琉球王国時代、宮廷で奏でられていたとされる琉球古典音楽。その音楽は、王国の滅亡、沖縄戦という苦悩の歴史を乗り越え、人々の間で受け継がれ、今なおこの地に息づいている。人間国宝･大湾清之（おおわんきよゆき）さんは、実演と理論研究の両輪で、琉球古典音楽の真髄を探求してきた。

琉球王国時代の宮廷音楽･琉球古典音楽

沖縄は、かつて琉球王国だった。その時代に宮廷音楽として発展した音楽が、琉球古典音楽だ。琉球古典音楽は、弦楽器の三線（さんしん）を弾きながら八･八･八･六調の琉歌を歌う「歌三線」が主体で、楽曲や舞台の場面によって、そこに箏、胡弓、太鼓、笛などの伴奏楽器が加わり、優雅な世界を作り出す。代表的なもので12〜13分、長いものでは20分を超える曲がある。

琉球王国時代は、宮廷の公務として士族のみが演奏する音楽であったが、王国滅亡後は、公務を失った士族たちが城を下り、庶民の前で商業として演奏するように。以降、その技芸が各地で伝授され、琉球古典音楽は時代を超えて、沖縄の地に継承されてきた。

琉球古典音楽安冨祖流（あふそりゅう）の大家、大湾清之さんは、「国立劇場おきなわ」をはじめ多くの舞台で活躍する歌三線、笛の実演家だ。同時に、安冨祖流の「型」の理論を追求している研究家としても知られる。2023年には、その功績が称えられ、重要無形文化財琉球古典音楽の保持者・人間国宝に認定された。

独学で習得した歌三線と笛

両親は琉球古典音楽の実演家で、幼い頃から歌三線を聞きながら育った。小学生になると自宅にあった三線を独学で弾き始め、ラジオで聞いて覚えた沖縄民謡を歌い奏でるように。古典音楽に興味を持ち始めたのは中学生のころ。自宅で行われていた父親の稽古を毎日聞いているうちに、自然と耳が覚えていき、いつのまにか琉球古典音楽の名曲のひとつ「干瀬節（ふぃしぶし）」を弾けるまでになった。

「父はそんなことを知らないので、目の前で初めて演奏したときは驚いていました。『よくできるじゃないか』と。それから一緒にやってみるかと誘われ、大人に混じって稽古に参加することになりました」

笛を始めたのも中学生のころ。きっかけは音楽の授業にまつわる、とあるハプニング。

「授業では、いわゆるリコーダーと呼ばれる縦笛（当時は竹製が主）が必要だったんですが、間違えて琉球古典音楽に使われる横笛を購入してしまったんです。お金を出してくれた親にそんなことを言いづらいし、音楽の先生も買い替えるようにとは言わなかったので、そのままクラスでひとり横笛を吹いていました。直接息を吹き込むだけで音が出る構造になっている縦笛とちがい、横笛はある程度の経験を積まないと音を出すことが難しい。その経験がなかった先生は横笛を教えることができなかったので、すべて自己流です。その後、父親の稽古に笛でも参加するようになりました。もしもあのとき間違えて買わなかったら、琉球古典音楽で笛を吹くことはなかったかもしれないと思うと、人生っておもしろいですよね」

琉球古典音楽の流派、野村流と安冨祖流

琉球古典音楽には、湛水流（たんすいりゅう）、安冨祖流、野村流の三流派がある。大湾さんは現在、安冨祖流の大家として知られるが、父親は野村流。父親から習っていた高校生までは、野村流の歌三線、笛を演奏していたと言う。安冨祖流に入門したきっかけは、高校卒業後の就職先で西江喜春（にしえきしゅん）さんと出会ったこと。西江さんは、2011年に「組踊（くみおどり）音楽歌三線」の人間国宝に認定された実演家だ。その西江さんが当時師事していたのが、安冨祖流の宮里春行（みやざとはるゆき）さんだった。

「ある日、西江さんに宮里先生のもとへ一緒に行こうと誘われたんです。当時は琉球古典音楽の笛を吹ける人が少なかったので、めずらしく笛を吹ける人がいるということで連れて行ってくれたようです。宮里先生の前で笛を吹き、電話口では笛の大家でおられる大浜長栄（おおはまちょうえい）先生が聞いてくださって。これを機に安冨祖流に入門して、歌三線を宮里先生、笛を大浜長栄先生に師事することになりました」

楽譜「工工四」に書いていない歌の旋律

沖縄の音楽は、歌と三線をひとりで同時に奏でるのが常で、歌と三線は切り離せないため、「歌三線」と表現される。楽譜は「工工四（くんくんしー）」と呼ばれ、三線の手や声楽譜（歌の旋律）などが書かれている。野村流と安冨祖流の大きな違いは、その「工工四」にある。ともに三線の手は書かれているが、声楽は、野村流には書かれており、安冨祖流には書かれていない。よって、声楽譜のとおり歌う野村流に対して、安冨祖流は師匠からの口伝によって伝授されるというのが大きな特徴となっている。

「もともと父親から習っていた野村流の歌い方と、宮里先生から習う安冨祖流の歌い方と、まずその違いに戸惑いました。さらに、安冨祖流には声楽譜がないので、宮里先生の歌い方が毎回違うように聞こえて、一体どう歌うのが正解なのかと悩みました。しかも同じ先生に師事していても、人によって受け取り方が異なるので、弟子の間で歌い方が違うことがある。民謡は人それぞれ自由な表現ができる音楽ですが、古典音楽は規則がある形式美の音楽。同じ安冨祖流の同じ師匠のもとで習っているのに、このようなズレがあってよいものなのか？　自分は師匠に認めて頂いた歌い方をしているのに、弟子の間では指摘されることもあり、自分の身をどこに置けばよいのかと悩みました」

演奏の違いの悩みから始めた理論研究

そこで大湾さんは、師匠の歌い方の原点を遡り、自分が納得のいく理論を突き詰めてみようと、数少ない琉球古典音楽の古い資料を頼りに研究を始めることにした。安冨祖流の歌と三線を録音したもののなかで最も古いと言われる、金武良仁（きんりょうじん）さんの演奏と、冨原守清（とみばらしゅせい）さんが記した「琉球音楽考」の論文である。研究を続けるうちに、その演奏と理論が対応していることを突き止め、そこに「型」（パターン）を見出せるようになっていった。

