江戸時代から約400年続く、伝統ある南部鉄器の工房。
その特長の1つは、無駄のない美しいフォルムと深い錆色。
その高いデザイン性と色合いが現代の生活にもなじみ、
気品のある印象を与えています。

400年の伝統を受け継ぐ女性職人

岩手県盛岡市にある鈴木盛久工房は、江戸時代から南部鉄器を支えてきた約400年の歴史を持つ工房だ。創業は1625年で現在でも昔ながらの技法を受け継ぎ南部鉄器を作り続けている。鈴木家は代々鋳物師として南部藩に仕え、現在で15代を数える家だ。

今回お伺いしたのは、15代鈴木盛久の名を継いだ熊谷志衣子さん。歴代のなかで初の女性職人ということで注目を集めている。志衣子さんは鋳物師になる以前には彫金を学んでいた。しかし、先代のお父様が亡くなったことを受けて、この道を継ぐ決心をしたのだとお話を伺う。彫金を専攻していた経験が現在の繊細で、たおやかな模様の作品につながっている。その中でも特に人気なのは鉄瓶だ。この日は仕上がったばかりの鉄瓶をひとつひとつ拝見した。

インテリアとしても飾れるおしゃれな南部鉄器

伝統の「日の丸形」という鉄瓶は明治時代のデザインだ。一般的な南部鉄器は、現代のやかんや急須と比べるとがっちりと重厚な印象がある。しかし、熊谷志衣子さんの作品は南部鉄器ならではの重厚感を残しつつも、女性らしいオリジナリティーを感じさせる。珍しい縦ストライプや手鞠模様といったデザインは驚くほど軽やかだ。このように伝統工芸品ではあるが、現代の生活を彩るインテリアとしても志衣子さんの南部鉄器は愛されている。

次にギャラリーと繋がっている工房に案内していただいた。明治18年の建設以来そのままという町家造りの建物、そのほの暗い通路を通り抜けると工房があった。現在、鈴木盛久工房では、志衣子さんや16代目を継ぐ息子の成朗さん、そして若いお弟子さん方が活躍している。

鉄瓶のデザインを考え、鋳型をつくり、鉄を流し込む、その南部鉄器づくりの全てがこの工房で行われている。代々受け継がれる技術があるからこそ、鉄瓶を繊細にも重厚にも作り上げることができるのだ。

伝統工芸品づくりは全体のフォルムから

工房で中田は鋳型に日本の伝統的な模様をつける「模様押し」という作業を体験させてもらった。大小異なる大きさのあられ棒を使って押し当てるように模様をつけていく。均等に模様をつけられず、「はあ」と中田のため息が聴こえてくる。けれども志衣子さんは「逆にそれが面白い」という。

次第に「ものづくり」という観点の話になる。作業をしながら中田は「例えばいまはこうして模様をつけさせてもらってますが、ものを作り始めるのは模様から入りますか。それとも全体的なフォルムから？」と質問した。中田は自身が参加したREVALUE NIPPON PROJECTで作品を作ったときにフォルムから入ったというのだ。

志衣子さんも同じようにフォルムから入ることが多いという。ギャラリーで拝見した鉄瓶は、たしかにどれも魅力的な形をしているものが多い。その時代、その時代に心地よい形が誕生していく。今後も400年の伝統を守りつつ、南部鉄器の新しい可能性を模索する志衣子さんの活躍が楽しみだ。

家に代々受け継がれてきた伝統をしっかり守りながらも、時代に即したデザインと実用性を兼ね備えた、遊び心もある南部鉄器を製造しています。ぜひ手に取っていただき、南部鉄器のある暮らしのよさを知っていただけたらと思います。

