鮮やかで大胆な配色と図柄、沖縄にいにしえから伝わる染めの技術である琉球紅型（びんがた）。紅型は、琉球王朝の王族の着用品として仕立てられ献上されていた。那覇にある知念紅型研究所の10代目当主・知念冬馬（とうま）さんは、新しい風を吹き込みながら紅型と日々向き合っている。

王族に紅型を献上していた、紅型三宗家のうちの一家

沖縄に伝わる伝統工芸で、唯一の染め物である紅型。古くは、着用品として琉球王朝の王族のためだけに作られていたものだが、現在は着物や帯、小物などに施され、広く親しまれている。もともとは、「びんがた」と、平仮名表記だったけれど、昭和に入り漢字で紅型と表されるようになったのだそう。

今から120年ほど前までの琉球王朝時代、王族への献上品として紅型を仕立てていたのは、紅型三宗家といわれた城間家、沢岻（たくし）家、そしてこちらの知念家だ。

大戦による紅型の衰退と復興

ところが、廃藩置県や薩摩侵攻などにより王制が解体され、450年ほど代々続いた仕事がなくなってしまった。生業としては継続できないけれど、紅型の技術を途絶えさせてはならないと、明治以降もどうにか制作を続けた家もあった。知念家は他の仕事で生計を立てながら、紅型の道具や資料を大事に守り続けた。時が経ち、昭和の戦後復興の沖縄で、冬馬さんの祖父・貞男さんが紅型を続けていた親戚に知念の紅型を教わり家業として復活させた。

職人たちは、舞踊の琉装やお土産品として紅型の制作をはじめ、沖縄の工芸として復興させていった。1972年頃から、本土から和装として注文が入るようになり紅型界にも活気が戻ってきた。そうして1984年には、「琉球びんがた」として経済産業大臣指定伝統的工芸品に指定されている。

歴史ある琉球紅型を受け継ぐ10代目

那覇空港からほど近い場所に工房を構える知念紅型研究所。現在の当主、知念冬馬さんは、京都でグラフィックデザインの勉強をし、大阪でデザイナーとして働いた後に、アートを深めるためにイタリア・ミラノへと留学した。そこで芸術作品や当たり前に残る歴史ある建物などを日常的に目にするなかで、「自分も、消費されずに残っていくものづくりがしたい。自分の世界を表現したい」という思いがかたまったという。いつかは継ぐつもりでいた家業の紅型、自分が行き着いた想いにぴったりだった。

その決意を胸に沖縄へ戻り、知念紅型研究所で紅型と向き合う日々が始まった。22歳での帰郷は考えていたよりも早かったが、まずは自身の技術を磨くことを第一に考えれば最良の選択だった。しかし、その矢先、これまで工房を守っていた祖父が急逝し、工房に入って数ヶ月で経営まで自分が行わなくてはならなくなった。その数年、本当に必死だったと振り返る。

知念さんは、2021年には日本伝統工芸展日本工芸会の新人賞を受けるなど、いくつもの賞を受賞している。また現在は、琉球びんがた普及伝承コンソーシアムの理事、琉球びんがた事業協同組合の副理事を務めている。

沖縄独特の紅型が生まれる工程

紅型の製作には、デザインをした図案を彫った型紙を用いる。その型紙を生地にあて、上から防染糊（ぼうせんのり）を塗る。乾かし、糊ののっていない箇所に段階的に顔料（がんりょう）を染め重ねる。次は染めた部分に糊をのせ、最後にそれ以外の地色を染める。色を定着させるため、蒸して水洗いをし乾かして完成だ。大まかに説明するとこうだけれど、きちんとわけると完成までに10以上もの工程がある。

生地の素材に決まりはないが、絹や綿などが用いられることが多い。しばりがない分、多種多様な染め方ができるのだそうだ。

藍色がきれいなこの図柄は「アメフィーバナ」。沖縄の言葉で雨降り花の意味で、ノアサガオが描かれている。地の青の部分は琉球藍で染められている。琉球藍は本土の藍よりも、青みが強く深みがあるという特徴を持つ。　

