日本有数の別荘地として知られる長野県軽井沢に「志音窯（しおんがま）」を構える田端志音さん。オリジナルの創作活動のほか、江戸時代の陶工として知られる尾形乾山（おがたけんざん）や、美食家で陶工として知られる北大路魯山人（きたおおじろさんじん）の写しにも精力的に取り組み、幅広い年齢層から人気を博している陶芸作家だ。器からこぼれる温かさや、やさしさ、器だけで絵になる魅力がどのようにして生まれるのか、その所以を知るため工房を訪ねた。

”好きなことを仕事に”の思いから古美術商へ

福岡県北九州市出身の田端さんは現在のご主人と出会い、兵庫県神戸に移住。その後、子育てのピークが落ち着いた30代後半の頃に生活費の足しにと、仕事を探していた。「どうせなら好きなことを仕事にしたい」と、かねてより興味を持っていた古美術商の仕事を探していたところ、趣味だった茶道関係の友人から、いくつかの古美術商を紹介してもらうことができた。ピークは過ぎたとは言え、子育て中ではあったため、子どもたちが学校へ行っている平日に働ければと考え、紹介してもらった中から“土日休み可能”などの条件でしぼっていったところ、唯一残ったのが江戸時代から続く大阪の茶道具商「谷松屋戸田商店」。日本一の古美術商とも言われる会社だが、その当時はそんなこともつゆ知らず。面接をしてもらえることとなり、そこからはトントン拍子に話が進み、面接をした翌日から勤務することとなった。

大恩人･日本料理の巨匠、湯木貞一さんから学んだ古美術品

その後、5年ほど勤めたのだが、その半分以上は日本料理「吉兆」の創業者･湯木貞一さんが美術館を立ち上げるため、蔵の整理の手伝いに派遣されていた。

田端さんは、その業務のなかで湯木さんから古美術品を収集した当時の話を聞いたり、実際に触れたり、その素晴らしさを知る機会に恵まれる。この経験こそ、ほぼ素人だった田端さんが作陶を志すようになった重要なターニングポイントのひとつだった。

些細なことから作陶の世界へ

こうして、本物の陶芸に触れながら、その知識を深めていった田端さんだったが、1987年、立ち上げに関わった「湯木美術館」がオープンすると、それまでの忙しい生活が嘘だったかのように手が空き、持て余す時間が多くなった。

ちょうどその頃、兵庫県西宮市と神戸市北区の県境にあるエリアに移住した。関わった一大プロジェクトが済んだことや、通勤に要する時間が長くなったことなど、いくつかの要因が重なり、田端さんは仕事を辞めることにした。

退職後、ぽっかり空いてしまった時間を埋めるように「自分でも、これまで見てきたものを作れないだろうか。例えば、「自分が作った器で趣味の茶事ができたら素敵だな」と考えはじめた田端さん。

作陶をはじめたきっかけは、そんな些細なことだった。

失敗ばかりの作陶活動

こうして始まった田端さんの作陶活動。しかし、古美術に携わっていた頃に蓄えた知識はあるものの、もちろん陶芸教室にも通ったことがなかったから基礎すら理解していない状態。とりあえず独学だけで焼いてみたが、失敗ばかりだった。

陶芸家･杉本貞光さんと出逢い、そして独自路線へ

そんなある日、京都･大徳寺の住職で、茶人としても有名な大亀老師（だいきろうし）から陶芸家の杉本貞光さんを紹介してもらった。

杉本さんは、「自分が使っているのと同じ窯を使ってみないか？ 同じ窯なら、わからないことがあっても教えやすい」と言って、自身が使用する窯と同型のものを使うことを提案してくれた。その後、杉本さんが陶芸家としての才能が広く認められ、想像できなかったほど忙しくなり、全く連絡の取れない状態になってしまった。

