光を受けて柔らかく浮かび上がる曲線。まるで花がほころぶ瞬間や、しなやかに折り重なる布を思わせる質感に、思わず手を伸ばしたくなる。漆でつくる「思わず触りたくなるようなかたち」を探求する漆芸家、笹井史恵さんは、日々漆と語らいながら、まだ見ぬ新しいかたちを生み出している。

漆でつくる、触れたくなるかたち

京都府向日市にある自宅兼アトリエ。漆を乾燥させるための戸棚「漆室（うるしむろ）」には、不思議な存在感のある作品が並んでいる。風を含んだようなやわらかな膨らみや、たわわに実った果実のようにみずみずしいかたち。表面は光を受けてしっとりとした艶を帯び、思わず指先を近づけてみたくなる。

笹井さんが手がける漆の立体作品は、一度塗っただけで完成するものではない。漆を塗り重ね、そのたびに研ぎを入れることで、わずかな凹凸を整えながらムラなく均一な塗り面をつくっていく。さらに漆は温度と湿度を管理した空間でしか硬化しないため、乾燥を待つ時間も必要だ。その反復が何度も積み重なって、初めてこのなめらかな質感や柔らかなフォルムが立ち上がってくる。

「触ったときの感覚を想像しながら、塗りや形を決めていきます」というのが、笹井さんの制作スタイル。塗っては研ぎ、また塗り重ねるうちに漆の厚みがふくらみになり、研ぎの精度がなめらかさを生む。そうして少しずつ育てられる造形には、笹井さんが指先で確かめながら漆と向き合った時間が折り重なっている。

選んだのは「痩せない作品」

笹井さんが生まれ育ったのは、大阪府八尾市。下町育ちで父は会社員、母は専業主婦と、芸術に縁のある家庭ではなかったという。高校生のときに美術の道に惹かれ、京都の芸術大学に進学した。

「高校では絵を描いていたのですが、続けているうちに、自分は平面に向かうより手の内でかたちを作る方が向いてるんじゃないかな？と思うようになって。陶芸家はどうだろう？まずはやってみよう、という気持ちで芸術系の大学に飛び込みました」

大学に入ったら、まずは染織･陶芸･漆芸をひと通り体験。そのなかで笹井さんの心をとらえたのが、漆だった。「陶芸は焼くと縮んでしまうのが、ちょっと寂しかった」という笹井さん。逆に漆は、塗り重ねるほどにふっくらと肉付いていく。重ねるごとに表情が変わり、その変化を見ながらゆっくりとかたちを決めていけることに魅力を感じた。

誰も歩んでいない道を、自分の手で

こうして漆芸を選んだ笹井さんは、当初は工房で器をつくる未来を思い描いていた。しかし、実際に手を動かすうちに器づくりの枠を越え、自分の感覚に正直にかたちを追い求めるようになっていく。心のおもむくままに進んだ結果、行き着いたのは自分の好きなかたちを追求できる漆のオブジェだった。

当時はまだ、器や仏具をつくる“職人”として活動する人がほとんどだった漆芸の世界。だからこそ、あえてアートの領域に振り切れば、まだ誰も踏み入れていない新しい道を切り開けるのではないか――。そう考えたことが、アーティストへと舵を切り、自分だけの表現を模索し始める大きなきっかけとなった。

身近な自然や人との対話が、創作の源に

漆に出会って以来、笹井さんは一貫して「かたち」と向き合い続けてきた。その道のりは、自分の心に浮かぶ感覚をどうすれば漆に託せるかを探し続けてきた歩みでもある。笹井さんの作品づくりには、時間のかかる工程を楽しみ、美意識を貫く芯の強さがうかがえる。

日常の気づきが生んだ、ふっくらとした生命のかたち

笹井さんの代表作のひとつに「ビラブド」シリーズがある。丸みを帯びた柔らかなフォルムは、赤ん坊や子どもといった「ヒトがもっとも愛情を注がれる時期の姿」を連想させ、見る人の顔を思わずほころばせる。ふっくらとした輪郭が、「触りたくなるようなかたち」という笹井さんのテーマを端的に示している作品だ。

