ろくろでも手びねりでもない陶芸

陶芸というと、ろくろを回して形を作っていくものや、手でこねてだんだんと形を生み出していく手びねりなどの技法がすぐに思い浮かぶ。しかし、今回訪ねた大貫さんは、それらとは違った技法で作陶をする。

その技法とは”たたら作り”と呼ばれるもの。粘土を板状に切り出し、この板状の土を貼り合わせるようにして形を作るという方法だ。形によってその後の加工は様々だが、簡単に言ってしまえば、四角い花瓶を作るのに、左右と手前、奥、底、五枚の板状の粘土を接着して作る技法なのだ。

設計に忠実に作る。

大貫さんになぜこの技法を使うのか中田が質問すると、「私はもともとグラフィックデザイナーをやっていたんです。だからこの方法が性に合うんです」と答えてくれた。 手びねりやろくろで制作する場合、制作の途中で土の形が変形していく。しかし、たたら作りにより、平面を生かして基本的なフォルムを変えずに作る方法をとることがご自身の性分には合っているとおっしゃっていた。 大貫さんはさらに、設計図を作る。まず紙を使って、模型を作る。そこから型紙を起こし、粘土を切る。そして成型する。
「いつも型紙を作るのですか？」と中田。「そうですね。頭で想像しているだけだと、出来上がったときに全く違うものになってしまったりするんです。」 自分の描いたフォルムとはちがってしまえば、もう一度やり直し。そのため、型紙を用いてはじめに描いた形を追求し、作陶しているのだ。

デザイナーから陶芸家へ

大貫さんが陶芸家に転身した理由は「かたちに残る仕事がしたい」という思いから。デザイナー時代には主に広告のデザインをしていたという。「広告は商品があってこそその宣伝をするものですよね。だから、役目を終えるのも早いんですね」だから、形として後々まで残るものを作りたいという想いがあった。

デザイナーであった資質は、フォルムの形だけでなく、作品の上絵にも表れる。四季の植物や彩りを器の中に盛り込み、自ら筆をとり、絵付けを行う。色、配置、絵柄。そのすべてが絶妙に考えられて、ひとつの作品となっていくのだ。

広告のデザインから陶芸へ。表現の方法は違えど、変わることのないものづくりに対する一心な気持ちが、大貫さんの作品に込められているように感じられた。

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手びねりのフォルムと描かれた”絵”

エンジのパーカー、グリーンのパンツに、スニーカーといういでたちで出迎えてくれたのは、若き陶芸家・澤田勇人（はやと）さん。澤田さんの作品は、象嵌や絵付けで器に描かれた線や表面の陰影が印象的。しかし、手びねりで制作をするために、全体的には温かい雰囲気を醸し出す独特の器だ。 　「長く伸びるものが好きなんです。」と、高さのある花器を見せていただく。澤田さんはフォルムとともに、”絵”にこだわりを持つ。例えば漆器で象嵌をするというと、普通は表面を平らにするが、澤田さんはあえて凸凹をつけることで陰影を出し、作品に立体感を出す。 地の土の色は、焼いたときに薄いグラデーションが出るように、部分ごとに土の配合を変えて焼いている。色の小さな変化でも完成したときに作品の印象を大きく変えるのだ。

陶芸人生の始まり。

澤田さんは父親が陶芸家という家に生まれた。だから小さいころから陶芸に慣れ親しんでいたのだろうと思ったらそうではない。むしろ反対で、自分が陶芸をするなどまったく考えもしていなかったという。ごく普通に高校卒業後には一般の大学へいき、このままサラリーマンになるんだろうなと思っていたそうだ。しかし学校に行っているときに「今やれることをやりなさい」と言われ頭に浮かんだのが陶芸。それで思い立って父親の手伝いを始めた。するとこれが思った以上に面白い。澤田さんの陶芸人生は、そこから始まったのだ。

独学で見つけ出す独自の世界観。

では、陶芸家である父親から指導を受けたのかと思えば、そうではない。ここがまた面白い。父親から何かを指導されたことは一切ないという。 父の仕事場の片隅をかりて、そこからはすべて独学で作陶を学んだ。

ちなみに父親はろくろ、自身は手びねり。 「だから手びねりしかできないんです。ろくろは父がずっと使ってるんで、僕はこっち側のスペースで手びねりで。逆に父は手びねりができないんですけどね…」 門前の小僧習わぬ経を読むというが、盗めるところは盗み、勉強できるところは勉強をして、自ら独自の世界観を紡ぎ出していったのだ。