窯を購入した際も、窯の業者さんに焼き方くらいは教えてもらえるだろうと高を括っていたが「作り手によって焚き方も詰め方も違うから指導はできない」と言われてしまう始末。作陶の専門書を読んだところで大して参考にもならず、使用する釉薬（ゆうやく）も、ひとまず最高級品を用意してはみたが、窯の温度管理もよくわからないまま使用して表面に塗った釉薬がすべて流れてしまったり、作陶デビューはもう散々。 しかし、約150万円で購入した灯油式の窯だって決して安い買い物ではなかったし、何より茶道で使う器を作りたいという気持ちが強く、ちょっとくらいの失敗は学びと捉えて、技術のブラッシュアップに励んだ。

湯木さんや大亀老師に意見をもらいながら、とにかく焼いて、焼いて、独学で作陶を続けた。これこそ陶芸家･田端志音としての重要なもう一つのターニングポイントとなった。

納得できる尾形乾山の写しが作れるように

そのターニングポイントとは、湯木美術館立ち上げの際に幸運にも何度か手に取る機会のあった尾形乾山の作品。グラフィック的な要素の多い乾山作品は白化粧をして、そこに鬼板で絵や字を描くスタイルで、もともと字や絵付けに興味のあった田端さんは、自分に向いているのではないかと考えた。

それからは、ろくろで茶碗を引き、白化粧をし、絵を描いて、際限なく焼き続けた。ところが窯から出てきた作品は思っていたものとはかけ離れてたものだった。しかし、途中で投げ出さず、作っては焼き、使用する釉薬を変え、何度も試行錯誤を重ねた。その結果、少しずつ自身が納得する乾山の写しが作れるようになってきたのだった。

陶芸家としての「田端志音」に

田端さんは作陶をはじめてから毎年、湯木さんと大亀老師の誕生日に1年の中で一番出来が良かった自身の作品をプレゼントしていたのだが、ある年、大亀老師から「あんた、こんなのがいっぱいできるんやったら、三越か高島屋に言ったるよ」と提案があった。

しかし、当時は、その年のなかで最もよく出来たものをプレゼントしていたので、常に同じ品質のものを作れるとは思っていなかったし、ありがたいとは思いながらも、百貨店での展示会をお願いすることはなかった。そうこうするうちに大亀老師が「ここで展示会をやってみんか？」と顔なじみの名古屋のギャラリーを紹介してくれることに。そこで乾山写や琳派の作品がとても重宝され、展示会の回数も増え、地道に陶芸家としての「田端志音」の名前が徐々に認知されていった。

人の縁を大切にし、軽井沢に穴窯を築く

それからしばらくして、田端さんは創作の幅を広げるため、「伊賀信楽（いがしがらき）を焼くための穴窯を築きたい」と考えた。

しかし、穴窯を築ける窯業地（ようぎょうち）は山奥や人里から離れたところが多い。

人との縁で作陶の道に進んだ田端さんにとって、人とのつながりは、重要なファクター。どうせ開窯するのなら、知り合いも気軽に遊びに来ることができる場所が良いと考え、2004年、日本有数の別荘地として全国から多くの人が集まる長野県北佐久郡軽井沢町に穴窯を構えることにした。

そして、めぐり合ったのは約1500坪の山地。広大な斜面は手つかずで、土地の購入後は木を切り、道を作り、まるで開拓者のような生活を送りながら、少しずつ作陶の環境を整えていった。  

完成した穴窯で伊賀信楽を一度焼くには7日間、時間にして168時間ほどかかる。その間、常に薪をくべつづける必要もあるから、到底ひとりではできず、パートナーの協力を得て、ふたりで12時間ずつ交代で寝ながら、窯の火を絶やさないようにする重労働。労力に見合った収入も見込めない。 正直、わざわざこんな山奥に移住せず、神戸に住んで作陶を続けていれば、新しい窯を築かなくてもよかったわけだし、当時軌道に乗っていた乾山の写しだけやっていれば経済的にも体力的にも困ることはなかっただろう。