「つまり、どうしてこういう歌い方をしているのか？という規則が解明できたんです。古典音楽は、小さな部品のような型が組み合わさって1曲が構成されている。根本となる型を理解できたことで迷いがなくなり、気持ちにゆとりを持つことができるようになりました」

同時に、規則のある古典音楽であっても「演者の個性の違いはあっていい」と考えるようになった。「“間違い”と“違い”は別物」。大湾さんはそう語る。

「“間違い”はいけないけれど、“違い”はいいんだってことをみんなで共有していきたい。ただ師匠を真似るだけでなく、自分の感性で自分らしく演奏できるようにならないと本物の演奏は生まれないと思うんです。規則はこうだけど、ここまでは許容範囲だという部分を持つことが大切ですね。たとえば、歌の間（ま）。これは、伸び縮み、リズムの変化とも言える。微妙な間の取り方が芸術になるんです。規則にこだわりすぎると淡泊になりすぎる。かと言って崩すわけにはいかない。その微妙な間は何度も繰り返し弾いてわかってくるものです。なので、自分で規則をどう運用していくか、本人が操れる余白はあるべきだと思います。個性を許し合う環境が大事。これからの若い人たちが自分の個性を発揮できるような環境を作っていきたいです」

まだまだ目標があるという幸せ

自らの道は「まだまだ完成していない」と語る大湾さん。琉球王国時代に生まれた古典音楽の歌詞は、その時代を生きた人たちの物語。それを時代背景の違う現代の人たちに伝わるように、どう歌うべきなのか。宮廷内で生音で演奏していた時代の声の出し方にするのか、その後、野外で演奏していた時代のように大きな声で歌うのか、はたまた戦後、音響設備が整った時代に合わせた声の出し方にするのか。より自分のベストな声を追求するには、どうしたらよいか。琉球古典音楽として、守るべきところはどこまでなのか。

「日々そんなふうに試行錯誤して、完成していないと思うから、やり続けたいという思いが生まれて来る。まだまだ目標があるということが幸せですね」

迷って追求して、新しい発見を繰り返す。真摯に琉球古典音楽を探求する大湾さんの道はこれからも続いていく。

The post 琉球古典音楽の実演と研究を続ける人間国宝･大湾清之さん／沖縄県那覇市 first appeared on NIHONMONO.

陶芸の重要無形文化財技術保持者、いわゆる人間国宝である島岡達三氏を師に持つ陶芸家の松崎健さん。師である島岡氏の下で民芸陶器として栄えた益子焼を学び、そのまま民芸の道に進むと思いきや、まったく違った方向へ進んでいった松崎さんの作風。「面白そう」からはじまり、「どうやったらできるのだろう」と考え、常に試行錯誤してきた。

益子で「やりたいことをやってきた」から作れた作品

日本ばかりでなく、ニューヨーク・ボストやイギリスなど海外でも活躍を見せる陶芸家･松崎健氏が栃木県益子町に「遊心窯」を開窯してから約半世紀。同氏が手がける焼き物は多岐に渡るが、なかでも薪を使った原始的な穴窯で焼き、窯の炎が生み出す偶然の色彩が魅力の「穴窯窯変（あながまようへん）」は力強くて圧巻であり、特に目を見張る。

人間国宝･島岡達三氏に師事し民芸の道を極めるかと思われた松崎さんが、なぜ窯変に惹かれていったのか。

陶芸の里「益子」

栃木県と茨城県の境にあり丘陵地である益子町は、「益子焼の産地」として全国に名を馳せる。益子焼は江戸時代末期、黒羽藩の藩主が益子の陶工に土地を与え、生産量を着実に増やしたことで御用窯（ごようがま）となった。御用窯とは広義になるが、藩が陶工･窯業を保護や育成をして援助したものをいう。明治維新で徳川幕府が無くなり、廃藩置県により藩の庇護を失ったあとは各窯が経営し販路を拡大。火鉢やすり鉢、かめや釜などの日用品として生産されていたのが益子焼だ。

益子焼の陶工から人間国宝に認定

益子には、1955年（昭和30年）第1回の重要無形文化財保持者（人間国宝）に認定された濱田庄司氏がいた。濱田氏は「民芸運動」の中心的活動家。さらに濱田氏以外にも人間国宝に認定された人物がもう一人。松崎さんの師匠である島岡達三氏だ。同氏は「日本民藝館」を訪れたことがきっかけで民芸に目覚め、1940年に濱田の門下に入り、1954年に益子で窯を開き本格的な作陶を開始した。

父の影響で幼い頃から民芸に親しみ、いつしか陶芸の道へ

松崎さんの父は日本画家であり、民芸の収集家だったと話す松崎さん。幼いころから身の回りには江戸時代や明治時代のものがあり、骨董市に連れて行ってもらっては売買の様子に興奮したそう。そんな父の影響もあってか、高校の美術の授業でろくろを挽いたことがきっかけで陶芸にのめり込んでいく。

高校の先生のすすめで変えた進路

陶芸の授業がきっかけで芸術科への進学をすすめられた松崎さんは、玉川大学芸術科に入学して陶芸を専攻。授業の課題は早々に終わらせて、1時間に湯呑を何個つくれるか友人と競争をし、20個以上はろくろで挽いたそうだ。ろくろの基礎は大学1年の時には身についたという。「自分の中に作家と職人がいる」と自らを分析する松崎さんだが、大学時代に身につけたスピード感は今の職人の部分に活きているのだろう。

島岡達三氏へ師事

父の知り合いだった島岡達三氏の下で修行することを大学在学中に決めて、卒業後に弟子入り。約束していた3年と延長してもらった2年の合計5年、島岡氏の下で陶芸に対する考え方や物を創る時の姿勢には哲学的なものが大切だと学ぶことができたという。

延長の2年間ではオリジナルの食器作り、文様の研究や白化粧泥の試験を重ね、 独立したときには自分の型ができていた。この間に創りあげた呉須釉鷺文（ごすゆうさぎもん）、白掛線文（しろがけせんもん）、鐵地刷毛目文（てつぢはけめもん）、青地刷毛目文（あおぢはけめもん）、葡萄文（ぶどうもん）、兎文（うさぎもん）、筒描流水文（つつがきりゅうすいもん）、その他オリジナルの文様がその後十五年間の松崎さんを支えることになる。

