日常の道具の中に美を見出す「民藝（みんげい）」。その教えを直接受け継ぎ、今も器づくりを続けているのが島根県にある出西窯（しゅっさいがま）だ。ここで生まれる器には、窯名や作り手の名前が記されていない。それでも人々に選ばれ続け、70年以上も作り続けられてきたのはなぜだろうか。その背景には、器そのものだけでなく、時代の変化に応じて暮らしの在り方まで提案してきた点にある。

ライフスタイルから提案する窯元･出西窯

島根県東部、出雲平野の田園風景が広がる出雲市斐川町（ひいかわちょう）に、暮らし全般を発信する複合施設「出西 くらしのvillage」がある。敷地内には器の店やセレクトショップ、ベーカリーカフェが揃い、足を踏み入れると商品がずらりと並ぶ店内へと自然と引き込まれていく。

運営するのは民藝運動の精神を受け継ぐ窯元･出西窯。

「地域の方に楽しんでもらえる場をつくりたかったんです。器を使ってもらったり、洋服を手に取ったり、パンを選んだり。暮らしそのものを体験できる場所にしたくて」と振り返るのは出西窯の代表･多々納 真（たたの しん）さん。たとえば冬のグラタン皿は、実際に使ってみて初めて良さが伝わることも多い。“いいね”となり、そのまま購入につながることは少なくないという。

ここでは、暮らしの中でどう使われるかまで含めて商品提案がなされている。こうした考え方の背景には、戦後に出合った考え方に端を発している。

始まりは戦後。地元で生きる道を模索して築いた共同窯

出西窯の始まりは1948年。戦時中は物資が乏しく、“贅沢は敵”とされる中で、生活の中の“美しさ”は後回しにされてきた。そうした時代を経て、美しいものをつくりたいと、5人の若者が器づくりに取り組むことに。彼らは幼なじみで、いずれも農家の次男･三男。家業を継がない立場として自分たちの生きる道を模索するなかで、生活も支え合える“共同体”として窯を築く道を選んだ。

創業当初に目指していたのは、美術的価値の高い焼き物だった。しかし1949年、松江市在住の工芸家・金津 滋（かなつ しげる）氏から、“あなたたちには何も志がないみたいだ”と厳しい指摘を受ける。そしてこのとき、金津氏から手渡されたのが、民藝運動の父と呼ばれる柳 宗悦（やなぎ むねよし）の著書『私の念願』だった。自分たちの器づくりを見つめ直す中でこの本を読み込み、その思想に深く感銘を受けた。

民藝運動の牽引者･河井寛次郎との出会い

当時、日本では民藝運動が広がり始めていた。機械化や西洋化が進む中で、手仕事の価値や、暮らしの道具に宿る美しさを見直そうという考え方である。　

そうした民藝の考え方に共鳴した創業メンバーは1950年に京都へ赴き、民藝運動の中心的推進者の一人である河井 寛次郎氏を訪ねた。その後、河井氏は出西窯に足を運び、“毎日の生活道具を徹底的につくりなさい。人に喜ばれるものをつくりなさい”という考えを示し、日々使われる生活道具をつくることの大切さを伝えた。

さらにバーナード･リーチ氏らも、指導にあたった。リーチ氏はウェットハンドル技法と呼ばれる把手付けの技術や、洋食器づくりを伝えた。こうして出西窯は、実用の中に美を見出す「民藝」の思想を軸に据え、歩み始めた。やがて使い心地の良さが評判を呼び、次第に人々の暮らしの中へ広がっていった。

名を刻まない器に宿る価値

出西窯では商品に窯名や作者の名前を記すことはない。それは、民藝の思想に基づき、個人の名声ではなく、名もなき手仕事の積み重ねに価値があると考えているからだ。

1989年、出西窯は第10回日本陶芸展で優秀作品賞を受賞した。国内最大規模の陶芸公募展であり、その評価は出西窯が追求してきた用の美が認められた瞬間でもあった。

受賞作品・縁鉄砂呉須釉皿（ふちてっさごすゆうざら）の人気は高まり、深い青の色合いはやがて出西ブルーと呼ばれるようになる。

しかし、実際に賞を受けたあとも、特定の作者を前に出すことはせず、共同体としてのものづくりを続けてきた。誰か一人の作品ではなく、窯全体で生み出すものとして器を届ける。その姿勢こそが、創業時から変わらない出西窯の在り方だ。