しかし、この地へ来て、山を拓き、土を起こし、穴窯を築き、この雄大な自然とともに生活しなければ、新たなステップアップはなかったと思っている。それに、この地での苦労を補って余りある、有難く素晴らしい出会いをもたらしてくれたことが何よりも大きいと話す。

人との縁に恵まれ、そして紡いでいく

そんな田端さんの作陶人生は、谷松屋戸田商店で働き始めた頃から、本当に人との縁に恵まれてきた。湯木さんや大亀老師、杉本さんなど、名だたる賢人たちから受けた恩は自身が陶芸家として羽ばたくのには、十分すぎるほど。

しかし、それは同時に田端さんにとって大きなプレッシャーでもあった。「私が下手なものを出したら応援してくれた人たちの顔に泥を塗ることになる。だから死に物狂いで頑張った」と話す田端さん。

その思いは技術や知識の向上にも直接結びつき、その結果、恩人たちの顔に泥を塗るどころか、それを誇らせるほどの秀作を世に送り出してきた。今では後進たちがそんな田端さんに憧れ、その背中は追いかけられる存在となっている。

大切に紡いできた人々との縁を今度は自分がつなげる番だと、日々手を抜かず、それでいていつも自然体の「田端志音」の作陶の世界は、人と人とのつながりが生み出す「やさしさ」と、好きなものを追い求め続ける「つよさ」で包まれている。  

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

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日本の新しい美術のあり方

岐阜県多治見市、青々とした木々が生茂る森の中に佇む、築120年を超える数寄屋風建築のギャラリー。それが「ギャルリ百草（ももぐさ）」だ。数寄屋造りとは、安土桃山時代に稀代の茶人・千利休が完成させた「わび茶」の思想を反映した建築様式。室町時代に流行した豪華な書院づくりに対し、質素で慎み深い精神性を表現したスタイルを指す。1998年にオープンした「ギャルリ百草」では、敷居をまたいだ先に、土間や床の間など日本人ならではの「わび・さび」を感じる空間に古道具から骨董、現代美術まで幅広いジャンルの作品が展示されている。そこには、生活空間の親しみやすさと前衛的なギャラリーの緊張感が合わさった唯一無二の空気が流れ、日本国内だけにとどまらず世界からも自然と人々が集まる。「西洋美術の価値観から離れて、美術と工芸の中間にある”間”をこの建物の中で見立てることで、日本人のアイデンティティを問うとともに新しい美術のあり方を提案したいと考えました」と陶芸作家であり、ギャラリストでもある廊主の安藤雅信さんは語る。
安藤さんのルーツはジャズドラマーを目指していた美大生時代。マイルス・デイビスやチャーリー・パーカー、セロニアス・モンク…幾多のジャズミュージシャンのレコードを貪るように聴き、ドラムを叩き、自分なりにジャズを表現しようとした。しかし、聴けば聴くほど、演奏すれば演奏するほど、彼らが生まれながら持つリズム感やグルーヴには達しえないことが見え、限界を感じた。

日常生活に溶け込む“器”の美

そこで、彼らでいうジャズが日本人の場合、何に当てはまるのか考えたところ、行き着いたのは焼物と茶道だった。現代の生活様式において茶の文化は一般的なものではなくなっているが、人をもてなすための空間のしつらえや茶のあり方は、ネイティブジャパニーズならではの表現ではないだろうか。また、「工芸」を下、「純粋美術」を頂点とする西洋美術的価値観ではなく、その中間にある「生活」とリンクするものが日本人にとっての美術ではないか。そうした考えを具現化したのが、安藤さんがつくる焼物であり「ギャルリ百草」そのものだった。そして、両者の共通点は、余白があり、使い勝手を使い手の創造力に委ねているところにある。
手仕事で生み出される安藤さんの器は、余分な装飾を省くことで、用途を限定せず、和洋問わず使える。それゆえ、使い手によって全く違う顔を見せることがある。観賞用の美術でも大量生産された工業品でもない、日常生活の中で使うほど気付きのある焼物こそ、日本人ならではの美術という安藤さんの見立てに多くの人が共感した。しかし、それは元来日本人が持っていた潜在的欲求でもある。海外や全国から多くの人が「ギャルリ百草」に足を運ぶのは、現代人が忘れかけている美意識を再起動してくれるからなのだろう。

