業を継ぐ決心はつかなかったが、就職活動の中でも頭にあったのは漆器のことだった。「インテリアの会社を訪問した時、実家の漆器もここに並べられないかな、なんて考えていました」。

「自分が産地を背負う」覚悟

作ることはできても、売ることは難しい。産地の問題の本質に気が付く中で、内田さんは漆器の世界で生きる覚悟を決める。学生時代に帰省した際、誠実に仕事に向き合う祖父や父、家族の姿をあらためて間近で見たことが決め手となった。「いつか家業を継ぐつもりがあるなら、他の会社で働いて寄り道する時間を塗りの修行に当てたい」。家に戻るとすぐ、祖父や父から塗師としての技術を学び始めた。

越前漆器の伝統美を塗り替える新ブランドを次々と発表

家に代々伝わる技術を学び、塗師としてスタートを切ったものの、業界そのものに元気がなく会社としての売上は落ちる一方だった。業務用漆器は、吸い物椀や煮物椀、止め椀などの用途でサイズが決まっており、また季節感のあるきらびやかな蒔絵を施すというセオリーがある。家庭用としては少し派手過ぎたり使いづらさがあったりで一般向けには売れなかった。また大量の注文をこなす中で、職人として漆器づくりの工程の一つを担うだけでは、器を使う人のニーズや満足度はわからず、自分が器に込めた工夫や気持ちも伝わらないと考えるようになった。

今、世の中の一般ユーザーにはどんな器が必要とされているのか。そこを見極めないと、産地としての活路はない。内田さんは、漆琳堂の名を冠した個人向けブランド漆器づくりに取り組み、百貨店などの展示販売に自ら立つという、当時の産地としては稀有な取り組みに力を入れていった。

漆器そのものをインテリアに。【aisomo cosomo】

続いて内田さんが取った行動は、自らの製品のプロデュースをプロに任せることだった。依頼したのは日本の伝統的な匠の技と最新の技術をつなぎ、新たなモノづくりを提案することで知られていた、丸若屋プロダクトプロデューサーの丸若裕俊氏。「親しみ」というコンセプトに色遊びを添えたシリーズは、インテリア雑貨「aisomo cosomo」としてデビューした。さっそく県外の大きな美術館のショップに置いてもらったが、当初は見向きもされなかったという。しかし１年が過ぎる頃、「日本の伝統工芸を元気にする」というビジョンの元でモノづくり、開発を行ってきた中川政七商店が手掛ける「大日本市」への出展を機に、大手デパートや全国クラスのセレクトショップでの扱いが次々と決まっていった。

漆器がもつ高級感というイメージからあえて離れつつも、それでいて品質の良さや伝統の技が感じられ、誰もが手に取りやすい器。青、赤、黄色。カラフルながらもどこか日本になじむ深い色をバイカラーにした。形やサイズにもこだわり、汁椀、飯椀、小鉢、箸、お盆、祝い皿などを展開。価格帯も2000円台～9000円台と若い世代にも受け入れやすい設定とした。「塗りをメインとしてきた老舗だったので、いろんな色を作ることができました。インテリアのように使える雰囲気が、感度の高い人たちに受けたのかもしれません」。

ブランドを全国展開するには数が必要だが、もともと漆琳堂に中量生産の体制が整っていたことが勝機に繋がった。質の高さを維持したまま量産を実現できたのだ。目に新しい漆器は、多くの人の目に留まりドイツや台湾など海外の展示会にも招待されるようになっていく。そんな中、内田さんは2012年、福井県内最年少の35歳で伝統工芸士に認定された。