日常を良くするものを手仕事で

こうして受け継がれてきた民藝の思想は、今なお息づいている。創業80年を目前に控え、職人は16人に増えた。出西窯の器には、土の質感や豊かな色合いがそのまま生きており、手に取ると形･重みがしっくりと馴染む。実用的でありながら、使うほどに愛着が深まるイメージが自然と湧いてくる。

登り窯がつくる、唯一無二の風合い

器の焼き上げには、伝統的な登り窯と現代的な灯油窯･電気窯を使い分けている。なかでも登り窯は、年に3〜4回だけ使われる特別な存在だ。登り窯は、斜面に沿って連なる薪窯で、炎の流れや灰のかかり方によって、器一つひとつに異なる表情が生まれる。だがその分、職人は数日間つきっきりで炎と向き合う必要があり、手間も負担も大きいため、使う窯元は少なくなっている。

「伝統をつなぐことと、炎をコントロールして窯を焚く技術を身につけるためにやっています。器づくりは、粘土から器への変化を覚えることが大事なんです」と多々納さん。窯内の温度が1,200〜1,300度になるとオレンジ色の光に包まれ、まるで神様がいるような幻想的な光景になるという。

使い手に誠実に、暮らし方の提案を多方面から

1998年には、敷地内に展示販売場くらしの陶・無自性館を設けたことで、窯元に足を運ぶ人が徐々に増えた。器を売るだけでなく、暮らしの中で役立つ道具を届けるという考え方は、こうした場づくりにも受け継がれている。　

創業時のデザインを受け継ぎ、新たな可能性も探求

食器を中心に、花器や酒器など幅広い商品を手がける出西窯。なかでも人気は、バーナード･リーチ氏の指導のもとで生まれたモーニングカップだ。100年、200年経っても変わらないものをつくりなさいという教えのもと、70年以上つくり続けている定番である。年間3,000〜4,000個を製作し、すぐに使い手のもとへと渡っていく。

一方で、新しい器づくりにも積極的だ。複数の職人がいる強みを生かし、それぞれが“使い手にとって何が良いか”を考え、形にしている。

実用性をひたすらに追い求めて

コロナ禍には、キャットボウルという新たな商品が生まれた。食べやすさや飲みやすさを追求し、食事中に猫のヒゲが当たらず、吐き戻しが起きにくい高さと形状を実現。猫にも飼い主にもやさしい器として支持を集めた。使い手に徹するのが我々の流儀で、お役立ていただける確信がありました、と開発者は迷いのない瞳で語る。今後は、障がい者や子どもなど、多様な使い手にとって使いやすい器づくりにも取り組んでいきたいという。

人々に喜ばれる器を、これからも

出西窯が目指すのは、使う人にとって心地よいかどうか。装飾や個性を競うのではなく、手に馴染み、長く使える実用性を磨き続けてきた。

その器は決して主張しすぎない。それでも、使うほどに良さが伝わり、気づけば食卓にあり、暮らしの中に自然と溶け込んでいく。名を掲げずとも選ばれ続けてきた理由は、そこにあるのかもしれない。

創業以来受け継がれてきたのは、“人に喜ばれる生活道具をつくる”という民藝の精神である。時代が変わっても、健やかで丈夫に、そして長く使い続けられる器を届ける。その思いを受け継ぎながら、出西窯はこれからも暮らしをより豊かにする器づくりを続けていく。

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焼き物の町・岐阜県土岐市に工房を構える村上雄一さんは、モダンで実用的なうつわをつくる新進気鋭の陶芸家です。
決まった様式や素材に囚われず、洗練されたデザインのバランス感覚と使い心地に優れた作品の数々は、
日々の暮らしの中で活躍するものばかり。食器棚や食卓を彩ってくれます。

