六本木で陶芸をする

陶芸家 前田正博さんがアトリエを構えるのは、東京のど真ん中の六本木。こちらには電気窯もあり、陶芸を行うことができる。常々、作陶したいと思っていた中田もこのシチュエーションには喜びを隠せない。
「友だちにも陶磁器を作りたいという人がけっこう多いんですよ。でも場所がどうしても遠くになってしまうので足が遠のいてしまうんです。でもここならいつでも通えていいだろうな」
前田さんはこちらのアトリエで六本木陶磁器倶楽部を主催し、自身の作陶とともに、陶芸教室も開いている。土地柄もあり、様々な人が教室に訪れるという。それだけ作陶をしてみたいという人が多いのだ。

金彩、銀彩、赤に魅せられる

前田さんの作品の特徴は、金彩や銀彩を何層も重ねて絵を描き込むということ。マスキングテープを使って色をつけたいところだけを塗り分けて焼く。その工程を何度も繰り返して、様々な色を塗り重ねた絵ができあがるのだ。温度を調整しゆっくり丁寧に焼いていけば、何度焼いても作品にヒビが入ったりすることはないそうだ。戸棚にならぶ作品を見せてもらう。そこには色とりどりの器がある。なかには赤や青といったビビッドな色を使ったものもある。
「こういう原色に近いものはあまり見ないですよね」
「油絵具の赤系は出にくい色なんですよ。でも出すことはできる。実は原色系がないのは、日本の食卓に合わないということで人気が出ないから。自主規制に近いかな」
すると、「黄色とかあっても面白いと思うんだけどな」と中田は、作品をいくつも手に取り代わる代わる眺めていた。

陶芸のデザインを楽しむ

「赤だとこういうのも」といって出してくれたのが、蓋のついた大きな作品。外は赤で彩られて、漆塗りのようにも見えてくる。その蓋を開けると、中は金と黒の鮮やかな彩色が施されている。外で楽しみ、中でもまた楽しめる。
ほかに、質感にもこだわる。中田が「これは陶器ですか？」と言った作品がある。「これは陶器なんです」と前田さんは言う。表面にザラリとした質感を加えて、見た目だけでなく触った感触も楽しませてくれるのだ。
「磁器はツルっとしているというイメージがありますよね。だから逆にザラっとした質感を加えているんですよ」
色による絵。外はシンプルに、中は豪華にというデザイン。質感による表現。そういったデザインを楽しむという感覚が前田さんの作品の特徴なのだ。
それを裏付けるように前田さんが一冊の本を出してくれた。着物の型紙の見本帳だ。「すごくかっこいいでしょ。絵付けに使えるって刺激されて、いつも買ってしまうんです」と前田さんは言う。
それとともに前田さんが出してくれたのは一枚のシート。顔料の溶剤が入っていて、切って陶磁器に貼り付けて焼くと、はっきりとした色が付くのだ。「子どもの工作感覚で陶器デザインができるという感じですね」と中田がいうと「その通りですよ」と前田さんも答える。そのシートで色をつけるほかに、ぼかしも入れていく。様々なアレンジができるのだ。そんなふうにしてかっこいいを「楽しむ」ことで器は生まれていくのかもしれない。

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伝統工芸にも新しい技術を 陶芸家·小山耕一さん／東京都台東区 – NIHONMONO 陶芸には珍しいピンク色を出す 陶芸家小山耕一さんの作品の特徴のひとつが、金属を塗布して色と質感を出すというもの

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「お誕生日おめでとう」の文字を手書きで

「お誕生日おめでとうを手できれいに書きたい」
毎日メールでのやりとりをしているからこそ、本当に伝えたい気持ちは手書きの文字で伝えたい。もらったらやっぱりうれしい。そういう気持ちはだれにでもあるのではないだろうか。
「みなさんそのようにおっしゃって、習いにいらっしゃるのですよ。例えば名前をきれいに書きたいとか。それはすごくいいことですよね。“用の書”というものですね。でもそのうちにみなさん線や空間を考える“表現の書”がわかるようになってきて、はまっていくんです」

お話を伺った矢萩春恵さんはそう答えてくれた。用の書とは、実用としての書。中田の「お誕生日おめでとう」のように、実用のための文字だ。しかしそれがうまく書けるようになると、文字そのものの魅力に気づくようになって、「もっといい字を書きたい」、「面白い表現をしてみたい」と興味が変わっていくのだという。