もうひとつの代表作「空のさかな」シリーズは、笹井さんの作品の特徴であるふくよかな丸みと稜線の重なりが美しく調和した作品だ。

こうした作品には共通して、日常のささやかな気づきや、身近な自然を見つめる笹井さんの好奇心が感じられる。子どもの肌のようなみずみずしさ、水面を泳ぐ魚のようなしなやかさ。そうした生命の姿が、漆特有の深みある質感で表現されているのが、笹井さんの作品の魅力だといえるだろう。

学生と過ごす時間が、創作のエネルギーになる

笹井さんは自身の制作活動と並行しながら、京都市立芸術大学で教授を務め、漆の立体作品づくりを学生に伝えてきた。大学で若い世代に接する時間は、自身にとっても大きな刺激になるという。「ずっと制作だけに打ち込んでいたら、行き詰まっていたかも。学生さんと接することでバランスが取れて、エネルギーをもらっています。」

若い世代との対話は発想をひらき、笹井さんの作品づくりをより豊かにしている。

コラボレーションで開かれた、新たな世界

異なる分野の作家たちと作品をつくる“コラボレーション”も、笹井さんにとって表現の幅を広げる大きなきっかけとなった。漆とはまったく違う素材や考え方に触れることで、新たな可能性が生まれているという。

竹工芸家･四代田辺竹雲斎さんとの共作「天日の舟」はその代表例だ。青漆を使い、エッジの効いた円形で海面に浮かぶ太陽を表現した笹井さんに対し、田辺さんはその青い輪に竹の束を編み重ね、海原に太陽の光が広がる瞬間が表現された。漆でつくるシャープなラインと竹の柔らかさが融合して、新しい工芸の魅力が生み出されている。

截金（きりかね）ガラス作家の山本茜さんとの共作「瑠璃のさかな」も、2人の作家の個性が融合した作品だ。「截金ガラス」とは、細い線状に切った金箔で模様を描き、それを溶かしたガラスの中に封じ込める山本茜さんオリジナルの技法。山本さんがつくるガラスの目に着想を得た笹井さんは、水面を跳ねるような鮮やかな青いさかなを誕生させた。

「いろんな工芸家の方とのコラボレーションを経て、ひとりで制作していたらたどり着けなかった世界が見えました。もちろん自分のためになるし、学生さんにも還元できるので、2倍にも3倍にも良い影響を生んでくれていると思っています」。さまざまな作家との共作は、笹井さん自身がいつの間にか作っていた“漆はこうあるべき”という無意識の思い込みをほどくきっかけにもなったという。

もっと自由に、もっと遠くへ。漆の可能性を信じて

笹井さんの作品は、美術館での展示、個展、さまざまな企画展などで展示されてきた。また、ザ･リッツ･カールトン京都では、館内のアートワークの一部として笹井さんの作品が常設展示されている。訪れた人が、宿泊や食事の時間の中で作品を目にすることができる、特別な空間だ。

近年では、2024年に開催した個展「風様ふわり、忽ちに雷様」での新しい挑戦が評価され、第75回芸術選奨美術部門 文部科学大臣新人賞を受賞した。さらに2025年夏にはアメリカで初めての個展を実現し、活動の舞台を大きく広げている。

「日本の工芸って、やっぱりクオリティが高いと思うんです。だからこそ、もっと多くの人に見てもらえる機会が増えたら、海外でももっと関心を持ってもらえるはず。実際に、海外の方が作品を見に来られることもありますし、可能性は大いにあると思っています」

2026年、イギリス・ロンドンにあるヴィクトリア＆アルバート博物館では、日本の漆芸を紹介する展覧会が予定されており、笹井さんの作品も出品が決まっている。ひとりの作家として、日本の工芸を世界に伝える入り口に立つ。その意思と未来への期待が、笹井さんの言葉から確かに感じられた。