食洗器で使えてお手入れしやすい【RIN&CO.】

内田さんがさらに業界を驚かせたのは、2020年に発表した食器洗い機に対応した漆器「RIN&CO.」だった。「漆は世界最高峰の天然塗料。漆が最も硬くなるのは塗り上げてから100年後ともいわれます。今の漆器はその力を最大限に引き出せてはいないと思ったんです」。通常、問屋から仕入れる漆液は、塗りやすくするために薬品などを加えて調合している。内田さんは、地元・福井県や福井大学と連携して漆液のブレンドや加工を研究し、食器洗い機にも耐える硬い塗膜「越前硬漆（えちぜんかたうるし）」を開発した。木地も見直し、木の粉末に樹脂を染み込ませて成形するという業務用漆器の技術を転用することでヒビや歪みに強いより頑丈なものに改良していった。

暮らしの中で目にする色を器に

ここでもこだわったのは器の色合いだった。北陸の天気、気候からイメージする何百もの色のパターンを作り、「くまモン」のデザインなどで知られる水野学氏に監修を依頼した。福井の冬の空を表すグレーに近いブルー。日本海の荒波を思わせるネイビーグレー。夕暮れの地平線を彩る薄紅のグラデーション。「父親は大反対。特に寒色系は食欲が減退すると料理の専門家にも酷評されましたが、ふたを開けてみたらすごく好評でした」。と内田さん。食事の時だけでなく生活の中に置きたくなるカラーリングは、人の暮らしは季節とともにあることを器の風景が教えてくれる。漆器は保温性にとても優れていて、ご飯を盛れば冷めにくく炊き立てアツアツが楽しめ、冷たいものも溶けにくくひんやりした味わいが長く続くので夏のデザート用としても最適なのだという。

塗りの技法にもひと工夫し、刷毛で塗った跡をあえて残す「刷毛目技法」を採用した。塗り直しがきかないため高度な技が必要だが、世界に一つしかない模様となる。またキズがついても目立たない。ただひとつ、黒色の器のみ刷毛目の残らない「真塗り技法」で高級感ある仕上がりとしている。いずれもツヤを消したマットな質感を表現した。「現代の家って隅々まで照明が届いて明るいんです。艶のある器だと煌びやかすぎる印象になっちゃう」。少し小さめのサイズ感は、「カワイイ」という衝動で器を購入したくなることを計算したものだ。

若い人が働きたいと思う会社環境に。

こぢんまりとした家族経営だった漆琳堂は、年々生産量を拡大しながらスタッフを増やし、現在は12名の社員を抱える。若い人が多いのは、産地に残る若手を育てたいという意識からだ。「美大卒や工芸を学んだ人だけでなく、一から職人を目指すスタッフを積極的に受け入れています。作り手と使い手の年齢が近いと、伝統的な漆器を若い人に響かせるために何が必要かがよりわかると思うんです」。

2021年には、昔ながらの伝統的なフォルムの漆器も食洗機対応にアップデートして発売した。100％天然漆の器は抗菌効果も期待でき、金継ぎなどで補修も可能だ。高級感のある伝統的な漆器はギフトとしての需要も高い。「アジア圏では各国に漆の木が自生していますが、どの国でも漆器はすでに産業というほども残っていないんです」。世界的に工芸品が衰退していく中で漆琳堂は伝統工芸品に新しい活路を切り開いた形になる。当然、似たような製品も多く作られていくが、内田さんは自社ブランドが成功した証だと自信を持っている。「真似するより真似される側になれ、です」。次世代を担う職人とともに新しい価値観にかなうニーズの発掘で、漆器の歴史を塗り替えていく。

お客さまの声から生まれた食洗機対応の漆器は、福井県や、福井大学との産学官連携で開発した100％天然漆の塗膜「越前硬漆」で作られています。日常使いの漆器として親しんでいただきたいです。

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新潟漆器の歴史

新潟県の北部に位置し、本州日本海側最大の都市として人口81万人を抱える新潟市は、古くから「みなとまち」として栄え、江戸時代から明治期にかけては日本海を航行した廻船「北前船」の寄港地でもあった。そのため物資の交易が盛んで、海や陸から日本各地の文化が続々と入ってきた。

