松山市に隣接した愛媛県伊予郡砥部（とべ）町で砥部焼が作られてから約250年。地域に根付いた伝統工芸品「砥部焼」を、実用性と独創性の両立を兼ね備えた自由なスタイルで実現する、和将窯（わしょうがま）･山本和哉さんの作品づくりとは。

幼少期から身近にあった砥部焼

砥部焼の窯元は現在約80軒あり、それぞれが砥部焼の制作基準に沿って独自の作品を制作しており、地域に根ざした伝統工芸として、春と秋に毎年開催される「砥部焼まつり」では全国から多くの人が訪れる。作品ごとに作者の個性や風合いが反映されるのも砥部焼ならではの楽しみだ。和将窯は、砥部町と同じ伊予郡内の松前（まさき）町にあり、1998年山本さんが18歳の頃に父･俊一さんが設立した。

「砥部焼が好きで始めたというより、最初に触れた土が砥部焼だった。ほかの土を試したこともあるけれど、今も手に馴染むのは砥部の土」と山本さんは語る。山本さんにとって砥部焼は、物心ついたときから身近な存在だ。子どもの頃は、親子で砥部町にある福幸窯の福岡先生の元で基礎を学び、陶芸に触れてきた。その後、父･俊一さんが会社勤めを辞め、自宅に窯を購入したことで砥部焼はより身近な存在となった。学生時代はデザイン学校へ通いながら、砥部陶芸館で開かれる教室に通い、さまざまな先生から砥部焼を学ぶ。20歳で「和将窯」を手伝い始めて、本格的に陶芸家の道へと進む。

白と黒で奏でるエチュード模様

山本さんの代表作は、流れるような「エチュード模様」。陶芸家として歩み始めた当初は、伝統柄を描くことが多かった。時々遊びで描いていたのが、エチュード模様の原点となる伝統柄とは異なる自由な模様だ。「福岡先生がこっちをやった方がいいと背中を押してくれたのがきっかけです」。そこから本格的に作品に取り入れ始める。2007年には愛媛陶芸展で最優秀賞を受賞。白と黒をコンセプトに、独自のデザインアート「Washo」シリーズが誕生し、その道が大きく開けた。

ロクロ作りやタタラ作りで成形。モチーフは特定のものではないが、子どもの頃に見た地元の海や波などの風景を、自身のフィルターを通してフリーハンドで描く。「描いていて気持ちいい感覚」が制作の核であり、唐草や渦巻きといった伝統柄にとらわれず、自分の感覚を信じて自由に描くスタイルを貫いている。

色使いにも特徴がある。白磁に藍色や青色の印象が強い砥部焼だが、山本さんのエチュード模様は、黒色の発色が強い黒呉須（ごす）で統一。これにより現代的で引き締まった表情を生み出す。また釉薬は薄めにかけて仕上げる。ずっしりと重みがある砥部焼の印象と異なり、「手にとって使う道具として、なるべく軽く仕上げたい」という実用的な狙いと、山本さんのデザインの特徴である白と黒の境界線をくっきりと見せる効果がある。

「砥部焼よりも白い土は全国探せばあって、そこに黒を入れたらどんな表現ができるだろうという誘惑もありました。だけど砥部の土を使いたい。馴染んでいるというのもあるけれど、新しい表現を受け入れてくれる砥部焼の世界に対してそこだけは守りたい部分です」。こうして砥部焼特有の、やや青みがかったやわらかな白磁と、コバルトを含む深い黒のコントラストが美しい山本さんの作品が生まれる。

実用性と独創性の両立

2017年には「LEXUS NEW TAKUMI PROJECT2017」にカップ&皿、ソース入れ＆皿のセット「tension」のプロダクトが選ばれた。器に限らず、実用的なものを考えて作ることが好きだと言う。制作の原動力は「シーンに合うものを作ろう」という実用性を重視した発想だ。日常使いできる道具のなかに、自分なりの新しい要素を加えることを意識している。アイデアが生まれると同時に制作を行うので、作品数は把握できないほどだと言う。

プロダクトは、定番の形をなぞるだけでは物足りなさを感じるときもある。すでにあるプロダクトではなく、一から自分で考えた形や使い方を探求することがひとつの目標だ。

作風も幅広い。砥部焼を日常に取り入れやすいデザインから、ドクロやドラゴンなどを立体成型し、山本さんの技術を注ぎ込んだ「UNLEASH（アンリーシュ）」シリーズまでさまざま。リクエストから生まれる作品も多く、照明器具や習字道具、骨壺、思い出の人形の再現など、あらゆる依頼が届く。依頼は挑戦状のように感じられ、制作の刺激になっている。