島岡氏から離れて、自分のやりたいことに挑戦

独立し、順調に進んでいたかと思われた松崎さんだが、ある日、海外の美術関係者に自身の作品を「島岡氏のコピー」と言われたことで、これまで考えたこともなかった疑問が湧いた。以来、「釉薬と形が似ていて模様だけが違う。そうなると模様を変えた時に誰の作品なのだろうか？」という考えばかりが、頭の中をぐるぐると回るようになり仕事すら手につかなくなった。そして、当時つかっていたろくろや益子の材料をやめて手びねりに変えるなど新たな技術の習得に奔走することになる。

古田織部の思想に憧れて学ぶ

島岡氏の下で学んだ技法や作風から距離を置くことにした松崎さん。間もなくして、古田織部の思想や織部の作風が「日本のルネッサンス」だと考え、面白いと思うようになった。古田織部とは、桃山時代の武将であり、茶人としても有名だった人物。その名を冠した織部は斬新な造形と意匠が特徴的な焼き物で、同氏がその模様や形状、色調を好んだことが由来となっている。

松崎さんは織部様式の基本を学びつつ、織部様式が京都から西に一気に広がったエネルギーを独自に解釈し、黄瀬戸、瀬戸黒、志野までを織部として捉えて試行錯誤を重ねていった。師匠を持たずに自分が興味を持つことを試しながら身につけることで、真似事ではない作風を手に入れることになると考えたそうだ。それらは師匠である島岡氏にも言わずに始めたことで、知られた後は2年くらい音信不通になったそうだが、その後、展覧会のレセプションで島岡氏に再開した際に「本来ならば破門だが……」と含みながら言われたことで、ずいぶんと気が楽になったと話す。

1978年からは毎年のように京王百貨店新宿店にて個展を開き、それが評判となり、次第に国内だけでなくニューヨークやボストンとイギリスなどでも個展を開催するようになっていった。

その後、1980年に国展･野島賞を、1984年に国展･会友優作賞を受賞。華々しい受賞歴も残した。

終着点は定めずに土のエネルギーを感じ取る

ひとつの技法を貫き通す人が多い陶芸の世界で、色々なことを敏感に感じ取り、常に変化していけばいいかという考えで作品をつくる。「僕みたいに色んなことをやる人はあまりいないんだけど、自分はそういう風にしかできない」と話す松崎さん。ただ、土のエネルギーというものはずっと求めてきた。面白い土に出会えたら「なんとか表現できないかな」と思い、さらに「早く器にしたいな」と思うそう。「ちょっと面白いな」と思って新たな試みをはじめる姿は今も健在だ。

見えてきたスタイルこれからも

時代が変われば求められるものも変わるのではないか。変化を受け入れて自らも変化する。益子の作家と料理人とで創る器、新しい解釈で器をつくるプロジェクトGENDOを立ち上げた。普段つくっている作風とはまた違うデザインの器だが、作家と職人が自分の中にいると話す松崎さんの職人の部分がでてきて「やっていて楽しい」という。

ずっと未完だから、終わらない挑戦

新しい土が手に入ると、何を作って穴窯のどこに置いて焼こうか考えるとワクワクする。

「自分は、やっぱりやりたいことを最後までやろうかなって思ってます。いろんなチャレンジを続ける。着地点を求めてやってるわけじゃないので、ずっと未完成でいいかなっていう感じですかね」と話す松崎さんの挑戦はまだまだ終わらない。

The post 好奇心と飽くなき探求心が変化に富んだ作風を生み出す陶芸家･松崎健さん／栃木県芳賀郡 first appeared on NIHONMONO.

福岡県中央部東側に広がる朝倉郡東峰村は「小石原焼」と呼ばれる焼き物の産地。この地で長い歴史を誇る「ちがいわ窯」十六代･福島善三さんは重要無形文化財保持者（人間国宝）に認定されている名工だ。地元の土や釉薬にこだわりつつ、新しい小石原焼の可能性を追求し続ける福島さんの器の魅力とは。

伝統は創り、進化させていくもの

福岡市中心部から約1時間余り、1,000m級の山々に囲まれた福岡県朝倉郡東峰村（とうほうむら）は、自然豊かな美しい里山だ。なかでも小石原（こいしわら）地区は、陶器づくりに適した土、窯の燃料となる木々、釉薬の原料となる長石や藁灰、その原料になる稲や小麦に恵まれ、1600年代後半から焼き物づくりが盛んに行われてきた。

小石原焼には多彩な伝統的技法があるが、代表的なものが「飛び鉋（とびかんな）」と「刷毛目（はけめ）」だ。飛び鉋は、ろくろを回しながら鉋（かんな）の刃先を器に当て、規則的に小さな削り目を入れて文様をつけていく技法で、刷毛目はその名の通りろくろを回しながら刷毛（はけ）で文様を描いていくもの。どちらも素朴で温かい雰囲気が感じられ、小石原の多くの窯元でこの技法を使った生活雑器がつくられている。

質より量の時代に危機感を感じ、新たな作風を模索

福島さんのギャラリーには、いわゆる典型的な小石原焼は並んでいない。独特の青を纏った青磁作品が多く並び、形の美しさと柔らかく透明感のある色合いに「これも小石原焼なのか」と驚く。これらの作風が誕生するまでには、福島さんの長きにわたる挑戦の日々があった。

幼い頃から祖父や父、職人たちがろくろを回す作業場が遊び場だった福島さん。子どもの頃から家業を継ぐと決めていたため、ほかの有名産地も見ておきたいと大学時代に全国を巡った。しかし、多くの産地を訪ねて再認識したのは“小石原のろくろ技術の高さ”。それならば地元で学ぼうと決め、帰郷してからは、一日で湯呑み200個、徳利100本と、数をこなしながら修行に励んだ。

当時は民芸運動の活発化が影響し、日常で使える民芸陶器の需要が急激に高まっていた。もちろん、九州地方も同様。それもあって丈夫な上にシンプルで日用として生活に取り入れやすいデザインだった小石原焼は、広く消費者に受け入れられるようになり、作れば作るだけ売れたという。

福島さんが子どもの頃には9軒しかなかった窯元も30軒近くに増えたが、一方で質より量の価格競争が始まっていた。そんな状況を憂い、福島さんは「自分にしかつくれない小石原焼を」と新たな作風を模索し始めた。