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球体、集合体、水玉模様。

陶磁器の街・岐阜県恵那市に生まれ、美術学校の学生時代から一途に陶磁器による作品を作り続けてきたアーティスト、中島晴美さん。大阪美術学校のデザイン科に所属していたときに陶磁器の立体造形アートに触れ、そこから陶磁器一筋だという。
中島さんの作品は、一見「陶磁器」という言葉からは想像できない、ボコボコとした球体のようなフォルムを持ったものが多い。
そこに散りばめてある水玉模様が、体験したことのない異世界へと見るものを引きずり込む。

陶芸とは、有機的なもの。

拝見した作品が磁器だと聞いて、中田はしきりに「どうやってこの形にするんですか？」と質問する。本来、磁器はろくろなどで形を作るものだが、中島さんの作品はろくろで成形したようには見えない。その実、磁器の粘土にを手びねりで成形しているのというのだ。海外にも足を運び作陶を続けていくなかで、この方法に出会ったのだという。

この日拝見させていただいたのは、20代、30代に制作された作品もあった。
「陶芸とは、有機的なものです。」そう話す、中島さん。「有機」という言葉は、20代の頃から現在まで制作の根底にあるのだと話してくださった。

国内の美術館はもとより、アメリカを始め海外の美術館にもその作品が収蔵され、陶芸作家として世界的に注目を集めている中島さんだが、現在は愛知教育大学で教授を務め、多治見市意匠研究所で講師として教鞭をとるなど、後進の育成にも力を注いでいる。

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思わず目を奪われる漆の彫刻作品

漆塗りと人体を融合させた、独特のデザインが見るものの目と気持ちを奪う。
漆の持つ甘美な艶、人体を抽象的に表現したフォルム。その2つが融合し、ある作品は異空間にいるような不思議な気持ちに、またある作品は恐怖を抱かせ、そしてまたある作品は心を温かくさせる――。

一言で表現するのは難しいが、ずっと昔の記憶にあるような、しかしこんなものは初めて見たような、とにかく何か心に引っかかる作品。

金沢が生んだクリエイター

そんなオブジェを作っているのが、1981年生まれという若きクリエイター、青木千絵さん。金沢美術工芸大学に在学中に漆と出会い、その美しい艶に魅入られたという。その後、同大学院に進学し作品作りに没頭した。これまでに「ギャラリー手」で個展を開き、「TAMA VIVIANT」などの展覧会にも出展、絶賛を受けている。

青木さんは、2010年に金沢美術工芸大学大学院博士課程を修了し、現在はフリーで活動をしている。
今後、どのような作品が彼女の手から生まれてくるのか、そしてどのようにわたしたちの目と心を奪っていくのか、非常に楽しみだ。

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いつもの暮らしに輪島漆器 「輪島キリモト・桐本木工所」／石川県輪島市 – NIHONMONO 朴木地屋からはじまった もともとは江戸時代後期に輪島漆器の製造所として、スタートした工房。昭和初期に桐本久幸さ

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直島で行われるアートプロジェクト

瀬戸内海に浮かぶ小さな離島、直島では、ベネッセホールディングスと直島福武美術館財団によって、現代アートに関わるさまざまな活動が展開されている。
「家プロジェクト」もその一環。ほかに「地中美術館」や「ベネッセハウス」も運営されており（それぞれの詳細は各項目を参照）、それらを総称して「ベネッセアートサイト直島」という。
家プロジェクトとは、直島の本村地区を中心に展開されている常設アートプロジェクトのこと。