背景の地色は植物などから得る天然の染料、柄自体には顔料を用い、発色の強い顔料で紅型の力強さを表現する。染料は水溶性で生地の内部まで入り込むため下地に馴染んだ色となり、顔料は粒子として表面に付着するため、鮮やかな色が表現できる。それぞれの性質を活かした色彩のコントラストがこだわりだ。

知念さんは「顔料が表に出てきて、柔らかさのある染料は少し後ろに下がるんです。それでメリハリのある立体感が生まれて奥深い作品に仕上がっていきます」と語る。さまざまな顔料を使い、色自体もそれぞれの図案ごとに配合していく。

沖縄に戻り、本格的に紅型を始めた当初は、祖父のデザインとは違った、自分オリジナルのものを作りたいという意識が強く、実際いろいろ挑戦してきたけれど、様々な日々の制作を重ねていくごとに、代々伝わる図柄の染めやすさとか、色をつけた時の美しさなどに気づくことも多かったという。

昔から好まれる古典の柄は変わらず好きな人も多いので、歴史ある古典の柄は作り続け、それに加え、若い人たちも親しみやすいようなモダンな柄も意識し、時代の移り変わりとともに長く愛してもらえるような商品を制作する。

型置きという、型紙を置き、防染糊をヘラで塗っていく作業を行う。糊でマスキングし、この後に染める染料の色が染まらないようにするためだ。糊をすくい、均等にのばし、そっと型紙をはがし、柄がきちんとつながるように隣に型紙を置く。スピードが遅いと、すぐそばから乾燥して目詰まりしたり、紙を剥がすと穴だらけになってしまったりするのだそう。知念さんの所作は、流れるようになめらか。この作業は、沖縄に戻ってきた年は1日に生地1本しかできなかったのが、今では1日に15本もできるのだとか。

もち米やぬかで手作りする防染糊には青い顔料を混ぜている。そうすることによって、後の地染めの時の発色がよくなるのだそうだ。

細かい色をのせていく「色差し」は2本の筆を同時に持って行う。つけ筆で顔料をのせていき、刷り筆で粒子の粗い顔料を生地に浸透しやすくするために刷り込んでいく。その次の工程では、模様のイメージを強調させるために、さらに色を差しながら筆でぼかしを入れ、ここでも立体感を出していく。

筆も、幾種類もあり、生地によって使うものを変える。道具は手作りのものも多い。

倍の手間がかかる大作、朧型を毎年手がける

「花降る島」と名付けられたこちらの着物は、異なる図柄の型紙を2枚重ねて染める朧型という技法で作られている。2倍の手間がかかり、高い技術が求められるので、手をつける人は多くはないのだそう。労力はかかるけれど、知念さんはこの朧型が好きで度々手がけるのだそう。この生地は近くの南風原町で作られた、シルクの薄い生地である壁上布が用いられている。

SNSでの発信で紅型ファンを増やす

異業種とのコラボレーションも積極的に行っていて、地元のやきものに紅型の柄を転写させたり、泡盛のラベルデザインに紅型を施したりなどと、沖縄の特産品同士のコラボも手がけている。染め物に興味がない人にも見てもらえる機会となるし、もちろんその逆もあると考える。

現在知念さんは、SNSでの発信を積極的に行っている。制作の工程を動画で紹介したりと、紅型に興味を持ってもらえるような投稿をしている。投稿だけでなく、動画の編集もすべて知念さんが行っているそう。

その効果か、実際、工房を見学に訪れる人の数は増え続けていて、紅型を知らなかった全国の若い世代にもSNSでの発信を見てもらえている様子。

それから、製品を扱ってもらっている本土の呉服屋さんには度々出向いている。接客もしながら、地元沖縄とはまた違った、その土地ごとのお客さんの好みなどを直接聞くことができる。それを持ち帰り制作に活かすことも多い。

現在、知念紅型研究所では、熟練の職人から、紅型職人を目指してやってきた若手まで10人ほどが勤めていて、それぞれの持ち場できびきびと手を動かしている。

琉球紅型の未来を見据えて

「文化だからとか、伝統だからとか、特別なことじゃなくて、仕事として続けていく。それが歴史文化になっていくと思う」という知念さんの言葉からは、これからの琉球紅型を見据え、背負う覚悟のようなものが感じられる。

