日本の新しい美術のあり方

岐阜県多治見市、青々とした木々が生茂る森の中に佇む、築120年を超える数寄屋風建築のギャラリー。それが「ギャルリ百草（ももぐさ）」だ。数寄屋造りとは、安土桃山時代に稀代の茶人・千利休が完成させた「わび茶」の思想を反映した建築様式。室町時代に流行した豪華な書院づくりに対し、質素で慎み深い精神性を表現したスタイルを指す。1998年にオープンした「ギャルリ百草」では、敷居をまたいだ先に、土間や床の間など日本人ならではの「わび・さび」を感じる空間に古道具から骨董、現代美術まで幅広いジャンルの作品が展示されている。そこには、生活空間の親しみやすさと前衛的なギャラリーの緊張感が合わさった唯一無二の空気が流れ、日本国内だけにとどまらず世界からも自然と人々が集まる。「西洋美術の価値観から離れて、美術と工芸の中間にある”間”をこの建物の中で見立てることで、日本人のアイデンティティを問うとともに新しい美術のあり方を提案したいと考えました」と陶芸作家であり、ギャラリストでもある廊主の安藤雅信さんは語る。
安藤さんのルーツはジャズドラマーを目指していた美大生時代。マイルス・デイビスやチャーリー・パーカー、セロニアス・モンク…幾多のジャズミュージシャンのレコードを貪るように聴き、ドラムを叩き、自分なりにジャズを表現しようとした。しかし、聴けば聴くほど、演奏すれば演奏するほど、彼らが生まれながら持つリズム感やグルーヴには達しえないことが見え、限界を感じた。

日常生活に溶け込む“器”の美

そこで、彼らでいうジャズが日本人の場合、何に当てはまるのか考えたところ、行き着いたのは焼物と茶道だった。現代の生活様式において茶の文化は一般的なものではなくなっているが、人をもてなすための空間のしつらえや茶のあり方は、ネイティブジャパニーズならではの表現ではないだろうか。また、「工芸」を下、「純粋美術」を頂点とする西洋美術的価値観ではなく、その中間にある「生活」とリンクするものが日本人にとっての美術ではないか。そうした考えを具現化したのが、安藤さんがつくる焼物であり「ギャルリ百草」そのものだった。そして、両者の共通点は、余白があり、使い勝手を使い手の創造力に委ねているところにある。
手仕事で生み出される安藤さんの器は、余分な装飾を省くことで、用途を限定せず、和洋問わず使える。それゆえ、使い手によって全く違う顔を見せることがある。観賞用の美術でも大量生産された工業品でもない、日常生活の中で使うほど気付きのある焼物こそ、日本人ならではの美術という安藤さんの見立てに多くの人が共感した。しかし、それは元来日本人が持っていた潜在的欲求でもある。海外や全国から多くの人が「ギャルリ百草」に足を運ぶのは、現代人が忘れかけている美意識を再起動してくれるからなのだろう。

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熱海にも世界的な美術館を

メインエントランスで訪問客を出迎える高さ4メートルの大きな扉がすでに美術品だ。手掛けたのは、中田もよく知る漆芸作家で「蒔絵（まきえ）」の人間国宝でもある室瀬和美氏。黒漆で下塗りした上に朱漆を施す「根来（ねごろ）という）技法が施された作品で、漆芸独特の色や艶を巨大なサイズで見ると、あらためてこの日本を代表する素材の持つ美しさ、可能性を感じることができる。

熱海市の高台にあるMOA（エムオーエー）美術館は、太平洋を一望する眺望で人気のスポットだ。熱海にも世界的な美術館を建設し、日本の優れた伝統文化を世界の人々に紹介したいと願った箱根美術館の創立者であり、MOA美術館の基礎を築いた岡田茂吉氏の願いを継承して、1982年に開館した。岡田氏の名前にちなんで「Mokichi Okada Association」の頭文字がその名につけられている。2017年に美術館はリニューアルされたのだが、手掛けたのは現代美術作家の杉本博司氏と建築家・榊田倫之氏が主宰する「新素材研究所」。「新素材研究所」は、その名に反して古代や中世、近世に用いられた素材や技法を現代の再解釈と再興に取り組む作品を手掛ける建築事務所で、新しくなったMOA美術館にも屋久杉、行者杉、黒漆喰、畳など日本の伝統的な素材や技法が用いながら、展示される作品の美を最大限に生かすための設計がほどこされている。

