新潟県三条市で寺社を装飾する彫刻業から始まった「マルナオ」。
今は箸に代表される多彩な木工製品を製作しています。
彫刻の伝統技と銘木を扱ってきた経験を受け継ぐ製品は、高い機能性と洗練された佇まいが特長。
長年積み上げてきた巧みな手練と最新技術を融合した、細部まで美しい製品を提供しています。

マルナオの「箸」のはじまり

新潟県の中心からやや西北の場所にある燕三条エリア。弥彦山（やひこさん）を望み、越後平野の田園地帯を見渡せる里山に、「MARUNAO」（マルナオ株式会社）のショップを兼ねたファクトリーがある。森林に囲まれたそのモダンな工場では、八角箸に代表される高級箸やスプーンなどの木製カトラリーが、ひとつひとつ丁寧に職人の手作りで作られている。

マルナオの創業は昭和14年（1939年）。現代表取締役・福田隆宏さんの祖父が、それまで手がけていた寺社や仏壇彫刻の伝統技をベースに、戦後の住宅需要を見込み、大工道具の製造をスタートさせたのがはじまりだ。大工道具三種の神器のひとつといわれ直線を引くための必需品「墨坪車（すみつぼぐるま）」が主な製品だった。以来、年号が平成に変わっても大工道具を作り続けてきたが、時代の変化とともに建築需要の落ち込みや工法の変化が訪れ、新しい事業展開が必要になった。そこで3代目の福田さんが、手工具を作る職人技術を生かし、「人間の身体に近く、使う人の繊細な感覚に寄り添えるもの」として目をつけたのが「箸」だった。

世界に広がるマルナオ製品

使い慣れた道具をずっと使い続ける大工さんは、一度道具に裏切られると、もう二度とその道具を使ってはくれない。それを知っているからこそ、自分たちが自信と誇りを持って世に出せる道具しか作りたくはなかった。「とにかくいい箸を作ろう」と試行錯誤してたどり着いたのが、八角形で先端がわずか1.5ｍｍの木箸だった。手に持つとき、中指がうまくフィットする偶数角が最も安定性が高く、掴みやすさと口当たりの良さが両立出来る形状だった。黒檀や紫檀といった密度が濃く水の浸みこみにくい硬い木が向いていることもわかった。特にマルナオ製品の代表的な木材であるカキノキ科の黒檀は、表面に漆加工などを施さない木箸には不可欠な防水性に優れ、木自身が持っている抗菌性が衛生的な上、見た目も美しく耐久性も抜群で、毎日使う食事道具として最適だった。しかし、希少性の高い銘木を使うことで、当然、売値も高くなる。売り出し当時百貨店では一番高い輪島塗の夫婦箸で5,000円の時代に12,000円という価格設定だった。バイヤーからは「木箸なのになぜこんなに高価なのか」と半信半疑の目を向けられた。それでも、マルナオの箸は大手百貨店の対面販売などを繰り返すたびに高い評価を受け、実際に箸を使って日々の食事を楽しむ消費者に、その持ちやすさや口当たりのよさが理解されはじめた。平成16年（2004年）に新潟県を襲った集中豪雨で三条市を流れる五十嵐川が氾濫し、マルナオの工場の機械や資材の総入れ替えを余儀なくされたとき、箸づくりへの確かな手応えを得ていた福田さんは、箸の生産を中心にした事業計画へと舵を切る覚悟を決め父である2代目を説得した。その翌年に代表取締役に就任し箸づくりを更に本格化させていった。

そうして平成21年（2009年）には世界最大規模を誇る国際消費財見本市である、ドイツ・フランクフルトのアンビエンテに箸だけで初出展を果たした。手ごたえはまずまずだった。そして翌年には洋食需要を意識し、底圧2mmの薄さで口当たりの良さと見た目の美しさを備えた木製スプーンもラインナップに加え参加。たまたま足を運んでいたフランス料理の巨匠ジョエル・ロブション氏の目にとまり、モナコにある氏の和食店でスプーンと箸が採用されることが決まった。それを足掛かりに次はパリで開催される国際展示会メゾン・エ・オブジェにも出展。スプーンなど文化性に合わせた商品が受け入れられると、名だたる星付きレストランのシェフたちがこぞってマルナオの高度な研磨技術が生み出すカトラリーを求め、欧州での知名度をぐんぐんと高めていった。