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南部鉄器の製造工程

南部鉄器の製造工程を見学するために、岩手県盛岡市にある株式会社岩鋳を訪ねた。株式会社岩鋳は明治35年創業。国内でも有数の大型工場を持ち、現代の生活に馴染む鉄瓶や鉄器から、約400年の伝統を受け継ぐ手作りの南部鉄瓶まで多岐に渡る製品を製造している。今回は観光施設と工房を兼ねた「岩鋳鉄器館」を訪れ、職人による手作りの作業を見学させていただいた。
工房ではちょうど「鋳込み（フキ）」と呼ばれる作業が始まっていた。南部鉄器の伝統工芸士・八重樫亮（やえがしあきら）さんが溶解炉で約1500℃に熱した鉄を“とりべ”と呼ばれる大型の柄杓に取り、鋳型に流し込む。二人の職人が鋳型を抑えてサポートする。鋳型から火が立ち上るが、冷静に鋳型から余分な鉄を取り出す。鋳型に鉄を流し込んでから余分な鉄を取り除くまでは約25秒程度。
「鋳型に流し込んでからすぐに、余分な鉄を流してしまうんですね。鉄はそんなに早く固まるものですか？」と中田。
「そうです、鋳型に流し込むと一瞬で冷えて固まります。鉄は1000℃以上になると溶解した状態になりますが、すぐに冷えるんです」
中田もこの鋳込み作業を体験させてもらう。鉄の変化を目の当たりにする南部鉄器作りの華形とも言える作業だ。

南部鉄器には様々な工芸技術が盛り込まれている

「南部鉄器の作り方というのは、簡単に言えば“鋳物”に当てはまります。ただ、砂や粘土から鋳型を作る工程は陶芸、鉄瓶を調整する工程は彫金、表面の加工には漆の知識が必要です。様々な工芸分野の技術が含まれるので習得にも時間がかかります。そして知れば知るほど昔の人の合理性に驚きますね」と八重樫さんは話す。

現在、国産の鉄は生産量が極めて少ないため、原材料の銑鉄は海外からの輸入し自社工場で最適な成分に精錬してから使用している。この銑鉄は炭素やシリコンを多く含み、割れにくい丈夫な鉄器になるというメリットもあるのだという。
「材料の鉄は昔と同じというわけには行きませんが、製造技術はしっかり受け継がれています。職人たちの意志があってこそ技術を絶やさずに来たんだと思います」。株式会社岩鋳には20代、30代の職人も在籍する。手作りの南部鉄器は職人自身が意匠を描き一つひとつ作り出すのだ。

使うことによって“変化”を楽しむ

「鉄瓶は、特別に扱いにくいということはありません。使えば使うほど良くなっていく物なんです。使い込むことで少しずつ変化し、その人の暮らしが写し取られていく。そういう魅力があるんです」
同じ製品でも修理のために戻ってくると全く異なる顔になっていると八重樫さんは話す。
「修理はいずれ必要になりますが、修理に来た時が一番嬉しいです。直してでも使いたいと思ってもらえることが嬉しいですね」
手作りの南部鉄器は繊細な技術を守り、その趣を大事にする。そして国内や海外で多くの人の手にとってもらうために、南部鉄器の技術を応用し鉄鍋やフライパンといった現代の調理用具の生産にも力を注ぐ。こうして多方面から南部鉄器の魅力を知ってもらうための製造を続けている。

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南部鉄器との出会い

岩手を代表する工芸品の南部鉄器のデザイナーである金属造形作家の廣瀬愼さん。東京でデザインの勉強をし、工業デザインを手がける仕事をしていた。ただ何となく「違うな」という思いをもち続けていたそうだ。そんなときにたまたまデパートのクラフトコーナーで展示されている鉄瓶を見た。それが南部鉄器との出会いだったという。
「ほんとうにしゃれた鉄瓶で、黒の世界、形は崩し様がない。すぐにお店の人に頼んで紹介状を書いてもらいました」そして南部鉄器の道に入り、弟子として3年間修行を積んだ。

作品を作り続け通産大臣賞を受賞

「その間にもずっとこれでやっていけるかという悩みはありました」と廣瀬さんは話す。基本的な修行を積みながら、夜になると自分なりに作品を作っていたという。お皿をデザインし、メーカーに持ち込み作品にしてもらった。そんなことを繰り返しているうちに、作ったお皿が当時の通産大臣賞を受賞することになった。
「それに後押しされた形ですかね。これで間違いないと思って、やってみようと思えるようになったんです」と廣瀬さんは当時を振り返る。

