益子町で建築の内装や家具の制作を手がけている木工作家･高山英樹さん。高山さんは京都の歴史的建造物「旧京都中央電話局」の再開発で、隈研吾氏が建築デザインを監修した「エースホテル京都」の建築プロジェクトなどにもたずさわり評価を得ている。

人との繋がりを大切にして人と空間をイメージ

高山さんがつくる作品は、古材や廃材などを組み合わせた木材の経年変化を楽しめる家具。木の質感を大切にした温かみが感じられる作品だ。

人との繋がりを大切にし、「縁がなければ注文は受けない」という高山さんは、依頼者とのコミュニケーションを経て思いを受け取り、「どこに置き、なにをするか」をイメージして家具をカタチにしていく。だからその空間に自然に溶け込み、しっくりとくる家具ができるのだろう。

先進的な空間に似合う、古材を活かした家具

そんな高山さんの世界感を強く感じられる場所がある。それが、京都･三条通近くにある「新風館」。同施設は、関西や京都初の新業態店舗に加え、京都ならではの店舗をラインナップし、最新の流行に京都らしさが出会う唯一無二の商業空間。その「新風館」にある「エースホテル京都」は、「East Meets West」をコンセプトにアジア初のエースホテルとしてつくられた。「エースホテル京都」内のレストラン「Mr. Maurice’s Italian」で、高山さんがカスタム･デザインしたオーバルテーブルやベンチが見られる。

さらに、「新風館」にオープンしたBEAMSが取り扱う「Pilgrim Surf+Supply KYOTO（ピルグリム サーフ+サプライ）」。ニューヨーク･ブルックリン発のセレクトショップ「Pilgrim Surf+Supply」は“自然と都会のデュアルライフ” をコンセプトに、サーフィンを中心としたアウトドアアクティビティのあるライフスタイルをアメリカ東海岸のカルチャーというフィルターを通して提案。その「Pilgrim Surf+Supply KYOTO」のメインテーブルを手がけたのも高山さんだ。

移り住んだ益子で自宅をセルフビルド

陶芸の里である益子。栃木県南東部に位置する町で、江戸時代末期から陶器の産地として全国的にも有名な町だ。木工作品や家具などを手がける高山さんの自宅とアトリエは、益子町の中でも自然豊かで緑あふれる地区にある。

自宅は家族3人で今もつくり続けているというセルフビルド。2002年に益子に移り住み、今もなお家づくりはとまらない。

「ここに移る前、農家の手伝いをした時にビニールハウスを建築したんです。それが意外と快適な空間で。そこでビニールハウスみたいな家をつくりたいと思いつきました。この土地を見つけた時に、プレハブでガラス面を多くしたら似たような効果が期待できるんじゃないかと思ってつくり始めたんです」。

大きな窓から見えるのは一面に広がる田園風景。田植えの季節になると家の周りの田んぼに水が張られて、まるで湖のようになる。そして林の向こうの丘にはぶどう畑が見える穏やかな景色だ。

益子にたどりついたきっかけ

益子に住み始めて22年の高山さんの出身は石川県七尾市。文化服装学院を卒業後、東京でステージ衣装や1点ものの洋服をつくり、収入が入ると海外旅行に出るということをしていたそう。そんな時に「益子に面白い人が集まっている」という噂を聞く。

「子どもが生まれる前からどこか良い所はないか探していて…子どもが生まれたらふるさとをつくってあげたかったんですね。ここは、実家の風景にもどことなく似ていて気に入りました」という。

地元の人たちの、ものづくりへの理解や様々なことにチャレンジする人を見守る文化にも「良かった」と、益子町を知り移住するきっかけや実際に住んで見て思ったことを教えてくれた。

自宅つくりとともに始まった益子での暮らし。そして、家具づくり

高山さんの家具づくりのスタートは、宇都宮でレストランを開いていた方が益子にカフェをオープンするにあたって、内装などを手がけるために店づくりに参加したのがきっかけだった。

内装だけでなく、廃材などでテーブルなどの家具を設える必要があり、そこで家具作りに触れた。

偶然のように始まった高山さんの家具作り。しかし、「縁」を大切にする高山さんらしい家具作りのスタートだ。木材を巧みにあやつり、空間に自然とマッチする高山さんの家具だが、家具づくりは人に習ったものではない。