「楽しくないと続かないし、難しさがあるからあきずに新しい挑戦ができる。スタッフたちにも自分がチャレンジしていく姿を見せていきたいし、これからも自分を追い込みながら、現代における紅型というものを作っていきたい」とまっすぐな思いが発せられる。

この先も琉球紅型が発展し続けるように継承を続けながら、軽やかにストイックに挑戦を続け、琉球紅型界を明るく牽引してくれるだろう。

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白鷹町に受け継がれる白鷹紬

工房に入ると、何やらプレス機のようなものを調整する姿が見えた。ご挨拶をして聞いてみると、それは糸を染めるために使う機械だと教えてくれた。ここは国の伝統工芸品指定、県の無形文化財指定を受けている「置賜紬（おいたまつむぎ）」のひとつ、白鷹紬を作っている工房である小松織物工房だ。

白鷹紬の歴史と特徴

白鷹紬の歴史は江戸期に始まる。今回の山形の旅で訪問した長井絣と同じく、米沢藩が織物をその原材料の生産から奨励したことで発展した織物だ。米琉絣が織られていた時期もあったが、明治の後半に栃木県から技術者を呼んで学んだ「板締め」という染めの技術を導入したことで独自の織物を作るようになった。調整していたプレス機のようなものはこの板締めのための機械だった。
白鷹紬の特徴は、ほかの地域で作られる絣にくらべて、文様が緻密なことが挙げられる。また、しぼといわれる、反物にできる一種のシワの独特な風合いも特徴のひとつだ。それを実現しているのが、板締めという技法なのだ。明治期に繁栄した白鷹紬だが、現在は小松織物工房を含めて2つほどの工房が制作しているのみだという。板締めの技術もこの2つの工房にしか残っていない。

板締めが重要な白鷹紬

お話をしてくれたのは、小松紀夫さんと息子さんの寛幸さん。
板締めというのは、あらかじめ模様の彫り込んである板の間に糸を挟み染色していく技法。中田が驚いたのが、その板だ。板それぞれに柄が彫ってあり、最終的に反物にするときの模様を考えて板を組み合わせなければならない。
また30枚から50枚ほどの板を使用するが、板に巻きつけるさいに、糸一本一本の張り具合が均一でないと、布にしたときに模様がうまく浮かび上がらないという。そのため、細心の注意が必要となるのだ。

機械の技術と自然の繊細さで白鷹紬を作り上げる

そうして糸を巻きつけた板をプレス機で締める。そこに染料をかけて染めていく。ぶっかけ染めといわれ、1時間以上、何度も何度も染料をかけていく。それを完成させると染め上がりとなる。
さきほど板締めの技法はほとんど残っていないと聞いたが、中田が「なぜ？」と質問すると「板が乾燥すると反ったり割れる。この板の管理が一番大変でやめてしまったんだと思います」と小松さんは答えてくれた。
板に使う木は天然のもの。だからこそ管理が難しいのだという。ただ、天然の木の柔らかさが人工のものにはない、繊細さを表現してくれるのだという。また、小松さんは「パソコンのおかげでいろいろな柄に挑戦できるようになった。新しい柄にもどんどん挑戦していきたい」と言っていた。機械が可能にした柄を、自然の柔らかさが表現する。こうして伝統は新しく発展してくのだ。

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南部紫根染を復活させる

南部紫根染（なんぶしこんぞめ）という染物をご存知だろうか。その名のとおり、初夏に白い花をさかせる植物のムラサキの根からとった染料で染め上げる技法だ。鎌倉時代に南部地方に伝わったとされ、以後南部藩などに保護されて多くの着物や小袖などが生産されていたが、明治に入りこの技法は下火になり、盛岡地方で伝統技法を伝える人が完全に途絶えてしまった。
しかし大正に入り南部紫根染を復活させる機運が起こった。秋田県に残っていた紫染の技術者を招くなどして技術を学び、研究を進めて独自の技法も開発した。そのときの研究所の主任技師をしていたのが今回伺った草紫堂の初代藤田謙さんだった。
この日お話を伺ったのは三代目の藤田繁樹さん。現在、日本に自生するムラサキは絶滅危惧種とされているので、自分たちで栽培をしているのだという。そのため良質のムラサキはなかなか手入りにくい。だからさらに研究が必要で化学的な知見も取り入れているそうだ。

