自然の色を出す染織家

この日訪れたのは、草木や花などを用いた天然染料で糸を染め、織物を織る染織家の諏訪好風さん。米沢市で染織業を営む家に生まれた諏訪さんは、幼い頃から家業の手伝いをして仕事は自然と身につけていったと話す。
独自の手法を求めて国内の貝による貝紫染を研究・発表し、サフラン染や紫根染など希少な染色技術の研究を重ねてきた。これまでに数々の“色”を生み出してきた作家だ。

山形紅花染のブランド化の推進

現在は山形紅花染織同人協議会の代表として、「山形紅花染」のブランド化も推し進める。山形紅花染の反物を見せていただいたときに、商品に表記されているマークの意味を教えてもらった。赤いラベルは「紅花100％」、ピンクは「紅花染と天然染料」、黄色は「紅花染と化学染料」の3タイプ。品質を保つために国産の正絹を使用し厳しい審査基準を設けているという。

織物の産地置賜にある工房

工房のある置賜地方は有名な織物の産地であり、糸作りから高度な絣の技術まで伝承されている。諏訪さんの息子さんであり染織家の豪一さんに工房を案内いただくと、まず目に入ったのは大型の糸撚り機だった。
「上越から麻の糸を作る技術が伝わってきたのがこの地方の織物の始まりです。これは昔から使われていた道具ですね。こういう道具で糸を撚っているところは本当に少ないです」。
工房には高機（たかばた）という大きな織機から、小型の織機、一部が機械式の織機まで数種類あり、工房で作られる織りの技術が多岐に渡ることが伺える。
そしてちょっと意外なことに、山ぶどうの蔓や木の皮を使った籠やかばん作りも行われていた。織機を操るのは女性の職人、籠を編むのは男性の職人さんだ。工房には絶え間なく織機の音が響いていた。

藍は生きているから難しい

諏訪さんは約30年前から藍染も行っている。藍染を行うためには、まず藍を建てなければならない。“建てる”とは、甕の中で藍の原料“すくも”、灰汁液を合わせて発酵させ、藍を繊維に吸収させる状態にすること。
「藍を建てるのにはどのくらい時間がかかるんですか？」と中田。
「気温にもよりますが、うちはだいたい7日間が平均です。その7日間はとにかく集中して管理します」と諏訪さん。
「こればっかりは、とにかく難しいですよ。全くわからないんです。これこそ20年30年続けなければわからない、“勘”が必要です」そうしみじみと話す。
この日は、藍の調子が悪いという。テストのために甕に沈めた木綿布は、甕から引き上げると濃い緑色をしていた。「初めは緑。空気に触れて青色になる。だけどもっと、きれいな色じゃないとだめなんです」と豪一さんが首をひねる。
藍は発酵を続ける間だけ染めることができるため、お酒を入れて発酵を促すこともあるそうだ。正に、藍は生きている。日々その調子を見極めることが必要になるのだ。

珍しい染め物“桜染め”

そして、とても珍しい染め物を見せてもらうことができた。「桜染め」だ。桜染めは花が咲く前の枝先を取り、皮を煮て色を出す。
「詳しくない人が単純に考えたら、花びらから色が出ると思いますよね？」と中田。
「そうかもしれませんね、でも春先の桜の木は力を目一杯溜め込んでいるんです。花が咲いた時にはその力を出しきってしまうから、花からは色が出せないんです」。桜染めは言葉では容易に表現できないような、ほんのりと淡い色合いだった。
織物生産が盛んな地域だからこそ培われてきた技術と、諏訪さんが追い求めてきた天然染めの技術。その両方が重なり、山形の風土を映しこむ織物が生まれている。

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古くなっても古くならない植物染料

「これ、いま見ても古くないでしょ」
そう言って、山岸幸一さんが中田に手渡してくれたのは、1971年に織ったという生地。「古くない」という言葉を使うと、例えばその当時、斬新だったデザインが“いまの私たちからしても”古くないというようなことを思い浮かべるかもしれないが、山岸さんの手渡してくれた生地は文字通り「古くない」のだ。
色がまったくあせていない。それどころか、はっきりと色が表情を持って目に飛び込んでくるのだ。「これは植物染料の良さなんです」と山岸さんは言う。ただし、古くならないという事と変わらないというのは違う。
「現代日本は、今が100％で変化しないことをよしとしてしまった。昔は変わっていくことこそがいいことだった。風合いとかいったものがよくなっていく。古くならないというのは“変わること”ができるからこそ、実現できるんです」