「MOA美術館」展示のこだわり

むろん最大の見所は、その豊富な展示作品だ。岡田茂吉か収集した日本・中国をはじめとする約3500点のコレクションは、尾形光琳「紅白梅図屏風」、手鑑「翰墨城（かんぼくじょう）」、野々村仁清「色絵藤花文茶壺」といった国宝の作品をはじめ、仏像や陶芸作品、古文書、古代中国・朝鮮などの陶磁器に絵画と幅広い。日本の貴重な文化財の保護を目的とする重要文化財や重要美術品に指定された作品も多く保管されている。さらには豊臣秀吉が正親町天皇に茶を献ずるために、京都御所内に組み立て式の黄金の茶室を持ち込んだという史実に基づき再現された「黄金の茶室」や、尾形光琳が晩年に過ごし「紅白梅図屏風」を描いたといわれる屋敷の復元など何時間滞在しても飽きることはないだろう。

作品を見せる展示へのこだわりも素晴らしい。展示物同士に作品が映り込んでしまわないよう広い展示スペースを黒の漆喰の壁であえて区切ったり、「室町時代の光の中で美術品を鑑賞する」というコンセプトのもと、他の美術館に比べると少しうす暗い照明で作品を照らしている。展示ケースには写り込みが少ない「低反射高透ガラス」を用いていて、光や自分の顔が写り込まないので、作品が目の前に存在しているかのような錯覚におちいってしまいそうだ。作品に没入するあまり、ガラスに頭をぶつけてしまう人も少なくないそう。熱海で温泉やグルメを楽しむのもいいが、MOA美術館で多くの美術品にふれ、感性を磨くのもいいかもしれない。

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日本刀の価値を高めた本阿弥家

「本阿弥」という表札を見て、頭のなかで日本史の教科書をめくり直す。その名前に江戸時代に書家、陶芸家などとして活躍した本阿弥光悦を思い浮かべる人も多いだろう。東京都大田区の閑静な住宅街の一角に佇む和風の一軒家の主は、本阿弥光洲。日本刀の鑑定、研磨を行う人間国宝（重要無形文化財保持者）だ。
「鎌倉時代は馬の上で戦うために長い太刀が主流でしたが、室町時代になると地上戦で短い刀が使われるようになりました。当時は新しい刀を作るのではなく、長い刀の刀匠名が入った部分を切って短くしたので、誰が作ったものか分からなくなったことから、鑑定という仕事が必要になったようです。刀は武士の位を示すものでしたから、どんな刀を持っているかということがとても重要だったんです」（本阿彌光洲さん）

本阿弥家は、初代の本阿弥妙本が足利尊氏の刀劍奉行を務めて以来、代々鑑定や研磨を手掛け、日本刀のプロデューサー役を担ってきた。「折り紙付き」という言葉があるが、この語源は本阿弥家が発行していた刀剣の鑑定書のこと。本阿弥家が鑑定した刀であるという証明がつくことで刀の価値が高まったことから、言葉が広がったのだ。日本刀にはさまざまな刀姿・刃文があり、帽子、茎形、銘を鑑賞する、非常に高度な芸術性を持つ作品だ。一振りの日本刀が完成するまでには、刀鍛冶が玉鋼から鉄を叩き出し成形した後、研ぎ、彫り、拵（こしら）えと呼ばれる「鞘（さや）」や「柄（つか）」を整える工程など、実に多くの職人の手で分業されるのだが、その手配をするのが本阿弥家だという。本阿弥光悦の本職もこの刀剣の鑑定や研磨であったのだが、書画・陶芸・漆芸・作庭など多方面に芸術性を発揮したことや、徳川家康から拝領した京都鷹峰に多くの職人仲間などと移住して芸術村を作ったことなどから、文化人として歴史に名を残した。

現宗家である光洲さんもまた、優れた日本刀を世に送り出すだけでなく、国宝・重要文化財等に指定された数多くの刀剣の研磨も手掛けるなど、文化財の保存にも大きな役割を果たしている。