染める美しい絞り模様と濃淡

紫根染の特徴とは

紫根染のひとつの特徴は色の濃淡。草木染めは何度も何度も染色をかさねるため、濃淡の微妙なムラができる。それが独特の美しさをかもしだす。また「南部しぼり」としてしられる手しぼりを施して染めるので、完全な一点ものができあがる。それもまた特徴のひとつだ。色は年を経るごとに少しだけ変わり、そうすることでまた濃淡が美しくなっていく。
工房では、しぼりの作業を見学させてもらった。まずは型紙で生地に模様をつける。型紙は古くからのものもあわせて800種類もあるという。年に１つ２つ新しい型紙を作るということをしている。
その型紙によってつけられた模様に沿って糸を通してきっちりとくくっていく。これがしぼりという作業だ。糸でくくってある部分には染料が入らないという計算。そのため染め終わると鮮やかな色のなかに鮮明な模様が浮かび上がるのだ。

自分たちがいいと思うものを

染めの作業もしぼりの作業もとても繊細で時間のかかるものだ。そんなこだわりのなかで、目指すものはという質問には「自分たちがいいと思うものを作ること」と答えてくれた。
「もちろんそれをお客さんに受け入れてもらえないこともあるかもしれない。でもまずは自分たちの満足度。納得して作った物をどうやって理解してもらうか。わかってもらってファンになってくれる人もたくさんいる。そういうものを目指しています」と藤田さん。
「若い方が着ても、少しお年を召してしてからも長く愉しめる。ご高齢になって、もう一着欲しいと言っていただくこともあります」
ひとつひとつ、一点ごとに表情の異なる南部紫根染。見ていて飽きない南部しぼりの美しい文様。またひとつ魅力ある着物文化に出会うことができた。

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きれいな水が描き出す無限の色「蛭子屋 小野染彩所」／岩手県盛岡市 – NIHONMONO 藩政時代から続く南部古代型染め 岩手県に伝わる「南部古代型染め」の歴史は、1620年頃に始まる。当時の盛岡藩主

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藩政時代から続く南部古代型染め

岩手県に伝わる「南部古代型染め」の歴史は、1620年頃に始まる。当時の盛岡藩主が京都から蛭子屋三衛門（小野家）をご用染師として招いたのが始まりだ。南部藩の家紋である向鶴を中心にさまざまな文様の型を彫り、裃や袴、小袖などを彩った。
今回お伺いしたのは、その蛭子屋三衛門から続く、「蛭子屋小野染彩所」。お話は17代目の小野信太郎さんに伺うことができた。
まず型を見せてもらって驚いたのが模様の緻密さ。中田も最初に「細かいなぁ」とため息とともにもらしていた。

小野家に伝わる「型」

長い歴史を持つ小野染彩所には古くからの型も多く残っている。何と300年前つまり1700年代の型も現存しているという。今回はそのなかからさまざまな物を見せてもらった。
「これは人間国宝が彫ったものです」と小野さんがある型を見せてくれた。またここでも中田は「細かい、細かい」と驚きの声。
「これは私たちの技術ではとうてい彫れない。ミスが目立つから」と小野さんもお手上げとなるほど見事な文様だ。
ただ「古い型」といっても、デザインとしてはまったく古さを感じないというのが不思議だ。現代的にすら見えてくる幾何学文様もあった。「型の魅力は無限なんですよ」と小野さんは話す。たしかに細かい作業というだけでなく、見渡してみるとポップなセンスをした文様もたくさんある。型は職人の技術だけでなくセンスや当時の流行も見せてくれる。

きれいな水が描き出す藍染の色

京都などでは型彫りと染めなどの作業は分業で進められるが、南部古代型染めはすべて一貫作業で行う。だから型を用意して糊を置き、染め上げてから水で流すという作業すべてを小野さんは行う。小野さんが「色は無限」というようにさまざまな色で染めることができるが、やはり染物の基本は藍だそうだ。
「ただ、藍染は水もよくなければいけない」と小野さんは言う。こちらでは井戸水で作業を行っているそうだ。かつては南部藩の外堀で水洗いをしていた時代もあったそうだが、汚水などが見つかり水にこだわるために3代前、170年前にこちらに越してきて腰を下ろしたのだという。