村上さんが考える「民藝」とは

大正時代、柳宗悦(やなぎむねよし）らによって提唱された「民藝（民衆的工芸の略）」。民衆が日々手に取り日常の生活といつも同居しているもの。珍しいものでもなく、誰もが手にしやすく、どこにでもあるもので、無名の作り手がつくった日用品の中にこそ、実用性から生まれる美しさ（用の美）があると柳は考えた。この新しい見立てにより、各地の文化風土に根ざした手仕事にスポットが当てられた。いわば、工芸の民主化、定義の広がりに多くの陶芸家や作家が共鳴し、日本人ならではの美意識として、ものづくりの世界に浸透したとされている。そして「民衆の民衆による民衆のための工芸」ともいうべき「民藝」の思想は、現代のものづくりにおいても変わる事なく受け継がれている。 

「僕が考える民藝とは“潔さ”。その時代にある素材を受け入れて、一般的な生活者が購入できる価格の良いものをつくること。民藝とは何かも知らずに入った世界でまだまだ勉強中ですが、今の暮らしに合ったものをつくるのが大事だと思うんです」と話す陶芸家の村上雄一さん。焼き物のまち、岐阜県南東部に位置する土岐市に工房を構え、多彩なうつわを作陶する新進気鋭の作家だ。「湖水色」「薄墨色」など湖をイメージしたプレートシリーズでは、窯変（ようへん）によるまだらな色彩と模様によって独特の色彩感覚を表現。工業的な白さをあえて生かした白磁は、日常づかいしやすいよう、縁をやや分厚く仕上げ、機能美を持たせる。特定の様式や素材に固執せず、時代の空気感を使いやすさに落とし込み、モダンなうつわで表現するのが村上さんのスタイルだ。そして村上さんを語るときに外せないのは茶器の存在。昔からお茶を飲むのが好きだったことがきっかけで中国茶器を作るようになったのだそうだ。そして必然の様に中国茶の世界にも誘われるように足を踏み入れ、中国、台湾などのお茶愛好家からの引き合いがたえない。お茶を愛するがゆえにそのお茶をいかに美味しく飲む為の道具を作るか、その熱量がそれぞれの器にしっかりと映し出される。日常使いでありながら細やかな手仕事が光る作品がならぶ。

陶芸家・村上雄一さんのルーツとそれが生み出す作品たち

そのルーツは、高校卒業後に挑戦した全国のものづくりの現場を徒歩で巡る旅。生まれ育った東京都世田谷区を出発し南に向かうことだけを決めて、気の向くまま歩いた。電車もバスも乗らない、ヒッチハイクもしない旅。とにかく歩いて歩いて歩いて歩いた。はじめに出会ったものづくりの現場は静岡県の「井川めんぱ」。天然漆の美しい光沢が特徴の曲物だ。そこでは職人たちが手際よく作り上げていく姿に目を奪われた。自分でもお弁当箱を作ってみようと丸太とノミ一つを握り、削りながら旅をして、たどり着いた福井県の越前で漆を塗ってもらった。そして輪島塗が見たいと思えば石川県にも向かった。時には神社の境内や無人駅に寝袋を敷いて眠ることも。旅の途中、京都では3か月バイトもした。JAZZ Barや内装業の手伝いなど創作のヒントになる経験を積んだ。1年ほど歩いてたどり着いた沖縄の地で、出会ったのは、国内はもとより海外でも高く評価され、数々の賞を受賞している陶芸家 山田真萬さんだった。沖縄に来るまで焼き物に触れたのは父方の親族が営む工房1軒だけだった。そこで手びねりのカップを作ったのが陶土を触った初めての経験。この時はまだ陶芸に興味がわかないでいたのだが、山田さんの作品に出合い衝撃を受け、そのまま師事。「自然を見ろ、自然が完璧に美しい」という山田さんの教えの中から技術だけでなく多くの事を学んだ。5年ほど「やちむん」の修行を積んだのち、多治見市が管理運営する窯業に関する研究機関である「多治見市陶磁器意匠研究所」に入学。これまでの経験とは違った角度から焼き物と向き合い、学びを深めた後に独立。一見非効率で遠回りなようにも見える道を経たことで、人々の暮らしの中での自分のうつわのあり方を早い段階で見出すことができたという。