丁寧に作り上げた一点ものの刀

光州さんの工房では、シュッシュッという刀を研ぐ音が響いている。板張りで北窓になった研磨作業のための部屋は、静謐で神聖な空気に包まれていており、全国の美術館や収集家が持つ名刀が研磨されるのを待っている。
「本阿弥家ならではの研ぎ方があるんですか？」（中田）
「代々伝えられているのは、『地鉄は秋の澄んだ空のように青黒くしなさい。刃文は松に積もった雪のようにふんわりと研ぎなさい』ということ。技術自体はずっと変わっていません。いわゆる秘伝の技のようなことはいくつかありますが、大切なのはもともとその刀が持っているいいところをいかに引き出すかだと思っています」（本阿彌光洲さん）
光州さんの研磨は、現代の刀匠の個性や作風に合わせて見どころを強調しながら各工程を丁寧に進め、それぞれの刀剣の美点を最大限に活かして完成させるものとして、高い評価を得ているという。

自然の光で刃文を確認し、天然の砥石だけを使って刃を研ぐ。光り輝く日本刀を見ると、そこに宿る武士の魂まで生き返ったように感じるのは、私だけではないはずだ。

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各世代で独自のスタイルを持ちつつ継承してきた竹工芸

竹工芸作家・四代田辺竹雲斎さんの作品は、大阪府堺市にある小さな工房で生まれている。格子戸を抜けると小さな中庭。敷石が並ぶ通路の左にあるガラス張りの部屋が工房だ。作務衣を着た四代田辺竹雲斎さんと３人の若者が黙々と作業をしている。彼の作品は、大英博物館やボストン美術館、フィラデルフィア美術館に収蔵されている。玄関やリビングには、そんな彼や歴代竹雲斎の作品が飾られている。細く削られた無数の竹を編んでつくられた花器やオブジェ。竹ならではの曲面には、繊細でありながら独特の緊張感がある。
「子どものころから竹工芸とともに生きてきました。家の中で祖父と父が作業をしていて、僕も見様見真似でやっていました。茶道とか華道、書道も教わっていましたが、それらがいまになって役立っています。東京で過ごした美大生時代は他の道に進みたいと思ったこともありましたが、結局DNAに埋め込まれていたのか、実家に帰り竹雲斎を継ぐことになりました」

田辺竹雲斎というのは、堺で襲名されている竹工芸家の名前。明治末期から昭和初期にかけて国内のみならず国際的な博覧会にも参加した初代、光と影がもたらす美しさを竹の透かしによって表現する透かし編みという技を生み出し紺綬褒章を受章した二代、矢竹を使った点と線の構成により面を作るスタイルを構築した三代と、各世代で独自のスタイルを築きあげながら、竹工芸の高度な技を伝承してきた。

日本に竹工芸の魅力を残したい

田辺さんは伝統的な花かごや茶道具を作る一方、世界各地で行われる展示会やインスタレーションでは、広い空間を竹細工で埋め尽くすような作品を発表する。竹工芸は編み方でいかようにもカタチを作ることができるが、高さ8メートル以上、1万本以上の竹ひごをつかった巨大なオブジェは、写真だけ見てもとてつもない迫力だ。「竹ひごとともに移動して、その空間を見て感覚的に組んでいきます。展示期間が終わったら解体してまた移動。そうやって何度でも再生可能なのも竹ならではといえるのかもしれません」

作品だけでなく、人材も育てる。彼は、10年間で12人の弟子を受け入れ、次世代の育成に力を入れてきた。「僕が父のもとで修行したときは、休みなしで24時間竹と向き合うような感じでした。でもいまの時代にそんなことをやっていたら誰もついてこない。作品も修行の方法も時代とともに変えなければならない。竹工芸の本質さえ伝えられれば、システムはどんどん変わっていいと思っています。自分の作品をつくりながら弟子を育て、海外にいけばいろいろな人と出会うこともでき、そこからまた新しい可能性が広がる。最高の仕事だと思いませんか？」
彼の作品もほとんどを海外のコレクターが購入している。