砥部焼の自由さと守るべきもの

砥部焼は、伝統と革新が共存する自由な土壌だと山本さんは語る。「砥部焼陶芸塾」をはじめ、砥部町には若手が学べる機会が多く、地域全体で育成に力を入れている。自由な表現を受け入れてくれる砥部焼の世界だからこそ、砥部の土を使い、一つひとつ手づくり･手描きで仕上げるという“自由の中の根幹”がある。

また、作り手の育成や後継者問題だけでなく、陶石産地としての持続性など、長く続く伝統工芸品としての未来も見据えている。砥部焼の大先輩たちは今も新しいアイデアを模索し、作品を作り続けている。「まだまだやれることがあると感じさせてくれるのがうれしい。80歳になっても作り続けたい」と山本さんは話す。

「普段使いの道具に、あえて高価な伝統工芸品を選んでもらうことは簡単ではない」。だからこそブランドそれぞれの価値観を伝えていく必要がある。

250年の歴史を積み重ねてきた砥部焼は、過去を守るだけでなく、時代の暮らしに寄り添う形やデザインを生み出し続けている。伝統は変わらずにそこにありながら、使い手の感性や生活様式に合わせて進化していく。その歩みは、この先も絶えることはないだろう。

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愛媛県砥部町で生まれ、250年の歴史を誇る「砥部焼」。現在は約80軒の窯元があるが、その一つが亀田茂樹（緑光）さんと、息子の茂友さんが営む「緑光窯」。砥部の土の特性を活かした、これまでにない青白磁の表現を追求している。

砥部焼は、250年にわたり手仕事を貫いてきた

愛媛県砥部町周辺で作られる砥部焼は、江戸時代中期から受け継がれる陶磁器だ。その始まりは安永6年（1777年）、この地を治める大州藩主・加藤泰候（やすとき）が、新たな特産品として磁器作りを命じたことから。砥部は古くから「伊予砥」と呼ばれる砥石の産地であり、砥石を切り出す際に出るくず石を原料にできないかと考えたのだ。その開発を任された杉野丈助は、失敗を重ねながらも安永6年（1777）に磁器の焼成に成功。これが砥部焼の始まりとなった。

江戸時代には他藩からの情報も少なかったため、独自の技術のみで発展していったが、明治時代には京都や唐津などの技術が導入され、大正初期には「伊予ボウル」と称された茶碗が海外で好評を博し、輸出が生産量の多くを占めるなど大きく発展した。戦後、近代化のあおりを受けて衰退した時期もあったが、昭和28年（1953）に民芸運動の推進者である柳宗悦、浜田庄司らが砥部を訪れたことが転機に。他の産地が機械化に舵を切るなか、手仕事を貫く砥部焼の良さが再評価されたのだ。彼らの指導のもと、厚手の白磁に呉須で唐草文様や菊絵を描く現代の砥部焼の原型ができあがった。昭和51年（1976）、砥部焼（白磁、染付作品、青磁、天目[鉄釉]の4種類）は国の伝統的工芸品の指定を受けた。

半世紀続く、砥部焼の窯元

緑光窯は昭和49年（1974）、茂樹（緑光）さんが開窯した。窯を開いた当初の場所が緑豊かだったこと、また茂樹さんが作陶を学んだ「放光窯」の名前にちなみ、「緑光窯」と名付けられた。

茂樹さんは日本伝統工芸展、日本陶芸展など数々の入選歴を持ち、2019年に愛媛県指定無形文化財に登録された名工だ。現在の工房は砥部町北川毛に構え、販売＆ギャラリーも兼ねている。普段使いの器から夫婦茶碗、大小さまざまな花器まで、また伝統的なものから新しい作風のものまでが幅広く並ぶ。

父を師匠に歩み始めた陶芸家の道

父を師匠に、茂友さんは26歳のときに陶芸家の道を歩み始めた。青白磁彫文の作品により、日本伝統工芸展、日本陶芸展などで多数の入選歴を持つ。

砥部焼の多くは日常に使われる器だ。「うちでも製作のメインは食器です。あとは展覧会へ向けて大作に挑戦しています。器の大きさに迫力がありすぎると、それに負けないデザインをしないといけないので、その匙加減も難しいところです」と茂友さん。

彫刻で文様を施す彫文や、釉薬をグラデーションのように施す釉彩などの多彩な技法を駆使し、新しい表現へと挑戦し続けている。

土地のものを使う。制約があるからこそ生まれる深み

砥部焼の特長は、透明感のある白く美しい磁肌。これは砥部ならではの土が影響しているという。

「砥部焼は、有田焼のように真っ白ではなく、少しグレーがかっています。なので絵付けも、この土の特長を生かす必要があります。有田焼の土で唐草をやっても、発色が違うのです」と茂樹さん。