伝統と革新が生み出すマルナオの道具

製品が評価されはじめ、多くのバイヤーが工場を見学に訪れるようになると、職人たちが来訪者の度に作業を中断しなければならないなどといった過度なストレスを抱えるようになった。それならば作業現場を常時公開しようと平成26年（2014年）現在の場所に製造工程を一般消費者が自由に見学できるオープンファクトリーと直営店を備えた新社屋を新たに設立した。製造現場とギャラリーの間をガラスで間仕切りする事で見学者の気配を遮断し、また見学者側のスペースを暗いトーンにすることで職人の目には見学者が見えずらく、作業に集中できるようになった。一方の見学者はガラス越しながらも間近に職人たちのものづくりへの情熱を感じる取ることが出来る設計にした。この構造が職人に適度な緊張感をもたらすことにつながり、技術力の向上にもプラスに働いた。

平成29年（2017年）には東京に直営店をオープン。さらに2年後には「食文化や食の歴史が異なる場所で挑戦したい」と考え、新潟県では初となる念願の海外1号店をパリにオープンした。

今後はファクトリーの敷地にレストランを新設し、来訪客が実際にマルナオの箸やスプーンで食事のできる場所を提供できるよう計画中だ。戦前、彫刻の伝統技からスタートしたマルナオのものづくりは、当時と同じ高い職人魂を携え、美しく理想的な食具づくりとなって現在に至る。「あくまでメインは食であって、道具は脇役でいいんです」と福田さん。持ちやすく、使いやすく、清潔であること。私たちは手で触れ口に入る食具を作っているという強い意識を持ってると胸を張る。本当によいと思えるものを世の中に提供している、その自信と誇りが更なるマルナオの発展を支え続けるだろう。

「マルナオ」のものづくりは、彫刻の伝統技から始まりました。そして現在、精鋭の職人たちの卓越した技能を巧みに駆使し、高い精度と美しい仕上がりの商品を世に送り出しています。先人の軌跡を踏まえ、伝統と革新を融合した道具を、これからも作り続けます。

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大きさではない、味にこだわる「天使音マスクメロン」

静岡県では大正末期から温室メロンの栽培を始め、今では日本一の産地。高級フルーツの代表ともいえるマスクメロンは、１玉１万円を超える高値で取り引きされ、高級料理店の定番デザートとしても高い人気を誇ってきた。そんな静岡で近年人気を高めている話題のメロンが、浜松市のヒノン農業株式会社が手掛ける「天使音(あまね)マスクメロン」だ。
「実は、近年のメロンの栽培技術は、味や品質よりもいかに大きな果実を作るかということに重点が置かれていました。そのために成長促進剤などを使ったりするのですが、人気は上がらず、生産者の数もどんどん減っています。私はこれから先の未来の農業を考え、基本に立ち返って、小さくてもいいから、安全性や味にこだわっていきたいと思い、『天使音マスクメロン』を開発したんです」（ヒノン農業株式会社・影山雅也社長）

開発のベースになったのは「クリームメロン」、と呼ばれたマスクメロンの存在だった。母親に「ヒーローオブロッキンジ」という、英国由来の白肉系メロンを持つメロンで味と香りは突出していたが、栽培が難しく、果実が小ぶりだったために、忘れ去られていったメロンだ。「ヒーローオブロッキンジ」は、ある文献によると、英国女王エリザベス２世の戴冠式に出席するために、イギリスを訪れていた秩父宮妃殿下が、付き人に命じ、なんとか持ち帰った種だったことが記されていた。それをたよりに、保存されている「ヒーローオブロッキンジ」の種を探しだし、開発にこぎ着けた。この種を緑肉系（アールスフェボリット）の種とかけあわせ改良を繰り返し、そうしてたどり着いたのが、現代のクリームメロン「天使音マスクメロン」だ。