県展、そして日本伝統工芸展へ

まず着手したのは釉薬の勉強だった。鉄分が多く、焼成時の縮みも大きい小石原の土と地元の原料でつくった釉薬を使って、いかに自分らしい作品をつくるかをテーマに、伝統的な小石原焼の技法を用いて試作を繰り返した。こうして完成した作品を福岡県美術展覧会（県展）に出品。見事入賞を果たした。

しかし、県展の会場である福岡市に足を運んだ際に立ち寄った日本最大の公募展「日本伝統工芸展」で福島さんは衝撃を受ける。

「こんなにもレベルが違うものなのか」。

そこから福島さんの新たな挑戦が始まった。「まずはいいものを見つづけることが大切」と日本伝統工芸展の図録を暗記するほど読み込んだ。小石原で誰も手がけたことのない新しい作風に挑む福島さんにとって、図録が師匠だった。

目指す作品をイメージしながら、「粘土×釉薬×焼成温度」と「時間×冷却時間」を組み合わせながら、果てしないほどの試行錯誤を重ねる日々。ちょうどその頃、小石原で最も古い1682年の窯の発掘が始まり、磁器や染付の茶道具など、現在の小石原焼からは考えられないようなものが多数出土した。当時の小石原は福岡藩の庇護のもと、殿様向けの多彩な器を焼いていたのだ。

それら出土品を目の当たりにし、福島さんは「飛び鉋や刷毛目も昭和に入って誕生した技法で、300年以上つづく小石原焼の歴史から見るとほんの一部。自分の挑戦も未来の小石原で“伝統”と呼ばれているかもしれない。外の声に揺らぐことなく自分を信じよう」と心に決めた。

小石原でしかつくれない青磁を

こうして福島さんは、無骨な雰囲気のある旧来の小石原焼とは相反する、見た目に透明感のある青磁づくりに着手した。

「小石原の粘土は鉄分が多く扱いにくいが、デメリットをメリットに変え、ここでしか作れない青磁を作りたい」。そう決意して土づくりや釉薬などを独学で研究し完成させたその青磁は、窯のある地域の古称である中野と、美しい色合いを合わせて「中野月白瓷（なかのげっぱくじ）」と名付けられ、福島さんの代表作となった。鉄分が多く黒い小石原の土に、青白い釉薬「月白釉」をかけて焼き上げた同作品は、柔らかく優しい青色で、たちまち見る人の心をつかんだ。エッジの黒い部分は釉薬を削って元の土の色を出し、小石原焼の匂いを残しているのも特徴のひとつだ。

この作品を初めて出品したのは第60回の「日本伝統工芸展」。飛び鉋や刷毛目の文様がないこの作品に対し、当時の工芸界からは「これを小石原焼と呼んでいいのか？」と問われることもあったが、福島さんは「すべて地元の原料を使い、小石原でろくろを回して釉薬をかけ、焼き上げたのだから正真正銘の小石原焼。新しい作風に挑戦し続けなければ次の時代の伝統は生まれない」と自信をもって出品した。

そこから10年間、毎年形や貫入の入れ方を変えるなど、月白瓷の表現の可能性を広げながら作品を出品し続け、その結果、当初は驚きを持って迎えていた見識者たちにも月白瓷の美しさが認められ、第70回「日本伝統工芸展」で「高松宮記念賞」を受賞した。

そんな唯一無二の世界観を表現すべく、福島さんは粘土や釉薬づくりから、ろくろでの造形、焼成まですべての工程をひとりで行っている。「分業化が進んでいる窯元の作家をオーケストラの指揮者と例えるならば、私はシンガーソングライターです」と笑う。

人間国宝認定が被災地を勇気づける

2017年7月、九州北部豪雨が小石原を襲い、窯元42軒のうち11軒が土砂流入などの被害を受け、地区全体に暗い影を落とした。その2週間後、福島さんが57歳という若さで「重要無形文化財保持者（人間国宝）」に認定されたという明るいニュースが被災地に届く。

「正直、小石原焼で人間国宝になれると思っていなかったし、地域が大変な時に喜んでいいのかとも思ったが、小石原焼の発展のためにも非常にありがたいと感じた」と福島さん。

そのニュースは小石原焼に携わる人たちに大きな勇気を与えた。福島さんが人間国宝になったのを機に、既存の技法にこだわらず新しい作品をつくりたいという若手も増えた。また、水害をきっかけに小石原焼が全国的に注目され、産地としても追い風も吹き始め、地域に活気がもたらされた。

「こうして50代で人間国宝の認定をいただいたことには、“これからつづく作家人生、もっと挑戦しろよ”というエールが込められているのだと捉えています。重圧もあるし、生みの苦しみもある。今でも日々、失敗の連続です。しかし、失敗を糧にして学ぶことが何より力になる、それだけは確かだと信じています」。

人間国宝という名誉を与えられ、ますます創作意欲が湧くようになったという福島さん。

その作品からは伝統とは守るべきものだけではなく、新たに創造できるものだというメッセージが伝わる。

今後、その手からどんな小石原の伝統が誕生するのか、楽しみでならない。

The post 「未来の伝統」を創る。人間国宝･福島善三さん／福岡県朝倉郡 first appeared on NIHONMONO.

白色と形だけで表現をする磁器、白磁（はくじ）。この白磁の重要無形文化財保持者、人間国宝に認定されているのが、鳥取市河原町に窯を持つ前田昭博（まえたあきひろ）さんだ。真っ白な磁器である白磁を選び、ひとり制作を続けたその歴史と、前田さん独自の作品づくりに迫る。

中国から伝わった「白磁」

白磁は中国で生まれた磁器のひとつで、絵付けや色付けをしないことが特徴。形によって陰影が変わり、さまざまな表情を見せる。真っ白な器は食材や花を映えさせ、どんな場面でも使いやすい。日本では佐賀の有田焼や、長崎の波佐見焼などが名産地として知られているが、前田さんは故郷の鳥取で師匠をとらず、ひとりで向き合う道を選んだ。

土のような柔らかさ、雪のような白さ

前田さんは白磁のことを「白瓷（はくじ）」と表現している。瓷（じ）は「かめ」や「かたく緻密に焼いた焼き物」という意味があり、本場中国では磁器のことを指す。単なる壺ではなくアートとしての作品を作りたい、土のような柔らかい白磁を目指したいという想いを込めた。

