吹きガラスの味のある美しさに魅了され、伝統の技法で毎日の食卓にのぼる器を作るガラス作家・三浦侑子さん。使い勝手を考えた器は手にすると安定感があり、食卓で凛とした佇まいを見せる。和食や洋食といった料理のジャンルや場面にかかわらず、“日々使える器”をコンセプトに、暮らしに溶け込むガラス作品を作っている。

自然豊かな岡山県北の地に移住

吹きガラスの作家、三浦侑子さんの工房『Bamboo Glass』は、岡山県苫田郡（とまだぐん）鏡野町の静かな山間の地にある。岡山市内からクルマで約1時間半、鳥取県境まで15分ほどの距離。近くには岡山県美作地方を代表する奥津温泉や名勝地の奥津渓があり、四季を通じて豊かな自然に恵まれるエリアだ。三浦さんはこの地で2014年、工房を始動させた。

毎日の食卓にのぼる器を制作

三浦さんが作る器は、無色クリアや淡いグレーのかかったコップやワイングラス、お皿、ボウルなど。「吹きガラスは2000年以上の歴史がある技法です。私は昔の人が使っていた器のフォルムにとても惹かれるので、その歴史をしっかりと勉強して、現代の人にとっての使いやすさを考えながら自分らしいデザインに挑戦しています」

大学在学中、吹きガラスと出合う

三浦さんは大阪府生まれ。京都造形芸術大学在学中に陶芸や木工など様々な工芸にふれ、そのなかでもっとも惹かれたのがガラス工芸だった。さらに追求したくなり、京都市にあった工房「Glass Studio Aaty」の教室で吹きガラスの経験を積み重ねた。数あるガラス成形の技法から「吹きガラス」を選んだのは、じっとしているのが得意ではないから、と笑う。

だからこそ、体を動かしながら作る吹きガラスは性に合ったのだろう。実際にやってみると、そればかりでなく溶けたガラスの動きが面白く「吹きガラスについてもっと知りたい」「やわらかい状態のガラスを扱いたい」と考えるようになっていった。

吹きガラスは、高温溶融したガラスを「吹き竿」となる鉄管に巻き取り、空気を吹き込んで風船のように膨らませて成形する。型にはめ込んで成形するよりも薄いガラスを作ることが可能で、その技法は古代ローマ時代からほとんど変わっていないといわれる。

ガラスを仕事にするために勉強を続けようと、大学卒業後は富山ガラス造形研究所造形科に進んだ。2年間、ガラスの基礎となる理論、技法や必要なデッサンから、作家として独立するノウハウまで学んだのち、静岡県の『磐田市新造形創造館』でガラス工房のスタッフとして5年間勤務。同じスタッフとして働いていた夫の和さんが岡山県苫田郡鏡野町の『妖精の森ガラス美術館』に就職したことを機に、この地に移り住んだ。

同じことを繰り返しても、同じものはできない

現在は住まいの一角に工房を構え、ひとりで制作している。工房には作る器のサイズに合わせて自作した2つの炉が並ぶ。作業用の炉の温度は約1000℃。ガラスを溶かして貯めておく炉の作業中の温度は約1180℃。こちらはガラスの気泡などを除去するため24時間稼働させ、翌朝すぐに作業できる状態にしている。ふたつの炉が発する熱に包まれながら、コップであれば朝から晩まで20〜30個を作り続ける。「同じことをひたすら毎日、繰り返しても飽きない。それが不思議です。同じものを作っているつもりなのに出来上がったものは一つひとつがどこか違う。だからでしょうか」

古いガラスを見て学び、自身の創作では洗いやすい形状や簡単には割れない厚みなどを工夫して現在のスタイルにたどり着いた。色合いは汚れのつきにくい無色クリアが中心で、ほかに古いグラスの持つ雰囲気を出そうと、ガラスに鉄や銅を微量、混ぜ合わせてグレーがかった色味の器も作っている。いずれも食卓で主張せず、馴染みやすい色合いだ。

好きなグラスのひとつに、20世紀のフランスの大衆食堂で使われていた脚付きのグラスがある。いわゆる「ビストログラス」と呼ばれるもので、ある程度大雑把に扱える丈夫なグラスだ。「このグラスのように手に取りやすく、素朴な日常性のあるものを作りたい」と話す。

創作を始めた当初は自分の作品を知ってもらうため、全国のクラフトフェアに出展した。長野県松本市の「クラフトフェアまつもと」や、静岡県静岡市の「ARTS&CRAFT　静岡手創り市」、岡山県倉敷市の「フィールドオブクラフト倉敷」などでお客さんと話をして自分の作る器への反応を知った。陶磁器と並んでも干渉せず、洋食にも和食にも使えるガラス器は意外と少ないことを知り、「食卓に馴染むガラス」というテーマが確固としたものとなった。口コミで取引先は徐々に増えていった。

仕事と暮らしがつながる環境

三浦さんは、古書市などで集めた古いガラス器に関する書物を夜な夜な眺め、制作のモチベーションにしている。「例えば16世紀のベネチアングラスなど、写真であってもずっと見ていると当時の職人が頑張って作ってきたんだなって感動するんです。道具の跡など作業の痕跡を見つけたりしながら、どんなふうに作っていたかを自分なりに考えてみるのが楽しくて」

山のふもとで気兼ねなく、のびのびと仕事ができる現在の環境は、仕事と日常がうまくつながっているという。例えば朝、家の周囲の落ち葉を掃き集めることも仕事に向かうまでの大切なリフレッシュ法のひとつ。自然を感じながらさっぱりとした気分で工房に入ることができる。「これから先も今の生活を続けたいです。機織りをして生活をつないできた女性のように、山の中でコツコツと毎日、作っているイメージなんです。仕事は生活の一部ですから」と笑う。

最近になって7月半ばから8月の気温の高い時期は炉の火を落とし、今までは持てなかった自由な時間を使って博物館でガラス器を見たり、ガラスの資料を集める時間にあてたいと考えている。資料を見ているだけではわからないこともあるはずと考える。

この地に移住して以降は子育てに専念し、アルバイトをしていた時期があった。それでも頭のどこかでいつも「また吹きガラスの制作をやる」と考えていた。自身の創作意欲を疑ったことがない点に三浦さんの強さが現れる。日々の生活からインスピレーションを見つけ出し、創作に向かえることが三浦さんにとって何よりの喜びなのだ。

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東京で会社勤めをしていた吉田全作さんは1984年、チーズを作るため岡山県の吉備高原で酪農を始めた。健康な牛を育て、その乳から作るカマンベールやリコッタ、カチョカバロなどのチーズは有名レストランのシェフから評価を受け、全国へ広まっていった。

「牛飼い」としてチーズ作りを始める

吉田牧場は岡山空港に近い岡山県中央部の吉備高原にあり、岡山市内からはクルマで約1時間の距離だ。標高約370メートルの起伏に富んだ土地にある牧場には約60頭のブラウンスイス牛が放牧され敷地内にチーズ工房を設けている。自分たちの家畜の乳だけを使ってチーズを作る「フェルミエチーズ」の日本での先駆的存在だ。

1984年、この地で『吉田牧場』をスタートさせた吉田全作さんは1955年、岡山市で生まれた。北海道大学農学部を卒業し東京で約５年間会社勤めをした後、ものづくりがしたいという思いから好きだったチーズ作りに取りかかった。チーズ作りは牛を飼うことだと心得ていた吉田さんは最初の半年は酪農の研修をし、現在の場所で牧場を開いて3年経った頃にチーズ作りを始めた。

ブラウンスイス牛の乳からチーズを製造

「牛飼いについてまったくの素人だった両親がふたりだけで365日休みなく牛の世話をして、安定してきたと思えたのが5年経った頃だそうです。考えようによってはたった5年で酪農のノウハウを掴んで、そこからチーズ作りを始められたことはすごいと思います」。こう語るのは吉田全作さんの息子、吉田原野さんだ。現在の吉田牧場の担い手である。

ヨーロッパの農家はそれぞれの地域の気候風土にあった家畜を飼い、その乳から作るチーズが地域ごとの名産となっている。例えばゴーダチーズは、オランダの平地にぴったりの体が大きくずんぐりとしたホルスタイン牛の乳から作られ、ゴーダという町を代表する加工品となった。世界三大ブルーチーズのひとつ「ロックフォール」は南フランスの石灰岩地帯にあるロックフォール・スール・スールゾン村の冷涼な山地で飼育されるヒツジの乳を村内の巨大な洞窟で熟成して作られている。また北イタリアの山岳部では、崖を登り下りできるヤギを飼育し、その乳から作られる「カプリーノ」が有名。