新しい作品にもどんどんチャレンジする。現在は手びねりでお皿を少しずつ作っているという。たたら技法のように面を生かした皿とはまた違う、柔らかい表情のものが手びねりだとできあがるそうだ。自ら探し求め世界観を作っていく若き陶芸家。これからどんな作品を紡ぎ出してくれるのか楽しみだ。

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器からオブジェまで。

数々の賞を受け、国内はもとより海外でも評価の高い陶芸家・寺本守さん。花器や器などは、銀彩や象嵌などを施し、丸みを帯びた姿の中に洗練された印象を受ける作品が多い。九谷で修行をしたという絵付けも、大仰な模様を描くのではなく、色の折り重なりが意表をつくような模様が多く、作品のシャープさを増す。 また、モニュメントのような大きな作品を作るのも寺本さんの特徴のひとつ。見学当時も、長さ６メートルにもなるオブジェの製作中だった。まだ床にならべてある状態だったが、その時点ですでに迫力満点。焼き上がり、完成した作品がどのような雰囲気を醸し出すのか楽しみだ。

笠間の地で陶芸に向き合う。

寺本さんは1976年に笠間に窯を建てた。だけれども、元々笠間の出身というわけではない。ではなぜ笠間に窯を持ったのかという質問をすると「自由にできるかなと思った」という答え。笠間焼そのものは歴史を持っているが、寺本さんが窯を作った当時は、古くからある窯があまり多くなかったという。 「それで、形式にとらわれずに、自由なものを作れると思った。だから笠間を選びました」と言う。

もともと笠間は良質な土が取れる土地だったそうだが、現在ではあまり採取できず、土は全国からも取り寄せて使っているそうだ。だからその土地を使うことがその時代の焼き物というわけではなくなっている。 「たまたま笠間に住んでいる人間が焼いていますよっていうことになる。僕の友達は六本木で”六本木焼”といって作陶していますよ」と寺本さんは言う。笠間の地で作陶に集中できる環境を持ち、あらゆる可能性に挑戦しているのだ。

自然の偶発性が出す色。

寺本さんの工房には、電気窯、ガス窯のほかに、登り窯もある。登り窯は、斜面を利用していくつもの連なった部屋をつくり、すべての部屋を高温に保てるように作られた窯だ。ガスや電気と違い、木を燃やして火をたくので、当然、灰が出る。それが作品に付着することで、灰のアルカリ分と土の鉄分が反応し、赤い色がでる。この赤い色は電気窯では出ないのだ。ただし、窯のなかを見られるわけではないので、どのような色が出るかは、勘と経験がものをいう。

登り窯の姿をみて、中田が「実際に焼いているところを見てみたい。実際に器を作って焼いてみたい」というと、すかさず寺本さんは「一度やるととりこなっちゃいますよ」と言う。やはり、自分で作品を制御しきれない部分がたのしいのだという。

灰がかぶれば出来上がりが違う。熱の伝わり方、炎のあたり方で出来上がりが違ってくる。そういう偶発性と、自分の思い描いた作品の姿が、最後にどのようなものになってでてくるのか。想像を超えて、興奮する瞬間だろう。

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1000年以上の歴史を持つ”天明鋳物”

栃木県佐野市は古くから鋳物の産地として知られる街。その歴史は今から1000年以上も前にさかのぼる。平安中期に唐沢城の城主となった藤原秀郷（ひでさと）が鋳物師を河内国丹南郡日置荘（現在の大阪府 堺）から連れてきて製造させたのが始まりと言われている。それ以来、日用品から花器まで様々なものが作られるようになり、天明鋳物と呼ばれて人気を得ていた。かの千利休も天明鋳物の茶釜を愛用していたともいわれている。 今回お話を伺った正田忠雄さんは、平安中期に移り住んできた鋳物師・正田又右衛門藤原国光のご子孫。天明鋳物の歴史を脈々と受け継いできた作家なのである。

先祖代々受け継がれる技術。

これまで数々の賞を受け、国内外で高い評価を得ている正田さんだが、「自分がこの世界に入るとは思っていなかった」という。平安時代から続く鋳物師の子孫というプロフィールからは想像ができないが、学校を卒業したあと数年のサラリーマン生活を経てから鋳物師の道に入ったそうだ。それでもいまから振り返るとやはり「先祖を抜きにしては自分はないと思いますね」と語る。サラリーマン生活が肌に合わなかったときに考えたのは、やはり最初は鋳物師の道ではなく小説家を目指して修行していた父のことだったという。そして同じように鋳物の道を選び、父のもとで修行を始めた。