たしかに前田さんの作品を見ていると、磁器とは思えないほどの柔らかさやあたたかみを感じる。光の当たり具合や、曲面から生まれる影によって、灰色や青い色合いもあわせ持つ。「手本にしているのは、山陰の雪の白。冷たいけれど、どこか温もりも持っている。そして、雪に穴を開けると、少し青みがかったように感じる。そんな雪のような、しっとりした感じの白を目指しています」。

陶芸、そして白磁との出会い

幼い頃、趣味で木版画を刷っていた父親の背中を見て育った前田さんは、自然と美術への興味を深めていった。絵を描くのが好きで、高校では美術部に、大学は工芸学科へと進学。そこで何気なく受講した陶芸の授業を通し、ろくろに魅了される。「日に日に上達する様子が自分でもわかる。昨日より大きいものを作ろう、と夢中になりました」。

また、白磁と出会ったのも大学生の頃。その美しさに感動した。

「鳥取では冬に雪が1、2度降る。朝、窓を開けると辺り一面真っ白。あのときの感動と、絵も色もない白磁を見たときの感動が重なり、他のものに感じない魅力を感じたんです」。

卒業しても陶芸をしたいという想いを膨らませていた前田さんは、「好きなことをして飢え死にした人はいない」と恩師に背中を押され、卒業後に実家へ戻り、窯を開いた。窯の名前は「やなせ窯」。目の前に悠然とそびえる梁瀬山（やなせやま）が由来だ。

鳥取で白磁を作る

鳥取県は民芸が盛んで、土の風合いを生かした味のある焼き物が多い。だが前田さんは他の窯へ弟子入りをせず、白磁への憧れとろくろを極めたいという想いから、ひとりで白磁に向き合う道を選んだ。しかし、ひとりでの作陶はそう甘くはなかった。通常は基本の技術や工程を習得してから、独自の作品を作る。しかし自分には基礎がない。とにかく自分が美しいと思う形を目指しながら、ろくろの稽古を続けた。

鳥取に帰ってきてから数年が経った頃、好きなだけでは無理かもしれないと思い悩んだこともある。毎日白磁と向き合う中で、嫌になり、絵や装飾をつける他の焼き物に取り組んだこともあった。しかし、どうしても白磁への憧れは消せない。

「やはり飢え死にするのではないか」と思うほど厳しい日々だったが、両親との暮らしや地域の人の励ましに支えられ、創作を続けられた。また、結婚して子どもが生まれたときには、創作活動の傍ら、祖父母が営む果樹園の手伝いをしたことも。どんなに大変なときでも、年に一度ギャラリーを借りて個展を開くことと、陶芸のコンクールに出品して自分の技量を問うことだけは辞めなかった。そうして少しずつ入選を繰り返し、応援してくれる人も増えていった。

37歳で訪れた転機

そうして14年間、白磁を作り続けた前田さんに転機が訪れる。陶芸界で1番大きなコンクールといわれる「日本陶芸展」で、大賞に次ぐ優秀作品賞を受賞したのだ。

「同世代の人は自分よりも素晴らしい仕事をしているだろうと引け目を感じてきた。でも、賞をいただいて、自分も一生陶芸ができるかもしれないと思えました」。

その後も前田さんは、さまざまなコンクールで受賞していった。国内のみならず、海外でも個展やワークショップを開催し、多くのファンを獲得。

2013年には、前田さん独自の技法「面取り技法」によって生み出された、平面と曲面のあるなめらかな白磁が評価され、白磁の重要無形文化財保持者として人間国宝に認定された。「教わったものではなく独自に作り出したものなので、その点も含めて評価してもらえたのではないか」と振り返る。

失敗から生まれた「面取り技法」

独特な柔らかさや丸みを帯びた形は、前田さんが失敗しながら編み出した「面取り技法」によるものだ。白磁を作る際は、ろくろで形作ったものをそのまま焼成することが一般的。それに対し、面取り技法ではろくろで形成し土が乾くタイミングを見計らいながら、直接指で押して変形させる。磁器の土は押さえたり変形させたりすると、のちに傷が出るのだが、その基本を知らなかったからこそ生まれた方法だった。

「最初は形を変形するために板で叩いていたけど、乾燥のときにヒビが入ってしまったんですよ。そこで、少しずつ指で押さえてみたら収まりがよかったんです。そこからこの技法が自分の表現になっていきました」。

点描画のように複数回、細かく指で押した後は、さらに乾燥させ、カンナで削る。これによって、くっきりとした面が浮かび上がるのだ。

若い頃、面取をしたり等分割するときに、定規を使って均等にしるしをつけていたという。しかしどうにも面白くない。年数が経つに連れて、フリーハンドで線を引くようになり、左右どちらかに偏っている部分や、波打っている部分に魅力を感じられるようになってきた。

「こちらの方が自分らしい線や面になっていくんだなと。そのわずかなことを、何年もかけて許せるようになるといいますか。定規以上に魅力的な線を引くことができるのが人間じゃないかなと感じます」。

歳月と鳥取の風土がもたらした世界観

長い間作品づくりに携わっていると、アイデアも尽きてくるのではないかと思える。実際に、年に1度の個展が終わると、「もう作れない」という気持ちになるという。しかし、新たに創作を始めると、作ってみたい作品のイメージが浮かんでくるのだ。また、創作途中で偶然にできた形や、いいなと思う「何か」が生まれ、それを形にしていくこともある。前田さん自身の感性と偶然。その両方で作品が生まれ、作る幅も広がってきた。

「自分の考えていることや思っていることを形にしたり、行動にしたりするしかない。その結果がいい作品にならなくても、責任を持って、自分のやりたい姿勢で最後まで行くしかないんです。だからこそ、素敵なものを作りたいという想いだけは、24時間頭の片隅にはありますね」。

また、鳥取の風土も作品づくりに大きく影響した。「鳥取はわりと曇り空で湿度が高い。しっとりとした釉薬にごだわり、作品に柔らかな陰影が生まれたのは、風土的なもの」と振り返る。当初はひとりで技術を習得するのに苦労した場所だが、白磁の産地ではない分、自分から取りにいかない限り情報は入ってこない。だからこそ、前田さんにとっては心地よく、「白磁を最後まで作り続けたい」という想いを持ち続けられたのだという。