南部鉄器に温かみのあるデザインを

廣瀬さんは現在、南部鉄器の鍋や食器をデザインするデザイナーの仕事をしている。例えば取っ手を隠して鍋のように見えない鍋など、これまでになかった新しいデザインにもどんどん挑戦している。実は色も黒だけでなく鉄そのものの灰色もあり、顔料を塗布すれば様々な色を描くことも可能なのだという。そういったデザインの作業のなかで一番気をつけていることを聞くと、こう答えてくれた。
「鉄はどうしても冷たいというイメージがあると思うんです。だからデザインをするときに鉄器自体に”温かみ”を持たせたものにしたいなと考えてデザインしています」
たしかに鉄というとどこか冷めた印象があるかもしれない。どしっと腰を下ろした重量感があるいかにも「道具」という印象のものもある。そこに温かみを入れることを大事にしているという。

使う人の言葉を聞く

廣瀬さんがデザインをする際に絶対的なアドバイザーとなるのは奥さんだ。展覧会などに出品する「作品」として製作するものもあるが、もともとはやはり鍋や皿など「日用品」であるのだ。日常使うものだから使う人の意見を大事にする。見た目のデザインを考える上でも「使う」という観点は忘れていないのだ。
そもそも鉄という素材は料理に適している部分がある。例えば鉄鍋ひとつで焼く、煮る、炊く、さまざまなことができるし、熱の伝わり方が均一でムラなくおいしい料理を仕上げることができる。また鉄器は自然素材なので身体にも優しいという安心感もある。
鉄器は錆びやすいとか、手入れが難しいと思われがちだが、使ったらすぐに洗って、一瞬だけ空焚きをして水分を飛ばしてしまえば、それで大丈夫。何も面倒なことはひとつもない。となれば、ぜひ鉄器での料理、鉄器での食事を試してほしい。料理自体も温かい。見た目も温かい。そんな食卓ができるかもしれない。

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岩手の伝統工芸品、南部鉄器

今回の旅で訪れた金属造形作家の廣瀬さんがデザインした鉄器を製造しているのがここ及源鋳造。創業は1852年。今から160年も前のことである。
南部鉄器の歴史は奥州藤原氏のころに始まるという説があるので、今から約900年前に遡る。現在の滋賀県にあたる近江国から鋳物職人を呼び寄せて根付かせたといわれている。奥州藤原氏の滅亡とともに産業も細くなっていったが、室町時代の初期に復活の兆しを見せ、江戸には地域産業として鋳物業が定着した。そののちに仙台伊達藩の庇護のもと鉄器作りは鉄鍋を中心に仏具なども生産して盛んになる。及源鋳造が創業したのはそうした時代だったということだ。

日本の技術と“砂”が生み出す薄さ

鉄を素材にし、鋳物で鍋などを作る技術はもちろん海外にもある。それでも「技術は日本が一番です」とお話を聞いた代表の及川久仁子さんは胸を張る。なぜなら日本の鉄器は薄くつくることができるから。鋳型を成形する際に使う砂の細かさが群を抜いて優れているのだという。
「どうしてこんなに細かく表面の模様が出るのとよく聞かれるんです。これは砂のおかげですね。こんなに薄くて肌のきれいな鉄瓶を作ることのできる国はほかにはない。正直なところ鉄瓶や急須といったものでは競合相手はいないと思っています」
そんなふうに笑いながら話をしてくれた。たしかに海外の鉄鍋、ホーロー鍋といったものは厚みがありどっしりと重量感がある印象だ。それに比べて目の前にある鉄器はまさに洒脱。すっきりとした立ち姿が印象的だ。

パン焼き器も人気

南部鉄器というといわゆる田舎鍋のようなものがイメージのひとつとしてある。それとともにやはり人気なのが鉄瓶。実際の売れ筋も急須や鉄瓶が多いそうだ。また廣瀬さんのデザインするような現代的な鍋や鉄器も人気だそう。
だけれども及源鋳造にはもうひとつの人気商品がある。それは“パン焼器”。及川さんのお祖母さんであるタミさんの鍋を復元したパン焼き器が人気なのだ。ステンレス製と比べて熱が均一に伝わり、おいしく焼きあがると話題を呼んでいるのだ。

