各世代で独自のスタイルを持ちつつ継承してきた竹工芸

竹工芸作家・四代田辺竹雲斎さんの作品は、大阪府堺市にある小さな工房で生まれている。格子戸を抜けると小さな中庭。敷石が並ぶ通路の左にあるガラス張りの部屋が工房だ。作務衣を着た四代田辺竹雲斎さんと３人の若者が黙々と作業をしている。彼の作品は、大英博物館やボストン美術館、フィラデルフィア美術館に収蔵されている。玄関やリビングには、そんな彼や歴代竹雲斎の作品が飾られている。細く削られた無数の竹を編んでつくられた花器やオブジェ。竹ならではの曲面には、繊細でありながら独特の緊張感がある。
「子どものころから竹工芸とともに生きてきました。家の中で祖父と父が作業をしていて、僕も見様見真似でやっていました。茶道とか華道、書道も教わっていましたが、それらがいまになって役立っています。東京で過ごした美大生時代は他の道に進みたいと思ったこともありましたが、結局DNAに埋め込まれていたのか、実家に帰り竹雲斎を継ぐことになりました」

田辺竹雲斎というのは、堺で襲名されている竹工芸家の名前。明治末期から昭和初期にかけて国内のみならず国際的な博覧会にも参加した初代、光と影がもたらす美しさを竹の透かしによって表現する透かし編みという技を生み出し紺綬褒章を受章した二代、矢竹を使った点と線の構成により面を作るスタイルを構築した三代と、各世代で独自のスタイルを築きあげながら、竹工芸の高度な技を伝承してきた。

日本に竹工芸の魅力を残したい

田辺さんは伝統的な花かごや茶道具を作る一方、世界各地で行われる展示会やインスタレーションでは、広い空間を竹細工で埋め尽くすような作品を発表する。竹工芸は編み方でいかようにもカタチを作ることができるが、高さ8メートル以上、1万本以上の竹ひごをつかった巨大なオブジェは、写真だけ見てもとてつもない迫力だ。「竹ひごとともに移動して、その空間を見て感覚的に組んでいきます。展示期間が終わったら解体してまた移動。そうやって何度でも再生可能なのも竹ならではといえるのかもしれません」

作品だけでなく、人材も育てる。彼は、10年間で12人の弟子を受け入れ、次世代の育成に力を入れてきた。「僕が父のもとで修行したときは、休みなしで24時間竹と向き合うような感じでした。でもいまの時代にそんなことをやっていたら誰もついてこない。作品も修行の方法も時代とともに変えなければならない。竹工芸の本質さえ伝えられれば、システムはどんどん変わっていいと思っています。自分の作品をつくりながら弟子を育て、海外にいけばいろいろな人と出会うこともでき、そこからまた新しい可能性が広がる。最高の仕事だと思いませんか？」
彼の作品もほとんどを海外のコレクターが購入している。

「ビジネスだけを考えたら全部海外に売ったほうがいい。でもそれでは日本に竹工芸の作品が残らないことになってしまいます。だから２割程度は、国内で買ってもらって、少しでも竹工芸の魅力を伝えていきたいと思っています。竹工芸の作家が、みんなが憧れるような仕事になることがいまの目標です」美しく、どこかはかなげでありながら、曲がっても曲がっても折れない強さを持つ。そんな竹工芸の魅力を海外の人だけに独占させるのは、あまりにももったいないだろう。田辺さんは国内でも精力的に展覧会やワークショップ、工房での体験教室なども行っているので、機会があればぜひ触れてみて欲しい。

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サラリーマンから陶芸の世界へ

岩手県の野田村というところで作陶を続ける作家・泉田之也さん。そのギャラリーを訪れた。ギャラリーには革張りのソファーが置かれ、ジャズが流れていておしゃれなカフェにきたのではないかと錯覚してしまうようなスペースだ。飾ってある作品もシャープなフォルムが印象的な、現代的デザインの陶器ばかりだ。
泉田さんはもともとはサラリーマン。「でも、ものを作るのが好きで、サラリーマンをやっていても『面白くないな』という気持ちがあったんです。それで好きなことをやっちゃおうとこの世界に入ったんです」。そう笑いながら話をしてくれた。

別名すり鉢作家

そうしてサラリーマン生活をあとにして、小久慈焼の窯元であった下嶽岳芳氏に弟子入り。25歳から3年の間修行をして、その後は独立して製作に励んだ。
ギャラリーの片隅には目を引くすり鉢がたくさん積んであった。すり鉢というとあまりに実用的で見た目をあまり気にしたことはないが、泉田さんの作るすり鉢はすっきりとそのまま食卓においても違和感のないスタイル。それが人気となり作っても作っても追いつかないぐらいに注文が来るのだそうだ。「それで別名すり鉢作家と呼ばれることもあるんですよ」と笑いながら教えてくれた。
陶芸作品としての泉田さんの作るものの多くはオブジェ。特徴は割れそうなほどに繊細なフォルム。うわ薬などはあまり使わないので、土そのもの強度しかないそうで、出展の際に割れてしまったこともあったそうだ。ちなみに2005年にニューヨークでの展示に出品したときは、輸送費に100万円位もかかったという。