日頃から文字を書くことが大事

矢萩さんは大学を卒業後、漢字では手島右卿（ゆうけい）、かなでは町春草に師事して書を習う。日展入選後、1974年に初個展を開いた。その後日本各地をはじめ、世界各国でも個展を開催するようになった。その柔らかで表現性に富む書は見るものをひきつけ、世界の人を魅了した。1989年からは3年間、アメリカのハーバード大学で東洋美術史学科の客員教授として書の講座を担当した。学生たちも最初は東洋への興味ということで習い始める人が多かったが、次第に表現の書に魅力を感じてのめりこんでいったそうだ。

最初に矢萩さんが言ったように、きれいな字を書きたいと思っている人は多いのではないだろうか。そこでまず最初に何を学んでほしいかを質問する。
「まずは文字の美しさを知ってほしいと思いますね。楷書でも行書でも、視覚的な美しさがありますよね。線と形、空間から生まれる美しさを知ってほしいですね」実際に練習するときはなにより「文章を書くことが大事」だと言う。日頃から書くことに慣れて、「お誕生日おめでとう」に心をこめるということが大事なのだ。

文字が読めればいい。感覚を表現することが大事。

用の書から表現の書へ。矢萩さんに「笑」という文字を見せてもらう。
「“笑”を正方形に書いては面白くないですよね。ひとつの線を協調するだけでも表情は変わってくる。デッサンをして、色々書いてみるんです。そのなかで表現はできてくる」と矢萩さんは話す。ただし、素人考えではどこまで字を崩していいのかわからない。
そこで中田が「ルールはあるのですか？」と聞くと、「唯一のルールは読めなくてはいけないということ。文字ですから間違えたものを書いてはいけない。これだけです。そのなかで感覚をどう表現するかということですね」と矢萩さんは答えてくれた。また「五體字類」という崩し方の手本があることも教えてもらった。

最後に恒例のお習字の時間。今回も中田英寿という名前を先生に教えてもらう。「リズムが大事」と矢萩さんは言う。「それから絵心もあったほうがいいかな」
五體字類を参考にしながら、いくつかの英という字を見せてもらい、そのなかから好きな「英」を選んで練習する。寿にいたっては110通りもの書き方があった。それを合わせてこれまでに書いたことのない柔和な印象の「英寿」が完成した。
「とてもお上手。リズムがいいですよ。それに素直。ね、だんだん面白くなってきたでしょ」と矢萩さんが笑う横で、中田も楽しそうな顔をして文字を眺めていた。

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6歳で家元を継承し現代的な生け花を

小原流は19世紀末から続く華道の流派。お話をうかがったのは五世家元の小原宏貴さん。小原さんは1988年生まれの35歳。中田よりも10歳も若い青年だった。お父さんの四世が急逝してしまったこともあり、小原さんは6歳にして家元を継承した。10歳のときに初めて展覧会に出品し、2012年3月に東京・日本橋髙島屋で開催された自身初の個展には、6日間で約45,000人が来場した。

小原さんの作品のなかには、いけばなという言葉のイメージからは想像もつかないようなものもある。数メートルもあるような大きなインスタレーションもあるし、人工的な素材を使ったものもある。その表現は、現代に合わせた伝統の進化形といえるかもしれない。

変わっていく小原流

「小原流の伝統様式は流祖と二世で完成させられた部分があるんです」と小原さんは話す。小原流の特徴のひとつは「盛花」というもの。これは小原流が生み出した感性だ。それまでのいけばなは線の表現がほとんどだった。盛花は口の広い水盤を使うなどして、花をたっぷりと盛るようにいける。そうして面、奥行という表現を可能にしたのだ。
そして、伝統を受け継ぎながらも、変わっていくことの過程があった。お祖父さんにあたる三世家元はシュールレアリスム的な作風を作り上げ、お父さんの四世家元は現代に合うもの、洋風空間にも合う作品に取り組んだ。そして自身は現代アートにも通じる作品を創りあげる。伝統を受け継ぎ、表現の幅を広げるように発展しているのだ。