南部鉄器の伝統を繋ぐために

創業900年という歴史を持つ南部鉄器の産地で、現代の生活に適した多様な製品を作り続ける。それだけに伝統を受け継ぐということにも気を遣っている。技術は使わないと保持できない。技術を衰えさせないようにあえて難しい形にもチャレンジもしている。
そのなかで最大の課題は後継者の育成だ。広く知ってもらうためのブランディングも大事だが、そもそも作れる技術、作れる人がいないと始まらない。伝統を受け継ぎ、地場産業である鉄器作りに携わる人の育成にも力を入れている。

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仙台箪笥の「金具」を作る仕事

今回の旅で、仙台箪笥を取り扱うお店も訪れたので、仙台箪笥の歴史などの説明そのものはそちらの項を見ていただきたい。そこでも説明したが仙台箪笥は本来、幅4尺（約120センチ）、高さ3尺（90センチ）と決まっている。
横120センチ、縦90センチというと大きくもないが、小さくもない。両手を広げれば端から端まで手が届き、高さは腰のあたりだろうか。普段遣いには使いやすく重宝しそうな、日常の箪笥だ。

それでも目を引くのは、豪華な飾りがあるからではないだろうか。普通、箪笥というと取っ手の部分にある金具や角の補強のために金具を使っている。しかし、仙台箪笥は武士が愛用したということもあるのだろうか、多くのものが正面に豪華な鉄の打ち出し金具がついているのだ。どうしてもそれに目を奪われてしまう。
今回は、その金具を作っている八重樫仙台タンス金具工房の八重樫榮吉さんにお話を伺うことができた。

“たがね”だけで1300種類

八重樫仙台タンス工房は、八重樫さんで四代目を数える歴史のある工房。祖父の代から仙台箪笥の金具一筋で生きてきたと、八重樫さんは話す。仙台箪笥は指物、漆塗り、金具すべてを分業で行う。だから、金具職人の八重樫さんは金具一筋なのだ。
龍、唐獅子、牡丹など、様々なものを金属から浮かび上がらせる。金属は主に鉄を使うが、銅、銀、真鍮を使用することもある。裏から板を叩き、膨らみを出してから、表を打って模様を出していく。トンカンとタガネの音が響く。大きく膨らませるところ、細かく打ち込むところ。その都度、八重樫さんは手にするタガネを変える。
「タガネってこんなにも種類があるんですね」
「約1300種類あります。あと、穴抜きに使う道具なども含めるともっと多いですよ」
より細密な模様を、よりダイナミックな模様を浮かび上がらせるためには、その技を存分に発揮できる道具がないといけないのだ。しかも道具は手作り。 「職人は腕が必要というけど、それ以上に道具が必要なんですよ」 と八重樫さんは話す。

意匠をオリジナルで作り出す

仙台箪笥の金具の意匠には、先ほど言ったように龍や唐獅子など、伝統的なものがある。もちろん定番の図案を叩くことも多いのだが、八重樫さんはオリジナルの意匠も描き出す。
「箪笥の意匠をまかせてもらって考えるときが一番楽しい」 と八重樫さんは話す。こういうものを作って欲しいというオーダーもあるそうだ。 「やらない模様はないですよ。職人ですからね、できないというのは恥ですから。オーダーをいただいて、箪笥全体のデザインを考えていくというのが本当に楽しいんですよ」
家に代々受け継がれてきた意匠を突き詰める。それと同時に、自分で新しくオリジナルのデザインを考える。生活様式の違いもあり、求められるものも変わってきたという。 作業の合間に、仙台箪笥に使われる金具をひと揃え見せていただく。現在も受け継がれる優雅な装飾は、ひとつひとつが輝いて見えるようだった。

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仙台藩士が愛した仙台箪笥「門間箪笥店」／宮城県仙台市 – NIHONMONO 仙台箪笥とは 仙台箪笥が生まれたのは、江戸末期だといわれている。仙台藩の地場産業として発展したものだ。武士が刀

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日本伝統工芸展で数々の賞を受賞する金工作家

奥村公規さんのもとを訪ねると最初に見せてくれたのが、刀の鍔（つば）。

「これ見てください。とにかくおしゃれなんですよ。刀を差したときにどこから見られるかということがきちんと考えられている。だから文様を入れる位置も計算され尽くされているんですよね。デザイン力がすごいんです。それから、表面が均一になるとつまらないんですよね。鉄の肌合いや色合いを楽しむようにもデザインされているんですよ」