吉備高原に合うとして吉田さんが選んだのはスイス原産のブラウンスイス牛だ。山地を上り下りするのに適した牛で、チーズ作りに必要な固形分であるカゼインなどタンパク質が製造過程を経ても残る「歩留まり（ぶどまり）」がいい乳質を持つ。吉田牧場で毎日搾乳するのは現在約30頭で、1日に550〜600リットルを機械で搾乳する。ホルスタイン牛に比べると乳量としてはかなり少ないが、家族で無理をせずに世話ができる頭数におさめている。

乳質がチーズに与える影響は9割

チーズの出来を左右するのは約9割が生乳の質で、人間が補うことができるのは1割程度だという。「平均値には持っていけるかもしれませんが、生乳がよくなければ決して満足できるものには持っていけないんです」と原野さん。

干し草など牛が食べるものと飼育環境に最大限の注意を払って健康管理を行う。放牧中の牛は外の草を食べるが、ほかに「チモシー」という競走馬に与えるような最上級の干し草をじゅうぶんに与えられる。これはパリッと乾燥した干し草で香りもよいうえに含有タンパク量や繊維の質がよく、体内で分解しやすいため牛のお腹にストレスをかけない。水は１頭につき1日100リットル以上与えている。こうした環境で外を歩き回る牛は足腰が鍛えられるので、お産のときも人の手を借りることなく自然分娩で生んでくれるという。チーズ作りで何より重要なことは牛を健康に飼育することだと考える原野さんは自分たちのことを「牛飼い」と呼ぶ。

原野さんは牛の世話から１日も離れない両親を見て育った。それでも吉田牧場の仕事を継ごうと思ったのは「両親が毎日楽しそうだったんです。良いお客さんに恵まれていつも賑やかだったし、まったくつらそうじゃなかった。実際に仕事を一緒にやるようになってから牛飼いの大変さがわかりました」。

イタリア大使館のピンナ氏からチーズ作りを教わる

父の吉田全作さんがチーズ作りを始めた当初、吉田牧場のように酪農とチーズ製造を一緒に行う小規模農場は北海道に1軒、長野に1軒程度だった。一般的にチーズといえば大手乳業メーカーのプロセスチーズで、そんな時代に全作さんはカマンベール、ラクレット、フレッシュの3種類のチーズを作り始めた。

あるとき吉田牧場のカマンベールチーズが、イタリア大使館の参事官だったサルバトーレ・ピンナ氏によって見出される。東京のパン店で購入したチーズに感動し「こんなチーズを作る日本人がいるのか。彼にもっとチーズを作ってもらいたい」と熱い思いを抱く。ピンナ氏は過去にイタリア外務・国際協力省に勤務し、農業の開発協力など対外援助に携わっていた。チーズ好きで世界中どの赴任先でもおいしいチーズを作れる人物を探すほどチーズへのこだわりは強い。そこでさっそく吉田牧場に連絡を取った。

1990年、ピンナ氏は吉田牧場を訪れ、全作さんに数日間つきっきりでカチョカバロ、モッツァレラ、リコッタチーズの作り方を教えた。全作さんは教わったとおりに励み、出来上がったチーズを大使館に送るとピンナ氏から「合格」という返事が返ってきた。その後、東京・赤坂のイタリア料理店『グラナータ』の初代料理長で現在は『ラ・ベットラ・ダ・オチアイ』のオーナーシェフを務める落合務氏が吉田牧場のモッツァレラチーズに惚れ込み、取り扱いを始めたことで、ほかのレストランにも広まっていった。チーズ作りを始めた初期段階でレストランのシェフから支持されたことは大きかった。その後レストランで吉田牧場のチーズを知った人が直接注文してくれるようになった。

この土地だからできる味わいを表現する

現在、吉田牧場が製造するチーズはカチョカバロ、ラクレット、パルミジャーノタイプの「コダカ」、コンテタイプの「マジヤクリ」、カマンベール、モッツァレラ、イタリアンリコッタなど約10種類。チーズはナチュラルチーズとプロセスチーズに分けられる。ナチュラルチーズを加熱して色々と添加して作るプロセスチーズは乳酸菌が死滅し保存中に熟成が進むことはないため、最初に味を決めて作り上げる。吉田牧場のチーズは全てナチュラルチーズで、乳酸菌などの微生物の働きで生乳を固めて発酵・熟成させるため時間の経過とともに味が変わっていく。「食べる方にとってもその変化は楽しいんじゃないかと思います」と原野さん。

家畜がいて鍋と火と塩があればチーズを作ることができる。そのなかでチーズの味を決める大きな要素が乳酸菌だ。吉田牧場では自前で乳酸菌を起こして受け継ぎながらずっと使っている。乳酸菌は自然界に存在しているため、牛乳を20度程度の気温の外に置いておくと菌がやって来て繁殖してヨーグルト状になる。こうして作り受け継いできた乳酸菌にうまく働いてもらうためチーズを仕込む際のホエイが抜けていく速度や温度、水分量を調整する。これは歯ごたえにもつながる。

乳質は毎日変わり、チーズは保存中の気温や湿度、環境によって発酵、熟成が変わる。「自分のコントロールが効かない部分、効かせたくても効かせられない部分に新しい発見があって面白いです」と原野さんは語る。

吉田牧場のチーズ熟成庫は斜面を切り取った半地下のような構造物だ。パルミジャーノタイプと「マジャクリ」というハード系の2種類をここで熟成させる。若いチーズは白く、塩水につけたタオルを絞って自然に生えるカビを拭き取り、裏返す作業を毎日繰り返すうちに表面に硬い皮ができる。こうなればカビは内部に入ることはなく、内部で熟成が進む。チロシンというアミノ酸が増加する過程で、グルタミン酸などのうまみ成分も増える。このようにして2〜3年間熟成庫に寝かせたのちに出荷する。

楽しみながらチャレンジを積み重ねる

吉田牧場の設立から40周年を迎えた年、チーズの熟成を抑えながら保存する貯蔵室と販売所と多目的スペースを兼ねた建物が完成した。自然素材を多用し、経年美を尊重する建築家・中村好文氏の設計で、印象的なのは吉田牧場のブラウンスイス牛のフンを使用し、作られた外壁だ。藁のブロックを積み重ね、土などで固めるストローベイルハウスのような造りだ。多目的スペースの楽しさの「ファン」と「フン」と掛けて「FUN」と名付けている。

牧場を運営するうえで避けて通れない、搾乳できない牛の命にも向き合っている。オスの仔牛のほとんどは山口県美祢市の『梶岡牧場』に託す。牛の飼料の製造から繁殖、肥育、育てた牛を食として提供するレストラン経営までを一気通貫のスタイルで行う牧場だ。また仔牛を産めなくなった母牛は滋賀県草津市の精肉店『サカエヤ』に任せる。全国10箇所の牧場の生産者とつながり、どのような飼料でどのように飼育されたか把握したうえで最適な方法で処理することができ、全国の名だたるレストランの料理人が研修に訪れる。吉田さんが絶大な信頼を置く2社だ。牛の皮は『サカエヤ』から神戸に拠点を置くオーダーメイドのレザーバッグのブランド『cornelian taurus by daisuke iwanaga』に納品されている。「命の最後を信頼できる人に任せられるから、心置きなく育てることができる」。

吉田原野さんはこう語る。「これ以上たくさん作って売ることは考えていないんです。重心を置いているのは、自分たち家族が楽しみながら続けられるかどうか。酪農とチーズ作りは毎日やることが一緒だから、それをちゃんと続けられるかどうかが今後をもっと良くできるか、ダメになるかの分かれ道だと思うんです。続けていくなかで見つかったチャレンジは小さなことでも積み重ねて、それでようやく行くべき道筋が見えてくるということだと思います」

チーズ作りを息子に引き継いだ父・吉田全作さんは現在、畑で麦を栽培して趣味としてパン作りに挑戦している。家族が毎日の積み重ねを楽しみ、発見を繰り返しながら理想を追うのが吉田牧場のスタイルだ。

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「マスカット･オブ･アレキサンドリア」や「ピオーネ」をはじめ生食用ブドウの産地である岡山県。県の北西部に位置する新見市（にいみし）も、古くからブドウ栽培が盛んなエリアであった。その地で、生食用ではなく、ワイン用ブドウの栽培にいち早く着手し、ワイン醸造を手がける「domaine tetta」。代表の高橋竜太さんに話を聞いた。

異業種からワインの道へ

新見市で生まれ育ち、家業である建設業を営んでいた、高橋竜太さん。

転機となったのは2005年、新見市哲多地区で耕作放棄地となったかつてのブドウ畑を目にしたことだった。その土地の前の生産者は、真面目なスタッフとともに、堅実にブドウ栽培に取り組み、とてもおいしいブドウを作っていた。「それなのに、なぜこうなってしまったのか。よいブドウが育つ畑なのにもったいない…」。