文化は人をつなげる接着剤

目の前で花をいけてくれる。ハサミを使って枝を切り、空間を作っていく。大事なポイントは「どこかを引くことでどこかを強調する」ことだという。中田は「自分ではまったく考えられない。絶対に、どうしたらいいかって迷って手が止まっちゃうだろうな」といって小原さんの動きに見とれていた。
「自分が考えるいけばなの本質はお花を触ると楽しい、いけると楽しいというところ」と小原さんはいう。「だから現在のライフスタイルに合わせることが大事。昔はお花というと、和装に畳というイメージがあったでしょうけど、現在の教室はテーブルでやることがほとんどです。もちろん教室だから、形式から入りますが、やっぱり本質は自由な表現だと思いますね」そうしていけばな教室に多くの人が集まり、集まった人同士が輪を広げていく。
「人と人がつながる。文化っていうのは、その接着剤だと思うんです」
いけばなをとおして、花や伝統、そして人と出会う。これもまた、いけばなという文化の大きな魅力なのだ。

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大規模な草月流の生け花

「大学で教えた時、学生に生け花ってどんな印象かっていう質問をしたら、”お姑さんの前で正座してするもの”って答えた男子学生がいて、すごくショックでした」
そう笑いながら話すのは、草月流第四代家元の勅使河原茜さん。だが、草月流の生け花はそういうイメージとはまるで違う。拝見させていただいた歴代家元の作品には、大きいオブジェのような作品もあれば、竹を使って舞台を作った作品もあるのだ。
「私たちはこれも生け花として捉えています。父が竹を使い始めて、こういう大規模な作品を作るようになりました。私も沼津の御用邸で竹の舞台を作りました。細く縦に割った竹を編み、クレーンで吊りながら組み立てるというスケールの大きなものでした」
もちろん形式や基本はある。しかし、もっと大切な部分は生ける人の中にある。「自分が生けたいイメージを表現するためにこそ、基本はあると思っています」と勅使河原さんは話す。

自由に変化していくのが生け花

「草月流の特徴は自由に変化すること。花は生け手のおもいで変わるものなんです。見た人に何を感じてほしいのかということで、作品は変わっていくんです」と勅使河原さんは言う。
中田が「生け花を見るときに何を基準に見ればいいかわからないんです」というと、見る人も感性でいいと勅使河原さんは答えてくれた。
「例えば生け手は、パワフルな力を感じてもらいたいと大胆な作品を作る。でも見る人によっては、植物をいじりすぎていてかわいそうと思うかもしれない。どっちが正しいというものではないんです。だから評価は見る人の感性でいいんだと思います」
「ただし」と勅使河原さんは加える。「作品には必ず”生け手”のおもいがないといけない。そうでないと見る人も評価をできない。ただ植物の美しさに頼るだけ、きれいだね、で終わってしまう。評価はそれぞれでいいですが、評価の土壌にのぼるには”自分”を入れないといけないということですね」

目の前で作品が生まれていく

最後に勅使河原さんが生け花のデモンストレーションをしてくれた。今回は２作品。器は自身で作ったものだという。ちなみに先々代は生け花のほかに、自ら書をかき、映画監督でもあった先代は書と陶芸をしていたという。
目の前でひとつの器と植物が変化していく。勅使河原さんは中田に背を向けて立つことはない。「後ろ生け」といって、鑑賞者がすべてを見られるように器の後ろから生けていく。ときにはすばやく、ときには考えるふうにして枝と花が生けられていく。

生け花の最大の魅力

完成した作品を前にして中田が「これは最初からこういうふうにしようと考えているんですか？それともその場で考えていくんでしょうか」と聞いた。
「ある程度のイメージはありますが、植物は生け手の思う通りにばかりはいきません。生け花の面白いところは、生き物としての植物と向き合っていくところなんです。植物が目の前に来た時に、自分の思った枝ぶりと違う、色が違う、それと柔軟に向き合っていくことが生け花の最大の魅力です」
ひとつとして同じ植物はない、生き物としての花と向き合う。そうして人と花とが共演し、ひとつの作品が生まれていくのだ。

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まるで生きているようなガラスアート

自由な、という言い方が的確かどうかはわからないが、狩野智宏さんの作るガラス作品はまるで生き物のような独特のフォルムを持っている。一瞬でハッと目を奪われて、なんだろうと近寄ってみてみるとガラス作品なのだ。色もさまざまな表情を持ち、用途のある器といった“ガラス作品”とは一線を画す。
狩野さんは「例えば蜘蛛が身体から糸を出すように、手に生えた爪が長く長く伸びると巻いてくるように、自分の身体をとおして、ガラスの素材から現われて出てくるカタチを創造できたらいいなと思って、このような作品を作っています」と語る。