さまざまな失敗や経験、環境から、前田さんにしかできない独特な表現や造形が生まれたのだろう。

「”無い”ことの魅力」を感じてもらえる作品を求めて

白瓷とは何か。その問いに、前田さんは「 ”無い”ことの魅力を持つもの」だと教えてくれた。中国の唐の時代に繁栄し、日本にも伝わり、現在まで続いている。華美な装飾や色の変化は無い。それでも今なお続いているのは、「何も無い状態」でもフォルムや釉薬に豊かな魅力があるからではないか。多くの情報や色、考え方が溢れている現代だからこそできる白瓷を作りたいと前田さんは言う。

「九谷焼や有田焼などの日本的な絵付けも美しいなと思う。同時に、そういうものが”無い”世界もあっていい。僕は作品の省略をしていきながら、あるものと同じぐらいか、それを超えるようなものを作りたい。”無い”ことの魅力というものを伝えていけたら、この白瓷を継承して、次の人に渡すことができるのかなと。だから、ただ白い焼き物じゃなくて『白瓷』という定義がある。そう思ってますね」。

そう言いながら、前田さんは今日もろくろに向かう。

The post 山陰の雪の色をイメージして作る温かみのある白磁。人間国宝･前田昭博さん／鳥取県鳥取市 first appeared on NIHONMONO.

日本刀の価値を高めた本阿弥家

「本阿弥」という表札を見て、頭のなかで日本史の教科書をめくり直す。その名前に江戸時代に書家、陶芸家などとして活躍した本阿弥光悦を思い浮かべる人も多いだろう。東京都大田区の閑静な住宅街の一角に佇む和風の一軒家の主は、本阿弥光洲。日本刀の鑑定、研磨を行う人間国宝（重要無形文化財保持者）だ。
「鎌倉時代は馬の上で戦うために長い太刀が主流でしたが、室町時代になると地上戦で短い刀が使われるようになりました。当時は新しい刀を作るのではなく、長い刀の刀匠名が入った部分を切って短くしたので、誰が作ったものか分からなくなったことから、鑑定という仕事が必要になったようです。刀は武士の位を示すものでしたから、どんな刀を持っているかということがとても重要だったんです」（本阿彌光洲さん）

本阿弥家は、初代の本阿弥妙本が足利尊氏の刀劍奉行を務めて以来、代々鑑定や研磨を手掛け、日本刀のプロデューサー役を担ってきた。「折り紙付き」という言葉があるが、この語源は本阿弥家が発行していた刀剣の鑑定書のこと。本阿弥家が鑑定した刀であるという証明がつくことで刀の価値が高まったことから、言葉が広がったのだ。日本刀にはさまざまな刀姿・刃文があり、帽子、茎形、銘を鑑賞する、非常に高度な芸術性を持つ作品だ。一振りの日本刀が完成するまでには、刀鍛冶が玉鋼から鉄を叩き出し成形した後、研ぎ、彫り、拵（こしら）えと呼ばれる「鞘（さや）」や「柄（つか）」を整える工程など、実に多くの職人の手で分業されるのだが、その手配をするのが本阿弥家だという。本阿弥光悦の本職もこの刀剣の鑑定や研磨であったのだが、書画・陶芸・漆芸・作庭など多方面に芸術性を発揮したことや、徳川家康から拝領した京都鷹峰に多くの職人仲間などと移住して芸術村を作ったことなどから、文化人として歴史に名を残した。

現宗家である光洲さんもまた、優れた日本刀を世に送り出すだけでなく、国宝・重要文化財等に指定された数多くの刀剣の研磨も手掛けるなど、文化財の保存にも大きな役割を果たしている。

丁寧に作り上げた一点ものの刀

光州さんの工房では、シュッシュッという刀を研ぐ音が響いている。板張りで北窓になった研磨作業のための部屋は、静謐で神聖な空気に包まれていており、全国の美術館や収集家が持つ名刀が研磨されるのを待っている。
「本阿弥家ならではの研ぎ方があるんですか？」（中田）
「代々伝えられているのは、『地鉄は秋の澄んだ空のように青黒くしなさい。刃文は松に積もった雪のようにふんわりと研ぎなさい』ということ。技術自体はずっと変わっていません。いわゆる秘伝の技のようなことはいくつかありますが、大切なのはもともとその刀が持っているいいところをいかに引き出すかだと思っています」（本阿彌光洲さん）
光州さんの研磨は、現代の刀匠の個性や作風に合わせて見どころを強調しながら各工程を丁寧に進め、それぞれの刀剣の美点を最大限に活かして完成させるものとして、高い評価を得ているという。

自然の光で刃文を確認し、天然の砥石だけを使って刃を研ぐ。光り輝く日本刀を見ると、そこに宿る武士の魂まで生き返ったように感じるのは、私だけではないはずだ。

The post 「刀剣研磨」の技術と芸術性を伝える人間国宝·本阿弥光州さん／東京都大田区 first appeared on NIHONMONO.

「静岡市立芹沢銈介美術館」

静岡市の登呂公園にある「静岡市立芹沢銈介美術館」は、染色工芸家で人間国宝の芹沢銈介が郷里の静岡市に寄贈した作品と、彼が集めた世界の工芸品のコレクションを楽しむことができる美術館だ。

芹沢銈介の作品は、特徴的な文字や大胆な絵柄で、いまでも多くのファンがいるという。日本国内のみならず、海外にも多くのファンがいるという染色工芸家・芹沢銈介をご存じだろうか。彼の名は知らなくても彼が手掛けたデザインには、どこかで触れたことがあるはずだ。

柳宗悦（やなぎ むねよし）や濱田庄司（はまだ しょうじ）らとともに大正から昭和初期の民藝運動の中心となった彼は、日常的な暮らしの中で使われてきた手仕事の日用品の中に「用の美」を見出し、日本の風景や動植物、文字などをモチーフにしながらどこかモダンさを感じさせる作風で知られている。従来の染色の枠組みにとらわれない新鮮な色彩や温かみのある文様は多くの方に愛好され、昭和31(1956)年には「型絵染」で重要無形文化財保持者（人間国宝）に認定された。

「収蔵品は、芹沢作品約800点とコレクション約4500点です。彼が沖縄の紅型やアイヌ文化に影響を受けたことはよく知られていますが、それ以外にも世界中に目を向けていました。とても鋭く強い眼差しを持っていた方だと思います」（白鳥誠一郎館長）