「ビジネスだけを考えたら全部海外に売ったほうがいい。でもそれでは日本に竹工芸の作品が残らないことになってしまいます。だから２割程度は、国内で買ってもらって、少しでも竹工芸の魅力を伝えていきたいと思っています。竹工芸の作家が、みんなが憧れるような仕事になることがいまの目標です」美しく、どこかはかなげでありながら、曲がっても曲がっても折れない強さを持つ。そんな竹工芸の魅力を海外の人だけに独占させるのは、あまりにももったいないだろう。田辺さんは国内でも精力的に展覧会やワークショップ、工房での体験教室なども行っているので、機会があればぜひ触れてみて欲しい。

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2013年にオープンした美術館

秋田市の中心地にほど近い、再開発地域「エリアなかいち」。その街のシンボルのひとつして2013年オープンしたのが秋田県立美術館だ。近接する千秋公園にあった旧県立美術館（平野政吉美術館）から収蔵作品を移転し、さらに新たな建物を建てて昨年のオープンとなった。
収蔵作品は、秋田でも有数の実業家であった平野政吉のコレクションを中心に、藤田嗣治（レオナール・フジタ）の作品を多く収める。藤田といえば、もっとも有名な日本の画家のひとり。平野政吉と藤田は親交が深かったとこともあり、「眠れる女」、「五人女」など数多くの作品が収蔵されている。

秋田県立美術館の特徴「藤田の大壁画」

そして秋田県立美術館ならではの藤田作品がある。それが「秋田の行事」という作品。藤田が半年以上をかけて秋田を取材し、構想を練り上げたという作品だ。圧巻なのはそのサイズ。縦3.65メートル、横20.5メートルという大きさなのだ。依頼主であった平野政吉の米蔵をアトリエにして、藤田はその大作を描き上げたといわれている。その大きな、大きな作品、「秋田の行事」が館内の大壁画ギャラリーに展示されている。
大壁画ギャラリーも圧巻だが、館内は目を楽しませてくれる空間がたくさんある。エントランスホールには支柱のまったくない螺旋階段があり、あたりは三角形の吹き抜け空間となっていてがらりと雰囲気を変えてくれる。

美術館の建物そのものが芸術

建物の設計は安藤忠雄氏。安藤氏ならではの設計はまだまだある。美術館にある水庭もそのひとつだ。2階に設けられたミュージアムラウンジに設置され、千秋公園を一望できる。水庭の向こうには秋田佐竹藩の久保田城址が見える。そして旧美術館のかわいい三角屋根も見える。大きな窓越しに見ていることを忘れてしまうぐらいの大パノラマだ。
美術館なのだから、収蔵作品やそこで行われる展覧会が主役なのは間違いない。けれども、もうひとつの主役が、建物そのものといってもいいかもしれない。それほどに、「美術館に来ること」、「美術館の空間を味わうこと」が芸術を感じさせてくれる美術館だ。

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磁器と陶器を練り合わせる作品

陶芸家 佐々木里知（りいち）さんの魅力はなんといっても、“とどまらない”ことだ。
例えば最近の作品では陶器の粘土の上から磁器の粘土をかぶせて焼くというチャレンジをしている。そうすると、卵のからのように表面にだけ白く層が残り、違った風合いが出るのだそうだ。さらにそこに紋様をつけていくことで、自然に風化したような表情を持たせることもできるのだという。

「自然のなせる業というのももちろん魅力的ですが、作意を残すことも大事だと思っています。見え隠れするストーリーを入れる。例えば紋様を入れるなど何かしらの人為的なことを作品に入れ込んでいくということも作品の魅力のひとつだと思います」と佐々木さんは話す。
佐々木さんは東京芸術大学美術学部における卒業作品の中で、教授会が推薦した優秀作品に対して授与される賞である、サロン・ド・プランタン賞をはじめ、その後の作陶生活のなかでいくつもの賞を受賞している作家だ。それとともに、現在は1991年に山形市に設立した東北芸術工科大学で教鞭をとる教師でもある。

「教わるよりも探す」をモットーにする作家

そこで教えているのは、“探す”いうこと。「いろいろなものを吸収しながら育ってほしい。大学ではモノの本質はきちんと抑えた上で、視野を広げてほしいと思って教えています」。
学生たちにそう教えるように、自分でもその言葉通りの作陶を行っている。
例えば窯。何度も造っては壊し、造っては壊しということを続け、火の流れなど、火そのものの本質を知ろうと試みる。窯は学生といっしょに作ったこともあるという。