次はどんな出会いがあり、どんな表現が生まれるのか。そこから生まれる作品は、きっとまた私たちの心を揺さぶってくれるだろう。

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青森を代表する漆芸家

キリっとしたスタイル。そのフォルムをさらに引き立たせるのが漆の色だ。朱は華やかな色合いを加え、黒などの色はグッと作品の雰囲気を引き締める。
　作者は藤田正堂さん。昭和33年に、津軽塗を代表する作家である藤田清正さんのもとに生まれ、香川の漆芸研究所に学んだのち、人間国宝である磯井正美さんに師事した。その後弘前市に戻り作品を作り続け、日本伝統工芸展をはじめとした展覧会で数々の賞を受賞している漆芸家だ。

透明感のある漆塗りの繊細さ

藤田さんの作品の特徴はさきほどもいったように、キリッとした存在感だ。さらにいうならば「透明感」である。だからシンとした雰囲気がある。それを可能にしているのが蒟醤（きんま）という技法だ。蒟醤というのは藤田さんが学んだ香川漆器の代表的な技法。何度も塗り重ねた漆の表面に模様を線彫りして色漆を象嵌する。それを表面が平らになるまで磨き上げる。そうすることでまるでガラス細工のような繊細さを表現することができるのだ。

彫りと色つけを体験

工房に移り、さまざまな工程のものを見せていただいたあとに、漆の板に彫りを入れる作業を体験。漆を塗ってからの日数によって、刃の入る柔らかさが違うのだという。日が浅ければ柔らかく、年数を経たものはかたい。それによっても風合いが変わってくるのだそうだ。最後に色つけの作業も体験させてもらった。漆に混ぜるものとしてよく使われるのは顔料だが、藤田さんは染料を入れたものを使うことが多いという。それが藤田さんの作品の透明感を醸し出しているのだ。
　ひと口に漆といっても、朴訥なものから、繊細な細工の入ったものまで幅広い。藤田さんの透明感のある繊細な作品は、現代の生活スタイルにあった作品として高く評価されている。

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秀衡椀は秀衡塗りの原点

岩手県の漆器というと「秀衡塗り」が有名だ。名前のとおり藤原の秀衡の時代に作られたといわれ、この地方の漆と金をふんだんに使った漆器で平泉の黄金文化を象徴するもののひとつでもある。
漆器の塗師として長年活躍してきた及川守男さんの工房兼ご自宅におじゃました。ご自宅にはさまざまな漆器が置かれている。そのなかにも秀衡塗りといわれるものがたくさんあった。そのなかから及川さんが出してくれたのがある組み椀、一汁一菜のための３つの椀がひと組になったものだ。これは及川さんが復元した「秀衡椀」。
名前こそ似ているが、実は現在の秀衡塗りの原点になったといわれるのが秀衡椀なのだという。凛とした形と見事な模様、ぽってりと厚みのある漆。見ているだけでも心がひきしまる。

家業の漆器作りを継ぐ

及川さんが生まれたのは岩手県の増沢地区というところ。古くから木工が盛んで、明治に入り産業としての漆器増沢塗が確立された。実は古くから秀衡椀を作り続けてきた地域でもあったと考えられており、民藝運動でも有名な柳宗悦らによって秀衡椀の調査がなされた。当時、増沢塗は日常の器として無地が基本だったが、その一方で、秀衡椀の特徴である金箔や文様を取り入れて「秀衡塗り」を復元したという経緯があるのだ。
及川さんは「漆器は山村で手仕事の楽しみ」だったという。「ものづくりが好きな地域で、みんなが増沢塗に携わっていました。増沢塗は漆をふんだんに使い、回数を多く塗った丈夫な漆器。あまり広く販売せずに使う人に直接販売したものでした」と話す。
現在では定番になっている優美な模様の秀衡塗りは大正に入ってから量産されたものだそうだ。増沢地区は現在ではダムになってしまい、及川さんが増沢塗最後の職人となっている。

漆は高級品でなく生活のもの

スタッフのひとりが「漆はやっぱり高級品という感じがする」というと、「そう考えられちゃうと困るんです…」と及川さん。及川さんも現在では、秀衡塗り作りではなく増沢椀を作ることにしているのだという。つまりより実用としての漆器づくりに戻ったということ。
「漆は決して高級品じゃないんですよ。自然の恵みをいただいているだけ」。漆は生活の道具だから使いやすさが大事だと及川さんはいう。そこで「実は一番困るのは、作家気分でものを作っている人が多いことですね。職人と作家はまったく違うんですよ。職人はいいものを、量も多く作ないといけない、それが基本です」と、自分たち漆芸の分野にも警鐘を鳴らしていた。