「習うことは、型にはまること」と、ファッションの仕事をしていた時を教訓にして「自分で思ったことをやってみよう」と独学ではじめたそうだ。高山さんにとって、家具作りは自身の生き方の表現である。

依頼は人と人との「縁」がなければ受けないこともひとつの表現だろう。デザインよりも、家具が置かれる空間や使う人との関係性、そこで生まれる会話や時間まで想像して制作する。

家具は生活に溶け込み、人と空間を繋ぐ必然性から生まれるべきだと考えているのだ。

人との繋がりがきっかけを生む

益子には、1998年にオープンした「身の回りにあるもの、手の届く範囲で、心地よく暮らす。」をコンセプトにした「starnet（スターネット）」という人気のライフスタイルショップがある。

高山さんは、縁あって「starnet」のテーブルも制作したという。さらには、「starnet」での人との繋がりから、高山さん家族は息子の源樹（げんき）さんを中心にしてワイン作りに発展した。

益子の地で「家具づくりという手仕事をやっていこうと思っていたら、『今度はワイン』なんて話になってしまいました」と笑いながら話す高山さん。

なんとも、人の繋がりを大切にする高山さんらしいストーリーだ。

ワイン造りへの挑戦

高山さんの息子である源樹（げんき）さんが高校生の時、「starnet」のオーナー友人に「夏休みになったら手仕事と芸術を見るためにどこかへ行きたいんですけど、どこかおすすめの場所ありますか」と質問をした。

すると返答は「フィレンツェに行っておいで」。

海外かと驚きながらも、せっかくのきっかけだからと夏休みの1カ月間をイタリアで過ごし、30種類くらいの手仕事と10箇所くらいのミュージアムを見て回ったそう。

そこで最後に見たワイナリーに芸術性を感じ衝撃を覚えた。そこで高校を卒業するとワインに関わる仕事をしたいと、イタリアに渡った。

薦められたとはいえ、高校在学中に1人でイタリアに学びに行かせる柔軟な考えは、高山さん自身の若い頃の「収入が入ると海外旅行に出る」という行動があってこそだ。

家族3人でつくるぶどう畑

帰国後、源樹さんはワインの勉強をするうえで、自分が惹かれているワインは「地域との関係性がバックグラウンドにあるワイン」だと気づく。

では、どこでワインをつくったらいいのかを考えた時に「益子でつくる」と考えにいたった。

先輩や知人などが栃木県足利市にある指定障害者支援施設こころみ学園のワイン醸造場「ココ･ファーム･ワイナリー」に繋げてくれて、学びや協力を得ることができた。
「ココ・ファーム・ワイナリー」とは、栃木県足利市にあり、国際的なサミットの晩餐会で採用されるなど、日本を代表するワイナリーとして全国的に知られている。

さらに、地元の方と連携をとることができ、高齢化で管理ができず荒れ始めていた土地を家族3人で開墾。源樹さんの想いが少しずつ現実のものになっていく。3年目になる今は、赤ぶどうをメインに11種･300本弱の木が植えられているぶとう畑。今後は土地の性質などにもあわせて、白ぶどうも増やしていきたいと話す。

父である高山さんも一緒になって、今後のブドウ畑やワインについて目を輝かせていた。

地域の人たちと育む「ものづくり」と収穫祭

源樹さんを中心とした高山さん家族のワインへの挑戦は始まったばかりだ。ぶどうの収穫には5〜7年かかる見通しで、地域の人たちとともに時間をかけて「ものづくり」をしたいと考えている。

「収穫祭をやりたいんです」と家族3人でにこやかに語る夢が叶う日も、そう遠くないかもしれない。

ワイン造りという新たな挑戦もまた、高山さんが大切にしてきた「人との繋がり」から生まれたものだ。
しかし、その活動の原点であり、核となるのは、やはり木と向き合う家具作り。

依頼主との対話、空間との調和を重んじ、古材の一つひとつに新たな命を吹き込む。これからも高山さんは、使う人の暮らしにそっと寄り添う温かな家具を、この益子の地で作り続けていく。