佐々木さんがこの道に入ってからすでに30年ほどが経つ。だから周りからは「責任を持て」などと言われることもあるそうだ。しかし佐々木さんは「実績はもちろん必要かもしれないけど、何を考えて、どう試みをしたかが大事だと思うんです。社会的に立派になるより、考えながら蓄積していったほうが、自分が面白い」と話してくれた。いまでもいくつも賞をとり、教える立場にいる現在でも“探す”というキーワードで動いている作家なのだ。

リスクを超えてこそ生まれる作品

モノづくりという仕事は、例えば「こう表現をしたい」、「こういうモノを作りたい」というところから出発し、それを作品に落とし込んでいく仕事だ。ゴールを見定めて、それに向かって作りこんでいく作業ともいえるかもしれない。でも佐々木さんは、こうも言う。
「そのゴールが途中で変わっていくこともある。いい意味での裏切りや不思議なことがあるのもモノづくりのいいところだと思うんです。目標を達成したから満足というだけでなく、製作途中でちょっと裏切られるぐらいがいいんですよ。私にとってそれが焼物なんです」。
たしかに、佐々木さんの作品には裏切りがたくさんあるように思う。それが魅力となって私たちの目に飛び込んでくるのだ。
「陶芸は無理しなくてはダメだと思うんです。リスクはあります。でもそのリスクを超えたところに面白さがある。無茶なところに発見があるんです」。そう語ってくれた佐々木さん。次はどんなリスクを超えて、どんな発見を見せてくれるのか楽しみだ。

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裏磐梯の大自然のなかに美術館

福島県北塩原村。磐梯山の北側に位置し、裏磐梯と呼ばれるこの地。近くには様々な色の沼が点在し、五色沼と呼ばれる観光スポットもあり、その雄大な自然にひかれ、毎年多くの観光客が訪れる。そんな自然に囲まれた景勝地にあるのが、諸橋近代美術館だ。抜けるような空と豊かな緑に囲まれて建つ白い洋館。建物とその姿がすでに美しい、そんな美術館だ。
開館は1999年。福島県の郡山市に本社を持つ、スポーツ用品チェーン店「ゼビオ」の創立者である諸橋廷蔵氏が約20年に渡って蒐集（しゅうしゅう）した美術作品を寄付してできた美術館である。

類をみないほどのダリ・コレクション

収蔵作品は西洋近代絵画を中心に400点以上にのぼる。セザンヌやルノワール、ゴッホといった印象派の作品から、ピカソなどシュルレアリスムまでに活躍した20世紀の巨匠たち41人の作品が収められている。
なかでも特筆すべきなのは、サルバドール・ダリの作品群。スペインが生んだシュルレアリスムを代表する作家だ。そのダリの作品を、絵画、彫刻、版画とジャンルも多岐に渡り、約340点も収蔵している。これはほかに類をみないほどのコレクションといってもいい。
ダリの夢と現実が入り混じったような作品。美術館を出ても、自然のなかにいるとその感覚がまだ続くかのようだ。どこか不思議な気持ちにさせてくれる美術館だった。

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飯盛山に佇む、世界的に珍しい建造物「会津さざえ堂」／福島県会津若松市 – NIHONMONO 螺旋を描く会津さざえ堂 今から216年前の1796年に、福島県会津若松市の飯盛山に建立された会津さざえ堂。正規

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6歳で家元を継承し現代的な生け花を

小原流は19世紀末から続く華道の流派。お話をうかがったのは五世家元の小原宏貴さん。小原さんは1988年生まれの35歳。中田よりも10歳も若い青年だった。お父さんの四世が急逝してしまったこともあり、小原さんは6歳にして家元を継承した。10歳のときに初めて展覧会に出品し、2012年3月に東京・日本橋髙島屋で開催された自身初の個展には、6日間で約45,000人が来場した。

小原さんの作品のなかには、いけばなという言葉のイメージからは想像もつかないようなものもある。数メートルもあるような大きなインスタレーションもあるし、人工的な素材を使ったものもある。その表現は、現代に合わせた伝統の進化形といえるかもしれない。