ガラス工芸との出会い

狩野という苗字は日本美術史に残る名前だ、そう、狩野さんの曽祖父は日本画狩野派の画壇だった。自身も大学に進み日本画を描いていたが、だんだんと映像に興味を持ち出し、大学卒業後はCM制作会社に就職した。８年ほどクリエイターとして活躍したが、あるときバイク事故に遭い長いリハビリ期間を過ごした。
その時期に大学時代の友人のお父さんが版画家の吉田穂高氏で、当時ガラス工芸を趣味で行っていたことを思い出し、ガラス作品も作っていたのでアトリエを見学する。

「当時勝手な思い込みですけど、ガラスは普通職人さんが工場で作るものだと思っていたんで、個人でもガラス素材が扱えるという事にショックを覚えています」と狩野さんは話す。吉田さんが通っていたガラス教室を紹介してもらい、そこからガラス造形作家の道へと進みはじめたのだ。

すべてをガラスで作るということ

吉田さんに教えてもらった技法は、吹きガラスが発明される以前、古代メソポタミア時代に起源をもつ「パート・ド・ヴェール」という技法だ。一般に粘土やワックスで原形を作り、耐火石膏で型を取る。その石膏型の中にガラス片を詰めて焼成し、冷した後、型からガラスを割り出し加工するという鋳型鋳造方法だった。
当初は、原形を作り、ガラスを鋳造するこの方法で作品を作っていたが、ある時この一連のプロセスに於いて「原形」は役目を終えると、捨ててしまうことに違和感を持った。
耐火石膏の鋳型が「心がなくなるみたいな虚無感っていうのかな。なにか大事なものを失くしてしまうような気がした。それに原型を粘土で作ると、最終的に仕上がったガラスが、粘土原型のコピーだと思ったわけです。だから原型もすべてガラスで作ってみたいと思ったんです」
そうしてガラスに”命”を吹き込むことができないかという試行錯誤がはじまった。

造形の可能性を見つける

それまで、ガラスの原形を使ってパート・ド・ヴェールによるガラス作品を作る人はいなかった。狩野さんは吹きガラスで吹いたガラスを作り、そのガラスを石膏で包む。そしてその吹きガラスの原形の中にガラス片を詰めて、もう一度焼成する方法を実践している。吹きガラスの原形とあとから入れ込んだガラスが溶け合って、ここにもダイナミックな“動き”が生まれるのだ。
狩野さんは自分の作品をプロセスも含めてすべてが作品と言う。ガラスという素材に、自然、時間などすべての要素が関係する。そのすべてが絡み合ってひとつの造形が出来上がるのだ。
「ガラスという素材で、まだまだやったことのない方法はたくさんある」現在はさらに原形を作らずに鋳造の作品を制作している。そう狩野さんは新たなチャレンジを目指していた。

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江戸切子の変化を見つめる職人「江戸切子」小林淑郎さん・小林昂平さん／東京都江東区 – NIHONMONO 海外のデザインを受け継いだ江戸切子の歴史 江戸切子の紋様には決まったパターンがある。「だいたい10数種類のパタ

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自宅兼アトリエをそのまま記念館に

東京の渋谷駅コンコースに岡本太郎の『明日の神話』が現れたのは2008年。数十メートルもある巨大な壁画で、当初その圧倒的なパワーの前に足を止めない人はいないぐらいだった。この壁画を見に全国から渋谷を訪れた人も多いという。
今回訪れたのは、渋谷駅にも程近い東京・青山にある岡本太郎記念館だ。開館は1998年。もともと自宅兼アトリエとして岡本太郎が住んでいた場所を改築してそのまま記念館にした。今なお、芸術家が住んでいた独特の雰囲気が色濃く感じられる。
入るとすぐに目に入るのが中庭のオブジェ。左右非対称で見る角度によって見え方が変わる彫刻に目を奪われ、ドアに入るよりも先についついそちらに足が向いてしまう。

アトリエだからこそ残る作品

見学当日は「岡本太郎の50年」という企画展が催されており、1947年から絶筆となる最後の作品までを10年区切りで１枚ずつ展示されていた。1947年の壁に展示されていたのは、戦後の岡本太郎作品のなかで日本に残る一番古い作品だという。飾られている絵はそれぞれ時代ごとに５枚。それでも岡本太郎の変遷を垣間見ることができる。大々的な展覧会も良さはあるが、ひとりの作家を見つめるために凝縮した空間でこうした展覧会を観ることができることは、記念館だからできることなのではないだろうか。
この岡本太郎記念館にある作品は完成品よりも、制作途中の作品が多いのだという。「アトリエに残された制作途中の作品からも作家の息づかいを感じることのできる場所」と案内してくれた布山さんは話をしてくれた。
今でも岡本太郎は東京青山にひっそりと、だが鮮やかに息づいている。これからも岡本太郎の作品の数々は人々を魅了し続けるだろう。