地元の美しい景色として慣れ親しんできたブドウ畑が荒れ果ててしまったことを憂う思い、そしておいしいブドウを育むこの土地を地元の資源としてもう一度生かしたいとの願いから、高橋さんの新たな挑戦がスタートした。土地について調べるなかで、足元に広がるのがフランスのワイン銘醸地であるシャンパーニュ地方やシャブリ地方と同じ、ワイン造りに適した石灰岩土壌であることを知る。「ワイン用のブドウ栽培であれば、地域の資源であるこの土地を生かした再生がかなうはずだ」と、2009年、耕作放棄地再生を目的に「tetta株式会社」を設立。思いをともにする仲間を得て、2010年にはワイン用ブドウの栽培に着手した。

ブドウ栽培はもちろん、農業の経験もゼロ。ワインについての知識もゼロ。「まったくのど素人。無謀でしたよね、今考えると」と、笑いながら当時を振り返る。

創業から数年は、ブドウ栽培のみを手がけ、醸造は山梨県のワイナリーへ委託。夕方まで収穫したブドウをトラックに積み、高橋さん自らが夜通し運転してワイナリーへ持ち込んでいたという。

そうして出来上がったワインには、この土地を預かるという思いから地名である「哲多」＝「tetta」と名付けた。

人々が訪れたくなるワイナリーを

2016年には自社醸造をスタート。創業当初からの念願であった、ブドウ栽培から醸造、瓶詰めまでを自社で行なうドメーヌ化を果たす。

ワイナリーを造るにあたって高橋さんが胸に抱いたのは「ワインを生み出す環境や造り手も見てほしい。そのためには、人が足を運びたくなるような建物でなければ」という強い想い。

この想いで誕生したのが、ブドウ畑が広がる山の中に突如現れる、コンクリートのスタイリッシュなワイナリー「domaine tetta」だ。

「ここでワインが生まれる」ことを実感できる場所に

ワインの試飲＆販売を行うカフェからは、ガラス越しに醸造場を、テラスに出ればブドウ畑を一望できる。ここでワインが生まれているということを実感できる場所となっている。

ワイナリーのオープン日のことを、高橋さんはこう振り返る。「山のふもとの集落に住むおじいちゃんが、坂道を歩いてワインを買いに来てくれて。地元の人に地元で作ったワインを飲んでもらえることが、本当にうれしかった。やっとここまできた」と。

現在は、国内外からこのワイナリーを目指して、ワイン好きはもちろんのこと、ワインを勉強したいという若者も多く訪れるようになった。

ブドウの力でワインに仕上げていく。

晴天率が高いことから、「晴れの国おかやま」と呼ばれる岡山県。十分な日照時間があるだけではなく、新見市は400mと標高が高く、気温の寒暖差も大きいため、甘みや色づきがよくなるなど、ブドウ栽培に適した条件がそろっている。

加えて、「domaine tetta」では、ブドウ棚の上にビニールカバーを施し、ブドウが直接雨に当たらないようにレインカットした栽培方法により、雨から守ることでなるべく病気を減らし、農薬も減らすよう努力している。そうして、ゆっくりブドウの熟度を上げていく。

ワイン醸造においては、野生酵母を用い、補糖･補酸はしない。酸化防止剤の添加も必要なときに最小限だけ。人工的なものを入れず、「ブドウの力でワインに仕上げていく」ことが、ワイン造りのコンセプトだ。

目指すのは、哲多ならではの味

次なるステップは、「tetta」＝「哲多」というこの土地を、ワインでどう表現していくか。土地の利点を生かして日本ならではの品種を栽培し、「哲多」ならではの味わいのワインを作っていきたいと考えている。

ブドウについては、生食用や試験栽培も含め、現在22品種を栽培。代表的な品種は、シャルドネとピノノワール。近年は、ブドウの木が年数を経てきたことに伴い、この土地が持つミネラル感が出てきたと感じるまでに。珍しいところでいえば、生食用の赤ブドウ･安芸クイーンを用いたワインも。トロピカルな味わいで、海外の人からの支持も高いという。

2021年からは、酒類の研究･調査などを行う独立行政法人「酒類総合研究所」と協力して、tettaの栽培醸造の工程内での研究も行ない、酵母がワインにもたらす作用についても知見を深めている。

ドメーヌ化して、9シーズン。やっとここ数年で、「この品種は勝負できる」という手ごたえを得て、品種を絞りこんでいこうとしているところだ。

もう二度とブドウ畑を耕作放棄地に戻さないために

耕作放棄地を再生したい、という思いからスタートした、「domaine tetta」。

創業から約15年。高橋さんは自身の経験から、ワインは単なる飲み物ではなく、さまざまな縁をつなぐツールであることを実感している。そして世界へつながるポテンシャルを秘めていることも。現に「tetta」のワインは、現在、北米やヨーロッパでも流通している。さらに「domaine tetta」に続くように、新見市内には2社のワイナリーが誕生している。

そんな現状を踏まえ今後の展望について尋ねると、「一番の目標は、この地でブドウを栽培し続け、ワインを造り続けること」と、実にシンプルな答えが返ってきた。それにより、地元に雇用を生み出し、この事業を次の世代へとつないでいくことこそ大切だと考えている。この事業の根幹が「耕作放棄地の再生」であることからいっさいぶれない。そのうえで、ブドウが持つ力を引き出し、テロワールが感じられるワインを生み出していく。終わりのない「domaine tetta」の挑戦は続く。

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父が始めた溶接工場を原点とする「KITAWORKS」の木多隆志さん。鉄やステンレス、銅、真鍮などの金属と木材を組み合わせて作り出す家具は「ミニマリズムが自分の根底にあり、それが反映されている」と語る。数々の空間デザイナーを惹きつけるデザイン、繊細な加工技術はどのように生まれてきたのだろう。

注目を集めるプロダクト

１枚のステンレスのパンチング板を曲げて座面と背面に造形したイス、極限まで薄くしたスチールのフレームに木材の天板をのせたテーブル、真鍮のフレームのキャビネットなど、「KITAWORKS」がデザイン、製造する店舗の什器や住宅用家具、インテリアは、デザインはもとより、細部にまで突き詰めた加工が施されている。これらはソニア･パークがクリエイティブ･ディレクターを務める「ARTS & SCIENCE」の京都の直営店や、「暮らすように過ごせる」をコンセプトにホテル、カフェ、バー、ダイニング、ショップを併設した「LOG」、東京･恵比寿ガーデンプレイスの『VERVE COFFEE ROASTERS』等で導入され、インテリアメーカー『AXCIS』とは照明器具などのプロダクトを共同で製作している。

原点は父が創業した鉄工所

「KITAWORKS」のある津山市は岡山県北東部に位置する岡山第3の都市。古くから交通の拠点だった地域で、戦国時代に津山城が築かれて以降、周辺地域の中心的機能を果たし、城下町の風情が今も色濃く残っている。

「KITAWORKS」の原点は、木多隆志さんの父が1978年に創業した鉄工所だ。父の時代には、地元にあったグローバル企業の工場の機械設備製造を請け負い、隆志さんは21歳のときから働いていた。30歳のとき、自宅を建てることになり、新しい家に合った家具や建具を自分でつくろうと木工を独学することにした。鉄工所でつくるフレームと木材を組み合わせたものをいくつか作ると、それを見た友人から作って欲しい、と言われるようになった。折しも機械設備の受注製造が減っていた時期で、仕事になるなら、と本格的に取り組むことを決めた。

機能性と見た目の折り合いを探す

機械設備の製造から、家具やインテリア製造へと方向転換をする際、ポイントとなったのはプロダクトとしての機能と見た目の折り合いだった。たとえば工場に納入するイスは、不具合のない丈夫なものが求められる。しかし生活の中で使うイスは、機能を保ちながら同時にスタイリッシュでありたい。その折り合いを模索することから「KITAWORKS」のスタイル形成は始まった。

根底にあるミニマリズム

木多さんが新しく家具のデザインを考える時はフォルムから考えることが多い。そのフォルムを実現する構造の強度の保ち方に「KITAWORKS」らしさが現れる。鉄のフレームにガラス板をはめ込んだキャビネットを例に挙げると、ガラスをはめ込むための細いフレームに「受け」となる部分を作る。鉄に溝を作り、ガラスの四辺を固定ゴムに包んではめ込むが、厚みが約2cmの鉄に溝を掘るとこと自体が技術的に非常に難しい。しかし木多さんはそこを軽々とクリアして、さらに全体の見た目をすっきりさせるため固定ゴムを外側から見えないよう、隠してしまう。より深い溝を掘って、ガラスを深くはめ込めばそれが叶う。