生活日用品として漆器を取り入れる。漆は何回でも修理がきくものなので、ときには売ってから10年、20年たってから修理に帰ってくる漆器もいるという。それはつまり「使い続けてくれている」ということの証だ。
「そういう仕事をすれば食べていける。だから顔の見える人に売り続けていきたい。そうしてつながっていられたらすごくうれしい」。そう及川さんは職人としての気持ちを打ち明けてくれた。

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漆の国内生産量日本一

漆器というとすぐに思い浮かぶのが輪島塗や会津塗といった「製品」だが、そのもとである漆の国内生産量日本一であるのが岩手県。なかでも二戸市浄法寺（じょうぼうじ）が産地として有名だ。その浄法寺で自ら漆を採取し、漆器を制作している、漆掻き職人兼塗師である鈴木健司さんのもとを訪ねた。

もともとおじいさん、お父さんが漆器の塗師をしていたという家に生まれた鈴木さん。自分も漆の仕事を始めたが、そのときに思ったことが「こだわったものを作りたい」ということだった。
塗りだけを極めるのではなく漆からこだわりたい。そう考えていたところ、福島県会津で師事した師匠に言われた一言が「うまくなりたかったら浄法寺へいけ」というものだったそうだ。そこで、日本うるし技術保存会の伝承者養成の長期研修生となった。それが鈴木さんと浄法寺のつながりの始まりだった。

漆を掻くことで変わったこと

鈴木さんは二戸市が運営する滴生舎という工房で5年ほど働き現在は独立をしたが、制作した漆器はいまでも滴生舎で販売をしている。だが、はじめにも言ったように、鈴木さんは漆の掻き手でもあるのだ。
本来は塗り手と掻き手は別であることが多い。だが、鈴木さんは漆そのものをもっと勉強したいと思って漆掻きも始めたのだという。漆掻きを始めて「漆を大事にするようになった」と鈴木さんはいう。
「漆掻きができるのは6月から10月くらいです。その前の時期に漆の木を探したり、手入れして育てる。半年間は山にこもるようになったんです。その分ものづくりをする時間は半年。ペースは落ちますよね。でも自分で掻くことで、漆を大切にするという感覚が出てきたんです」

漆の木からこだわる

中田も以前、この浄法寺で漆掻きに挑戦したことがあった。そのときのことを思い出して、漆掻きを行う人が違えば漆の量も質も違うことに驚いたと話すと、鈴木さんは「やっぱり難しいですよ」と返す。木によってそれぞれ取れる漆が違うのだという。育て方によっても違う。それを見極めながら一本一本の木と向き合う。そうやって漆の木からこだわることで、製作の嬉しさが倍増するのだという。

浄法寺の漆器は会津塗や輪島塗などと比べると、どちらかというとシンプルなものが多い。「漆の加工技術は向こうの方が上」と鈴木さんはいうが「浄法寺はその分シンプルな塗り重ねが発達した」そうだ。
丁寧に何度も塗りかさねることで、こだわったものが生まれる。それは見た目に派手ではなくても、漆そのものの実直な力がある。漆器を買い求めた人がリピーターになってくれることもあるという。鈴木さん自身が掻いた漆から作り出される漆器。その魅力は、この浄法寺で脈々と培われる「こだわり」の力にあるのかもしれない。