糸からこだわる草木染め

山岸さんは染めから織りまで一貫して行う、草木染めの作家だ。もともと織物の家に生まれた山岸さん。仕事を進めるうちに染色に興味を持った。最初は化学染料で糸や生地を染めていたものを使っていたそうだが、草木染めの作家である山崎青樹氏に師事して植物染料のすばらしさに引きこまれていった。
それからいろいろな素材を求め、それを育てる最高の条件が集まっている場所を求めた結果、現在の赤崩にたどり着いた。現在では蚕を飼い、糸を作るところからすべて一貫して製作をしている。ほかにも紅花をはじめ、植物もすべて自分で育てている。つまり、材料すべてを自分で作るというこだわりをもっている。
ものすごく大変ですよね、と中田が思うのも無理はない。でも山岸さんは「いいものを知ってしまったからもう後戻りはできない」と語ってくれた。

和服から洋服への転換期

山岸さんの家業はお父さんの代には和服から洋服への転換期で、いかに西洋に追いつくかを求めるようになった。幸一さんも、ジャガード織機などでドレスものを作っていたが、そのうちに「何か違うな」と感じるようになったという。
それで仕事が終わってから、自分の手足で織る手機の作業を始めたそうだ。機械と手織りでどう違うか、同じ設計で織り比べたりもしたそうだ。そうするとまったく違うものが出来上がった。手織りでおったものは指で押しても指のあとがつかない。そんな不思議な経験もしたそうだ。

手織りの魅力は歪み

山岸さんは手織りの着物の魅力を、「歪みがあること」だという。「その歪みが着やすさにつながっていくんです。着物をまとったときに、人の顔が浮き出る、その人を浮き立たせることができるんです。機械織りにはどうしてもその歪みがない」そう語る。
山岸さんのお話からは、物の成り立ちについて観察し、深く考え、感じ取ったことを着物という形に変化させていくというような一連の流れを感じずにはいられなかった。衣類とは何か、糸とは、色とは？これからも、ひとつひとつ染織を探究し続けていくのだ。

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山形に伝わる米沢織

江戸時代のはじめには、すでにからむしや紅花などの栽培が盛んだった米沢だが、それら繊維業を産業として勃興させたのは直江兼続だ。これらの特産物を藩の買い上げ制とし、さまざまな織物産地に売って藩の財政の基盤とした。
時代が下って1700年代の後半に米沢藩主となった上杉鷹山は、財政立て直しの施策の一環として繊維業、織物業を盛んにした。越後から縮師を呼んだり、養蚕業にも力を入れるなどして、米沢織の基盤を作った。以来、200年以上の歴史を持つのが米沢織だ。

米沢織の特徴

特徴は自然の染料を活かして染められて浮かび上がる色彩だ。ただし、近年は研究が進み、伝統の草木染めだけでなくさまざまな色が出てきている。さらには化学繊維を織り込むといった技術も取り入れて、伝統をさらに進めていく試みがとられている。

いいものには“パワー”がある

お話を伺ったのは1884年に創業され、130年ほどの歴史を持つ織物屋、株式会社新田の新田源太郎さん。新田さんは1980年生まれの33歳。2003年に京都の老舗帯屋に入り、基礎を学び、2005年から米沢を拠点に活躍している。2011年には全国日本伝統工芸展で日本工芸会新人賞を獲得した。
受賞した作品は袴。縞袴の織物に金糸を入れた斬新な袴が評価され受賞した。「袴は柄に決まりごとがありますが、自分は自由に作るということを始めたかったんです。本当にこだわった人のためのこだわった袴を作りたかったんです」と新田さんは話す。
「いいものには何というか“パワー”みたいなものがあるんです。これは感覚でしかないんですけど、きっと誰にでも伝わる感覚。やわらかさとかあとは私は“甘さ”といっていますが、手にとったとき、着たとき、見たとき、それが伝わってくるんです」