高級料理店が注文するマスクメロン

百聞は一見にしかず。影山社長が天使音メロンに包丁をいれる。野外にもかかわらず、メロンの甘い香りが広がり、食欲を刺激する。確かにやや小ぶりな気もするが、食べてみると、やさしい甘みが口いっぱいに広がり、思わず笑顔になる。全国の高級料理店がこぞって注文する理由もよくわかる。

「いつも食べているメロンとは一味違う、濃厚な美味しさですね」（中田）
それもそのはず、ヒノン農業株式会社の温室では、通常樹上で行われる完熟に、さらに手をかけた、“ダブル熟成”を行っているという。「ダブル完熟収穫技術」と名づけられ、特許を取得している。果実に水分ストレスを与え、果肉に濃厚な味と香りを、凝縮していく技術である。この技法により、糖度は普通の収穫方法より1度以上上がり、香気成分は、温室メロンの数十倍にもなる。温室内を見学しながら、成長段階によってどのような作業を行うか説明してもらうと、水やりから温度管理、さらには熟成の見極めまで、このメロンにどれだけの手間ひま、技術がかけられているかが理解できた。甘さだけではない、「旨味」「コク」「香り」までもが追求された究極のメロンは、日本の職人気質が生み出した逸品だ。

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800年以上の歴史がある漆器の町

秋田県の南の玄関口、湯沢市はその名の通り、豊富な温泉群にめぐまれた町だ。その東北部に位置する川連町は小さいながらも800年以上の歴史を持つ漆器の町として知られている。
鎌倉時代から400年にわたって秋田県南部一帯を治めていた稲庭城主が、武士たちの刀のさやや、鎧などの武具に漆を塗らせたのが始まりだとされている。その後、江戸時代には、椀や膳、重箱など食器類にも広く漆が使われるようになり、川連漆器は地域の人々の生活必需品として、さらには工芸品として広く親しまれるようになった。
漆器は木地作り、塗り、沈金・蒔絵などの専門職人が分業で作り上げていくのが一般的。川連では一連の職人全てが半径2kmの小さな町の中に集まっている。これは全国的にもめずらしい。そんな川連町に明治の初めごろから、漆塗り工房として伝統の技を受けついできた「秋田・川連塗 寿次郎」はある。このちいさな工房で湯沢産の漆を使った漆器づくりをしたいと5～6年前から漆の植樹を始めたのが塗り師の佐藤史幸さんだ。

現在日本国内に流通する漆はほとんどが海外産で、ここ川連も例外ではない。国産の漆は生産量が少なく、手に入りにくい。また高価なため、どうしても海外産に頼るのが現状。海外産の漆が悪いという訳では決してないけれど、国産の漆を途絶えさせない為にも、今始めなければいけない事があると、佐藤さんは話す。ここ川連だからこそ出来る事、守れることを次の世代に受け継いでやりたのだと。

時間をかけて完成する川連漆器

川連漆器は、粗挽きの木地を熱と煙でいぶして燻煙乾燥させる。以前はどこの漆器産地でも使われた手法だが、最近では効率化が進み機械を使った人工乾燥が行われている。燻煙乾燥の良いところは、時間をかけてゆっくり丁寧に乾燥させるため、木地の歪みや割れを軽減できること。また、煙の成分が防腐・防虫などの効果をもたらす。
「川連は小さな漆器産地。設備投資する余裕がなかったんですよ」と、佐藤さんはおおらかに笑う。

そして川連漆器の最大の特徴は最終工程の上塗りにある。「花塗（はなぬり）」という技法が使われており、この工程は「塗立て」とも呼ばれる。漆を研ぎださないで仕上げるため、研磨しないままでも漆の持つ自然な光沢がでて、漆の質感と触った時のやさしい感触がより引き立つといわれている。またこの上塗りが他の産地よりも厚めなのも魅力の一つ、使い込む事で色艶が増して、さらに美しい器になっていく。川連漆器に限らず、漆器が完成するまでの工程は驚くほど長い。「塗り」だけでも30から50もの工程を経てようやく完成する。
一度塗ったら5日～7日ほど乾かす。そして研磨したらまた塗る。それを何度も何度も繰り返す。そうすることで堅牢さが増し、長く使える丈夫な器となるのだ。出来上がった器の表面からは重なった漆の層は見えない。でもそこには職人が、何十もの工程の中に込めた情熱や技術が塗り重なっているのだ。