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400年の歴史を持つ鳴子漆器

宮城県の旧鳴子町 （現在は大崎市） の名産、鳴子漆器。その起源は江戸初期の寛永年間 （1624年～1643年） にあるといわれている。つまり400年近い歴史を持つということだ。
その鳴子漆器を盛り上げるため、岩出山潘の三代城主伊達弾正敏親が、修行のために塗師と蒔絵師を京都に派遣した。それ以後鳴子漆器は隆盛を見せ、現在の基礎になったという。
鳴子漆器の大きな特徴のひとつが塗り。木目の美しさを生かした 「木地呂塗」、顔料を加えていない漆を木地に塗りふき取る作業を繰り返して、木目を際立たせる 「ふき漆塗」、朱漆の上に透漆をかけた 「紅溜塗 （べにためぬり）」 などが特徴だ。また、鳴子独自の塗りの技法として、墨を流したような模様を描き出す 「龍文塗」 がある。そのどれも日用品として生活の場にあっても違和感がまったくない、素朴な美しさを醸し出している。

秋田の修行から持ち帰ったもの

その鳴子漆器を代々支えてきた職人の家に生まれて、自身も漆器作りに長年携わっているのが後藤常夫さんだ。10代の中ごろに秋田の漆器職人の工房に弟子入りし、さまざまな塗の技法を覚えたという。その数なんと約50種類だそうだ。その頃に作ったという後藤さんの処女作を見せていただいた。卵殻によって植物の文様を浮き出した大皿だ。
「これはいくら貧乏しても絶対に売らないんだ」 と大事そうにお皿を抱えていた後藤さんが印象的だった。
修行から帰り、鳴子漆器の職人としての道をスタートするのだが、その仕事には秋田の修行がとても役にたったという。鳴子漆器の手法だけではなく、さまざまな角度から漆器を考えることができたからだ。

伝統のその先に行くために

後藤さんは言うまでもなく、鳴子漆器のスペシャリストだが、先ほども言ったようにいろいろな手法を駆使している。後藤さんに案内され工房に入り、さまざまな作品を見せてもらった。そこで中田の目を引いたのは、黒が透けて見えるような深い色合いの朱塗りのお盆。器には、何層にも漆を重ねてから研いで現れた繊細な線があしらわれている。
「この線はね、木星の輪をイメージしたんだよ」
「なるほど。今は全部同じサイズお皿ですが、例えば、同じデザインでサイズを1枚1枚変えると、重ねたときに上から線だけが見えて、置いておくだけでもかわいいかもしれませんね」
そんなふうに中田が感想をいうと、「うんうん、たしかに。そうか、面白いね。今度作ってみっか」 と後藤さんは受けてくれた。
「やっぱりね、人の話を聞かなきゃわからないんだよ。自分だけだと何でも限界があるからね。そういうのも作ってみたい」
中田の思いつきにも真剣に耳を傾ける。そして 「作ってみようか」 と言う。この柔軟性が鳴子漆器という伝統をこの先につなげていく原動力なのかもしれない。

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会津伝統の“会津漆器”

今回お話を聞きに伺ったのは、漆芸家として活躍している佐藤達夫さん。福島県の喜多方市で活動している作家だ。喜多方市といえば、会津漆器の産地。会津の自然が生み出す良質の木材と、盆地特有の気候で現れるきれいな漆のつやで、長い歴史と全国的な人気を集めている。
会津漆器はお椀などのいわゆる丸物と呼ばれるものを中心に発展してきた漆器だ。佐藤さんはお父さまの代から塗りだけでなく、ろくろで木地作りをするようになり、オリジナルの漆器制作にも取り組んでいった。

若い世代に引き継ぐこと

佐藤さんの作品を見せてもらう。作品はお椀などの丸物から、重箱などの作品まで幅広い。漆黒、朱、黄、緑、金、色が混ざり重なりながら、漆独特の艶と蒔絵や螺鈿（らでん）での装飾が見事に一致し、独特の世界観を作り出している。これまで数々の賞を受け、人気と実力を裏付けているのだ。ただしお話を聞いていると、作品としての漆器よりも、漆器それ自体への暖かい眼差しが感じられた。

「もちろん制作も、まだまだ頑張っていこうと思っていますが、これまでの経験を振り返って、今の自分にどんな役割があるだろうなって考えると、若い人に伝えることじゃないかなと思っています」
それは技術に関することだけでなく、暮らしの中の漆器ということも含めて伝えていきたいと話してくれた。