その中のひとつに漆器の文化がある。約400年前の江戸初期に、現在の秋田県の伝統工芸の一つである「能代春慶（のしろしゅんけい）」が伝えられたのがその始まりとされている。繁華街・古町に椀店（わんだな）と呼ばれる漆器の専売地域が設けられ保護政策がとられ、さまざまな技術と職人がこの地に集まったといわれている。主に、お膳やお盆などの日用品が作られ、江戸末期には江戸・大阪はもちろんのこと、北海道にまでその販路は拡がりを見せ、漆器産地として独自の進化をとげ現在の「新潟漆器」となった。  

「変塗の宝庫」新潟漆器の特徴

新潟漆器の特徴は、「変塗（かわりぬり）の宝庫」と呼ばれるほどの、塗りの技法のバリエーションの豊富さだ。何かに見立てて、それを塗りの技法だけで表現する、そんな職人たちの遊び心と情熱がこれらを生み出してきた。

例えばそのうちのひとつ「竹塗」は、竹の肌合いを実際の竹ではなく、漆によって表現する。江戸で生み出され、当時武士の刀の鞘を竹塗にするのが流行ったことをきっかけに人気を博し各地に伝わった技法。新潟と一部地域にはその後も定着し、現在では新潟漆器を代表する塗り技法になっている。漆に砥粉を混ぜた錆で竹の節や筋をつくり、 真菰（まこも）粉で煤けた質感を表す独特の技法だ。

他にも、石のざらざら感を表現した「石目塗（いしめぬり）」、重ね塗りによる不規則なまだら文様が特徴の「錦塗」などがあり、平成15年（2003年）には国の伝統的工芸品の指定（花塗、石目塗、錦塗、磯草塗、竹塗の5技法）を受けた。  

竹塗の美しさに魅了され新潟漆器職人へ

新潟漆器職人として活躍する真田桃子さんは、24歳の時に竹塗の美しさに魅了されてこの世界に足を踏み入れた。それまでこの業界には全く無縁だった真田さんは、竹塗がすべて漆でもって作られることへの驚きと、竹で作られている様にしか見えないその美しさに魅了され夢中になったと当時を振り返る。

周囲が驚くほどのスピードで技術を吸収し、新潟で一番と言われる漆芸家の先生に学びその技術を磨いてきた。自身が生まれ育った新潟の町の歴史を未来に繋ぎたい、使命感の様な思いもあったという。  

伝統工芸でモダンさを表現する

真田さんの生み出す作品には「伝統工芸」の持つ和のイメージを塗り替えるようなモダンさがある。表面はマットなものが多く、傷がつきにくいことも特徴の一つだ。ラピスラズリーの原石に見立てた「瑠璃塗」や赤い石にみたてた「紅石塗」の器などもあり、和食はもちろんイタリアン・フレンチなどの洋との馴染みもよい。テーブルでも料理を引き立たせ、そのポテンシャルを発揮してくれるクールな存在だ。

中でも真田さんが得意にしているのは、「朧銀塗（おぼろぎんぬり）」である。

これは江戸時代の漆芸家・柴田是真（しばたぜしん）の変塗の技法を復刻したもので、木製品でありながら、まるで金属のような特異な質感が楽しめる。柴田是真といえば、1873年開催のウィーン万博に出品した「富士田子浦蒔絵額面」が賞を獲得するなどして、広く知られた作家だ。  

ダークな雰囲気と落ち着いた真鍮色（しんちゅういろ）にはアンティークの冷たい趣があり、古びた見立ての粋が静謐な美しさを醸し出す。もちろん作品づくりは一点一点が手作業だ。木地固めをして、布着せ、錆つけ、中塗りと、その工程は2ヶ月近く続く。中盤の工程で炭の粉をまいて、朽ちたような凹凸感を表現する。復刻でありながら、その完成品は実にモダンで現代的だ。  