この作業は、「無駄な線や厚みを消してしまうイメージ」だと言う。キャビネットを作り始めた頃、ガラス業者からどこまで加工できるかアドバイスをもらい実現させた細部の仕上げだ。思いついたフォルムは現実の形にしたい。だから一度作って、足りない部分があれば修正し、補強する。ちょっとした装飾や、ラインの美しい角度を探すことはプロセスのひとつであり、「突き詰めればミニマムになってくるという感覚が直感的にあります。ミニマリズムが自分の根底にあって、それが作るものに反映されていると思います」と語る。

この工場でできることがオリジナリティ

2009年に「KITAWORKS」をスタートさせ、岡山県倉敷市で毎年５月、全国からクラフト作家が集まる「フィールドオブクラフト倉敷」というイベントへの出展を通じて、認知が広まった。「こういうもの、作れますか？」という具体的なオーダーが多く、一度注文した人が知り合いに紹介して口コミで広がり、広島や東京から注文が来るようになった。

現在、よく使っている材料は鉄で、ほかにステンレス、アルミ、真鍮などをオーク材と組み合わせることが多い。鉄にペイントをして仕上げた家具も特徴的で、大量生産に対して、手間暇を掛けて少量生産でも良いものに仕上げることを意識した“スローデザイン”の模範として国際的に高く評価されている「スタジオ・ムンバイ」が手がけた尾道市の「LOG」のバーに納めたテーブルには、初めて漆を塗った。天板は木材で脚は鉄だが、全体に重ね塗りして漆がきちんと乗るともとの素材も違いもわからなくなり、1960年代初頭のアパートメントから創造した空間のなかで正体不明の渋い味わいを見せる。

家具を作るようになって、世界の家具や建築を見るようになり、デンマークのハンス･ウェグナーのYチェアなど名作といわれる家具も実際に使ってみた。好きなヴィンテージ家具も増えていった。それでも「こういうものが面白いんじゃないか」と作り進めていくという点でデザインソースは自分のなかにある。「僕が住んでいるのは岡山県北部の山寄りの場所ですが、そこで感じている自然なんかを突き詰めればミニマルになって、それが家具にも反映されているのかなと思います。この工場で出来ることは限られています。でも逆にそれが個性になっているのかもしれませんね」と語る。

「LOG」のテーブル制作をきっかけに「KITAWORKS」の名前は世界に広がった。国内だけでなく海外からのオーダーもあり、現在は受注制作と自主制作が半々の割合だ。思いついたアイデアは工場ですぐに試行錯誤できることが強みで、時には遊び心のまま照明器具やキャンドルホルダーやトイレットペーパーホルダーなどを作り、機能と装飾とオブジェクト感の折り合いを模索する。

「KITAWORKS」のものづくりにはミニマリズムを軸に「見てかっこいいものを作る」という造形へのこだわりと、父の鉄工所をルーツとした機能性への追求が共存している。素材の特性を生かし組み合わせる感性と細部の陰影にいたるまで計算した加工技術を育むプロセスで唯一無二のスタイルを確立したことにより、今や世界から注目を集める工房となっている。

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北川弘繪（きたがわひろえ）さんは、糸紡ぎから糸染め、絣括りや紋織の構成、機（はた）織りまですべての工程をひとりで行う、手紡木綿（てつむぎもめん）の数少ない作り手のひとり。北川さんが作る精巧な文様の帯や着物は、日本の伝統に則りながらも、伝統だけに留まらない発想が息づいている。

木綿糸を手紡ぎし、織る手紡木綿

手紡木綿とは、木綿から糸車を使って糸を紡ぎ、その糸を植物等で染色し、手織り機で布地を織ること。岡山県倉敷市の自宅兼工房で手紡木綿の制作をする北川弘繪さんは、手紡木綿で女性ものの帯や着物を織り始めて数十年が経つ。北川さんが手掛ける織物にはファンが多く、問屋に卸せば、すぐに完売してしまうほどだという。彼女の作品は、それほどまでに魅力的であり、需要が高いということだろう。

出雲織との出合い

　手紡木綿を始めるずっと以前から、北川さんは「もの作り」への情熱があった。　趣味で日本画や水彩画、銅版画に親しんでいたが、ある時、知人の勧めで自身の作品を展示会に出展。しかし、いざ自分の作品が他人の目にさらされた途端、裸で壁に吊るされているような恥ずかしさを覚えてしまったという。

「何か表現できることを求めていましたが、『自分』が出ているのを感じた途端、嫌になっていました」と振り返る。

　あるとき書店に立ち寄り、染織に関する業界雑誌を何気なく手にとったところ、出雲織作家の青戸柚美江（あおとゆみえ）さんの工房が研修生を募集していることを知った。出雲織について詳しくは知らなかったが、ひらめくものがあり、すぐに連絡を取って入門が許された。42歳のときだった。

自我が現れない創作

出雲織は、野良着として使われていた綿絣が元にある。普段着として丈夫なもので、青戸さんの工房のある島根県安来市では、江戸時代から農家の女性が農作業の傍らで木綿から糸を紡ぎ、天然藍で糸を染めて織っていた。こうした昔ながらの絣に近代的な模様をもたらし、「出雲織」として確立させたのが青戸さんだ。北川さんは青戸さんのもとで糸紡ぎから始めて、昔ながらの模様織りを2年間学んだ。

　「表現できること」を求めながら、作ったものに自我が出てしまうことを嫌悪した北川さんだったが、織りものをしている間は、その感覚に悩まされることはなかった。「仕上がりを見たとき、自分らしいものだと思うけれど、『自分』が具体的にあらわれてはいないんです。それは『織り』というルールのなかで創作しているからでしょうね。性に合ったんだと思います」と語る。

17〜18世紀のアメリカの織物を参考に

出雲織を学んで倉敷に戻ると、青戸さんの紹介で問屋から帯の制作依頼が来るようになった。始めは昔ながらの模様を織っていたが、物足りなさを感じることがあった。そんなときに見つけたのが、17〜18世紀の開拓期にあったアメリカで流行した織物の図案をまとめた本。ベッドカバーや寒さをしのぐための壁掛け、床に敷くラグとして使われていた織物が紹介され、その素朴で自由な模様と色使いに惹かれた。図案をひとりで読み解き、インスパイアされたものを織っていくうち、面白くてたまらなくなった。この気持ちが今も継続し、北川さんの創作のなかで遠い国の柄が日本の伝統と融合している。

織りたいものに合わせて糸を紡ぐ

創作は、木綿から糸を紡ぐことから始まる。緯糸（よこいと）となる糸を大量に紡いで染めておき、織り始める段階で使うものを選ぶ。木綿は日本の地綿（じわた）を含め、インド綿、アメリカ産の綿、メキシコ綿などを使い分けている。産地によって木綿の性質は大きく異なり、着物に適しているのは繊維が細く、長い糸が紡げるエジプト綿。それぞれの特性に馴染みながら紡ぎ、織って行く。

糸車と一心同体になる

北川さんは、今使っている中古の糸車を「分身」だと言う。実は機（はた）の信頼できるメカニックが身近にいるのだ。倉敷市で手織り機とその付属部品を作る『竹泉堂』の樋口正和さんだ。樋口さんはこれらの構造に精通し、織り手との関係をたちまち見抜く。年数が経った中古品は、それまで使っていた人の癖が出てしまうことが多く、北川さんもそこに悩み、樋口さんに相談した。すると、「自転車の『輪っか』を持っておいで」と言われ、使いづらかった糸車は樋口さんによって自転車の車輪を付けられ、みごとに調整された。

「この糸車を使うと、木綿から出た繊維が、『ほかの繊維と絡みたい、絡みたい』と言っているみたいにすんなりと紡ぐことが出来るんです。夢中になって何日も夜中まで紡いで、もう月まで届くほどやったかなと思って、計算してみたくらい」と北川さんは笑う。

北川さんと樋口さんが育った倉敷には、倉敷民藝館付属工芸所として設立された『倉敷本染手織研究所』がある。樋口さんはここで子どもの頃から手織りの世界にふれてきた。また北川さんは高校生のとき、倉敷民藝館の初代館長･外村吉之介（とのむら･きちのすけ）の講演を聞いて、「もの」と「装飾」の関係を熟考した。ふたりは手間をいとわない姿勢が共通している。

たとえば織り手に馴染んだ古い機は、新しい機よりも良い布を仕上げることが度々ある。「要するに、目の前にあるものに合わせてやればいい」という。ふたりとも効率を追わず、材料や使う機械を知って、馴染みながらやって行く術を身につけている。

機に向かうまでが、制作の9割。

思いどおりの色に染まった糸が用意できたら、ようやく機に向かう。このときが、もっとも楽しい時間だと北川さんは語る。ここに至るまでが制作の9割。しかも1時間に１寸から２寸（3〜5センチ）ほどしか進まない手織り。それでも始めると目の前に織ったものが広がっていく。そのよろこびは何ものにも代えがたい。