暮らしのなかに漆器を

「作家活動も大事にしていますが、もともとはお碗屋なんです。それはやっぱり自分のなかに強くあります。だから日常の生活に漆器がなくなっていくのが、すごく寂しく感じるんです」佐藤さんがそう言うと、中田はこれまでの旅を思い出しながら「たしかに。漆器っていうと、高級なものを思い浮かべがちですよね。でも、こうしていろいろな方のお話を聞いていると、本来は日常のもの。ちょっとかけても少しの修理でなおせるんですよね。金継ぎだってできる。そういうことを知れば使いたいと思う人も増えると思う」と言った。
「そうですね。きれいな器とおいしい食事は別々のものじゃない。きれいな漆器でおいしい食事をしてほしい。それがわたしの思いなんです」と最後に佐藤さんは語ってくれた。
現在、喜多方市では全面的にではないが、学校給食用の食器として漆器の利用を実施している。幼い頃から美しい器で、おいしい食事をするという経験ができれば、伝統工芸をもっと身近に感じることがきっとできるだろう。また、25年前に漆の木の植林を始めた。まだ少しずつそれを使っていくという段階だが、会津漆器の伝統を受け継ぐ大事な礎になるのだ。（2012年取材）

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伝統工芸なんてまるで知らなかった。

「まあ、みんな足を崩してくださいよ。取材する側、される側、どっちが偉いなんてのはないんだから」そんなふうにフランクに話しかけてくれた大西勲さん。髹漆（きゅうしつ）の分野で、重要無形文化財の認定を受けている人物だが、代々続く漆芸家の家に生まれたという経歴の持ち主ではない。 福岡の炭鉱町に生まれ、若い頃には日本全国をまわっていろいろな仕事をしてきたという。 「伝統工芸なんてまるで知らない。偶然ですよ。学校もろくに出てねえし、まあ職人なら飯も食えるだろうって、そんな感じでしたよ」 二十代も半ばを過ぎて神奈川県に住んでいたときに鎌倉彫を知り、工房に通ううちに出会ったのが漆という仕事だったのだ。

研ぎ澄まされたものが好きなんですよ。

大西さんの作品を拝見する。一枚の大皿なのだが、よく見ると何層も凸凹がある。「これはね、板を何枚も重ねて作ったんです。本当は漆ではやっちゃいけないことなんだよ」と笑うが、それは手間と時間がかかりすぎるから。 木曽ヒノキを細く薄い板に切り出して、輪のかたちに曲げる。この輪の1枚1枚を漆で塗り、研ぐ。それを最終的に何層にも重ねてひとつの大皿を作るのだ。 何度も「塗り」と「研ぎ」を重ねる漆では、想像を超える根気が必要になる。そのため、時間がかかるこの方法を「これはやっちゃいけない」と笑い飛ばすのだ。 「昔から、日本刀の刃のように鋭いもの、極めて研ぎ澄まされたものが好きなんですね。人生は一回きりなもんで、自分らしく生きるためには、つくりたいものを作っていたい。金儲けしたかったら、こんなことはできないです」

強い漆。

工房では、原料の漆をみせていただく。「ハチの巣があるでしょう。あの巣と木を接着しているのが漆ではないかとも言われています。漆は乾くと強く接着する特性があり、腐らない。」 桶に入った濃厚な漆は、茨城県内で採れたもの。「これは裏目漆（うらめうるし）です。漆の木から最後に採れる漆だけど、上塗りにも使えるくらい強くて良い漆。」強い漆は研ぐのに力がいるので仕事は増えるが、仕上がりは美しく、なにより何年も痛みが少ない。 大西さんが得意とする技法は塗立（ぬりたて）だという。塗立とは塗面を磨かずに仕上げる技法。これはどちらかというと瞬発力の勝負。大西さんは「いやね、一発勝負が好きなんですよ」という。

「やればできる」ということ。

「漆の難しさは？」と中田が質問をした際に、大西さんはこう答えた。
「難しいか…。よく聞かれるけど、でもね、これは難しいなんてことはないんですよ。漆の仕事なんていうのは、塗る作業と磨く作業、つまり足し算と引き算をする仕事。だから調節もできる。時間をかけてじっくりとやればできる仕事なんです。やればできる。だから難しいなんていうことはない」 確かに、難しいと諦めるのは簡単なのかもしれない。