奥村さんは金工家。1975年に武蔵野美術大学を卒業し、作家活動を始める。1995年の日本伝統工芸展で文部大臣賞を獲るなど、これまでに数々の賞を受賞している作家だ。

金属だからこそできる表現

奥村さんが2012年春の東日本伝統工芸展に出展していた、鉄地象嵌小匣（てつじぞうがんこばこ）の「離れ（はなれ）」という作品。中田が「金属に見えない」とびっくりするように、見た目は漆塗りの木箱のよう。でも触ると金属の触感が伝わってくる。奥村さんの作品は繊細な柄を描きながらも、質感を残したものが多い。その微妙な質感を表現するには、素材の時点でサビを残してテクスチャーをつけるのだという。
「金属はそれほど種類がないですよね。それなのに、技術の組み合わせで、表現がまるで違ってくるのがすごくおもしろい」その中田の言葉に奥村さんもうなずく。
文化財の復元に携わると、過去の人と金属とがどのように関わってきたのかを実感できえる。そして古いものを学びつつ自分がいいと思うもの、面白いと思うものには積極的にチャレンジしているという。

刀の柄（つか）を作って遊んでいた

「今日はペンダントでも作ってもらおうと思って」と奥村さんが金属の板を中田に渡す。
「デザインって苦手なんですよね」と考え込んで、中田が書き込んだのが“旅”という文字。「いつも旅しているので、これでいきます」と中田。
いざ、銀の板をペンダントトップの形に丸く切り出す。切る道具は糸鋸。これがやはり難しい作業。悪戦苦闘しながらも何とか丸く切り抜く。そして次に待っているのが、たがねで文字を刻み込む作業。奥村さんにいろいろ指導していただきながら、たがねを打ち込んでいく。

「うーん、うまくいかないですね。どうしても線がきたなくなっちゃう」
「それもいいんですよ。今は旅の途中、作ったときのことがわかるじゃないですか」と奥村さんは言う。
「僕は昔からものづくりが苦手だったんですよ」と中田が言うと「私は中学のころから、仲の良い友人と一緒に、刀の柄（つか）を作って遊んでました。実物からかたどりし、鉛で作った目貫（めぬき）を柄の紐で巻き込んだりして遊んでました。それを背負ってたらおまわりさんに止めらたこともあったっけ」と奥村さんは笑っていた。
そうこうしているうちに、ペンダントトップが完成。奥村さんに仕上げをしてもらって、この世でひとつの“旅”が完成した。

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「刀剣研磨」の技術と芸術性を伝える人間国宝·本阿弥光州さん／東京都大田区 – NIHONMONO 「本阿弥」という表札を見て、頭のなかで日本史の教科書をめくり直す。その名前に江戸時代に書家、陶芸家などとして活躍した本阿弥光悦を思い浮かべる人も多いだろう。東京…

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一代一職という信念で鍛金家に

15歳のときに親元の山形県新庄市を離れて東京へ。それから約60年。鍛金（たんきん）の世界に身をおき、1995年には重要無形文化財保持者に認定された奥山峰石さん。
「実は、芸能界にあこがれがあって上京したんです。けれど、とにかく食べていかなくちゃいけない。それで銀器を作る職人のもとに弟子入りしたんです」
二十歳の頃に仕事をやめたいと感じたとき、「一代一職」という言葉に目が留まった。このとき自然と、ずっとこの仕事をやっていくのだろうと覚悟が決まったという。それから数十年“職人”として腕を振るったが、40歳のときに田中光輝氏に師事し作家の道を歩みだした。
「中学しか出ていない自分が、名前を残すには作品を作るということしかないかもしれないとも思いました」作家としての創作活動は少し遅いスタートだったかもしれない、しかしそれまで実用品を作り続けた日々は、作家奥山峰石の礎になったことは間違いないだろう。