作ったものに自分が映る。

北川さんが作る帯や女性ものの反物は幅広い世代から求められている。創作で心がけているのは、「自分を清らかに、誠実に生きていくこと」。それは仕事の領域だけでなく、毎日の暮らしにおける姿勢だ。「作ったものにはやはり、作り手が映るんです。しかも私が作るものは身に着けるものですから、清らかなものを手渡したい。作り手がきちんとした生き方をしていなければ、良いものは生まれないと思っています」と語る。

紡いだ糸に合わせて織れば、よく織れる。手間をいとわずやれば、味わいが生まれる。そうして完成させた反物は、着るほどに体に馴染んでいくのだ。動力駆動を用いた紡績により、布地は短時間で大量に生産できる時代となったが、それでも染色から糸を紡いで織るまでを一貫して自身の手で行い、そのナチュラルな風合いやデザインが唯一無二と評される北川さんの作品を求める人は少なくない。そんなニーズに応えるため、そして、何より北川さん自身が手織りにしか生み出せない良さを知っているからこそ、これからも“北川弘繪の感性”を手織綿織物で表現しつづけていく。

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岡山県の中西部に位置する、高梁市。その市街地の北側にそびえる臥牛山（がぎゅうざん）に建つ、「備中松山城」。江戸時代以前に建設された天守が保存されている「現存12天守」のひとつに数えられる。そのなかで山城として天守が残っているのはここだけという、大変貴重な城だ。

「備中松山城」の歴史をたどる

現存天守が標高約430mの高さにある備中松山城。その標高や地形故に“雲海”が発生しやすく、しばしば見ることができる。そこに天守が浮かぶように見える様子が美しく「天空の山城」とも形容されている。

高梁市教育委員会社会教育課･三浦孝章さんによると、「高梁市はすり鉢状の盆地という地形なので、発生した雲海がとどまりやすいという特徴があります。そのため、高い確率で雲海に遭遇できる場所なんです」。なかでも、10月から12月が雲海のベストシーズンとされている。その幻想的な姿は、城の北東部にある、「雲海展望台」から望むことができる。

城主の移り変わりとともに、城も進化

備中松山城が建つ臥牛山は、牛が横になっているような形からその名が付けられており、大松山、天神の丸、小松山、前山の4つの峰からなる。
1240年、当時の地頭･秋庭重信により大松山に砦が築かれたのが、備中松山城の始まりとされる。その後、三村元親が城主を務めていた1574年には、臥牛山一帯に砦が築かれるまでに。1600年の関ケ原の戦いの後、徳川幕府の支配下に置かれた際には、小堀正次･政一（遠州）親子が奉行として、この地に赴任。御殿と城の修築に着手したと伝わる。

1642年には、水谷勝隆が城主に。その息子、勝宗は1681年から約3年をかけて、城の大規模な修築を行い、櫓や大手門なども建設し、現在残る城の全容が完成した。
1868年、明治新政府軍と旧幕府軍が対立した戊辰戦争では、朝敵とみなされた備中松山藩。当時、藩政改革に取り組んでいた、陽明学者･山田方谷らの決断により、無血開城を果たす。そのため、城が壊されることを免れることとなる。

忘れ去られた存在から、町を挙げての保存･修復へ

一度は危機を乗り越えたものの、1873年には、「廃城令」が公布される。備中松山城は国により競売にかけられ、地元住民が購入したと伝わるが、山の上にありすべてを解体するにも費用がかかりすぎることから、そのまま放置されることとなる。以降、その立地のため、誰の目に触れることもなく時が過ぎていく。いつしかその存在自体が忘れ去られ、荒れ果てた城となってしまっていた。

大きな転機が訪れたのは、1927年のこと。備中松山城の歴史を知り、その価値を認識していた地元中学校の教師が中心となり、本格的な城の調査がスタート。住民すら知らなかった城の存在が明らかとなり、次第に保存への気運が高まっていったのだ。
そうして1939～40年には、「昭和の大改修」を実施。「その際には地元の小･中学校や女学校の児童･生徒らが、約2万枚もの瓦をかついで山頂にある城まで上がったというエピソードが写真とともに残っています。まさに町を挙げての城の修復であったようです」と、前出の三浦さん。その後、1957年、2000年と、これまでに3度の大きな改修を経て、現在の姿となった。

戦火や自然災害に遭うことなく、往時の姿を今に

天守までは、8合目にある「ふいご峠駐車場」から急な山道を20分ほど歩いていく。近づいてくると、自然の岩の上に石を積んだ石垣が現れてくる。なかには約10mのそそり立つ岩盤を取り込むように築いた石垣もあり、その迫力に圧倒される。このように山の地形を生かした石垣もこの城の見どころだ。
天守は、木造瓦葺きで、二層二階の建物。高さ約11mと、現存12天守のなかでもっとも低いが、天守の正面の唐破風が特徴的な外観を誇る。

1階には、天守では珍しく、囲炉裏を備えているほか、城主一家の居室になった「装束の間」も残る。2階には、水谷勝宗が城の修築をした際に、自分の守護神を祭る「御社壇（ごしゃだん）」を設置している。城の一番高い場所から高梁の町を守ってもらう意図があったと思われる。

「戦争で空襲を受けることもなく、地震をはじめとする自然災害も少ない土地であったことも、天守が現在まで残っている理由だと考えています」と、三浦さん。

猫城主･さんじゅーろーを迎え、新たな魅力を備えた城に

時代の変遷とともに、城主も移り変わってきた歴史を持つ、備中松山城。そして現在、城主を務めるのは、なんと猫！　

もともと高梁市内で飼われていた猫が、平成30年の西日本豪雨の後に飼い主宅を離れ、この城に住みつくようになったという。すると「お城にかわいい猫がいる」とのうわさが広がり、地元テレビや新聞などで紹介されると、またたく間に人気者に。高梁市観光協会によって保護され、備中松山藩出身で新選組隊士で七番隊の隊長を務めた武士･谷三十郎と、最初に見つかった場所が三の丸であったことから「さんじゅーろー」と命名。城の管理事務所のある「五の平櫓」で暮らすこととなった。

その人気を受け、2018年12月16日には猫城主に就任。さんじゅーろーの体調や気分にもよるが、一日2回、城内を見回りする散歩の際に、その姿を見ることができる。
そして現在は、さんじゅーろーに会うために、全国各地から多くの観光客がこの城を訪れている。2024年3月には、備中松山城が建つ臥牛山の南麓に位置する石火矢町の武家屋敷･旧埴原家内に、記念館「猫城主さんじゅーろー あしあと館」がオープン。その人気はとどまることを知らない。

江戸時代の天守が当時のまま現存する、日本唯一の山城である「備中松山城」。雲海に天守が浮かぶ情景は、往時から変わらず訪れた人を魅了する。そんな、当時の人たちも見ていたであろう幻想的な景観と、この城が歩んできた歴史に思いを馳せ、これから先も岡山県が誇るべき景勝として、変わらず守り続けていきたい。

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細くまっすぐな柄に、丸っこい匙の部分が印象的な真鍮のスプーン。このスプーンは、菊地流架さんが代表を務め、真鍮のカトラリーや雑貨などを手がけるブランド「Lue（ルー）」のもの。無駄な装飾などいっさいないシンプルなデザインだからこそ、手仕事ならではの温もりが感じられる。

大切なのは、誰が作ったかではない

「Lue」の工房は、岡山市中心部から東へクルマで約40分ほど、瀬戸内市邑久町（せとうちしおくちょう）の、のどかな田園地帯に建つ。妻の実家の納屋を改装した建物で、1階が工房、2階がギャラリーショップとなっている。

真鍮のアクセサリー作家の父親の元に生まれた菊地さんは、高校時代からその手伝いを始めた。独立を考えたとき、父親が手がけていたアクセサリーをそのまま継いでいく自信がなかったことと、料理が好きだったことから、自身は真鍮のカトラリーを専門にしようと決意。2006年に「Lue」というブランド名で活動をスタートした。その名の由来は、子どもの頃の愛称。「僕の名前は、菊地流架（るか）。クリスチャンだった父が、キリスト教徒の信徒・ルカから名付けてくれました。子どもの頃は、「ルーくん」と呼ばれていて、それを元に」。

父親の影響を受けた、美しく機能的なスプーン

そして最初に生まれたのが、「ティースプーン」だ。現在も作り続けているこの定番商品にも父親の影響を色濃く受けている。スプーンを作ってみたいと相談したときに、見本のような感じで作ってくれたものが、今の形に近いものだったのだ。特に、菊地さんが注目したのは、柄を叩くことで施される槌目を、デザインではなく持ちやすさのために付けている点だった。無駄な作業がなく、かつ見た目にも美しく、機能的であることに、強く惹かれたという。