さまざまな色で染め上げる米沢織

米沢織の織りを専門とする工房では、染め場を持たないことが多い。しかし、新田さんの工房では、織りだけではなく染めの作業から一貫して着物作りをしている。そのため、自分たちでイメージした最終的な姿に近づけることができる。もともとの糸をどうすればいいか。それをどう織っていけばいいか。それをすべて研究、実践していくことができるのだ。
新田さんが「これは祖父母が発表したものなんです」といって見せてくれたものがある。それは紅花で染めた、紅花紬。「まだ匂いもするんですよ。紅花でしか染めていない。これは世界で見てもほかではできない自信があります。暗いところで光にかざすと赤が浮き出てくるんですよ」。

繊維の総合生産地となった米沢

現在、米沢市には撚り糸製作を専門とする工房から、織り、縫製を行う工房まで、すべてが揃っている。これは全国的にも京都を除いては大変珍しい。いわば米沢は繊維の総合生産地というわけだ。それぞれの工房が日々、新しい技術、新しいアイディアが紡ぎ出されている。その米沢で生まれる作品にこれからも注目していきたい。

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着てほしい季節を想像する。

長野市で着物の染織作品を制作している柳澤保範さんは、染織の世界に入ってからすでに50年が経つという。東京に生まれ、長野で育ち、東京での染織の修行の後、長野にて染織を始めた。
地元の染織職人は下請けの仕事をすることが多かったことから、自分たちの作品をもっと作り出すために仲間を集めて定期的な展示会を催したり、日本伝統工芸展への作品発表を行ってきた。

「作るときには、着てほしい季節をイメージしてからデザインにとりかかる」というのが、柳澤さんのモットー。図案を考えるのが、一番難しいと語る。そう聞いて、「ずっと籠っていると、煮詰まってきませんか？」と質問した中田。
そういうとき、柳澤さんは俳句をしたためたり、趣味の写真を撮りに出かけるのだそうだ。

大切にする自然との対話。

遊びが多くてなかなか仕事が進まないと照れ笑いをする柳澤さんだが、じつはその「遊び」のなかにこそ、柳澤さんの染織の秘密が隠されていた。柳澤さんの撮った写真のなかには、くっきりと季節が写し取られていたのだ。
「写真を撮るためにどこか旅行にいくのですか？」と中田。柳澤さんは「この近所が好きで、このあたりをいつもまわっています。自然も多いし、とてもきれいです。」そう話してくださった。

柳澤さんの好きな季節は花の咲く季節。着物のなかの花は、特徴を捉えて描き、小さく見ながらも大きく全体見て作るのだという。広げられた着物には、柔和な色遣いの中にしっとりとした「美」があった。柳澤さんの染織の美しさは、長野の季節を表しているのだ。

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繊細に織り上げられる着物。

紋紗（もんしゃ）とは、特殊な織り方で作る軽くて薄い「紗地」に、平織りで紋様を織り出した織物のこと。
平安時代以降「うすもの」と呼ばれて、公家の夏装束とされてきた。現在でも着物に親しむ人たちの間では、夏の定番として定着している。紋紗は、織物技法のなかでも複雑な技法を用いる。しかしながら、ほかの技法よりも、創作性に富むという特徴もある。古くから人々を魅了してやまないのはそのためだ。

清らかなグラデーション。

今回、お話を伺ったのは、2010年に紋紗の技法で人間国宝に認定された土屋順紀（よしのり）さん。土屋さんは、美術学校を卒業後、紬織で人間国宝の認定を受けた染織家の志村ふくみさんに師事した。
1981年に独立し、岐阜に工房を構え、伝統の紋紗と、植物染め、そして色でグラデーションを作る絣（かすり）の技法を融合させ、独自の柔らかな作品を作り出してきた。こうして生み出された着物は、織物として芸術品として高く評価されている。
中田が拝見させていただきた作品。精緻な文様と、清新な色合い。涼やかで、まさに夏の着物という雰囲気だ。
「長良川や山など、自然からよいデザインのイメージをもらう」という土屋さんの言葉からは、豊かな自然あってこその芸術なのだな、と考えさせられる。

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