そして、大西さんの独特の例えでこう話した。「マラソンでも、優勝すればいいと思う人と、記録を作ってやろうとする人がいる。なにか、やってやろうとする方が面白いよね」そう言って笑うのだった。
取材の間、大西さんから返って来る言葉は生き方や作品に対する考え方だ。この「やればできる」という言葉の上に手作業と時間が重なり、ひとつの作品になる。

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貴重な国産漆を守り伝える漆掻きの匠·飛田祐造さん／茨城県 – NIHONMONO 10年でたった1回しかとれない国産漆 「漆の木は10年間育てたら１年だけ漆を掻（か）きます。漆を掻いた木はその

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漆のオールラウンダー「髹漆」

増村紀一郎さんは、2008年に髹漆（きゅうしつ）で重要無形文化財保持者(人間国宝)に認定された。髹漆とは、最も古くからある漆芸技法といわれ、木、竹、布など様々な下地に塗ることができ、仕上げも光沢を出すもの、出さないものと様々な種類がある。一言でいうと”漆のオールラウンダー”とでもいうものだ。

もちろん増村さんの作品も幅が広い。しっとりと落ち着いたもの。光沢を出した華やいだ作品。黒のなかに浮かぶ朱色が目に眩しい作品といったように様々ある。一見すると何の素材かわからない、しかし、とても美しいこの世にたった一つの作品だ。

皮に漆を塗る漆皮技法

さきほど説明したように髹漆は下地を選ばない。そのため、材質の質感を生かした作品を作ることも可能にするのだ。
例えば麻を漆で塗り何枚も重ねて、風合いを出す乾漆（かんしつ）という技法。縄を器の形に巻いて、漆で塗り固める、縄胎（じょうたい）という珍しい技法もある。増村さんはそういった様々な技法を使って作品を作り上げる。

なかでも中田が驚いたのが、動物の皮に漆を塗った漆皮（しっぴ）という技法。
乾燥させた皮を一度水でもどし、木型に密着させる。それを再度乾かし、固めて木型から外す。それに漆塗りを施すのだ。実際に作品を手にとった中田が「これ本当に皮なんですか」と疑問を持つほどに、丈夫なものに仕上がる。

材質を活かして”おもしろい”を

漆皮の歴史は古く、増村さんによれば延喜式にその方法が説明されているというから、奈良時代からあった技法なのだ。
「おもしろい」と中田は言う。「そんなに伝統的な技法だけど、このデザインは現代的。僕はこの技法を知らなかった。でもおもしろい、かっこいいと思う。不思議ですね」

増村さんは「これもおもしろいでしょ」といって、漆塗りをした竹かごを見せてくれた。
「もとのカゴはそのへんで買ったもの。でも竹の質感を活かすように和紙を塗って漆を塗ったんです。これにみかんとか入れてテーブルに置いておくんです」

中田も頷きながら、「質感がいい。おもしろい。じゃあ大きな竹の…」といって、次々とアイデアを出していった。増村さんも「それはいいかも。でも難しい…」といって身を乗り出して話をしてくれた。使う人間と作る人間のコラボレーションというのは、「これおもしろい」から始まるのかもしれない。

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星空のように輝く漆器「漆芸家 田口義明」／埼玉県北足立郡伊奈町 – NIHONMONO 虹色に輝く貝殻。 今回お話を伺った田口義明さんが紹介されるときは「漆芸家」といった表現が多い。漆というとどんな

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虹色に輝く貝殻。

今回お話を伺った田口義明さんが紹介されるときは「漆芸家」といった表現が多い。
漆というとどんなイメージを持つだろうか。つるりと輝く漆塗りのお椀。もしかしたら、朱に塗られた重箱かもしれない。でも、田口さんの作品はそういうイメージとはほど遠い。なぜなら、作品が虹色に輝くのだから。