「最近、自分のアイデンティティは東京にあるのだと改めて感じています」と村上さん。若い頃、古着屋やアンティークショップを回って、自分の直感をもとに選んだアイテムをスタイリングしていたように、モダンでありながらも使い心地の良いスタイリッシュな器に仕立てる。使い手の気持ちに寄り添うクラフトマンシップと都市生活者ならではの見立て。村上さんにだからこそ創り出せる世界観なのだろう。もしいつもの生活の中に何か新しさがほしくなった時は、是非村上さんの器を手にしてみてほしい。良い塩梅で合わさったセンスが思いもよらぬハーモニーを奏で貴方の食器棚や食卓をぐっと格上げしてくれるはずだ。 

茶器、花器など多彩なデザインの様々な作品を作っていますが、中でもおすすめなのが「マカイ」という沖縄のお椀です。とても機能的なうつわなので、是非チェックしてみてください。特別な日に使ううつわも素敵ですが、僕の作品は日々の暮らしの中でどんどん使っていただきたいですね。

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日常生活から感じる美「大阪日本民芸館」

大阪日本民芸館は、吹田市の万博公園内にある。1970年に開催された大阪万博で日本民藝の魅力を伝えるパビリオンとして建設された建物を引き継ぎ、大阪日本民芸館として開館した。初代館長は、日本で初めて「重要無形文化財技術指定（人間国宝）」に工芸技術部門陶芸民芸陶器で認定された、濱田庄司が務めた。
「民藝（民衆的工芸）」とは、華美な装飾を施した観賞用の作品とは一線を画し、名も無き職人の手から生み出された日常の生活道具のこと。1926(大正15)年に“民藝運動の父”と呼ばれる柳宗悦や、濱田庄司、河井寬次郎らが提唱した生活文化運動によって“民藝”や“用の美”という言葉が生まれ、その価値が広く知られるようになった。職人たちの手仕事から生まれる日常の生活道具には、機能性だけでなく美術品に負けない美しさがあるという日本独特の考え方で、当時は斬新なものであったが今では海外でも高く評価されている。カトラリーやキッチンウェアで人気のブランド「SORI YANAGI」と聞けば知っている人も多いのではないだろうか。20世紀に活躍した日本を代表するインダストリアルデザイナーであり、大阪日本民芸館2代目館長でもある柳宗理のデザインによる用の美を追求した製品だ。

生活につながる歴史を知る

一般的な美術館や博物館なら、展示された作品を鑑賞しながら、作家の高い技術や作品にこめられた哲学、時代背景などを知ることを楽しむのだが、この民芸館を巡っていて感じられるのは、ある種の懐かしさ。暮らしの中で培われてきた陶磁器や染織品、木工や絵画など、生活を取り巻く品が展示されているのだから、それもそのはずだ。
芸術ではなく民藝。だからこそのよさがある。古伊万里のそば猪口がたくさん並んだ展示を見ていると、とくだん陶芸に興味のない人間でも目を奪われる。全国各地の編み物や染織品が飾られたコーナーに行くと、地域ごとの違いや無名の作り手の技術に驚くこともある。それは“かつて”、“どこか”にあったものではなく、いまの自分たちの生活と地続きで、だからこそ見ていて楽しい。
楽しいのは展示だけではない。ゆったりとした雰囲気は散歩をするのにも最適だし、ミュージアムショップに行くと、まさに生活と地続きになった陶器やガラス製品が産地ごとにならんでいて、実際に買うこともできる。

また、東京・駒場には、1936年に柳宗悦らが建てた日本民藝館があって、規模は決して大きくないが、それこそ民藝的な素朴な魅力にあふれている。こちらの館長は「無印良品」や「±0」など、現代の生活に密着したプロダクトデザインを手掛ける深澤直人さんが勤められているのも興味深い。東西の民藝館を訪ね、その違いを感じるのもまた一興だろう。

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