ふたつの技法で生み出す鍛金作品

奥山さんが得意とする技法は、切り嵌（きりばめ）象嵌と打ち込み象嵌というふたつの技法だ。
まず紙に描いた下絵を、赤銅（しゃくどう）を圧延した板に写す。その模様を糸鋸で切り出し、器の地金にもその模様と同じ形の穴を開けておく。この2つを合わせて熱して接着をし、金鎚で打ち、嵌め込んでいくという手法が切り嵌象嵌。打ち込み象嵌は、模様を器の表面に接着し、叩いてめり込ませていく手法だ。
切り嵌象嵌は大きな模様に適していて、打ち込み象嵌は細かな部分の表現に適しているという。

豊かな自然を器に表現する

そのふたつの手法により生み出されるのが、奥山さんの作品の特徴である豊かな自然の描写だ。金属を象嵌したとは思えないような繊細な描写は、細やかな枝ぶりや葉、大胆な花を描き出す。ただし、この作業は想像をはるかに超えるほど大変なものだ。中田もハガキサイズの銀の板に、木のモチーフを打ち込む作業を体験させてもらったが、時間も根気もいる作業だった。

伊勢神宮に寄贈した大きな作品では、桜の花びらを1万2千枚も散りばめて描いたそうだ。打ち込み象嵌の技法を用いて、1枚1枚の花びらをすべて叩いて作り出した。その地道な作業が奥山さんの豊かな自然描写を生み出している。

人間国宝と呼ばれても努力を忘れず鍛金と真摯に向き合う

奥山さんはこれまでの作家活動のなかで、納得した作品はひとつもないという。
「叩き終わったあとに、まあまあかなって思うことはありますけど」と笑いながら続けた。「作っていると子どもを見ているみたいに、悪いところばかり見えてきてしまうんです。苦労したところがあるとか。やはりこれまで満足というのは一度もしたことがないです」
お話の最中にまわりを見渡すと書が飾られていた。それは奥山さんが書いたもの。その書道歴も16年だという。ある先生に教えてくださいとお願いしたところ、習うと人の字になってしまうから自分の字を書きなさいと言われたそうだ。あるとき“富士山”を書いた。それにはこんな理由があった。
「山を書いて、心、和を書いた。上に行っても努力を忘れずに頑張るようにという戒めですね。心の和がつながって人間国宝になれたんだという想いで書きました」
重要無形文化財保持者の認定を受け人間国宝と呼ばれるようになってからも、鍛金と真摯に向かい合う日々を過ごす。「仕事場でラジオを聴いているときが一番落ち着きます」と奥山さんは笑っていた。

この日、中田の制作した打ち込み象嵌の作品は奥山さんに仕上げていただき美しく完成した。

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一枚の金属から作品を創りあげる鍛金家·田口壽恒さん／東京都文京区 – NIHONMONO 鍛金で人のやりたがらないことをやろう 2006年に鍛金（たんきん）の分野で重要無形文化財保持者の認定を受けた田

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「彫金」の新しい創造を目指す彫金家·桂盛仁さん／東京都練馬区 – NIHONMONO 金属を彫って模様を描く”彫金” 「刀には工芸のすべてが入っているといって過言ではない」と言うのは彫金の分野で重

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金属を彫って模様を描く”彫金”

「刀には工芸のすべてが入っているといって過言ではない」と言うのは彫金の分野で重要無形文化財保持者の認定を受けている桂盛仁さん。刀には、陶磁器以外のほとんどすべての工芸による技術がつまっているという。もちろん彫金もそのひとつ。

彫金とは読んで字のごとく、金属を彫って装飾を施す技術。古墳時代の遺跡からもその技術は発見されている古くから培われてきた技術だ。日本では仏教美術の装飾にも多用され、室町時代、武士階級が台頭すると刀剣や甲冑などの装飾としてその技術は大いに発達する。

「戦乱の時代は部下への褒章として土地があった。でも江戸時代、平和になるとその代わりに、装飾の施された刀や甲冑をあげたんですよ。だから大大名であればあるほど必要になったんです」と桂さんは話す。そして近代以降には武具の装飾のほかに、器や帯留めなどの品にもその技術はいかされるようになった。

立体を作りだす彫金技術

桂さんの作品を前にして「技術的なことはもちろんだと思いますが…まずデザインがかっこいいです」と中田が言うと、「そりゃあ、デザインはかなり考えます」と桂さんは答えた。桂さんは器から香炉、それにメダカの姿を立体に模した帯留めなどさまざまなものを創りだす。