その理由は螺鈿（らでん）。螺鈿とは、貝殻の光沢を持った真珠層を埋め込んで装飾を施す技法のことをいう。その螺鈿が施されているため、田口さんの作品は虹色に輝くのだ。

宇宙を表現する。

中田が食い入るように作品を見つめる。その作品のなかには、香合のようなあまり大きなものでないものもある。そこに螺鈿で細かく描かれる紋様は、すべて一枚一枚貼って出来上がるもの。
「貝の色味は見る角度で変わってくる。だからそれを頭に入れながらやらなくてはいけない。一番きれいな部分を正面に持ってくるようにするんです」
そんな細部にまで気を配らないと、この美しさは表現できないのだ。
「好きなモチーフは何かありますか？」という中田の質問に田口さんは「うーん、宇宙的なものかな」と答える。螺鈿で青く美しく光る香合が地球。それが乗る盆が宇宙だ。散りばめられた星のように輝くのが、蒔絵による装飾だ。

手に触れることで伝統を知る。

田口さんの父親は蒔絵で重要無形文化財保持者に認定された田口善国（よしくに）さん。
その人間国宝である父に、田口さんは蒔絵を師事した。漆の上に貝殻を。そのうえに蒔絵を施す。そうすることで、田口さんの星空のような作品は出来上がっているのだ。

蒔絵の作業を中田は体験させてもらうことになったのだが、材料を前にして腕組みをする中田。「うーん、どういうものがいいんだろうな」と悩んでいると「自由でいいんですよ。上手い下手じゃない。とにかくやってもらったら、よさがわかるじゃないですか。それをさらに使ってもらったら、伝統のよさをわかってくれるはず」。そう言って田口さんは背中を押してくれた。

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色とりどりの鞘

小山光秀さんは、刀の鞘（さや）を専門に塗る漆芸家だ。「拵え（こしらえ）もの」という、いわゆる飾り用の鞘の漆を塗る。実際に、小山さんが作った鞘のサンプルを見せていただきながら話を伺う。

中田が「鞘って真っ黒っていうイメージがあるんですけど、いろいろな色があるんですね」と驚くほど、バリエーション豊かで華やかなものが並んだ。
「江戸期になると、戦いがなくなったっていうのもあると思うんだけど、いろいろな色の鞘塗りがされるようになった。でも中田さんも言うように、刀だとやっぱり黒と朱が圧倒的に人気ですね」

鞘は必ず、朴の木を使う

小山さんの作る、漆塗りの鞘。実は、常に刀を納めていたのではないのだと教えていただく。
「え！そうなんですか？」と驚きを隠せない中田。
「そうです。漆塗りの鞘は刀身を錆びさせるので良くないんですよ。この鞘に入れるのは表に出るときだけ。普段、保管するのは塗りのない、白鞘（しらさや）に入れておくものなんです」

そして、鞘に使われる素材は朴の木（ホオノキ）。もし、表面に他の木を使う場合でも必ず刀身が触れる内側には朴の木を使った入子鞘（いりこざや）を組み込んで作るのだという。
「それに、鞘の角は痛みやすいので水牛の角の加工か、彫金の細工を施します。これは伝統の、しきたりのようなものですね。」細部まで先人のこだわりが受け継がれているのだ。

今を大事にして作る

小山さんは自身の表現活動を続けるために、伝統工芸展や展示会に出品する漆芸作品も作っている。
「私たちは今を大事にして作ってるつもりなんだけどね、伝統工芸っていうと、古いイメージがあるじゃないですか。」と話す小山さん。
「たしかに先入観はあるかもしれませんね。こうやってお話したり、作業をしているのをみると、みなさん新しいことをやってらっしゃる。そのイメージを少しずつ変えたいなと思うんですよね」と答える中田。

「私たちの作品は世に出るまでに時間がかかってしまいますね、どうしても。だから、おじさんがやってるみたいなイメージがあったりするのかな。技術を習得するまでにやっぱり時間がかかるんですよね。表現をするためには、時間がかかる。10年、20年。」

工芸作家仲間と常に情報交換をするという小山さん。鞘塗り、漆芸作品、伝統の形を残しながら、そのひとつひとつは新しい輝きを放っている。

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