変わっていく小原流

「小原流の伝統様式は流祖と二世で完成させられた部分があるんです」と小原さんは話す。小原流の特徴のひとつは「盛花」というもの。これは小原流が生み出した感性だ。それまでのいけばなは線の表現がほとんどだった。盛花は口の広い水盤を使うなどして、花をたっぷりと盛るようにいける。そうして面、奥行という表現を可能にしたのだ。
そして、伝統を受け継ぎながらも、変わっていくことの過程があった。お祖父さんにあたる三世家元はシュールレアリスム的な作風を作り上げ、お父さんの四世家元は現代に合うもの、洋風空間にも合う作品に取り組んだ。そして自身は現代アートにも通じる作品を創りあげる。伝統を受け継ぎ、表現の幅を広げるように発展しているのだ。

文化は人をつなげる接着剤

目の前で花をいけてくれる。ハサミを使って枝を切り、空間を作っていく。大事なポイントは「どこかを引くことでどこかを強調する」ことだという。中田は「自分ではまったく考えられない。絶対に、どうしたらいいかって迷って手が止まっちゃうだろうな」といって小原さんの動きに見とれていた。
「自分が考えるいけばなの本質はお花を触ると楽しい、いけると楽しいというところ」と小原さんはいう。「だから現在のライフスタイルに合わせることが大事。昔はお花というと、和装に畳というイメージがあったでしょうけど、現在の教室はテーブルでやることがほとんどです。もちろん教室だから、形式から入りますが、やっぱり本質は自由な表現だと思いますね」そうしていけばな教室に多くの人が集まり、集まった人同士が輪を広げていく。
「人と人がつながる。文化っていうのは、その接着剤だと思うんです」
いけばなをとおして、花や伝統、そして人と出会う。これもまた、いけばなという文化の大きな魅力なのだ。

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生け花の古典華と自由花

1886年に創流され、2011年で創流125周年を迎えたいけばなの流派のひとつである龍生派。
お話を伺った吉村華洲さんは龍生派の副家元を務める方。もともと建築家として歩んでいたが、もっと空間について学びたいと思い、華道を始めたのがはじまりだったという。そのため空間をとらえた作品の評価も非常に高い。
龍生派に伝わる古典華をいけるかたわら、形式が一切なくどんな表現でも可能な自由花もいける。自由花は、大きなインスタレーションも制作。素材も自由で造花を使ったこともあるそうだ。

「今回は中田さんに自由にいけばなをしていただこうと思っているんです」と吉村さんが言うと、「その自由っていうのがなかなか難しいんですよね」と中田は苦笑い。その苦闘の模様は最後に回すとして、まずは吉村さんが目の前でいけてくれた、かきつばたの話を。

四季で表現が違う生け花

古典華の形式でいけてくれたかきつばた。流派によって違いはあるが、龍生派の古典華は先人たちが作った「取り決め」があり、それを逸脱することなく表現をするもの。例えば葉を二枚合わせたり、四季によって葉と花の位置が変わるのだ。

今回は夏の表現。花の位置が一番高く、まさに一番元気のいいときを表現している。ちなみに春は葉のほうが背が高く、これから伸びていく様を表現。秋や冬になれば、実をつけたり枯れたものを入れたりする。そこで中田が「四季によって表現が違うということは、いけばなは自然を器に再現しようという試みなんですか。それとも自然ではないものを表現するんですか」と質問する。
「それはすごくいい質問。表現としては自然描写だけが目的ではない。“実際にはこんな風には生えているわけないけれど表現したい”ということを表出するんです。けれども自然に生えているという事象も大事にする。今日のこれは、初夏に一株から生えている姿を表してみました。これを考えるのがまたおもしろいんです」