「作品を観た人は、どんな人であろうとまずは好みでいいか悪いか判断しますからね。技術的に、うまい下手というのはその次にくる。だからまずはデザインを考えるんです」
そして、そのデザインを可能にするのが技術なのだ。桂さんの作品の特徴のひとつは立体の像を作ること。全国で何人もできる者はいないという珍しい技術。そして、桂さんにしか出せないといわれる表現が立体像の“高さ”だ。四分一（しぶいち）という銀と銅の合金は、非常に固く、展延性に欠け、熱に溶けやすいことから、これほど繊細な細工を高く伸ばすことは至難の技なのだ。

総まとめで彫金

中田は彫金の体験をさせてもらいレリーフを作った。これがなかなかうまくいかない。梅の花の図柄どおりに打ち付けるだけでも神経を使うのに、打つ強さによって作品に奥行きをつけるというのだ。中田が苦労しながら打つ様子を見て桂さんも「そう、今のがいいみたい」と根気強く付き合ってくれた。
桂さんの作品は、象嵌や鍛金など、多くの技術が入っているのも特徴のひとつ。
「“色上げ”といって、細工した金属を薬品につけて化学反応させると金属本来の色がでます。地金の色の種類は7色くらいでしょうか。欧米ではこれほど多彩な金属はありません。」
日本独特の地金の種類に加えて、器の表面に銀箔を貼ったり、削って他の金属を嵌め込んだりすることで、全く雰囲気の異なる表現が生まれるのだ。
「どんなものでも、なかなかそれ単独という技術では限界がある。総まとめで彫金という感じです」たくさんのお話の最後に桂さんこう語った。
新しい表現を追及するため、桂さんの挑戦は続いている。

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一枚の金属から作品を創りあげる鍛金家·田口壽恒さん／東京都文京区 – NIHONMONO 鍛金で人のやりたがらないことをやろう 2006年に鍛金（たんきん）の分野で重要無形文化財保持者の認定を受けた田

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金属の質感を表現する工芸 金工家·奥村公規さん／東京都小平市 – NIHONMONO 日本伝統工芸展で数々の賞を受賞する金工作家 奥村公規さんのもとを訪ねると最初に見せてくれたのが、刀の鍔（つば）

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鍛金で人のやりたがらないことをやろう

2006年に鍛金（たんきん）の分野で重要無形文化財保持者の認定を受けた田口壽恒（としちか）さん。おじいさんの代から鍛金を始めたといい、ご自身は３代目だ。展覧会に出展する作品を作りはじめたのは田口さんが初めて。お父さんの代までは主にお茶の道具や、やかん、急須、それにぐい呑みやとっくりといったお酒の食器を作っていたという。
「自分のやりたいことをやってみたいと思ったんですよ。技術的には父の代までやっていた日用品を作るものと変わらない。難しいことはないんです。でも、人がやりたがらないものをやろうと思いましたね」
人がやりたがらないものというのが、“堅い”ものだったという。田口さんはあえて堅い素材に挑戦し、金属の美しさを感じさせる作品に取り組んでいった。

鍛金の描き出す美しさ

鍛金が描き出す美しさは、何といっても“打った跡”。田口さんも「鍛金で作られた作品は、光によって微妙に見え方が変わる。だから模様なしでも美しい」と言う。
田口さんが使うのは「四分一（しぶいち）」という素材。銅3に銀1を合わせた日本固有の合金だ。これを「しぼり」と「のばし」という技法を使って、縮めて伸ばして形を作っていく。まずは素材の中心から同心円状にカナヅチを打っていく。最初に形が変わりだすまでが一番時間がかかるという。
中田も試しに打たせてもらったが、一度全体を打ったくらいではほとんど変化がないように見えた。それほど根気のいる作業。その積み重ねが田口さんのいう「打った跡の美しさ」を生む。田口さんは「模様なし」といったが、打つ行為こそが鍛金作品の“模様”になるのだ。