新潟を漆器で有名な産地へ

多種多様な技術が集結し、それぞれの職人の個性が生きる進化をとげてきた新潟漆器。まだ組合の歴史も浅く、漆器の産地としての規模はそれほど大きくない。小売や卸といったマーケットの面では有名な産地にはとても敵わないという。それでも「この仕事が好きだからやっている」と真田さんは笑顔で胸を張る。真田さんの仕事は職人としての腕を磨き、独自の「変塗」の路線をとことん突き詰めることだ。今は飲食店を中心に、完全にオーダーメイドでその技術を提供している。店側が盛りつける料理をイメージしながら、それが引き立つようにイマジネーションを膨らませて、次々と新しいものをつくり上げる。首都圏や海外からの注文も多く、納品に半年以上待ってもらうこともある。

真田さんが漆塗りの世界に入ってから、約10年。最初は無我夢中で「美しいモノを作りたい」と走り続けてきた。今は新しい試みに意欲を燃やし続けている。

「私はごりごりの職人で、プロダクトをつくる人間なんです。今は新しい塗りを考えるのが楽しい。これからは、例えば3Dプリンターを使って樹脂系のものにチャレンジしたり、銅っぽいものもやってみたりしたい。」と真田さん。

漆器の有名な産地として世界で「新潟漆器」が語られる日は、そう遠くないかもしれない。

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10年でたった1回しかとれない国産漆

「漆の木は10年間育てたら１年だけ漆を掻（か）きます。漆を掻いた木はそのまま伐採です。この方法は“殺し掻き”といって、質の高い漆をとるためには欠かせません。中国などでは３年くらいとるらしいのですが、私たちは１年だけ。その間に良質な漆をとるようにしています」そう語るのは、この道66年、黄綬褒章も受章した漆掻き職人の飛田祐造さんだ。「漆掻き」とは、漆器や木工でも使われる漆の原料となる樹液を採取すること。
採取する金具で幹を引っ掻くことからそう呼ばれている。

漆は抗菌性や耐久性が高く、芸術品だけでなく古くから建築や日用品にも使われてきた。海外でも日本の漆技術は評判が高く、“塗り”だけでなく、蒔絵や螺鈿といった“加飾（装飾すること）”の技も高度とあって、英語で漆芸品を「japan」と呼ぶこともあるほど、日本の工芸を代表するジャンルだ。豊かな自然で知られる茨城県大子町は、上質な「大子漆」がとれることで知られている。茨城県は岩手県に次ぐ全国２位の漆の生産地だが、その多くがこの大子町産。約１万本の漆が植えられたこの町で、飛田さんは仲間とともに大子漆保存会を立ち上げ、長年、漆文化を守ってきた。

日本の伝統文化のために漆を1滴も無駄にしない

訪ねたのは2000本ほどが植えられた漆の林。このうち１年に掻くのは200本ほど。飛田さんの教えに従って中田英寿も漆を掻く。先が曲がった独特のナイフのような「掻きカマ」と呼ばれる道具で幹に細い傷をつけ、そこからゆっくりとにじんでくる樹液をすくって容器にいれる。「なかなか漆が出てこないですね」（中田）
「１本の木から１年かけてとれるのは牛乳瓶１本くらい。だから１滴も無駄にはできません。漆掻きの最盛期である夏場は幹に垂れるくらい出ることもあるんですが、秋から冬にかけてはにじむ程度です。とれる時期によって質が変わりますし、用途も変わる。だから１年かけてじっくりとらなければならないんです」（飛田さん）１回の漆掻きでとれる漆は耳かき１杯分くらい。これを牛乳瓶１本分集めると思うと気が遠くなる作業だ。「無理に掻こうとすると、ゴミが混ざってしまうので焦りは禁物。最初は小さな傷をつけて少しずつとって、少しずつ傷を大きくするのがうまくいくコツです」（飛田さん）

ふと横を見ると、役割を終え伐採された漆の幹が積み重ねられていた。10年かけて育てた木からほんの少しの樹液だけをとる。その光景を見ただけで漆がいかに貴重な素材かということが理解できた。現在国産の漆は非常に貴重なものとなっており、日光東照宮をはじめとする文化財の修復などに主に使われている。日本で流通している漆は中国産が多い。国産の漆がなくなってしまうと、日本の伝統文化の多くが継続困難になってしまうだろう。日本文化を守るためにも、飛田さんの後継者があらわれることを願わずにいられない。漆の苗づくりから育成、採取を守る大子漆保存会の活動にも注目だ。