染色業界のこれからの課題

最後に小野さんは「作る人が少なくなっているのが残念だ」と話してくれた。職人になろうという人がだんだんと少なくなってきているのが現状だそうだ。ただ中田は南部古代型染めの型を前にして興奮していたようにも思える。「画家の絵で型紙を彫ってみたら面白いと思う」などと話も盛り上がっていた。
繊細な型紙や藍染の美しい着物。きっと目にする機会、染織物を着る機会があればその魅力に気づく人はきっと多いはずだ。

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麻のような涼しげな織物”からむし織”

福島県指定重要無形文化財となっている”からむし織”。イラクサ科の宿根草である、からむしから繊維をとり、糸を紡ぎ出して、それを使った織物がからむし織だ。一見、麻織物のようにも見えるが、麻よりもハリがあるのが特徴だ。ざっくりと織った小物から、着物の反物まで幅広い織物がある。
からむしを原料とする上布の産地としては、宮古や石垣などが有名だが、本州で唯一からむし原料の産地となっているのが、ここ昭和村だ。約600年以上前から厳しい管理のもとに代々受け継がれてきたという。

からむし織に魅せられた理由

今回は昭和村にある工房に伺い、からむし織をされている齋藤環さんにお話を伺った。ところで齋藤さんは実は昭和村のご出身ではない。実は、昭和村役場では毎年4人ずつ、からむし織の体験生というような形で移住者を募っている。そのうちのひとりとして齋藤さんは昭和村にやってきたのだ。初めてこの地を訪れたときに雪景色を見て感動したことを覚えているという。
「なぜ、からむし織をしようと思ったんですか？」という中田の問いに、「特別な理由はないんですけどね」と笑いながら齋藤さんはこう答えてくれた。
「からむしの栽培から糸紡ぎ、織り、最初から最後まで全て自らの手で作り出すことができる。そこに一番の魅力を感じて、やってみたいな、と思いました。そして、昔から受け継がれてきたからむしは、ずっと村の人々の生活の中にある。今ではそんなからむしと村での生活に魅力を感じています。」

もっとも時間のかかる糸作り

齋藤さんはからむし織の制作を栽培、刈り取り、糸作りから織りまでのすべてを一貫して行う。その全行程のなかで、実際に機織り機の前に座る時間よりもずっと時間がかかるのが、からむしの糸作りだという。
今回は糸を紡ぐ作業も見学させていただいた。乾燥させたからむしの繊維を、水に浸し柔らかくし、それを一本一本爪で裂き、指で撚りをかけながら繋いでいく。
「着物に使う糸と、小物等に使う糸は太さが違うんです。細い糸を作るのが難しくて、時間もすごくかかります」その技術は、村のおばあちゃんたちからひとつひとつ教わったものだ。

からむし織の伝統を繋ぐ

現在でも昭和村役場では毎年からむし織り体験生を募っている。春から秋には畑に出て、その間に糸を紡ぐ。冬にはその糸でからむし織を織る。研修生の中には齋藤さんのように昭和村に残り、からむし織の作業に携わる人も多いという。その地に息づく伝統が人を呼び寄せるのだ。

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江戸小紋という名が生まれたのは60年前

平和になった江戸時代に、諸大名が競うように着物に贅をつくした。それを憂えた江戸幕府が、武士たる者あまり豪華に着飾るものではないと規制を加えた。そこで大名たちは遠目からは無地に見えるように、柄を細かくした。そのため染色の技術が発達していき、そのおかげでできた技術が現在、江戸小紋といわれる染物だ。

それほどに長い歴史を持つ江戸小紋だが、「江戸小紋」という名称が使われるようになったのは約60年前のこと。小宮康助さんがその技法の重要無形文化財保持者（人間国宝）に認定されたとき、他の小紋染めと、区別するために、江戸小紋という言葉が生まれたのだ。これは意外と知られていない事実。今回お話をうかがったのは、その小宮康助さんの息子さんである小宮康孝さんと孫の小宮康正さんだ。康孝さんも1978年に重要無形文化財保持者の認定を受けている。