さらに、銅と亜鉛の合金である真鍮の使ううちに酸化して色が落ち着いてくるという特性も気に入っている。使い方や手入れの仕方によって色の変化も変わってくるので、世界にひとつだけのアイテムとして、愛着を持てるからだ。

末永く使い続けてもらうことが幸せ

菊地さんが大切にしているのは、末永く使い続けてもらえること。そこには民藝的な考えも含まれている。「民藝の方にはそう思われないかもしれませんが」と前置きをしたうえで、「岡山の民藝は、いいものを、同じ形で、安く提供できるように作ることで、長く作り続けていく。そんな職人的な考えに基づいているように感じています。同じ形を作り続けるという点において、「Lue」のアイテムは民藝品に近いイメージなのかなと思っています」と語る。

そのことは、自分の名前が前面に出る作家としてではなく、「Lue」というブランド名で活動していることにもつながる。最初はひとりで始めた工房であったが、現在は製作スタッフ2名と、営業や事務などを担当する1名とともに運営。「自分たちが亡くなったあとも、誰が作ったとか関係なく、このスプーンをずっと使い続けてもらえたらうれしい。僕自身には「Lue」という名前が残ることへのこだわりもない。おもしろがって使ってくれる人がいるとしたらそれが幸せ」と。

他者とのかかわりが新たな製品を生む

また、「Lue」ではオリジナル製品のほか、店や企業などからオーダーを受けて製作するアイテムも数多く手がけている。京都のレストラン「monk（モンク）」のために作ったピザ取り分け用の「ピザスクープ」や、自動車メーカー・トヨタの「LEXUS NEW TAKUMI PROJECT」から生まれた和菓子用の「黒文字」などが一例だ。それらのアイテムは、多くの人に長く愛されるよう「Lue」としても定番商品化し、継続して販売している。

手仕事だけにこだわらない姿勢

さらに、2013年からは、すべて手作業で行う「ハンドクラフト」以外に、「インダストリアル」というラインでの商品も展開している。その名のとおり、工業製品だ。

工房にこもっての仕事だけでなく、人とかかわる仕事をしてみたいと思ったのがきっかけ。自ら工場をまわり、協力してくれるところを探すことからスタートしたと、当時を振り返る。「インダストリアル」のラインは、菊地さんが手作業で作った原型を元に、金属加工製品の産地・新潟県燕市の工場で機械生産。手仕事では実現できない、統一された形と薄さ、輝きを備えた製品に。機械生産することで、価格を抑えることにもつながっている。

工業製品である利点を生かすべく、「スタックできること」をこのラインのコンセプトに掲げた。第一作となったのは、アウトドアや子ども用のスプーン兼フォークの「スポーク」。重ねてもかさばらず持ち運びしやすいアイテムが誕生した。工業製品であっても原型がハンドクラフトのため、「Lue」ならではの温かみをまとった製品に仕上がる。もちろん、真鍮ならではの色の経年変化も楽しめる。機能的で長く使えるアイテムを生み出すためには、どうあるべきか。手仕事だけにこだわらず、最良の方法を選択する。これこそ、菊地さんのもの作りの真髄なのだろう。

次なるステップは、自ら楽しむこと

ハンドクラフトの製作に関しては、2、3年前からスタッフに仕事をすべて任せられるようにシフトしてきた。それにより、菊地さんの仕事の取り組み方にも変化が。仕事として割り切らずに、「自分も楽しめる、半分遊び感覚での仕事にも挑戦できる」ようになってきたのだ。

たとえば、2022年には、鹿児島県奄美大島の染色工房「金井工芸」で「奄美泥染め」を行う金井志人さんと、兵庫県神戸市の「つくも窯」でスリップウェアを中心に手がける陶芸家の十場天伸さんと、コラボ作品を作った。ひとまずは実験的な試みとしての位置付けだが、ゆくゆくはライターや写真家など、異業種の仲間も巻き込んでの展開をも視野に入れているというから楽しみだ。

そしてもうひとつ、真鍮のオブジェを手がけたい気持ちもあるという。「無理やり作ってもいいものは作れないので、今はまだそっと寝かせている状態です」と菊地さん。無理せず、焦らず、機が熟すのを待つというのが、彼らしい。そんな風にまるで真鍮のごとく、少しずつ変化しながら深い輝きを増していく「Lue」の活動。これから先、菊地さんが心をくすぐられるような楽しい仕事に巡り会えたあかつきには、真鍮の新たな魅力で我々を驚かせてくれるはずだ。

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岡山の焼き物といえば、備前焼。時間をかけて焼き締める、土味の濃い焼き物だ。伊勢﨑晃一朗さんは、備前焼作家の祖父と父を持ち、作陶が身近な環境で育った。しかし備前焼をつくりたいと思ったのは意外と遅く、彫刻を学んだ大学を卒業する頃。土を使った立体造形にひかれている自分に気づいた。

800年前から現在に続く日本六古窯

備前焼は、平安時代から戦国時代、いわゆる中世に発生し、現在でも生産を続ける代表的な陶磁器窯として、瀬戸焼や信楽焼、越前焼、常滑焼、丹波立杭焼とともに古陶磁研究家･小山冨士夫氏により命名され、2017年には日本遺産にも認定された「日本六古窯」のひとつ。その産地は、岡山県の南東部に位置する備前市伊部（いんべ）周辺にある。この地域で採れる鉄分が豊富な土を使い、釉薬を使わない「焼き締め」により備前焼の茶褐色が生まれる。窯焚きに1週間以上の時間をかけ、ゆっくりと温度を上げて焼成することで堅牢になる。加飾を施さない焼き物だが、窯詰めの配置や、窯焚きの薪の焚べ方により、さまざまな色合いと模様を生み出せる。

時代に適応しながら、現在に続いてきた技法

その始まりは、およそ800年前。平安時代の末期、陶工の集団が豊富な陶土と火力の出る薪を求め、この地に移住してきたといわれる。鎌倉時代には擂鉢（すりばち）や壺、瓷（かめ）などの日用雑器がつくられるようになった。安土･桃山時代になると茶の湯が流行し、千利休、豊臣秀吉は茶会で備前焼の水差しなどを茶道具として頻繁に用いたことが記録されている。

「備前焼の陶工は、この場所で採れる土と焼き方で、時代の欲するものをつくり続けてきた。都の茶人から『こういう形を』と所望されても、そのままをつくれるわけではない。粘りが強く、コシがある自分たちの土でつくるものは、それに適した形になる。できるものを一生懸命考え、適応してきたんじゃないかと思います」。伊勢﨑晃一朗さんは、いにしえの備前の陶工にそんなふうに思いを馳せる。

大学で彫刻を、アメリカで焼き締めを学ぶ

伊勢﨑さんは1974年、備前焼作家･伊勢﨑淳氏の長男として備前市伊部に生まれた。父と弟子たちが忙しく立ち働き、書棚には彫刻や美術の作品集が並ぶ環境で育った。当然、創作は身近なもので、いつも頭の中にあった。大学では彫刻を勉強したいと思い、東京造形大学美術学科に進んだ。家を出るとき、父に「焼き物はやらないと思います」と伝えると、「ふうん」という反応が返ってきたという。木材の彫刻をしていたが、卒業間近になると、土を使って、立体造形をしてみたいと思うようになった。卒業後、1年間父のもとで勉強し、それから父の長年の友人で、アメリカを代表する陶芸家であるジェフ･シャピロ氏に師事するため、アメリカに渡った。

ニューヨーク郊外に工房を持つシャピロ氏のもとで2年間、焼き締めによる焼き物を学んだ。ろくろを引くとき、目の前の土とセッションをしているように見えたシャピロ氏の動きを見つめる日々と、多くの人との刺激的な出会いを経て、伊勢﨑さんの備前焼に対する立ち位置が変わった。「備前焼をつくりたい、器をつくりたい、というより、土を使った立体造形を、薪で焼き締めてやりたい。土のものの良さを誰かと共有し、共感したい」。そこが備前焼への入り口となった。

父と並んで制作する

伊勢﨑さんが30歳になったとき、父の伊勢﨑淳氏が備前焼で重要無形文化財保持者（人間国宝）の認定を受けた。現在、父と息子は同じ敷地にあるそれぞれの工房で制作をしている。伊勢﨑さんから見た父･淳氏の作品は、ひとことでいうと「おおらか」。人となりが出ていて、つくったものが人を威圧しない。一方、伊勢﨑さんの作品は伝統的技法を守りながら、土から受ける強いエネルギーを表すかのようなユニークな造形があり、さまざまな色合いと質感のなかに、細やかな表現力がある。ふたりの窯は工房の裏山のふもとに３つ並んであり、全長約15メートルの最大の窯と約10メートルの中型の窯を淳氏。伊勢﨑さんは同じ中型の窯と全長約5メートルの小さな窯を使い、年に２、3回窯焚きをしている。