日常に溶け込んだ美術館

展示されている作品は、彼の作品を代表する仕事の一つといわれる屏風や着物、帯やのれんなど染色工芸家らしい作品から、マッチ箱やカレンダー、包装紙、本の装丁、日本酒のラベルなど多岐にわたり、「これも彼の作品だったのか」という発見も少なくない。
「色彩や構図がいま見てもすごく新鮮だし、ダイナミック。彼が現代のものをデザインしたらどんなふうになっていたんだろうと思ってしまいますね」（中田）
その幅広い作品群を見ると、芹沢という人物がいまでいうところのグラフィックデザイナーとしても活躍していたことがよくわかる。柳宗悦も感服したという世界の工芸品・民芸品のコレクションも見事。彼は自らの収集を「もうひとつの創造」と呼んだというが、現在ほど簡単には海外に行けなかった時代に、よくぞここまでさまざまな国のものを集めたものだと感心せずにいられない。別棟として東京から移築した「芹沢銈介の家」を訪ねると、往時の染色家の生活の一端にふれることができる。作品の構想を練ったり、型紙を彫ったりした創作の場でもあるが、こちらにも家具・木工・染色・陶磁器・玩具といった彼が収集した世界中の工芸品があふれている。

美術館は公園内に位置することから、自然に溶け込めるようにと石や木、水という天然素材を選んで構成されており、作品鑑賞にふさわしく、ゆったりとした豊かな時間が流れている。決して派手な観光地ではないが、展示替えやイベントに合わせて再び訪ねたいと思わせられる美術館だ。

The post 色彩と文様の天才·芹沢銈介に触れられる「静岡市立芹沢銈介美術館」／静岡県静岡市 first appeared on NIHONMONO.

有田焼白磁の「井上萬二窯」

有田焼といえば、美しい色絵に彩られた磁器を思い浮かべる人が多いだろう。しかし、磁器作家・井上萬二さんの作品のほとんどは加飾されていない白磁だ。それでも萬二さん作った器は、派手に色付けされたものよりも遥かに大きな存在感を見せる。透き通るように真っ白な磁器は、曲がりくねり絡みあい、どんなふうにつくりあげたのか想像もつかないような複雑な造形。最新の３Dプリンターでも不可能ではないかと思われるような形を、ろくろと手だけで作り上げる。その高い技術で、彼は有田焼白磁の重要無形文化財保持者（人間国宝）となった。
「私にとっては形そのものが文様です。工芸ですから、用と美を兼ね備えていなければならない。複雑な形のものも作りますが、実は平凡な器がいちばん難しいんです。ひとつの茶碗を作るのにどうしても納得できず１年くらいかかったこともあるんです」（萬二さん）
1929年生まれの萬二さんは、軍人から復員し、十二代目酒井田柿右衛門のもとで磁器作りを学んだ。修行７年目のときに大物成形ろくろ師として名高い初代奥川忠右衛門の技術に惚れ込み、彼の門下生に。以来、ひたすらにろくろと向き合ってきた。「展覧会などがあれば海外にもいきますよ。旅行すれば刺激を受けるし、それが作品にいきてきますから」（萬二さん）

有田焼白磁を受け継いでいく

現在、佐賀県西松浦郡有田町に孫の祐希さんとともに窯とギャラリーを構える。祐希さんは玉川大学芸術学部を卒業後、ファッションアパレル業界を経験した後に故郷へ戻り、2012年から祖父・萬二さんのもとで白磁の伝統技術を継承しながらもファッションブランドとのコラボレーションや焼きものでアクセサリーを制作するなど、新たなことにチャレンジする注目の作家だ。

萬二さんによると、これまでに萬二さんの元で学んだ人は500人を超え、海外にも数多く存在するそう。
「人に教えるのは大変ですよ。自分で作るだけなら10の力でじゅうぶんですが、人に教えるには12～13の力が必要。昔の技術を受け継ぎながら、いまの焼き物を作る。そうやって伝統が受け継がれていきます。昔のままにやっているだけでは発展はしません。常にチャレンジが必要だし、新しい人を育てていかなければならないんです」（萬二さん）
「焼き物に向いているのはどんな人ですか？」（中田）
「不器用は駄目だけど、器用すぎても駄目。器用だとすぐに形ができて、努力しなくなる。どんなことも同じでしょうが、毎日同じ努力を続けられる人が結局大成します」

萬二さんは言う。「白磁に完成はない。90歳になっても勉強です」。楽しそうに白磁を語る萬二さんとお話しさせていただくと、この方は心から白磁を愛しているのだということが伝わってくる。萬二さんは、有田焼創業400年を迎えた節目に際しては、20年をかけて、すべて「異なる」400個の白磁の作品を生み出した。萬二さんの作陶の追求に、「これでいい」という終わりはない。

The post 透明感のある上品な白さと造形美が際立つ「井上萬二窯」／佐賀県有田町 first appeared on NIHONMONO.

唐津焼の窯元「隆太窯」

自然に囲まれ、隆起に富んだ敷地内には小川が流れ、解体した古民家の家屋の一部を使って建てたという作業場やギャラリーが並ぶ。観光用の庭園のように手入れが行き届いているわけではない。目に入るのは、自然のままの雑木や雑草。佐賀県唐津市の唐津焼の窯元「隆太窯」で、吹き抜ける風を感じると、それだけで心が安らぐように感じる。敷地内には、大きな登り窯も見える。現在、焼き物の現場ではガスや電気の窯が主流だ。
「最近はうちでもほとんどはガス窯を使っています。登り窯をつかうのは年に５～６回。“歩どまり”は悪いんですが、炎の動きで思いがけない作品ができるという楽しさがあります」（中里太亀さん）

唐津焼の”人間国宝”が開いた隆太窯

この隆太窯は、唐津焼の人間国宝にもなった十二代中里太郎右衛門　中里無庵氏の５男である中里隆さんが開いた。訪問した日、隆さんは不在だったが、息子の太亀さんと孫の健太さんが作業場でロクロを回していた。父子ふたり、特に言葉を交わすわけでもなく作業に打ち込む。作業する音だけが聞こえてくる静寂な空間と、そこに流れる空気がとても心地よい。
「いまの季節はいいですけど、夏は暑いし、冬は極寒ですよ(笑)。雪が降り込んでくるなかでロクロを回していることもありますよ」（中里さん）

飾るものではなく、使うもの

中里さんは言う。
「焼き物は使ってなんぼだと思っています。飾って眺めるようなものではなく、生活のなかでちゃんと使われるような器をつくっていきたい」
その作品は、使い勝手も考えられ、決して高価ではない。それでいて生活を豊かにしてくれる温かみ、手触りを持っているからうれしい。

