白色と形だけで表現をする磁器、白磁（はくじ）。この白磁の重要無形文化財保持者、人間国宝に認定されているのが、鳥取市河原町に窯を持つ前田昭博（まえたあきひろ）さんだ。真っ白な磁器である白磁を選び、ひとり制作を続けたその歴史と、前田さん独自の作品づくりに迫る。

中国から伝わった「白磁」

白磁は中国で生まれた磁器のひとつで、絵付けや色付けをしないことが特徴。形によって陰影が変わり、さまざまな表情を見せる。真っ白な器は食材や花を映えさせ、どんな場面でも使いやすい。日本では佐賀の有田焼や、長崎の波佐見焼などが名産地として知られているが、前田さんは故郷の鳥取で師匠をとらず、ひとりで向き合う道を選んだ。

土のような柔らかさ、雪のような白さ

前田さんは白磁のことを「白瓷（はくじ）」と表現している。瓷（じ）は「かめ」や「かたく緻密に焼いた焼き物」という意味があり、本場中国では磁器のことを指す。単なる壺ではなくアートとしての作品を作りたい、土のような柔らかい白磁を目指したいという想いを込めた。

たしかに前田さんの作品を見ていると、磁器とは思えないほどの柔らかさやあたたかみを感じる。光の当たり具合や、曲面から生まれる影によって、灰色や青い色合いもあわせ持つ。「手本にしているのは、山陰の雪の白。冷たいけれど、どこか温もりも持っている。そして、雪に穴を開けると、少し青みがかったように感じる。そんな雪のような、しっとりした感じの白を目指しています」。

陶芸、そして白磁との出会い

幼い頃、趣味で木版画を刷っていた父親の背中を見て育った前田さんは、自然と美術への興味を深めていった。絵を描くのが好きで、高校では美術部に、大学は工芸学科へと進学。そこで何気なく受講した陶芸の授業を通し、ろくろに魅了される。「日に日に上達する様子が自分でもわかる。昨日より大きいものを作ろう、と夢中になりました」。

また、白磁と出会ったのも大学生の頃。その美しさに感動した。

「鳥取では冬に雪が1、2度降る。朝、窓を開けると辺り一面真っ白。あのときの感動と、絵も色もない白磁を見たときの感動が重なり、他のものに感じない魅力を感じたんです」。

卒業しても陶芸をしたいという想いを膨らませていた前田さんは、「好きなことをして飢え死にした人はいない」と恩師に背中を押され、卒業後に実家へ戻り、窯を開いた。窯の名前は「やなせ窯」。目の前に悠然とそびえる梁瀬山（やなせやま）が由来だ。

鳥取で白磁を作る

鳥取県は民芸が盛んで、土の風合いを生かした味のある焼き物が多い。だが前田さんは他の窯へ弟子入りをせず、白磁への憧れとろくろを極めたいという想いから、ひとりで白磁に向き合う道を選んだ。しかし、ひとりでの作陶はそう甘くはなかった。通常は基本の技術や工程を習得してから、独自の作品を作る。しかし自分には基礎がない。とにかく自分が美しいと思う形を目指しながら、ろくろの稽古を続けた。

鳥取に帰ってきてから数年が経った頃、好きなだけでは無理かもしれないと思い悩んだこともある。毎日白磁と向き合う中で、嫌になり、絵や装飾をつける他の焼き物に取り組んだこともあった。しかし、どうしても白磁への憧れは消せない。

「やはり飢え死にするのではないか」と思うほど厳しい日々だったが、両親との暮らしや地域の人の励ましに支えられ、創作を続けられた。また、結婚して子どもが生まれたときには、創作活動の傍ら、祖父母が営む果樹園の手伝いをしたことも。どんなに大変なときでも、年に一度ギャラリーを借りて個展を開くことと、陶芸のコンクールに出品して自分の技量を問うことだけは辞めなかった。そうして少しずつ入選を繰り返し、応援してくれる人も増えていった。

37歳で訪れた転機

そうして14年間、白磁を作り続けた前田さんに転機が訪れる。陶芸界で1番大きなコンクールといわれる「日本陶芸展」で、大賞に次ぐ優秀作品賞を受賞したのだ。

「同世代の人は自分よりも素晴らしい仕事をしているだろうと引け目を感じてきた。でも、賞をいただいて、自分も一生陶芸ができるかもしれないと思えました」。

その後も前田さんは、さまざまなコンクールで受賞していった。国内のみならず、海外でも個展やワークショップを開催し、多くのファンを獲得。

2013年には、前田さん独自の技法「面取り技法」によって生み出された、平面と曲面のあるなめらかな白磁が評価され、白磁の重要無形文化財保持者として人間国宝に認定された。「教わったものではなく独自に作り出したものなので、その点も含めて評価してもらえたのではないか」と振り返る。