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父が始めた溶接工場を原点とする「KITAWORKS」の木多隆志さん。鉄やステンレス、銅、真鍮などの金属と木材を組み合わせて作り出す家具は「ミニマリズムが自分の根底にあり、それが反映されている」と語る。数々の空間デザイナーを惹きつけるデザイン、繊細な加工技術はどのように生まれてきたのだろう。

注目を集めるプロダクト

１枚のステンレスのパンチング板を曲げて座面と背面に造形したイス、極限まで薄くしたスチールのフレームに木材の天板をのせたテーブル、真鍮のフレームのキャビネットなど、「KITAWORKS」がデザイン、製造する店舗の什器や住宅用家具、インテリアは、デザインはもとより、細部にまで突き詰めた加工が施されている。これらはソニア･パークがクリエイティブ･ディレクターを務める「ARTS & SCIENCE」の京都の直営店や、「暮らすように過ごせる」をコンセプトにホテル、カフェ、バー、ダイニング、ショップを併設した「LOG」、東京･恵比寿ガーデンプレイスの『VERVE COFFEE ROASTERS』等で導入され、インテリアメーカー『AXCIS』とは照明器具などのプロダクトを共同で製作している。

原点は父が創業した鉄工所

「KITAWORKS」のある津山市は岡山県北東部に位置する岡山第3の都市。古くから交通の拠点だった地域で、戦国時代に津山城が築かれて以降、周辺地域の中心的機能を果たし、城下町の風情が今も色濃く残っている。

「KITAWORKS」の原点は、木多隆志さんの父が1978年に創業した鉄工所だ。父の時代には、地元にあったグローバル企業の工場の機械設備製造を請け負い、隆志さんは21歳のときから働いていた。30歳のとき、自宅を建てることになり、新しい家に合った家具や建具を自分でつくろうと木工を独学することにした。鉄工所でつくるフレームと木材を組み合わせたものをいくつか作ると、それを見た友人から作って欲しい、と言われるようになった。折しも機械設備の受注製造が減っていた時期で、仕事になるなら、と本格的に取り組むことを決めた。

機能性と見た目の折り合いを探す

機械設備の製造から、家具やインテリア製造へと方向転換をする際、ポイントとなったのはプロダクトとしての機能と見た目の折り合いだった。たとえば工場に納入するイスは、不具合のない丈夫なものが求められる。しかし生活の中で使うイスは、機能を保ちながら同時にスタイリッシュでありたい。その折り合いを模索することから「KITAWORKS」のスタイル形成は始まった。

根底にあるミニマリズム

木多さんが新しく家具のデザインを考える時はフォルムから考えることが多い。そのフォルムを実現する構造の強度の保ち方に「KITAWORKS」らしさが現れる。鉄のフレームにガラス板をはめ込んだキャビネットを例に挙げると、ガラスをはめ込むための細いフレームに「受け」となる部分を作る。鉄に溝を作り、ガラスの四辺を固定ゴムに包んではめ込むが、厚みが約2cmの鉄に溝を掘るとこと自体が技術的に非常に難しい。しかし木多さんはそこを軽々とクリアして、さらに全体の見た目をすっきりさせるため固定ゴムを外側から見えないよう、隠してしまう。より深い溝を掘って、ガラスを深くはめ込めばそれが叶う。

この作業は、「無駄な線や厚みを消してしまうイメージ」だと言う。キャビネットを作り始めた頃、ガラス業者からどこまで加工できるかアドバイスをもらい実現させた細部の仕上げだ。思いついたフォルムは現実の形にしたい。だから一度作って、足りない部分があれば修正し、補強する。ちょっとした装飾や、ラインの美しい角度を探すことはプロセスのひとつであり、「突き詰めればミニマムになってくるという感覚が直感的にあります。ミニマリズムが自分の根底にあって、それが作るものに反映されていると思います」と語る。

この工場でできることがオリジナリティ

2009年に「KITAWORKS」をスタートさせ、岡山県倉敷市で毎年５月、全国からクラフト作家が集まる「フィールドオブクラフト倉敷」というイベントへの出展を通じて、認知が広まった。「こういうもの、作れますか？」という具体的なオーダーが多く、一度注文した人が知り合いに紹介して口コミで広がり、広島や東京から注文が来るようになった。