トチノキを原材料とした川連漆器は、手に持った感触が軽く、保温性にも優れている。何より口にした時の口あたりが優しく、なんともここちよい。「一度、川連漆器のお椀にご飯を盛って食べてもらいたい。見た目の美しさはさることながら、口当たりの優しいお椀の良さもわかってもらえると思います」。刷毛を平らにムラなく滑らせながら、佐藤さんは愛情深く川連漆器の魅力を話してくれた。

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最高峰の玉露「八女伝統本玉露」

八女市は福岡県の南西部に位置する人口が６万5千人ほどの農芸都市である。 『日本書紀』にも記述のある山間の里で、世界に認められた「八女茶伝統本玉露」は作られている。玉露とは品種ではなく、栽培方法。一般的な煎茶が一番茶にはじまり二番茶、三番茶と1年に何度か収穫するのに対して、玉露は一番茶のみ。しかもそのほとんどを手摘みで収穫すること。煎茶とのもっとも大きな違いは、収穫の2～３週間ほど前から茶畑全体に被覆（カブセ）をし、日差しを遮ることだ。茶の苦み成分となるカテキンは、光合成によって増加する。
日射しを遮ることで光合成をしないことは、旨み成分であるアテニンを増加させることに繋がり、その結果、玉露は旨みの強い茶となるのだ。「八女伝統本玉露」は更に、茶樹を直接覆わず棚を作る事、枝葉を刈らずに伸ばす自然仕立てである事、藁などの天然素材を使って覆う事、また手摘みをすることが決まりとなっている。そのような決まりを守る事で「GI」の取得や「全国茶品評会」での20年連続日本一受賞や、パリの日本茶コンクールでのグランプリ受賞などと、世界に認められた最高峰の座を守っているのだ。この玉露の第一人者と呼ばれているのが、全国茶品評会で三度も日本一に輝いている星野村の宮原義昭さんだ。彼が作った玉露は、８g／１万円で販売されたこともあるという超高級品。自宅の目の前には、広めの家庭菜園ほどの茶畑があり、そこには収穫されたばかりで枝が目立つ茶木が並んでいた。

お茶を育てるのは天地人

「茶畑というと日当たりのいい斜面にたくさんの茶木が並んでいるという印象でした。ここはかなり小さい畑ですね」（中田）「でもとにかく土がいいんです。ここで丁寧に育てれば、おいしい玉露ができるんです」
宮原さんは、「茶を育てるのは『天地人』」だと語る。天は日の光、地は畑の土、そして人。小さな畑ながら、宮原さんの畑にはそのすべてが揃っているという。
「うちでは囲いの上にわらを敷いて遮光します。天気によってわらの場所をかえたり、厚みを変えたりしながら、収穫の４日前からは99％まで遮光率を上げます」（宮原さん）
ぬるめのお湯でゆっくりと煎れた玉露は色も鮮やかだ。玉露はごくごくと飲むものではない。少量をじっくり味わう。宮原さんの玉露は、ほんの数滴を口に入れただけで、驚くほどふくよかな旨みと甘みが口中に一気に広がる。

「濃厚だけど、やさしい味ですね」（中田）
星野村はその名の通り、夜には美しい星空が広がり、また初夏には蛍が儚く美しい光をなして群れる名所としても知られている。澄んだ空気のなかで最高の茶を楽しむ。都会ではありえない贅沢な時間を過ごすことができた。

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花鳥風月を描く加賀友禅

戦国武将・前田利家を初代藩主とする加賀藩前田家は、百万石の財力を注ぎ込み文化の発展に力を入れていた。城下に住む武士や町衆にも茶の湯や能の奨励をしたほか、三代藩主・利常が城内に御細工所を設置、京都や江戸から指導者を招き金工・漆工などの藩主用の工芸職人を養成するなど、京都の公家的文化や江戸の武家文化とは趣を異にする、独特な武家文化を確立させた。