失敗から生まれた「面取り技法」

独特な柔らかさや丸みを帯びた形は、前田さんが失敗しながら編み出した「面取り技法」によるものだ。白磁を作る際は、ろくろで形作ったものをそのまま焼成することが一般的。それに対し、面取り技法ではろくろで形成し土が乾くタイミングを見計らいながら、直接指で押して変形させる。磁器の土は押さえたり変形させたりすると、のちに傷が出るのだが、その基本を知らなかったからこそ生まれた方法だった。

「最初は形を変形するために板で叩いていたけど、乾燥のときにヒビが入ってしまったんですよ。そこで、少しずつ指で押さえてみたら収まりがよかったんです。そこからこの技法が自分の表現になっていきました」。

点描画のように複数回、細かく指で押した後は、さらに乾燥させ、カンナで削る。これによって、くっきりとした面が浮かび上がるのだ。

若い頃、面取をしたり等分割するときに、定規を使って均等にしるしをつけていたという。しかしどうにも面白くない。年数が経つに連れて、フリーハンドで線を引くようになり、左右どちらかに偏っている部分や、波打っている部分に魅力を感じられるようになってきた。

「こちらの方が自分らしい線や面になっていくんだなと。そのわずかなことを、何年もかけて許せるようになるといいますか。定規以上に魅力的な線を引くことができるのが人間じゃないかなと感じます」。

歳月と鳥取の風土がもたらした世界観

長い間作品づくりに携わっていると、アイデアも尽きてくるのではないかと思える。実際に、年に1度の個展が終わると、「もう作れない」という気持ちになるという。しかし、新たに創作を始めると、作ってみたい作品のイメージが浮かんでくるのだ。また、創作途中で偶然にできた形や、いいなと思う「何か」が生まれ、それを形にしていくこともある。前田さん自身の感性と偶然。その両方で作品が生まれ、作る幅も広がってきた。

「自分の考えていることや思っていることを形にしたり、行動にしたりするしかない。その結果がいい作品にならなくても、責任を持って、自分のやりたい姿勢で最後まで行くしかないんです。だからこそ、素敵なものを作りたいという想いだけは、24時間頭の片隅にはありますね」。

また、鳥取の風土も作品づくりに大きく影響した。「鳥取はわりと曇り空で湿度が高い。しっとりとした釉薬にごだわり、作品に柔らかな陰影が生まれたのは、風土的なもの」と振り返る。当初はひとりで技術を習得するのに苦労した場所だが、白磁の産地ではない分、自分から取りにいかない限り情報は入ってこない。だからこそ、前田さんにとっては心地よく、「白磁を最後まで作り続けたい」という想いを持ち続けられたのだという。

さまざまな失敗や経験、環境から、前田さんにしかできない独特な表現や造形が生まれたのだろう。

「”無い”ことの魅力」を感じてもらえる作品を求めて

白瓷とは何か。その問いに、前田さんは「 ”無い”ことの魅力を持つもの」だと教えてくれた。中国の唐の時代に繁栄し、日本にも伝わり、現在まで続いている。華美な装飾や色の変化は無い。それでも今なお続いているのは、「何も無い状態」でもフォルムや釉薬に豊かな魅力があるからではないか。多くの情報や色、考え方が溢れている現代だからこそできる白瓷を作りたいと前田さんは言う。

「九谷焼や有田焼などの日本的な絵付けも美しいなと思う。同時に、そういうものが”無い”世界もあっていい。僕は作品の省略をしていきながら、あるものと同じぐらいか、それを超えるようなものを作りたい。”無い”ことの魅力というものを伝えていけたら、この白瓷を継承して、次の人に渡すことができるのかなと。だから、ただ白い焼き物じゃなくて『白瓷』という定義がある。そう思ってますね」。

そう言いながら、前田さんは今日もろくろに向かう。

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青磁の色が美しい陶器

モダンな雰囲気が漂う端正なフォルム、ゆったりとやさしい表情。そして青磁の透き通るような色と赤い土で色付けされたひび。自然と目に入ってきて、グッと引き寄せられる。それが志賀暁吉さんの陶器の特徴だ。

窯元の家に生まれ日本陶芸展大賞も受賞

志賀さんは2007年に史上最年少で日本陶芸展の大賞を受賞した注目の青磁作家。しかし陶芸の道を目指した理由は「何となく、というか仕方なくという感じですかね」と正直な胸の内を話してくれた。福島県浪江町に伝わる相馬焼の窯元の長男として生まれて、陶芸の世界に入った。そして、自身は伝統という枠にとらわれることなく、大胆な発想を持ちながら陶芸に取り組んできたのだ。