現在、よく使っている材料は鉄で、ほかにステンレス、アルミ、真鍮などをオーク材と組み合わせることが多い。鉄にペイントをして仕上げた家具も特徴的で、大量生産に対して、手間暇を掛けて少量生産でも良いものに仕上げることを意識した“スローデザイン”の模範として国際的に高く評価されている「スタジオ・ムンバイ」が手がけた尾道市の「LOG」のバーに納めたテーブルには、初めて漆を塗った。天板は木材で脚は鉄だが、全体に重ね塗りして漆がきちんと乗るともとの素材も違いもわからなくなり、1960年代初頭のアパートメントから創造した空間のなかで正体不明の渋い味わいを見せる。

家具を作るようになって、世界の家具や建築を見るようになり、デンマークのハンス･ウェグナーのYチェアなど名作といわれる家具も実際に使ってみた。好きなヴィンテージ家具も増えていった。それでも「こういうものが面白いんじゃないか」と作り進めていくという点でデザインソースは自分のなかにある。「僕が住んでいるのは岡山県北部の山寄りの場所ですが、そこで感じている自然なんかを突き詰めればミニマルになって、それが家具にも反映されているのかなと思います。この工場で出来ることは限られています。でも逆にそれが個性になっているのかもしれませんね」と語る。

「LOG」のテーブル制作をきっかけに「KITAWORKS」の名前は世界に広がった。国内だけでなく海外からのオーダーもあり、現在は受注制作と自主制作が半々の割合だ。思いついたアイデアは工場ですぐに試行錯誤できることが強みで、時には遊び心のまま照明器具やキャンドルホルダーやトイレットペーパーホルダーなどを作り、機能と装飾とオブジェクト感の折り合いを模索する。

「KITAWORKS」のものづくりにはミニマリズムを軸に「見てかっこいいものを作る」という造形へのこだわりと、父の鉄工所をルーツとした機能性への追求が共存している。素材の特性を生かし組み合わせる感性と細部の陰影にいたるまで計算した加工技術を育むプロセスで唯一無二のスタイルを確立したことにより、今や世界から注目を集める工房となっている。

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時代を超えて愛されるアンティーク家具

1944年創業の松本市内にある老舗家具メーカーに向かう。松本民芸家具の中央民芸ショールームで、創設者の池田三四郎の孫、常務取締役 池田素民さんが出迎えてくれた。ここで造られる松本民芸家具は、欧米のアンティーク家具に学んだ和洋を織り交ぜたデザインと時代を超えて使える堅牢な造りが魅力。全国あまたのファンが支持している。「松本民芸館の丸山太郎さんと祖父が同級生で、それがきっかけとなり民芸という世界に私たちも入った」と池田さんは話してくれた。

自我がなくなると自然に美しくなる家具

松本は400年以上も家具の産地だが、以前、その伝統は消えようとしていた。「柳（宗悦）さんに伝統は一度火が消えると二度と元には戻らない、と言われ一念発起で家具店を始めた」と池田さん。長く使える「決して飽きることのないもの」をつくること、それには「造り手の自我を削いでいく。自我がなくなると自然な美しさが出てくる。主張があるものはいずれ飽きられる。空気のようであり絶対的に美しい存在であることだ」。中田が一番のヒット家具を伺うと、「＃44ウインザーチェア」だと教えてくれた。イギリスの庶民文化から生まれた椅子で「この椅子の力学構造を超えられる椅子が出てこないほど、完成度が高い」と池田さんは話した。

木取り職人、組立職人、塗装職人が分業する家具作り

近くにある家具工場に案内していただく。家具作りは木取り職人、組立職人、塗装職人が分業して完成させる。分業のほうが「合理的にムダなく材料を使える」という。誰がつくったのかが分かるように造った職人の名前を一文字彫るのが習わしだ。最終工程の塗装場では、塗装職人が丁寧に椅子にニスを塗っていた。手刷毛で馴染ませながら、12工程もかけながら仕上げる。こうすることで使いこんでいった時に違いが生まれてくる。完成間近の椅子を見ながら、「松本民芸家具といえばこの重厚感のある濃い色だ」と中田。「昔の民家では囲炉裏でいぶされた柱を毎日磨いていた。その色は日本人のアイデンティティのなかに刻まれた色だ」と三四郎氏が決めたそうだ。