作品が”育つ”から面白い

器の形になったら、そこからは自分の望む形に変えていく。その段階で田口さんはあえて厚みを残したりもする。「迫力を持たせたい」そう意図を話す。
その絶妙なバランスは最初から考えて作っているんですかと中田が質問をすると、「最初にぼんやりと考えて作り始めますね。でも僕は制作の途中でかなり変えていく。他の人に比べたらびっくりするぐらい変えていくほうだと思います」と田口さんは答えた。
また「作品がどこまで育ってくれるか楽しみなんです」と田口さんは言う。同じことをしようと思っても、絶対に毎回違うものになるというのだ。
「いいものをつくろうと思って、いろいろ考える。いろいろ考えて、丁寧に仕事をする。でもなかなかよくできたと思うものはできないんですよ。そして次の作品にとりかかる。前回までの経験を踏まえて、同じような作業をする。でもね、毎回違うものになるんですよ。完成までにかかる時間も違うし。そうやって、自分の作品が育ってるんです。どこまで育ってくれるかは自分にもわからない。だから面白いんですよ」
熟練の技術が生み出すひとつの“偶然性”。自らの想像を超える表情が器にあわられたとき、田口さんの作品がひとつ生まれるのだ。

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金属の質感を表現する工芸 金工家·奥村公規さん／東京都小平市 – NIHONMONO 日本伝統工芸展で数々の賞を受賞する金工作家 奥村公規さんのもとを訪ねると最初に見せてくれたのが、刀の鍔（つば）

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1000年以上の歴史を持つ”天明鋳物”

栃木県佐野市は古くから鋳物の産地として知られる街。その歴史は今から1000年以上も前にさかのぼる。平安中期に唐沢城の城主となった藤原秀郷（ひでさと）が鋳物師を河内国丹南郡日置荘（現在の大阪府 堺）から連れてきて製造させたのが始まりと言われている。それ以来、日用品から花器まで様々なものが作られるようになり、天明鋳物と呼ばれて人気を得ていた。かの千利休も天明鋳物の茶釜を愛用していたともいわれている。 今回お話を伺った正田忠雄さんは、平安中期に移り住んできた鋳物師・正田又右衛門藤原国光のご子孫。天明鋳物の歴史を脈々と受け継いできた作家なのである。

先祖代々受け継がれる技術。

これまで数々の賞を受け、国内外で高い評価を得ている正田さんだが、「自分がこの世界に入るとは思っていなかった」という。平安時代から続く鋳物師の子孫というプロフィールからは想像ができないが、学校を卒業したあと数年のサラリーマン生活を経てから鋳物師の道に入ったそうだ。それでもいまから振り返るとやはり「先祖を抜きにしては自分はないと思いますね」と語る。サラリーマン生活が肌に合わなかったときに考えたのは、やはり最初は鋳物師の道ではなく小説家を目指して修行していた父のことだったという。そして同じように鋳物の道を選び、父のもとで修行を始めた。

「私どもの仕事は先人の知恵がないとどうにもできない。例えば、鋳造するときに溶かした金属のなかに不純物を吸着して取り除くためにわら灰を入れるんです。これはなぜか、わら灰が一番いい。この技術を先人は自ら生み出した。その技術を現代の私どもも利用しているわけです。そういったことがこの仕事にはたくさんあるんです」 現代のセンスで現代の作品を作る工程にも、先人たちが切り開いた技術が多分に織り込まれているのだ。

Polished to Shine

鋳物というと、茶系統の色の茶の湯釜のようなものが頭に浮かぶが、正田さんがこだわりをもっているのが、朧銀（おぼろぎん）という材質が導き出す銀色。単にきらびやかな銀色とは違い、どこかずっしりと重みのある光を感じさせる銀色だ。正田さんの作品は銅合金を使ったものだが、銅が３、銀が１の割合だと、このずっしりとした銀色が出るのだという。もう30年以上もこの朧銀の色を追求してきた。その結果、正田さんならではの美しくも重厚感のある花器や香炉が出来上がったのだ。

この色を出すためには焼きあがったものを紙ヤスリ等で磨くという作業が必要になる。まさに作品の持つ”色”を決定づける、もっとも力の入る工程だ。すべて丁寧に磨き出さなければ、正田さんの銀色は出ない。中田も体験させてもらったが、これがなかなか難しい。丹念に、そして根気強く磨いていかなくては、あの独特の銀色は出ないのだ。

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