窯のくせを知らないとできない仕事

東日本大震災とそれに伴い発生した原発事故で福島県浪江町は、取材した2012年12月当時は避難区域に指定されていた。もともと作家活動をしていた実家のある浪江町には、道具もすべて置いたままだ。
「やはり使い慣れた道具でないと作品には影響がでますか？」と中田が質問をする。
すると志賀さんは「もちろん。それとともに、やっぱり焼き物は窯が大事なんです」と言う。

「特に私のやっている青磁は還元を安定させる必要があるので、窯のクセを知らないとできないんです。同じ窯で何回も焼いて、失敗を繰り返すなかで安定したものを見つけ出していくんです」そのため、現在は作家活動がなかなか難しい状況にあるという。住居と工房を兼ねた移住先を探しているが、もし見つかったとしても、最初に一年は試し焼きに費やすことになるだろうと話してくれた。

これまで以上の作品を作りたい

志賀さんは当時、避難生活を送っていた。結婚してご家族もいるので、どうやって暮らしていこうかと悩む日々が続いたという。「作家活動はあきらめて、別の仕事で働こうかと考えた時期もありました」と志賀さん。
それでもやはり作家としての道を模索している。支えてくれたのは、志賀さんの作品を待っているお客さんや知り合いの作家さんたちだった。現在は手先の感覚をなくさないように土に触れ、友人の工房でロクロを回している。
「完全復活して、これまで以上の作品を作りたいです。これから苦労しても、時間がかかっても、作家として復活することが、支えてくれているお客さん作家さんへの一番の恩返しだと思っています」最後に力強くそう語ってくれた。

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

さらなる自己の成長の為の器。陶芸家･宗像利浩さん／福島県会津美里町 – NIHONMONO 海外でも活躍する会津の陶芸家 会津本郷に1718年から続く宗像窯の八代目当主である宗像利浩さん。これまでに数々

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海外でも活躍する会津の陶芸家

会津本郷に1718年から続く宗像窯の八代目当主である宗像利浩さん。これまでに数々の賞を受賞し、2010年にはフランスのパリで個展を開いたほどの作家だ。 宗像さんの代表作は、1997年に第14回日本陶芸展で日本陶芸展賞を受賞した「利鉢（としばち）」という作品。どっしりとしていて、緊張感さえ漂う、それでいて温かみのある器でもあるのだ。作品名の利鉢はご自身の名前から一字をとり命名したものだという。

宗像窯の登り窯

この日は登り窯を見学させていただく。2011年の東日本大震災の影響で代々受け継いできた登り窯が崩れてしまい、「宗像窯登り窯再生プロジェクト」を始め多くの人の協力を得て新しい登り窯を造っているのだ。完成はもう少し先だというが、すでに窯の原形が出来上がっていた。
「ずいぶん大きな登り窯ですね」と中田。
「これほど大きい窯もあまりありませんね。しかし、登り窯で焼けば、なんでも良いわけではありません。何を目的にするかということ、常に狙いを考えて焼くことが大事です。」火入れの前には実際に窯の中に入り、この場所に置いたときにはどんな器に仕上がるのか、火の温度、炎がどの様に動いているかを考え尽くしていくのだという。

器にとって大事なこと

作品は眺めて美しいと感じるものでなくてはならないと同時に、手に持ち、口をつけたりすることを意識しなければ、良い器とは言えないと宗像さんは言う。 大学で陶芸を教えているときに感じたことを話してくれた。 「例えば、てびねりで湯呑茶碗を作ろうというと、みんな特別なものを作ろうとするんです。でも “自分が使うものを作るんだ”って私は言うんです。そうすると作風も変わってくるものです」 食事のときに器を手で持つという習慣は日本にだけ残されたものだとも語る。たしかにヨーロッパはもとより中国や韓国でも、器を持って食べるということはしない。「だから、手に持つという触感を重視した日本の食習慣は脳科学からも評価されている」と宗像さんは話す。

使うからこそ見えてくるもの

最後に中田はてびねりで茶碗づくりを体験させてもらった。そのときに宗像さんから受けたアドバイスは「この茶碗で飲むんだということを想像しながら作るといいですよ」というもの。そのアドバイスをもとに、中田は土をこねて作品を作っていく。
「中田さんもサッカーをやっていくなかで色々なものを身体のなかに吸収して進化したのだと思います。美を秘めた本質の良い茶碗でお茶を飲むと、お茶もお湯も吟味したくなる。五感を通して身体が反応するんです。」 そんな話をしているうちに、作品ができあがる。
「いいですね。見込みもたっぷりしていて、抹茶も点てられますよ」と宗像さんに言ってもらう。 「作品が出来上がって使ってもらえば器を見る目が次第に変わっていくものです」と宗像さんは目を細めながら話してくれた。