自由の難しさと楽しさ

「さあ、次は中田さんの番です」と声がかかる。いける素材は観葉植物でも人気の高い大きな葉のモンステラと紫のネギ科の花ギガンティウム。
まずは器選びから。自由花なので、形も色も好きな器を選んでいい。中田が選んだのは白い器だが、いくつも穴のあいた、少し変わった形のもの。「あれ、これじゃないほうがいいか…」と最初から弱気な中田。いざハサミとモンステラの葉を手にしてスタート。しかし一本目がどうしてもいけられない。
「モンステラの葉をこうして裏から見ると表情が違いますよね。横から見るとひらひらした部分が目立つ。こうしていろいろな表情を使うこともできるんですよ」と吉村さんからアドバイス。
中田がかなりの時間考えて、モンステラをいける。そしてギガンティウムの花を持ちまた考える。だんだんとその”自由”が楽しくなり、いろいろ試しながらついに完成。と思いきや、中田がモンステラをぐっと折り曲げる。そして花の下に入れ込み、お皿に乗ったお花のような見た目を作り出した。
「ちょっと苦しそうかな」と自身の作品を見て中田が言うと、「それも表現のひとつ。でも横から見てください。また違う表情がありますよね。そしてここにひとつ枝を入れたら空間が仕切れて…」と、自由だからこそ花開く会話がそこにはあった。

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まるで生きているようなガラスアート

自由な、という言い方が的確かどうかはわからないが、狩野智宏さんの作るガラス作品はまるで生き物のような独特のフォルムを持っている。一瞬でハッと目を奪われて、なんだろうと近寄ってみてみるとガラス作品なのだ。色もさまざまな表情を持ち、用途のある器といった“ガラス作品”とは一線を画す。
狩野さんは「例えば蜘蛛が身体から糸を出すように、手に生えた爪が長く長く伸びると巻いてくるように、自分の身体をとおして、ガラスの素材から現われて出てくるカタチを創造できたらいいなと思って、このような作品を作っています」と語る。

ガラス工芸との出会い

狩野という苗字は日本美術史に残る名前だ、そう、狩野さんの曽祖父は日本画狩野派の画壇だった。自身も大学に進み日本画を描いていたが、だんだんと映像に興味を持ち出し、大学卒業後はCM制作会社に就職した。８年ほどクリエイターとして活躍したが、あるときバイク事故に遭い長いリハビリ期間を過ごした。
その時期に大学時代の友人のお父さんが版画家の吉田穂高氏で、当時ガラス工芸を趣味で行っていたことを思い出し、ガラス作品も作っていたのでアトリエを見学する。

「当時勝手な思い込みですけど、ガラスは普通職人さんが工場で作るものだと思っていたんで、個人でもガラス素材が扱えるという事にショックを覚えています」と狩野さんは話す。吉田さんが通っていたガラス教室を紹介してもらい、そこからガラス造形作家の道へと進みはじめたのだ。

すべてをガラスで作るということ

吉田さんに教えてもらった技法は、吹きガラスが発明される以前、古代メソポタミア時代に起源をもつ「パート・ド・ヴェール」という技法だ。一般に粘土やワックスで原形を作り、耐火石膏で型を取る。その石膏型の中にガラス片を詰めて焼成し、冷した後、型からガラスを割り出し加工するという鋳型鋳造方法だった。
当初は、原形を作り、ガラスを鋳造するこの方法で作品を作っていたが、ある時この一連のプロセスに於いて「原形」は役目を終えると、捨ててしまうことに違和感を持った。
耐火石膏の鋳型が「心がなくなるみたいな虚無感っていうのかな。なにか大事なものを失くしてしまうような気がした。それに原型を粘土で作ると、最終的に仕上がったガラスが、粘土原型のコピーだと思ったわけです。だから原型もすべてガラスで作ってみたいと思ったんです」
そうしてガラスに”命”を吹き込むことができないかという試行錯誤がはじまった。

造形の可能性を見つける

それまで、ガラスの原形を使ってパート・ド・ヴェールによるガラス作品を作る人はいなかった。狩野さんは吹きガラスで吹いたガラスを作り、そのガラスを石膏で包む。そしてその吹きガラスの原形の中にガラス片を詰めて、もう一度焼成する方法を実践している。吹きガラスの原形とあとから入れ込んだガラスが溶け合って、ここにもダイナミックな“動き”が生まれるのだ。
狩野さんは自分の作品をプロセスも含めてすべてが作品と言う。ガラスという素材に、自然、時間などすべての要素が関係する。そのすべてが絡み合ってひとつの造形が出来上がるのだ。
「ガラスという素材で、まだまだやったことのない方法はたくさんある」現在はさらに原形を作らずに鋳造の作品を制作している。そう狩野さんは新たなチャレンジを目指していた。

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