分業の世界だからこそできる江戸小紋

江戸小紋は型染め。型紙は伊勢型紙などのものを使い、染めあげる技術は熟練を要する。康正さんは「作品を残すのではない、次の世代に技術を残す。技術を残していくことが使命」と言う。
その現場である工房は真っ暗。窓を閉め外光を入れないのは、型紙や糊への影響を考えて室度を保つため。7.2メートルの板に白生地を貼り、型紙を置き、その上に糊をつける。一反すべてに柄がつくまで数十回この作業を繰り返す。そして乾燥させ、地染し、色が定着するように蒸して、すべてを洗い落とす。そうしてあの小粋な着物の一反ができあがる。

「伝統の技術だけれども、新しくてよりいい方法が見つかれば取り入れる」というように、蒸しの作業にはボイラーを使う。しかし糊の原料の糠だけは、ほかに代用がないそうだ。そして現在は製粉会社がなくなり、危機的状況だという。
小宮康正さんはお話のなかで何度も江戸小紋は分業の世界だということをお話してくれた。自分の技術だけではなく、素材や道具が残っていることが非常に重要。型紙を作るための和紙、型紙を切るための刃物、反物の原料である蚕、それらが揃って初めて江戸小紋という技術を発揮できるのだ。

新しい型紙を使う

小宮家のモットーは、型紙を守り続けること。そういうと古くからの型紙、形式を使い続けるということのように聞こえるがそうではない。むしろ新しい型紙を買うことにこだわるのだ。父の小宮康助さんがこう言ったと康孝さんは教えてくれた。
「古い型紙を使って仕事をしていたら、今の型屋が食べていけない。だから今の型紙屋に仕事を依頼しなくちゃいけない。そうしてこそ、技術も上がっていくもんだ」
型屋がなくなってしまえば、江戸小紋の新しい発展を望むことはできない。そのため、古典的な紋様も新しく型紙を作るのだという。
「型紙を滅ぼしちゃいけない。それが江戸小紋の基本で、根本。」そう語る。
伝統を受け継ぐということは、古くからの伝統をかたくなに守るだけではなく、”今この世界で”型紙が存在するためにはどうすればいいかと考えること。古きを知り、今にこだわる。それが未来への動きとなる。作品を作り続け、江戸小紋に関わる多くの技術を守ることで、受け継がれていくものなのだ。

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沖縄に伝わる技法“紅型染”

紅型染め（びんがたぞめ）というものをご存知だろうか。黄色、水色、赤、沖縄の風土を想わせる鮮やかな色を用い、琉球王朝時代は王族や貴族の衣装として染められていたという沖縄の伝統的な型絵染だ。
代々王朝に遣える士族が作り続けてきた紅型染めだが、薩摩藩の進出や明治の廃藩置県など、沖縄の変革期を迎えしだいに衰退していく。そして沖縄の戦火のなか伝統の紋様を残す型紙までもが焼け出されてしまったのだ。

その窮地を救ったのが、沖縄首里城の再建にも貢献し、後に重要無形文化財にも認定された故・鎌倉芳太郎氏だ。もともと美術史の研究家だった鎌倉氏が収集していた紅型染めの型紙が、戦禍を逃れ東京の美術学校に保存されていたのだ。

幻の“おぼろ型染”を伝承する

その鎌倉氏に師事していたのが、今回お話を伺った篠原晃代さんだった。
戦後、鎌倉氏は保管していた型紙を沖縄に戻し、紅型染めの重要な技法のひとつである“おぼろ型染”を復元していく。こうして鎌倉氏のもとで晃代さんは紅型染めに関わることになり、現在にその技法を受け継いだのだ。

おぼろ型染めという技法は、２枚、３枚の型紙を使い、複数回染めを重ねる技法。同じ工程を繰り返し行う必要があるため、手間と時間はもちろん多くなるのだが、複雑な文様や色合いを作り出すことができるようになるのだという。

「おぼろ型のことを、（沖縄の言葉で）“うぶる”って言うんですよ。」と晃代さん。最近では作業をされることは少なくなったというが、お話の端々から、おぼろ型染への情熱が感じられた。