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木曽の木材と伝統的な漆塗り

木曽アルテック社は、木曽の良質な木材と伝統的な漆塗りの技術を生かした製品が特徴で、家具から建築空間に至るまで、手仕事にこだわった提案をし続けている。中田が主宰する2015年度のRVALUE NIPPON PROJECTにも参加。漆というテーマのもと中田とのコラボ作品で漆の浴槽を製作し、日本の技術力を世界へと発信した。「漆は人の肌と似ているところがある。 “滑るのでは？”と心配されるが、漆の風呂は人肌のように、きめ細かく吸いつくような感覚だ」と同社代表で造形家の齊藤寛親さんは語る。

完全防水で不燃の漆和紙

齊藤さんが見せてくれたのは、木製のワインを美味しくするワインエアレーターだ。上からワインを入れると、中央にある切れ目から入った空気がワインを酸化させ、味をまろやかにするという。中田も興味深そうに覗きこみ、「さっそく試してみたい」と応じた。次いで、珍しい漆和紙を見せてもらう。「きれい」と息をのむような美しさ。「漆を塗ることによって完全防水になり、洗面所や台所にも使える」と齊藤さん。不燃材として認定を取っているので、大規模建築の内装にも用いることができる。現在は空港のラウンジや外資系ホテルの壁紙にも採用されているという。

漆塗りは機械では真似できない職人技

作業場では漆職人が漆を塗るところを拝見した。「肌合いを出すためにムラがあったほうがいいのか、ないほうがいいのか」と中田が問うと、齊藤さんは「私はムラがあったほうがいいと思っている。漆塗りは感性的だ」と話した。板を鉋で削る工程では、木工職人が板の表面を鉋で滑らかにしていた。「鉋というのは職人の仕事。最近ではベルトサンダーを使って簡単につるつるにすることもできるが、それだと細かい毛羽立ちが上がって、木の肌はざらっとしてしまう。鉋は大変な作業だ」と手作業の大切さと語った。

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強固で美しい漆の家具

漆造形家　渡邊希さんは札幌を拠点に、漆を用いた立体造形、うつわ、小物、家具などを手がけている。作品の中でもひと際目を引くのが、立体造形や椅子テーブルなど大きなものだ。工房にある一客の漆の椅子は、朱赤で柔らかい曲線の造形。座ってみると、思ったより硬くしっかりしている。「強度があり、故意に突いたりしない限り壊れない」と聞き、これには中田も驚いた様子だ。作品はすべて乾漆技法でつくられ、家具類は漆と麻布だけで頑丈で美しい作品を生み出す。

漆の艶と力強さを表現

以前はジュエリーなど小さなサイズのものを作っていた渡邊さん。乾漆を主体に、現在の作品は大小さまざまだ。オブジェや家具など大きな作品を作るようになったきっかけを聞くと、「漆の麻を固める力に惹かれて興味を持った。漆の艶や力強さ、その性質を一番表現できる形を選んでいる」と話してくれた。「漆の力強さは一般的に知られていない」と漆に造詣の深い中田も興味深そうに相槌を打った。大きな漆の作品には意外性と驚きがある。

光をまとう漆作品の工程を知る

「そばの実をこねる鉢で漆を精製し、その後水分を飛ばして使う」と渡邊さんは工程を一通り説明してくれた。漆の家具は型を作って麻布5～10枚を覆って漆で固められる。最後は磨いて仕上げを行い、作品が完成。伝統的な漆の新しい解釈は国内外で広く注目されるところだ。漆黒の造形は、素材の持つ透明感のある艶が光を生み出す。素材から着想を得た漆の空間造形は、心の内側へ深くこだましていくようだ。

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