加賀友禅は、江戸時代中期、京友禅の創始者といわれる絵師の宮崎友禅斎が、その技術を伝えたことから始まったといわれる。加賀友禅作家・柿本市郎さんの仕事場は、加賀百万石の風情を残す金沢城や兼六園にほど近い住宅街にあった。「加賀友禅の師は自然です。京友禅は図案柄が多いのに対し、加賀友禅は花鳥風月を描くのが特長。日々、散歩がてら兼六園あたりに出かけてスケッチをしています。地面に生えている草花を描かなければ本物にはならない。花屋の花では駄目なんです。若いころは、菊とか牡丹とか立派な花にひかれましたが、最近は名も知れぬ雑草に目がいきますね。雑草の秘められた強さ、美しさを友禅に描けないかと考えています」（柿本さん）

作家の個性がでる一点物の着物

柿本さんの仕事場にかけられていた訪問着は、まさに花鳥風月の美しさを感じさせる１枚。明るく輝く半月に、色とりどりの植物。着物の柄というより、写実性の高い絵画を見ているようだ。
「見た目の美しさだけでなく、そこにある生命を描く。加賀友禅の技術のひとつに『虫喰い』というものがありますが、これは植物の葉に虫が食べたようなあとをあえて表現すること。毎日のように目の前にある自然を描いていると、そこにある変化にも気づきます。四季のある国に生まれてよかったなと思います」（柿本さん）
大正から昭和にかけて活躍した友禅の人間国宝・木村雨山に学び、昭和42年に加賀友禅作家として独立した柿本さん。その繊細かつ大胆な作風が高く評価され、数々の賞を受賞。80歳を超えた現在でも第一線で活躍する。
「京友禅はデザインを決める人、絵柄を描く人、色を入れる人がそれぞれ別々ですが、加賀友禅ではすべてひとりで行います。ひとりでデザインを考え、絵柄を描き、そして染める。色の配合も自分で決めます。だから二度と同じものはできませんし、作家の個性が強く反映されることになります」（柿本さん）

絵柄が繊細になれば、染めの作業も繊細になる。１枚の花びらのなかで色をぼかし、より立体的な美しさを表現するのも加賀友禅の特長だ。
「私の師匠でもある木村雨山先生の作品を見ると、色がはみ出したりもしていて、でもそれが植物の生命力を感じさせてくれる。私もその領域を目指しているのですが、まだまだ修行中です」（柿本さん）
60年を超えて、まだ修行。加賀友禅に限らないことだが、やはり工芸の世界は果てしなく奥深い。

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秋田藩で生まれた工芸「金銀銅杢目金」

「金銀銅杢目金（きんぎんどうもくめがね）」。読んで字のごとく、金、銀、銅や赤銅といった金属を重ね、彫りを入れたり叩いて鍛えるなどして、木目のような表現をつけた芸術作品だ。
もともとは秋田藩の三代藩主である佐竹義処のお抱え金工師であった正阿弥伝兵衛が考案したとされる技術。刀のつばや柄に好んで使われた。
金属を接着する際に、1100度前後の高熱でそれぞれの金属を熱する。とくに金と銀はそれぞれ融点が違うので、かなりの技術が必要とされる。そのため金銀を使用する作品は長く途絶えていたが、今回お話をさせていただいた林美光さんが40年という長年の研究の末、復活させた。

60年の「金銀銅杢目金」作品作り

今回取材をオファーさせていただいたきっかけは、工芸展で実際にその作品を見て魅了されたことだった。実際にその作品を目の前にする。金属とは思えない美しい木目がそこにはある。「持ってみて」と林さんに促されて手にとってみると、ずっしりと重い。この繊細な模様が金属で作られていると思うと、不思議な美しさが浮き立ってくるようだ。
林さんは10代のころからずっと作品を作り続けてきた。材料となる金属はそのときどきで違った。最初は鉄ではじめ、戦後になるとステンレスが主流になった。ちなみにステンレスでの作品は現在でも作り続けているそうだ。
「猛勉強しましたよ。とにかくめちゃくちゃに作り続けた。それで色々なものがわかってきました」と林さんは話す。金や銀など金属同士のバランス、重ねる順番、そういったものをすべて作りながら見つけてきたのだそうだ。