おぼろ型染めによる柔らかさ

御自宅の工房では、晃代さんの義理の娘さんの優子さんもいっしょにお仕事をされてきた。優子さんはもともと美術史に興味があり、またお茶をたしなむことから着物を着る機会も多かったので、染め物に興味を持っていたという。それで結婚を機に晃代さんに紅型染めを習い、ともにお仕事をするようになったそうだ。
現在では、晃代さんに代わり優子さんご自身が作家としておぼろ型染の作品を発表している。おぼろ型染の技法を用いてその紋様の中に数え切れない色を染め抜いているが、全体的にはどこか涼やかで柔らかな雰囲気が漂う着物だ。
沖縄に古くから伝わるおぼろ型染の技術。その技法を残した鎌倉氏。その方を師とした晃代さん。そして晃代さんから優子さんへとまた受け継がれていくのだ。

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涼し気な麻の着物「小千谷縮」

縮織（ちぢみおり）とは、撚りの強い緯糸（よこいと）を用いて織り上げ、ぬるま湯で揉んで縮ませて布全体にしぼ（シワ）を表した織りもののこと。一般に縮（ちぢみ）とも呼ばれるこの織物を使った着物といえば小千谷（おぢや）というほど、小千谷縮（おぢやちぢみ）は古くから人気がある。

特に小千谷縮の逸品とは、麻糸を使った着物や浴衣だ。涼し気な見た目そのままに本当に「涼しい」。しかし、冬には大雪が積もるこの地方でなぜ「夏物」が織られるのか。お話を伺った織物作家の樋口隆司さんはこう話す。

「ひんやりとした空気が細い麻糸には一番合います。それに、湿度が低いと繊維が切れちゃうんです。でもここは雪が2～3メートルも積もるから、家全体がかまくらのなかにあるようなものですよね。だから、温度は０度。湿度は100パーセント。そういう気候なので、麻糸の着物を織るにはピッタリの土地なんです」

先人達は雪深い生活の中に創意工夫を凝らしこの特性に気がついた。まさに気候風土が作り出した織物なのである。雪の上に反物を広げて干す「雪晒し」という行程は季節の風物詩としても知られており、小千谷縮と越後上布は平成21年にユネスコの無形文化遺産にも登録されている。

実用性と優美さを兼ね備える

夏物の浴衣や着物を探していたという中田は、興味津々。さっそく、試着をさせていただきながら、着物の特徴を伺う。とにかく軽い。汗も吸う。風を通す。本当に夏には最適な着物なのだ。実用性だけでなく、樋口さんの作る着物は、優美さも負けていない。袖口にそっと月があしらってあったり、楚々とした美しさがある。数々の賞を受賞し、展覧会にも出品する作品も数多くあるほど。試着をした中田もしきりに「いいですね」とつぶやく。「これ、なかの襦袢の色を変えてみたらもっといいかも。白だけじゃなくて、ダークグレーとか、薄い青とか。着物の色に合わせて」もう自分が小千谷縮を着て歩いている姿も想像できているようだった。

洗濯ができる着物

麻の着物は、お手入れが家庭でできることも大きな特徴だ。「自分で洗濯ができるんですよ。水洗いしてかけておけば、朝には乾いてる。着るとしわができるんだけど、シュッシュって霧吹きで水をかけると、スーっと戻る。テレビに紹介されたときは「元祖形状記憶」って言ってくれましたね」

絹の着物ではもちろん「自分で洗濯」などということはできないのだが、それが出来るとは嬉しいこと。夏にも涼しげな着心地で、素材の質感や色合いを楽しむ着物。小千谷縮が長く人気である背景には、風土と人々の知恵が隠されていた。

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半纏の大紋、着物の江戸小紋、藍染浴衣の「長板中形」

浴衣を染める「長板中形」という技法を受け継ぐ松原伸生さんの工房を訪れた。
「僕の染めは、もっぱら型紙を使った染めです。長板中形（ながいたちゅうがた）というんですが、」と説明してくださる松原さん。
「長板中形って、どういうことですか？」と質問する中田。
「長板は、まさに長い板のことです。中形というのは、江戸小紋の“小紋”に対する“中”のことなんです」
「え？　じゃあ江戸中紋というのもあるんですか？」
「それはないんです。柄の大きさのことを表すんですが」
「大紋というのはありますよね？」
「大紋というのは、はっぴだとか祭り袢纏（はんてん）のような大形の模様のことで、“大柄”という言い方もします。それに対して小紋というのは、遠目に見ると柄がわからないくらい小さくて、色も豊富なんですね。で、僕の家が祖父の代からやっている長板中形という技法は、小紋より少し柄が大きくて、主に浴衣に使われるものです」