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期待の陶芸家、和田的さん

1978年千葉県生まれの若き陶芸家、和田的（あきら）さん。 33歳にして日本陶芸展や東日本伝統工芸展などで数々の入賞歴を誇る、期待の陶芸家だ。 中田が主宰する「TAKE ACTION FOUNDATION」が行った伝統工芸支援プロジェクト「REVALUE NIPPON PROJECT」では、日本を代表するアーティストとともに、コラボ作品を披露した。

そんな和田さんの作品の特徴は、真っ白な白磁と、彫刻刃で削り出された骨格のある直線。天草陶石を主原料にした粘土をろくろで成形し、乾燥させたあと、ナイフで形を彫り出してから焼く。それによって、シャープなラインを持った陶磁器ができあがる。

今回は、和田さんのアトリエにて、中田もこの削り出しの作業を体験。 あらかじめ和田さんが削り出すラインを指定したものを作っておいてくださったので、そのガイドラインに従って、ナイフで慎重に削っていく。

陶芸は人に寄り添う身近な存在

「これは……、1個でどのくらいの時間がかかるんでしょうね」と中田。 「このサイズ（手のひらサイズ）だと6時間ぐらい。これを1日12時間ぐらいやっています。これが楽しくてしょうがない」 中田は「信じられない」という顔で和田さんを見る。 「（笑）でも中田さんも、サッカーやってるとき1日12時間ぐらいやりません？」 「いや、体力持たないですよ（笑）。でもこれ、よくずっとやってますね。何でこれをやったら楽しいと思ったんですか？」 「もともと造形的なものが好きで、彫って形を作っていく――何もないところから形を彫り出すというのが面白いんです。彫って彫って、7～8合目まで来たときの高揚感が……」

和田さんいわく、仕上げにはヤスリを使うこともあるが、なるべくナイフだけで削るようにしているとのこと。なぜなら、あまりにもキレイになりすぎるより、“手”の温もりが残る作品にしたいから。 「陶芸は人に寄り添う身近な存在だと思うんです。だから、あまりにも機械的にすぎると、心に訴えてくるものがない。必ずしも真っすぐなラインじゃなかったりしますが、人の目で見て真っすぐだったり、膨らみがあったりというのを見せていかないと」

見る人の楽しみを増やす秋の味覚シリーズ

現在、和田さんは「秋の味覚シリーズ」と題した果物の形をした水差しの制作に取り組んでいる。 リンゴやラフランスなどの形をした水差しは、従来の直線ではなく、なめらかな曲線ばかり。 そうした作品を作ることにした背景をこう語った。 「震災後、日本中が落ち込んだと思うんですが、そのなかでバカなことを一生懸命やってみようと思って作ってみたんです。自分は本当は丸いラインが好きなんですが、今までは直線にこだわってたので、この機会にちょっとやってみようかな、と。 手がかかるし、難しいんですが、こういうポップなものをやることによって、見ていただく人にも楽しみが増えればいいな」

「自分の持っているエネルギーを爆発させることで、ようやく少し、人の心に訴えかける作品ができるんじゃないかと思う」という和田さんが、次にエネルギーを爆発させるものは何だろうか。 これからの作品も目が離せない。

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りんどうの窯の“黄瀬戸”

小松幸代さんの作る器は、「黄瀬戸」と呼ばれるもの。これは桃山時代、主に美濃で焼かれた陶器だ。黄色の釉薬で焼かれ、櫛目などの紋様が入るのが特徴。黄色のなかに浮かぶ銅緑色が、全体をきりりとひきしめ、品格のあるたたずまいを見せる。

小松さんは、武蔵野美術短期大学を卒業し、笠間などで修行を重ね、渡辺伸一先生に師事したのちに独立。「りんどうの窯」を茅野市に構えた。自身の窯で作品を作り続ける傍ら、瀬戸陶芸界を代表する作家・加藤作助先生に師事して、教えを受けた。その作品は、日本伝統工芸展や日本陶芸展などで幾多も入選を果たし、高い評価を受けている。

原土をそのままに使う。

中田は小松さんの工房でもろくろを回させていただくことができた。「少し、土がざらざらしていますね。」と、気が付く中田。「粘土は、あまりいじらない、原土をそのままに使うのが好きです。土を精製してきれいにしてしまうよりも、もうすこしザラザラしています。」と小松さん。

桃山の黄瀬戸に魅せられ、ずっとそれを追い続けている小松さん。しかし「現代でも使える作品を作りたい」と話すように、格式ばったものではなく、日常の食卓にぴったりのものも多い。紋様や銅緑色の緑が強すぎず、どこか温かみを感じさせてくれる作品群だ。

訪問した「りんどうの窯」は、草木の緑に囲まれた窯だった。この窯で生み出される作品の数々。それはまるで、長野の自然の厳しさと優しさが、ひとつの器に表現されているようでもあった。

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