東大寺に香炉を献納する

この工芸作品では金属を使う。金や銀といったものも使うので、材料費がものすごく高くなることがある。だから、作業も慎重にならざるを得ない。だけれども林さんは「もちろん、技術がよくないといけない。でも、度胸も必要なんです」とも言う。
「作っていないと落ち着いていられないんですよ。作っていないと気がすまない」
そんな風に語る林さんは、77歳を迎えるがまだまだ現役で活躍している。2014年の夏には、奈良東大寺に金銀銅杢目金の香炉を献納する予定。（取材時）
「これまでの集大成」と林さんが位置づける「華厳」という作品はその技法とともに文字通り「宝」として日本に残ることになる。

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緞通·カーペットの始まり

鍋島緞通などで知られる緞通という敷物。ほかにも、倉敷緞通や堺緞通といったものがあるが、山形にも歴史のある緞通がある。それを見るために、“山形緞通”の生みの親であるオリエンタルカーペットを訪ねた。
緞通というのは、基本的には絨毯と同じだと考えてもいいが、一般的に絨毯が長尺のものであるのに対し、緞通は短尺のものをさす。もちろんサイズはいろいろあるのだけれど、イメージとしては玄関のマットぐらいのものを想像してもらえればいいかもしれない。
もともとシルクロードを通って室町時代のころに中国から伝わったとされる。江戸時代になり、長崎で織りの技術を正式に学び鍋島緞通が生まれた。その後、全国にその技術は段々と広まっていった。
しかし、山形緞通についてはこうした歴史とは一線を画す。昭和10年頃、中国から技術者を呼び直接その技術指導を受けたことが始まりだという。

山形緞通の誕生

今から70年ほど前の1935年にオリエンタルカーペットは産声をあげる。その年は深刻な冷害がおきて、凶作となってしまった年だった。その煽りを受けて、人が身売りをするということまで起きたのだという。
「私の祖父が、その状況をなんとかしたいという思いで始めたのが日本での絨毯作りでした」と話を聞いた渡辺博明社長は話す。まずは女性が働ける場所を作りたいと思ったのだそうだ。そこで中国から先生を招き、絨毯製作を学んだ。そこで出来上がったのが“山形緞通”なのだ。
その当時つまり70年前の絨毯は、お話を伺う応接室の足元に敷かれていた。まるで新品のよう。手でそっと撫でてみると、ふわりと柔らかかった。管理を徹底して大事にとってあるのかと思いきや、10年に1度クリーニングをしているがあとはそのまま使っているだけなのだという。その事実に驚いてしまった。当時の技術がどれだけ徹底していたかがわかる。「手織りの絨毯なら100年以上使えますし、『堅牢染め』という染めの技法を使っているので、色あせることもほとんどありません」と渡辺さんは言う。

伝統技術と新しい試み

現在でも、手織りの絨毯作りも続けている。デザイン画にそって、毛糸を織り込んでいく。手間と時間がかかる作業だ。話を聞くと熟練の職人でも1日に7センチから8センチほど織り込むのがやっとだという。そうしてできあがるのが、あの一枚なのだ。
歴史と伝統のあるオリエンタルカーペットだが、もちろん技術革新にも余年がない。そのひとつが「マーセライズ」という独自の技術。最初、応接室を訪ねたときに入ったときに額縁に入った絵だと思っていたものが近づいてみると実は絨毯だったのだ。なかでも驚いてしまったのが、“絨毯の能面”。本当に繊細で、近寄って見るまではまるで本物にしか見えなかった。それを実現しているのがマーセライズだ。毛糸に風合いと艶を与える技術で、オリエンタルカーペットでは何と2万色以上もの色を再現できるのだという。最近は、地元出身のデザイナー奥山清行さんや、建築家の隈研吾さんとコラボレートして、現代的なグラフィック柄や、まるで苔の生えた庭のような絨毯も発表している。
生活様式が変わってきたことによって、絨毯、カーペット、緞通、それぞれ求められるものも変わってきている。それに対応しながら、新しい試みを行っていく。山形緞通の生みの親は、そんなふうにしてまた新たなものを生み出していっている。

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