世の中に出回っている浴衣は数あれど、長板中形の技法を扱う浴衣は、浴衣のルーツともいえる木綿や麻の藍染浴衣のみ。
だから、伝統技法の藍染浴衣のことを「長板中形」とも呼ぶのだそうだ。
その作業の仕方については「見てもらったほうが早い」ということで、早速拝見させてもらった。

糊を置き、染め上げる工程を体験する

長い板の上に張られた布に、渋紙で作られた型紙を乗せ、赤い染料を混ぜた糊を置いていく。型紙をのせて糊を置き、模様の続きになるようにまた型紙を模様に合わせ、糊を置き、その作業をくり返す。糊に混ぜた赤い染料が柄の目印になるが、水に溶けるので、最終的に色は抜けるという。

糊をすべて置き終わったら天日にあてて乾かしたあと、今度は裏にも糊を置いていく。これは布を藍で染める際に浸して染めるため、裏まで染まってしまうからだ。
浴衣は一重で着るため、裏生地を付けない。そのため、裏にも模様を付けるのが長板中形の特徴なのだそう。

ひとしきり松原さんの作業を見せてもらったあと、中田も風呂敷サイズの布に糊を置かせてもらった。
「早くヘラを動かしすぎても、糊が薄くなってダメなんですね」と、中田。生地の余白には、糊を使って「Hide」のサインを入れさせてもらう。

その生地を藍に浸して色を染め、水で糊を洗い流して、酢酸で中和させて乾かすと、見た目にも涼やかな美しい布地ができた。模様も名前もキレイに出た布をかざして、中田もご満悦。
「作業をするときに、頭に巻かせてもらおう」とのこと。今度は浴衣を作りたいと意欲も満々だ。

自然素材を生かした浴衣作り

長板中形は、糊の性質を非常に生かした染め方だと、松原さんは言う。
だから、糊の質が重要なのだそうだ。
松原さんは、もち糊とぬかをその日の気温や湿度に合わせて配合して糊を作る。
塗りやすく乾きやすく流しやすく、しかも完全な自然素材。
糊のことを語る松原さんの顔は楽しげで、長板中形という染めに対する情熱と愛情に溢れていた。

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着物に息づく手書きの魅力 「友禅染め 中澤英高」／千葉県松戸市 – NIHONMONO 笹の葉のしずくを表現する 「いわゆる着物のイメージとは違うでしょ」 そういって、ご自宅にある着物を見せてくれた

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笹の葉のしずくを表現する

「いわゆる着物のイメージとは違うでしょ」

そういって、ご自宅にある着物を見せてくれたのは、「21世紀の伝統工芸－世界の眼－」という展覧会でMOA美術館賞を受賞されている、友禅染め作家の中澤英高さん。
「たしかに、絵柄が古く感じないですね」と中田がいうように、中沢さんの描くデザインは古典的なものを受け継ぎながらも、洗練されている。

京友禅や加賀友禅など各地の友禅と、粋を感じる友禅

友禅といえば、京友禅、加賀友禅など全国にその名のついたものがある。
「京や加賀、それぞれに特徴はあるんですか？」
「今でこそ特徴はなくってきましたけど、京都は華やか、加賀は写実的、そんな違いがあります。東京はいろいろな文化が入ってきて、その両方をうまくミックスした。江戸小紋は、あまり色を使わないで“粋”を表現したんですよ」
中澤さんの着物にも、控えめな色気がただよう江戸の粋が息づいている。

最後に工房を見学し、色付けの体験をさせてもらった。
「筆で絵をつけていくから、ムラができちゃう。そこが難しいですね」
そう中田がいうと、中澤さんは
「たしかに。でも逆に、型染めと違ってそこがよさになるところもあると思うんですよ」と笑った。

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