砥部の土は鉄分が含まれているため、青く発色しやすい特性があるという。「結局、土に合うものをしていると自然とこの形になった。それが砥部焼」という言葉からは、長年の経験に裏打ちされた確信が感じられる。

昨今は原料を他から取り寄せる磁器の産地も増えており、真の意味で“産地”というものが失われつつあるように思えるが、二人はあくまでも砥部の土を使うことを徹底している。

「一つの制約があれば、その範囲内で深く追求していくことができる。なので私は制約があった方がいいかなと思います。これまでの砥部焼にはないようなアプローチができれば、自分の新しい表現になる。そこを10年ぐらいは追求しています」と話すのは息子の茂友さん。どこまでも愚直に、自身の表現を突き詰めている。

青白磁の可能性を求め、自分にしかできない表現を

緑光窯の代名詞ともいえるのが、透き通るようなブルーの濃淡が波打つように広がる青白磁。

青白磁は、白い石を原料とした磁器土から作られ、素焼した器に鉄分を少し含んだ釉薬をかけて焼いた作品だ。刻まれた模様の部分に溶けた青色の釉薬がたまって美しい水たまりのような表現を生み出す。

青白磁の難しさは、釉薬をとても厚く塗るため、焼いている間に器に負担がかかり、割れやすいところにある。分厚く釉薬をかけたほうが濃淡が際立って美しいが、かけすぎると意図せぬところに流れてしまう。この見極めが職人の腕の見せ所だ。

波打つように施された文様は、彫刻によるもの。茂友さんは丸い彫刻刀で彫った後に磨きをかけて滑らかにし、そこへ釉薬をかける。

「焼いたときに釉薬が多少溶けて流れるので、山になっているところの釉薬が左右に少し流れる。その流れてきた分が谷の部分にたまって色が濃くなる。それでグラデーションが生まれるんです」

これは海の水と同じ原理だという。「海水をすくったら透明ですが、海自体は青く見えるように。同じ釉薬をかけても、その厚みでこれだけ違いが出るんです」。

あらかじめ釉薬の流れ方をイメージして作るものの、焼き上がって窯から引きあげるまで、できあがりはわからない。絵付と違い、色で明確にデザインできないからこその面白みと難しさ。それも陶芸の醍醐味の一つだと二人は口を揃える。

手に馴染む器を目指して

砥部焼は日用の器。だからこそ茂友さんは使い手の目線も大切にしている。彼が作る青白磁の湯呑みは、彫刻により表面に凹凸があるため、熱いお茶を入れても全体に手が当たることがなく持ちやすい。そこに用の美を感じる。

「食器は手に持って使いますから、選ぶときはぜひ手に取ってもらい、しっくりと馴染むものを選んでもらいたい」と話す。

次世代へ、技術継承への想い

近年、後継者不足、高齢化などで閉業する窯元も増えつつある。「窯元の高齢化は顕著に感じています。次の世代をどう育てていくかが大きな課題ですね」と茂樹さんは危機感を抱く。

砥部焼を修める道のりは長い。特にシンプルなものほど難しく、焼き上がりを想定した細やかな技術が求められる。

「最初は失敗も多く、くじけそうになることもあります。ですが、そこを乗り越えないと技術は身につかないんですよね。自分の表現ができるまでの基礎をちゃんと身につけることが大事。技術の引き出しを用意しておかないと、そのうち行き詰まってきますから」と茂友さん。

砥部の土と共に、伝統を超えて新たな表現を求め続ける。黙々と作陶に取り組む二人の背中からは、250年の歴史を誇る砥部焼への深い愛情を感じた。

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手作りの磁器

愛媛県松山市の南端に砥部（とべ）町という街がある。地名にある通り、古くは砥石の産地だった街だ。江戸時代になって、砥石くずを原料に器がつくられるようになり、砥部焼へと発展。1976年には国の伝統工芸品に指定された。
砥部焼には、白磁、染付作品、青磁、天目（鉄釉）の4種類がある。今回お邪魔した工藤省治さんの春秋窯では、主に白磁器と染付作品を手がけている。中田もろくろを回して小皿づくりにチャレンジ。

民族や歴史を超える

全国の美術館やギャラリーなどで陶磁器展が開かれる工藤さんの器には、ファンも多い。たとえば、温かみを感じさせる白磁に、独特の唐草模様の絵付け。これは、現代の砥部焼を代表するデザイン。20年ほど前に工藤さんが発案した意匠で、イランの博物館で見た唐草模様に刺激を受けて誕生したのだそう。
日本の伝統と海外の伝統――よいものは民族や歴史を超えてつながっていく。
その唐草模様の美しいデザインは、「工芸文明は時代の尺度だ」という工藤さんの考えを体現しているかのようだ。

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