陶芸で繊細なフォルムは何度も作り直す

その繊細なフォルムを生み出すのは「手」だという。頭で考えるよりも手を動かして実際に形を作りながら作品が生まれてくるのだそう。最初は使用済みのはがきなどを折ったり曲げたりして面白い形のものを作る。それを形の基準にして、徐々に大きなものを作っていくのだという。そうやってできた型をもとに土を乗せ、焼きを入れ、陶芸作品としての表情ができていくのだ。
中田も泉田さんの型を使わせてもらいオブジェ作りに挑戦。型と粘土の間にあえて目の粗い和紙をひき、表情を出すテクニックなどを教わった。
ギャラリーの片隅につみ上がった伝統のすり鉢。それと現代的なセンスで作られた陶器のオブジェ。小久慈焼という伝統がつないだ土の感覚がある。さらに今後どんな表情の作品が生まれるか楽しみだ。

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まるで生きているようなガラスアート

自由な、という言い方が的確かどうかはわからないが、狩野智宏さんの作るガラス作品はまるで生き物のような独特のフォルムを持っている。一瞬でハッと目を奪われて、なんだろうと近寄ってみてみるとガラス作品なのだ。色もさまざまな表情を持ち、用途のある器といった“ガラス作品”とは一線を画す。
狩野さんは「例えば蜘蛛が身体から糸を出すように、手に生えた爪が長く長く伸びると巻いてくるように、自分の身体をとおして、ガラスの素材から現われて出てくるカタチを創造できたらいいなと思って、このような作品を作っています」と語る。

ガラス工芸との出会い

狩野という苗字は日本美術史に残る名前だ、そう、狩野さんの曽祖父は日本画狩野派の画壇だった。自身も大学に進み日本画を描いていたが、だんだんと映像に興味を持ち出し、大学卒業後はCM制作会社に就職した。８年ほどクリエイターとして活躍したが、あるときバイク事故に遭い長いリハビリ期間を過ごした。
その時期に大学時代の友人のお父さんが版画家の吉田穂高氏で、当時ガラス工芸を趣味で行っていたことを思い出し、ガラス作品も作っていたのでアトリエを見学する。

「当時勝手な思い込みですけど、ガラスは普通職人さんが工場で作るものだと思っていたんで、個人でもガラス素材が扱えるという事にショックを覚えています」と狩野さんは話す。吉田さんが通っていたガラス教室を紹介してもらい、そこからガラス造形作家の道へと進みはじめたのだ。

すべてをガラスで作るということ

吉田さんに教えてもらった技法は、吹きガラスが発明される以前、古代メソポタミア時代に起源をもつ「パート・ド・ヴェール」という技法だ。一般に粘土やワックスで原形を作り、耐火石膏で型を取る。その石膏型の中にガラス片を詰めて焼成し、冷した後、型からガラスを割り出し加工するという鋳型鋳造方法だった。
当初は、原形を作り、ガラスを鋳造するこの方法で作品を作っていたが、ある時この一連のプロセスに於いて「原形」は役目を終えると、捨ててしまうことに違和感を持った。
耐火石膏の鋳型が「心がなくなるみたいな虚無感っていうのかな。なにか大事なものを失くしてしまうような気がした。それに原型を粘土で作ると、最終的に仕上がったガラスが、粘土原型のコピーだと思ったわけです。だから原型もすべてガラスで作ってみたいと思ったんです」
そうしてガラスに”命”を吹き込むことができないかという試行錯誤がはじまった。

造形の可能性を見つける

それまで、ガラスの原形を使ってパート・ド・ヴェールによるガラス作品を作る人はいなかった。狩野さんは吹きガラスで吹いたガラスを作り、そのガラスを石膏で包む。そしてその吹きガラスの原形の中にガラス片を詰めて、もう一度焼成する方法を実践している。吹きガラスの原形とあとから入れ込んだガラスが溶け合って、ここにもダイナミックな“動き”が生まれるのだ。
狩野さんは自分の作品をプロセスも含めてすべてが作品と言う。ガラスという素材に、自然、時間などすべての要素が関係する。そのすべてが絡み合ってひとつの造形が出来上がるのだ。
「ガラスという素材で、まだまだやったことのない方法はたくさんある」現在はさらに原形を作らずに鋳造の作品を制作している。そう狩野さんは新たなチャレンジを目指していた。

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思わず目を奪われる漆の彫刻作品

漆塗りと人体を融合させた、独特のデザインが見るものの目と気持ちを奪う。
漆の持つ甘美な艶、人体を抽象的に表現したフォルム。その2つが融合し、ある作品は異空間にいるような不思議な気持ちに、またある作品は恐怖を抱かせ、そしてまたある作品は心を温かくさせる――。

一言で表現するのは難しいが、ずっと昔の記憶にあるような、しかしこんなものは初めて見たような、とにかく何か心に引っかかる作品。

金沢が生んだクリエイター

そんなオブジェを作っているのが、1981年生まれという若きクリエイター、青木千絵さん。金沢美術工芸大学に在学中に漆と出会い、その美しい艶に魅入られたという。その後、同大学院に進学し作品作りに没頭した。これまでに「ギャラリー手」で個展を開き、「TAMA VIVIANT」などの展覧会にも出展、絶賛を受けている。

青木さんは、2010年に金沢美術工芸大学大学院博士課程を修了し、現在はフリーで活動をしている。
今後、どのような作品が彼女の手から生まれてくるのか、そしてどのようにわたしたちの目と心を奪っていくのか、非常に楽しみだ。

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