「私どもの仕事は先人の知恵がないとどうにもできない。例えば、鋳造するときに溶かした金属のなかに不純物を吸着して取り除くためにわら灰を入れるんです。これはなぜか、わら灰が一番いい。この技術を先人は自ら生み出した。その技術を現代の私どもも利用しているわけです。そういったことがこの仕事にはたくさんあるんです」 現代のセンスで現代の作品を作る工程にも、先人たちが切り開いた技術が多分に織り込まれているのだ。

Polished to Shine

鋳物というと、茶系統の色の茶の湯釜のようなものが頭に浮かぶが、正田さんがこだわりをもっているのが、朧銀（おぼろぎん）という材質が導き出す銀色。単にきらびやかな銀色とは違い、どこかずっしりと重みのある光を感じさせる銀色だ。正田さんの作品は銅合金を使ったものだが、銅が３、銀が１の割合だと、このずっしりとした銀色が出るのだという。もう30年以上もこの朧銀の色を追求してきた。その結果、正田さんならではの美しくも重厚感のある花器や香炉が出来上がったのだ。

この色を出すためには焼きあがったものを紙ヤスリ等で磨くという作業が必要になる。まさに作品の持つ”色”を決定づける、もっとも力の入る工程だ。すべて丁寧に磨き出さなければ、正田さんの銀色は出ない。中田も体験させてもらったが、これがなかなか難しい。丹念に、そして根気強く磨いていかなくては、あの独特の銀色は出ないのだ。

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竹で編まれたソファ。

まずは棚に飾ってある八木澤さんの作品を見せてもらう。花器やかごが中心で、細密画のように緻密に編みこまれた作品の、繊細な美に目を奪われる。かと思えば、ざっくりと編んで竹の素材を前面に出した作品も見受けられる。細かい編みのものよりも力強さが感じられて、また違った魅力を放っている。
ただし、数ある作品のなかでも中田が驚いたのが、竹のソファだ。長い竹を丁寧に曲げ、編み込んで作られたこのソファ。ソファであるからには、もちろん座ることができる。
ギッチリと編み込んであるならわかるが、向こうがはっきりと見えるぐらいにざっくりと編みこまれたソファに座るのは少し勇気がいる。中田も恐る恐る座るが、まったく違和感なし。本物のソファなのだ。

ソファを可能にする竹。

ざっくり編んであるので、なかに照明を入れれば間接照明ともなり、足元から不思議な光に照らされることになり、幻想的な世界が生まれる。「これは本当に面白い」と中田は少しの間、動こうとしなかった。座っても平気な強度を保つためには、精密な設計図が必要なのだろうと思うが、図案等は作らないずに、頭の中にだけ設計図があるという。
それは竹を知ることでできることだという。自分たちが使う竹は、自分たちで山に入って切ってくるそうだ。目安は３年物。若い竹は柔らかすぎ、古い竹は固すぎて使えない。だから竹を見る目も養わなくてはいけない。見せていただいた立派な竹は、大田原市の杉林の中に育った真竹だという。竹林で育った竹と違い、表面に傷がほとんど見当たらない、大変状態の美しい竹なのだ。

人の輪で、竹の魅力を広める。

工房では、数名の作家さんが作業を行っていた。巧みな手さばきで淡々と竹を編み続ける。
八木澤さんはこれまで多くの人に竹の魅力を伝えるべく教室を持ち竹工芸の技術を教えてきた。作家としてひとり一人が全ての工程を行うことが出来るように、また、細かいものが得意であれば、細かいものを作らせ、ざっくりしたものが得意ならばそういったものを作らせるというふうに個性を尊重しながら。今ではお弟子さんが集まって勉強会も開かれ、合同の展示会を行われるようになり、竹工芸に携わる人と共に竹の魅力が脈々と広がっている。

最後に、八木澤さんの師であり父である、故・八木澤啓造氏の製作を追ったドキュメンタリー映像を見せていただいた。故・八木澤啓造氏は戦後に竹工芸の技術を学び、大田原市の竹工芸の礎を築いた方だ。その熱意は国内に留まらず、タイやフィリピン、中国等、産業を持たない貧窮した地域に竹工芸の技術を伝える活動にもご尽力された。
中田はその映像の中の見事な手さばきを見て、何度も「すごい」「きれいだよね」と言葉を発していたが、八木澤さんもひとつうなずいて「本当にすごいですよ。」とつぶやいた。
「何度も何度も、数をこなしてきたっていうのが手つきでわかります」
作家として竹工芸の可能性を追求しながら、多くの人に竹の魅力を伝える。八木澤正さんもまた、父から受け継いだ熱意を持ち活動を続けているのだ。

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