窯詰めで絵を描く

備前焼の仕上がりを決めるのは、窯詰めの作業だ。窯のなかに数100個の作品を並べるため、炎の当たり方や灰の降り掛かり方を読んで、焚き口からの距離や大小異なる作品の配置、炎に対する角度などによって「焼け」（仕上がり）をコントロールする。「窯詰めで絵を描く」という言い方をするが、作品をひとつずつ並べるのはパズルのようだという。基本的に炎が当たったところは赤褐色に、物の影なり炎が当たっていないところは白色に仕上がる。アカマツの薪の灰が表面に降りかかり、高温で溶けることで備前焼の特徴である「胡麻（ごま）」など（自然釉による）模様が生まれる。どれほど長さのある窯でも、前と奥はつながっていて、置かれた作品同士は影響する。そのため成形の段階から、どの場所にどのように置くかをイメージしながらつくっている。

とはいえミリ単位で狙った焼けが生み出せるわけではない。「すべてを思い通りにしたいなら、このやり方を選ばない。その中に何か大事なものがあると信じている人がこの土地でこの焼き物をしているんだと思う」と伊勢﨑さんは言う。以前、違う種類の土を使い、電気窯でやってみて、薪を使った窯から生まれる情緒に生かされていることを痛感した。「自然相手だと不確定要素が多い。でも、そういうものと付き合える能力が大事なんじゃないか。絶え間なく変わる環境で、創作を成り立たせていく感覚を失わずにいたい」と語る。

窯焚きは自然と交わる感覚

窯焚きには、約15メートルの窯で13日間、5メートルの窯で1週間かける。土の収縮が大きいため、最初に温度が上がりすぎてしまうと壊れやすくなるため、ゆっくりと温度を上げる。それぞれの窯にセオリーがあり、予定する温度と日数で焼き上がるよう薪の量、焼成の時間を計算し、3人が8時間おきに交代しながら昼夜、焚き続ける。この時間が伊勢﨑さんは好きだという。頭を整理する時間になるからだ。そして最後の1日半は「攻め」や「大焚き」と呼ばれる本焚きで、前の扉は閉じて窯の横穴から薪を焚べる。すると灰が全体に飛ぶ。温度が上がり、土を焼き締めて高温で灰を溶かす。最高温度は1250〜1260度。焼き物にするだけであれば４、5日で足りるが、緋色の深みなど、つくり手の欲しい「焼け」を求めると、これだけの日数になる。

薪で焼くことの魅力は、自然と交わっている感覚だという。「木も命のあるもので、それを燃やさせてもらう。脂分が多く、燃やすと高温になるアカマツを使うことは、先人が見つけた知恵のひとつ。同様に、土も天然資源であり、有限。備前焼が現在まで続く技法になったのは、数100万年という時間をかけてできたこの土があるからで、いただききもので成り立っている感覚が強い。農業や林業、酒造りに近い部分があって、農家が「おいしい」と思ってもらえるものをつくるように、材料の力を引き出すことが仕事だと思う。焼き締めの営みを続けることは自然にふれ続けることで、自然とともに生きていく人間にとって、備前焼は絶対に必要な焼き物だと信じている」。

まだ気づいていない焼き締めの力を探す

伊勢﨑さんは、2022年度日本陶磁協会賞を受賞した。陶芸界でその年、もっとも優れた作家に贈られる賞だ。人前に作品を出すようになって21年が経つ。祖父と父だけでなく、親戚にも備前焼作家が多い家で、自分を表現できるようになったのは、思いきって新しい試みを始めたとき、「おもしろい」と背中を押してくれる人との出会いがあったから。だから作品そのものが魅力的であることだけを追う。焼き上がったものを「良い」と自身で納得するには、まだほかの色合い、質感があるはずだと、まだ気づいていない焼き締めの力を探している。まだあるはず、もっとあるはず、という思いが底流にあり、そのフィロソフィーに基づいて、伊勢崎さんの作陶は日々アップデートを続ける。

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中世から続く六古窯のひとつ、備前焼。岡山県備前市周辺でとれた土を用い、釉薬をかけずに焼き締めることで生まれる、1点1点異なる表情が魅力の焼物だ。その備前焼のよさを大切にしながらも、現代の暮らしに合うモダンさを備えた器作りに挑んでいる、陶芸家･森本仁さんの工房を訪ねた。

日々の暮らしが作品に表れる

岡山県の南東部に位置し、備前焼の里として、数多くの窯元やギャラリーが立ち並ぶ備前市伊部地区。同じ備前市内にありながらも、そこからクルマで20分ほどの静かな山のなかに、陶芸家･森本仁さんの自宅と工房はある。街の喧噪から離れ、豊かな自然に囲まれた環境で、陶芸に勤しんでいる。
備前焼作家の父の元に生まれた、森本さん。大学で彫刻を学び、卒業後は父親からのすすめを受け、岐阜県で美濃焼の陶芸家･豊場惺也氏に師事。師匠と寝食をともにする生活を4年間続けた。

当時のことを森本さんは、「禅僧の修行のようだった」と振り返る。朝起きて、掃除や食事の手伝い、庭の手入れ、薪割りなど、師匠の動きを察しながら、それに合わせて自分も動いていく。師匠が気持ちよく仕事ができるようサポートするのが使命だった。そんな暮らしの中で、「日々の生活こそ、その人の作品なのだ」と実感したという。それを体感できたことが、今の森本さんの礎となっている。

現代の暮らしに溶け込む備前焼を

岐阜での修業を経て、2003年に帰郷し、父の元で陶芸家として歩み始めた、森本さん。地元を離れていた期間があったことで、備前焼を客観視できたことも大きな成果だった。森本さんが陶芸の道に進んだ今から20～30年前の備前焼は、重厚感を重視した作品が主流。そのため、いざ自らの生活に取り入れようと思っても、使いづらいと感じることも。「薄くしたり軽くしたり、備前焼の風合いを生かしつつも、普段使いしやすいものが生み出せるはず」。そんな思いを抱き、現代生活にフィットする備前焼への挑戦がスタートした。

土作りと登り窯が、備前焼の要

備前焼に用いる土は、備前市周辺の田んぼから採取した「田土」が基本。窯に入れた際の収縮率が高いため、しっかりと焼き締まる。そのために水が漏れないので、釉薬をかける必要がないのだ。さらに、窯の中での置き場所や、灰のかかり方などによって、色が変化し、さまざまな表情が生まれる点も大きな特徴だ。

現在、森本さんが使用している土は、父親が50年ほど前に購入したもの。まるで石のように硬い原土を砕き、水につけて溶かして自分好みの粘土にしていく。釉薬を用いない焼物だからこそ、仕上がりを大きく左右する土作りに力を尽くす。

そして、備前の土のよさを最大限に引き出すには、薪を使った登り窯で焼くことが重要だと考えている。登り窯に火を入れるのは1年から1年半に1回で、準備から焼き上げまで7～8か月を要する。いざ、焼き始めると約1週間は窯につきっきりに。「登り窯で火を焚き続けると、焼物を仕事にしているという実感があるんです。ぐっとくる感じがほかの窯とは違うんです」と、森本さんは目を輝かせる。

釉薬ものも手がけ続ける

薪窯で焼く備前焼の作陶と交互に、師匠から学んだ釉薬ものも灯油窯を用いて手がけ続けている、森本さん。「両方あったほうが食卓が生きるし、おもしろい」と、その理由は実に明快だ。さらには、備前焼と釉薬ものを両方手がけることで、自分の作品であっても、それぞれを客観視できるようになったことも、自分にとっては有益だったと語る。

灯油窯で焼く、独自の「白花」シリーズ

また、備前の土を用い、灯油窯で焼く「白花（しらはな）」シリーズは、森本さんが考案したオリジナル。伝統的な備前焼同様、釉薬を用いない焼き締めだが、灯油窯でなるべく焼き色がつかないように焼くことでフラットな焼き上がりと不思議な質感が生まれる。色は備前の土そのものが持つ、グレーがかった白。研ぎ澄まされたフォルムと、これまでの備前焼にはなかった色合いで、現代の暮らしにすっと溶け込むようなモダンな表情をたたえたシリーズとして人気を博している。
このように、同じ備前の土を用いても、用いる窯や焼成の仕方によって、まったく表情の異なる作品に仕上がる。焼物にとって大切なのは、土と窯の相性だと考えている、森本さん。その相性がよいとおもしろいものが生まれるというのだ。固定概念にとらわれることなく、さまざまな手法を試してみる軽やかな姿勢が、新たな魅力を備えた焼物を生み出すことにつながっているのだろう。