村の中の空家×アート

このプロジェクトを分かりやすくイメージしてもらうために、あなたが村の一員だったと仮定してみよう。ここには古くから住む人々ばかり。あなたも共同体のなかに溶け込んで暮らしている。ところが、村に空き家ができた。家プロジェクトは、そんな空き家になった民家をそのまま利用して、アーティストたちが作品をつくるという取り組み。
つまり、民家そのものがアート作品なのである。これまで長い時間かけて営まれてきた生活感、積み重なった時間や記憶、そんなものも作品のなかに取り込みながら、作品そのものが共同体の一員のように存在している。
空き家がアート作品になったからといって、あなたの生活は変わらない。とはいっても、観光客が来て道を尋ねられれば答えるし、作品の管理を手伝ったりもする。そう、ここでは生活のなかに恒常的にアートが維持されているのである。

直島の町並みとアート作品が共存する

だから、家プロジェクトの作品名は「角屋」「南寺」「護王神社」「碁会所」「はいしゃ」など、地図に載っているような名前ばかりだ。200年ほど前に建てられた建物を漆喰や本瓦を使って復元した作品（「角屋」）や、歯科医院兼住居だった建物に彫刻的なスタイルや絵画的なスタイルを盛り込んだ作品（「はいしゃ」）もあれば、江戸時代から地元で祀られている神社は、改築のタイミングにあわせて本殿にあがる階段をガラス製にし、そこから地下室に光が流れるように設計された（「護王神社」）。どの作品も伝統のなかに斬新さが散りばめられていて圧倒される。
外観は古い民家のままに見える作品も多く、街の景観と一体化していて、ちょっと見ただけでは古い街並みそのもの。
しかし、一歩作品のなかに入れば、そこには思いもよらない世界が待っている。そのギャップがまた斬新なのだ。

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芸術に触れる瀬戸内海の直島「地中美術館」／香川県直島町 – NIHONMONO 直島の丘に造られた美術館 瀬戸内海に浮かぶ直島の南側、ベネッセハウスの向かいに「地中美術館」はある。地中美術館

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直島の中核 美術館とホテルの融合

ベネッセハウス、地中美術館、家プロジェクトなど、アートの要素がぎっしり詰まった瀬戸内の小さな島、直島。その中核を成すのが、美術館とホテルの要素を兼ね備えた「ベネッセハウス」だ。
美術館には、現代アートを中心に約350点がコレクションされ、屋外にも直島の自然からインスピレーションを得た作品が随所に設置されている。それらの作品は、直島とベネッセハウスに存在するためにつくられた「サイトスペシフィック・ワーク」。作品、直島の自然、そして安藤忠雄氏による建築と渾然一体となって、見る人々を魅了している。

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小豆島の“ひしお”のもてなし古民家「島宿真里」／香川県小豆島町 – NIHONMONO 西日本トップの温泉宿「島宿真里」 「島宿真里」は懐かしいような心がときめくような、そんな旅情をかき立ててくれる

ベネッセハウスでアートを身近に

ホテル棟のほうは、全部で4つに分かれている。美術館のなかに設けられた「ミュージアム」、モノレールで丘を登った「オーバル」、レストランやスパなどの施設が併設され、宿泊者専用エリアの各所にアートスペースが設けられた「パーク」、波打ち際からわずか数歩という「ビーチ」の4棟だ。すべての建築が安藤忠雄氏の手によるという、建物自体がアートなホテルである。
随所にアートスペースが設置されたベネッセハウスでは、どのホテル棟でもアートを身近に感じながら時間を過ごすことができるが、それに加えて各部屋にもそれぞれ作品が展示されているという贅沢さ。ここでは、朝に夕に移ろい行く作品の表情までを存分に堪能できる。
これだけアートと密接に過ごせるホテルは非常に珍しい。直島にお越しの際には、美術館めぐりだけでなく、ホテルでもアート三昧にどっぷり浸ってみてはいかが？

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直島の空き家がアートになった「家プロジェクト」／香川県直島町 – NIHONMONO 直島で行われるアートプロジェクト 瀬戸内海に浮かぶ小さな離島、直島では、ベネッセホールディングスと直島福武美術

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