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ジブリアニメの世界に入り込む「三鷹の森ジブリ美術館」／東京都三鷹市 – NIHONMONO スタジオジブリの名作を思い起こさせる美術館 『風の谷のナウシカ』、『もののけ姫』、『千と千尋の神隠し』などなど

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帽子のオートクチュール、“オートモード”

まだ海外渡航の自由化がされていない1960年代前半に単身フランスへ渡り、オートモードの巨匠ジャン・バルテに師事しその技術を日本に持ち帰った帽子デザイナーが平田暁夫さん。オートモードとは、洋服で言うところのオートクチュールのこと。できあがる帽子は、採寸はもちろんのこと、デザインから素材決めまで、すべてをオーダーメイドで作る世界でただ一つの帽子だ。

平田さんはフランスから帰ると、その技術を活かし、日本のデザイナーは勿論バルマン、ニナ・リッチ等のオートクチュールの帽子を担当、日本のファッションショー黎明期を大いに賑わした。その一方でオートモードの技術が評価され、日本の皇室を始め、世界各国の王室からもオファーがくるようになった。
8７歳の現在でも現役。2011年には第29回毎日ファッション大賞を受賞するなど、第一線で活躍しているデザイナーだ。

手作りだから行き届く心遣い

今回はそんな世界的デザイナーである平田さんのアトリエにおじゃました。案内してくれたのは平田さんの娘さんであり、自身も帽子デザイナーとして活躍する石田欧子さん。まず工房を見学する。工房にはさまざまな型があった。顧客ひとりひとりの型をすべて残しているといい、それに合わせて素材を選び、デザインに向けて形を作っていく。もちろんコサージュも手作りだ。既製品にはできない細かな配慮が帽子の隅々に行き届く。
オートモードの帽子作りを支えるひとつの素材を見せていただく。帽子の原型に使用するスッパトリーという素材だ。木を細かく削ったもので、湿り気を帯びると自由に折り曲げることができるため自由自在かつ、繊細なフォルムの帽子の原型を作ることが可能になる。スパットリーで作った仮の帽子の内側にスパットリーを幾重にも切って貼り、石膏状の塗料を塗ってその人の為の木型をつくる。その型を使って帽子を作っていくのだ。現在ではスパットリーを生産する人がいなくなってしまったことから大変貴重になっているのだという。

帽子は飾るものでなく被るもの

欧子さんにお話を聞いていると平田さんがいらしてくれた。肩書きだけ聞くとカチッとした方とも想像するが、非常に柔らかな物腰の方だった。

「せっかくですから、頭のサイズだけでもいただいておきましょう」と言って、中田の頭を見てくれる。
「横よりも後ろのサイドがはってますね。後ろのサイドだけ。ただ、まえがすごく出てる。そこで止まるんだな」と、平田さんの頭にはもしかしたら帽子のイメージが出来ているのかもしれないと思ってしまった。
「自分の頭のサイズをわかっていない人も多いんじゃないかな？スーツは作るけど、帽子は作ったことないですね。」と中田。
「日本は帽子を楽しむ場所が少ないね。欧米では結婚式でも、卒業式でも帽子を被ることがある。」

そして平田さんの作った帽子を手にとり、実際に被ってみる。後ろをうんと浅く被って、前を深くかぶるとかっこいいとか、サングラスをしたときの帽子は難しいとか、帽子談義に時が進むのを忘れる。
「帽子は飾るものではない、かぶらないとダメ」と平田さんは言う。ここまで日本のオートオードの基礎を築いてきたデザイナーは、帽子はその人を引き立たせるものだという。
そう話す平田さんはすごく楽しそうな顔をしていた。

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江戸風鈴を作り続ける「風鈴職人」篠原儀治さん／東京都江戸川区 – NIHONMONO 涼しげに鳴る風鈴 夏の風物詩、風鈴。軒先で鳴る静かな音に、いっときの涼をえる。日本人なら誰でも経験したことのあ

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靴は「Guild」左右同じ形じゃない 靴職人·山口千尋さん／東京都台東区 – NIHONMONO 多くのファンに支持される靴メーカー「Guild」 96年に設立されたハンドソーンウェルテッド製法の靴メーカーG

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