佐賀の焼き物「唐津焼」

唐津焼は、佐賀県唐津市を中心に作られる焼きもので、諸説あるが1580年頃から作られるようになったと言われている。使用する土の性質・釉薬・装飾の技法も様々あって、茶の湯の世界では「一楽二萩三唐津」とよばれ、茶人にも愛用されてきた一方、“用の美”と呼ばれる日用的な器も多くつくられ、今でも「食と器の縁結び」をテーマにした唐津やきもん祭りが開催されている。
ちょうど２日後には窯焚きを行うというので、火入れを見学させてもらうことになった。火入れが行われるのは夕方。しかし準備は午前中から始まる。成形された器を敷地内の登り窯の中に隙間なく詰め込んでいく。置く場所によって炎の動きや温度の上昇速度が異なることを計算に入れながらの作業だ。ぎっしりと詰め込むと、入り口を封じる。時間がくると、窯のスタッフと見学のわれわれにも酒器が回され、窯焚きの成功を祈って乾杯。火が入り、1200度まで上がったら、温度が下がらないように薪を焚べ続ける。夜中も誰かが窯のそばにいて、小山のように積み重なった薪がすべて灰になるまで焼き続ける。
「窯の中は、どんなに計算してもしきれない。だから面白いし、やめられないんです」（中里さん）

計算を超えたとき、そこに唐津焼ならではの温かみや手触りが生まれるのだろう。

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

透明感のある上品な白さと造形美が際立つ「井上萬二窯」／佐賀県有田町 – NIHONMONO 有田焼白磁の「井上萬二窯」 有田焼といえば、美しい色絵に彩られた磁器を思い浮かべる人が多いだろう。しかし、磁器

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

陶磁器の名産地佐賀の“秘窯の里”大河内山／佐賀県伊万里市 – NIHONMONO 佐賀は、陶磁器の名産地。県内には、有田焼、伊万里焼、鍋島焼、唐津焼、波佐見焼など、全国に名の知られる産地が点在する。この地で陶磁器の生産が盛んになったのは、豊臣…

The post 人間国宝の開いた窯元。佐賀の焼き物「唐津焼」隆太窯／佐賀県唐津市 first appeared on NIHONMONO.

山中漆器に新風を吹き込む人間国宝

川北工房の作品を見てから、一度伺いたかったという中田を、工房を親子で営む川北良造さんと川北浩彦さんが出迎えてくれた。川北工房ではろくろを使った挽物で、お椀やお盆など円形の器ものを制作している。父の良造さんは先代から木工の挽物の技法を受け継ぎ、匠の技術を持つ人間国宝である。木の魅力を最大限に生かした作品づくりが得意で、１mm中に8本の線を引くという技に卓越性が光る。加飾の面では、加賀市で生産される山中漆器特有のさまざまな筋挽きを自在に取り入れ、縮れ象嵌(ぞうがん)、べっ甲、珊瑚(さんご)によって華やかさを加味するなど豊かな表現方法で、山中漆器に新風を吹き込んでいる。

生活の中で活かされる漆器を

工房の展示室でまっ先に目を引いたのは、象嵌によって大きく花柄が描かれた漆器のお盆。中田は興味深そうに拝見しながら、「漆器というと器だけれど、過去に川北さんの作品を見てから漆器のお盆の素晴らしさに気付いた」と称賛した。川北良造さんは、「私たちの作るものは飾るものではなくて、まずは用にかなうもの。“これはこういう用途で”と生活の中で活かされることが主たる目的となり、このお盆は仏様やお人形を置く用かと、想像しながら作った」と話してくれた。

お椀作りを体験させてもらう

中田は浩彦さんに習いながら、木工芸のお椀作りを体験させてもらった。ろくろにつけられた木材に刃物を当てて、形を作る作業だ。刃物を右脇に挟み、刃先を木材に当て、重心を動かしながら削っていく。「やってみないと分からないものだ」と苦闘するも、慣れてくると道具を使いこなし、スムーズに作業は進んでいった。「まずは削ることから、毎日毎日やっていかないとできない」と浩彦さん。日々の努力の積み重ねが感じられるアドバイスであった。

The post 匠の技術で気の魅力を最大限活かす人間国宝 木工芸･川北良造さん／石川県加賀市 first appeared on NIHONMONO.

世界各国で琉球芸能を普及する

琉球芸能になくてはならない三線。琉球音階を奏でる三線は代々受け継がれてきた音色だ。中田は琉球古典音楽 安冨祖流の照喜名朝一さんと朝國さん親子の元を訪れた。朝一さんは幼少の頃から三線に親しみ、数々の賞を受賞。25歳の時に古典音楽 安冨祖流師範、宮里晴行に師事し、平成12年、沖縄の芸能部門で初の人間国宝に選ばれた。現在は、息子である師範の朝國さんとともに日本はもちろん世界各国で演奏を行い、琉球芸能の普及に努めている。

沖縄独特の三線の音階

三線と三味線の違いを聞いてみると、「通常はドレミファソラシドの７音階だが、沖縄は５音階。“レ”と”ラ”がなく、　ドミファソシで奏でるのが琉球音階だ。この音階にすれば、すべて琉球の音楽に聞こえる」と朝一さん。実際に中田も三線を弾いてみることにした。右の手でバチを持ち、左手で棹の頭に当てて構える。一音一音の指の位置を教えていただきながら、音階を奏でていく。なかなか難しくはあるものの、琉球音階を体で感じる体験ができた。

お祝の歌“めんそーれー”

この日は三線のお稽古があり、生の琉球音楽を聞かせて頂くことに。指導は朝國さん。楽曲は首里城が出来た時のお祝いのうた「めんそーれー」だ。老若男女の多くの生徒さんとともに演奏が始まり、中田もリズムをとったりしながら、しばしの間、憩いの時間を過ごした。朝國さんに父親から受け継いだ伝統文化に思うことを問いかけると、「必ずしも沖縄の人だからと、琉球音楽を全員がやらなければいけないわけでもない。私は三線の音楽を平和の象徴だと考えている。次世代に受け継ぐために、少しでも皆さんの耳に残していきたい」と語ってくれた。

The post 平和の音色 三線を受け継ぐ「安冨祖流 人間国宝」照喜名朝一さん・照喜名朝國さん／沖縄県那覇市 first appeared on NIHONMONO.