やりたいことは次々と生まれてくる

日々の生活では、庭の手入れを怠らず、季節の草花を飾り、母から茶道も学び続けている。仕事場も空間づくりや道具ひとつひとつにこだわり、自分が心地よく作陶に打ち込めるように、整えている。師匠から学んだ、「暮らしにこそ、その人の作品が表れる」という教えに恥じぬよう、丁寧な暮らしを続けている。そんな毎日のなかで、いろいろなものを見て、いろいろな人と話していくうちに、やりたいことが次々に湧きおこってくるのだとか。

今後について尋ねると、「やりたいことがありすぎて、全然消化できていない感じです、ずっと。だからひとつずつやっていくしかないですね」。これこそが森本さんの作陶における原動力に。近年は、海外向けの仕事も少しずつ増えてきた。焼き締めが海外の人にはモダンに映り、支持を集めているのだ。日本向けにはやりたくてもできなった、大型の作品を求められることも多く、やりがいにもつながっている。

これから先が、僕の本当の仕事

このように新しいことを試しながら、備前焼も釉薬ものも、プロの仕事として、説得力のある作品を生み続けていくつもりだ。そのうえで、陶芸に飽きることなく、慣れることなく、いかに楽しく続けていけるかが課題でもあるという。ある程度のことができるようになってきた今だからこそ、「これから先が僕の本当の仕事なんだと思います」と森本さん。師匠や父から受け継いだ教えや技を自分の陶芸へと昇華させながら、軽やかなにしなやかに、焼物の新しい世界を広げていってくれるはずだ。

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岡山市中心部から東へクルマで約1時間の場所に位置し、備前焼の里として知られる岡山県備前市。その穏やかな海の近くに吹きガラス工房を構える、花岡央（はなおかひろい）さん。美しい色彩と優しい雰囲気をまとった日常使いのガラスの器で人気を集めている。

芸術への憧れからガラスの道へ

花岡さんが生まれ育ったのは、岡山を代表する焼物・備前焼の産地である備前市。そのため、一番身近な存在のアートは備前焼だったという。加えて、趣味で絵を描く父親の姿に子どもの頃から憧れを抱いていた。

それらの影響から高校卒業後は、美術大学で備前焼を学ぼうと考え、倉敷芸術科学大学への進学を果たす。専門分野を決めるまでの課程では、焼物やガラス、染織などさまざまな工芸を学ぶことに。そのなかで、「焼物と違って、作った翌日には作品が完成するというスピード感が、自分の性格に合うと感じた」のが、ガラスだったという。その感覚を信じ「ガラスコース」に進み、当時、教授を務めていた倉敷ガラスの創始者・小谷眞三氏に師事する。

在学中は、早く自分が思い描くものを形にできるようになりたいと、授業以外にも時間を見つけては練習に励み、全国各地で行われていた勉強会にも参加するなど、まさにガラス作りに邁進する日々を送った。

誰に向けて、どう作るか

大学卒業後は、大阪でガラス作家・辻野剛氏の吹きガラス工房「fresco」に就職。その工房は、ガラスの器を使う人の生活にどう取り入れてもらうかまでをトータルデザインして、世に出していくというスタンスを大切にしていた。「誰に向けて作るのか、手に取ってもらう相手をイメージしながら作る。まずそこを固めてから制作をスタートする。そういうやり方を学べたことが自分にとってかけがえのない経験となりました」と花岡さんは当時を振り返る。

「自分ならでは」「この地ならでは」のガラスを

9年間「fresco」に勤務した後、2013年に独立。故郷・備前市に戻り、ギャラリーを併設した吹きガラス工房「HIROY GLASS STUDIO」を構えた。

花岡さんが用いるのは、吹き竿に息を吹き込み、型を用いずに整形していく「宙吹き」の技法。「宙吹きだと、その日によって『これがいい』が違ってくる。体調や気分によって、よくも悪くもなるというところが、吹きガラスのおもしろさだと思うんです」と、楽しそうにその魅力を教えてくれた。

自身の工房を構えてから軌道に乗るまでは、ガラス教室を開催する傍ら、作品を携えてギャラリーやショップを回り、少しずつ販路を開拓していったという。

そのなかで、花岡さんが大切にしたのは、「これを作りたい」「これを売りたい」という自分の思いだけを優先させるのではなく、先方の要望を聞いて作品に取り入れること。そうした柔軟な姿勢が、結果として作品の幅を広げていくことにつながっていったのだ。

スリットが印象的な代表シリーズ

昔から日本の伝統的なものに美しさを感じて育った、花岡さん。その感性を生かして誕生したのが、古い日本家屋に見られる「連子（れんじ）格子」をイメージしたスリット模様が印象的な「ren（レン）」シリーズだ。多彩な色彩と、光を受けて落ちる影をも楽しめるだけでなく、スリットがもたらす境界線のあいまいさによって、どこに置いてもしっくりとなじむ不思議な魅力をたたえている。

人がやらないことに挑戦

「ren」シリーズは、一見、切子ガラスのように見えるが、その製法はまったく異なる。まず透明ガラスに色ガラスをかぶせて温めてガラス玉を作り、いったん冷ます。その後、表面を線状に削り落とした上で磨きをかけるという工程を経て、再び熱を加えて吹いて成形していく。このやり方は、スウェーデンで生まれた「グラール技法」を参考しているという。「削ってから吹くという点が、切子とは大きく違います。それにより、切子ではできないような部分にまでカット模様を入れられるんです」と花岡さん。一般的な吹きガラスよりは工程が多いため、完成までに手間も時間も要する。人がやらないことにあえて挑戦することで、花岡さんならではの作品が誕生したのだ。

この地とのつながりのある作品を

そしてもうひとつ、花岡さんが大切にしたかったのは、地元とのつながり。自身が親しんで育った備前焼のように、この地ならではのガラス作品を生み出せないかと模索していた。

そんなある年、米作りを行う両親が作った米が不作の年があった。そこで、捨てられてしまう米を溶かして作品に取り入れてみることに。普段、口にしている米をガラスに取り入れることで、使う人にも身近に感じてもらえるのではという狙いもあった。そうして誕生したのが、「GRICE（グライス）」。淡い青色が美しい人気のシリーズだ。現在は、粒が小さいものや色選別ではじかれた、市場に出回らない米を灰にして、ガラスに溶かし込んで制作している。

実は、工房を構える備前市穂浪井田地区は、江戸時代に入り江を干拓して作られた土地。そこに、岡山藩直営の庶民のための学校・旧閑谷学校の学校田「井田（せいでん）」が広がっていたのだ。「GRICE」を通じて、そうしたこの地に息づく歴史にも思いを馳せてほしいとの願いも込められている。

美しい色へのこだわり

花岡さんが日々ガラス作りに励む工房へ足を踏み入れると、窓際につり下げられた色とりどりのガラスの玉が目に飛び込んでくる。一見、作品のようだが、実は約300色にものぼるガラスの色見本なのだ。彩色には粉ガラスを用いるが、粉の状態とガラスになった時の色が異なるものもあるという。そこで、一目でわかりやすいように、あらかじめガラスの状態にしているのだとか。「日本はもちろん、ドイツやアメリカのメーカーの粉ガラスを使っています。透明のガラス部分はスウェーデン製の原料を使用していて、ここまでくると、もはや僕の趣味のようになっていますね」。花岡さんの作品の美しい色彩は、ここから生まれている。

季節に合わせて楽しめる器を

そんな花岡さんの色へのこだわりが光る最新シリーズは「Dusty（ダスティ）」。くすんだカラーの落ち着いた雰囲気で、日々の暮らしのさまざまなシーンにマッチする。「ガラスの器は夏のもの」というイメージを払拭するべく、透明感だけではないガラスの魅力を表現している。

「最近では、季節に合わせてガラスの器を使い分けて楽しんでくださる方もいらっしゃるんです」と、うれしそうに教えてくれた花岡さん。そんな使い手との交流こそ、彼にとって一番幸せなひとときなのだとか。

柔軟な姿勢が新しい作品を生み出す

独立し、工房を構えてから10年。器作りはひととおりやってきたので、今後はオブジェにも力を入れていきたいと考えている。もともとは、造形的な作品はあまり得意ではなかったという花岡さん。アート作品よりも、日常で使えるものを作りたいという思いが胸にあったからだ。

しかし、オブジェを手がけ始めたことで、新たな気づきが。オブジェに興味を持ってくれた人が器を購入してくれたり、その逆があったり。「『これはやらない』って突っぱねるのではなく、やってみたことが新しい出会いにつながり、作品にもさらに広がりが生まれたように思います」。こうした柔軟さこそが花岡さんの強みであり魅力なのだろう。

そして今後は、これまで手がけてきたさまざまなシリーズをかけ合わせた作品にも挑戦してみるつもりだ。日本の文化を大切にする思いと美しい色をガラスに溶かし込みながら、花岡さんはこれからもガラスを吹き続けていくのだろう。

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