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強固で美しい漆の家具

漆造形家　渡邊希さんは札幌を拠点に、漆を用いた立体造形、うつわ、小物、家具などを手がけている。作品の中でもひと際目を引くのが、立体造形や椅子テーブルなど大きなものだ。工房にある一客の漆の椅子は、朱赤で柔らかい曲線の造形。座ってみると、思ったより硬くしっかりしている。「強度があり、故意に突いたりしない限り壊れない」と聞き、これには中田も驚いた様子だ。作品はすべて乾漆技法でつくられ、家具類は漆と麻布だけで頑丈で美しい作品を生み出す。

漆の艶と力強さを表現

以前はジュエリーなど小さなサイズのものを作っていた渡邊さん。乾漆を主体に、現在の作品は大小さまざまだ。オブジェや家具など大きな作品を作るようになったきっかけを聞くと、「漆の麻を固める力に惹かれて興味を持った。漆の艶や力強さ、その性質を一番表現できる形を選んでいる」と話してくれた。「漆の力強さは一般的に知られていない」と漆に造詣の深い中田も興味深そうに相槌を打った。大きな漆の作品には意外性と驚きがある。

光をまとう漆作品の工程を知る

「そばの実をこねる鉢で漆を精製し、その後水分を飛ばして使う」と渡邊さんは工程を一通り説明してくれた。漆の家具は型を作って麻布5～10枚を覆って漆で固められる。最後は磨いて仕上げを行い、作品が完成。伝統的な漆の新しい解釈は国内外で広く注目されるところだ。漆黒の造形は、素材の持つ透明感のある艶が光を生み出す。素材から着想を得た漆の空間造形は、心の内側へ深くこだましていくようだ。

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木製の飛行機を作っていた「天童木工」

山形県天童市は将棋駒の生産地としても有名であるとおり、木工業が盛んな土地だ。その天童市に職人の組合という形で1940年に設立したのが、今回お伺いした天童木工。大工や建具、指物といった業者が集まり、組合を結成し仕事を始めたのだが、結成後すぐに始まったのが第二次世界大戦だ。そのときには、弾薬箱などの軍需品なども製造したというが、そんななか独特だったのは“木の飛行機”を作っていたという事実だ。
木の飛行機といっても、空を飛ぶためのものではない。ひとつの「おとり」としての飛行機だったという。日本にはまだまだ力があるぞという見せかけの飛行機だったそうだ。
「でも、相手も木の飛行機だってわかっていたのかもしれませんね」とお話を聞いた企画部 福島幸雄さんは言う。その言葉どおり、木の飛行機には爆弾を落とされた形跡がないのだという。

「天童木工」の名作“バタフライスツール”

天童木工製作所として会社組織になったのは戦後のこと。手持ちの材料で、戸棚や流し台などの製造をしていた。進駐軍用の家具を作っていたこともあったが、すぐに一般向けの家具を主力に製造するようになる。一気に注目を浴びたのが成形合板の家具を作るようになってからだ。成形合板とは、材木を薄くした単板と呼ばれる材料を縦目、横目の順に重ねあわせ、型にセットした後、圧力と熱を加えてその型に沿った形を作る木工技術のひとつ。どこよりもはやくこの技術を導入し、天童木工は注目を浴びた。
そのなかで生まれたのが、柳宗理氏がデザインをしたバタフライスツールという名作だ。その名のとおり、蝶が羽を広げたようなフォルムを持った椅子。座面だけでなく脚の部分にもこだわり、全体で蝶の優雅さが表現されている。1956年に製作され評判を呼び、1959年には通商産業大臣賞を受賞している。

現在でも職人集団

そのほかにも数々のデザイン家具を製作し、人気を博している天童木工。最新の技術も取り入れ、例えばコンピューターでカット部分を制御するNCルーターも1980年の時点から導入している。

中田が伺ったとき、ショールームにはOEMで製作しているという車のハンドルが飾られていた。そのように自社ブランドだけでなく、他社からも声がかかることが多い。日本国内だけでなく、海外からもいっしょにモノ作りをしないかと声をかけられることも多いという。そのなかで生まれた作品もいくつもあるが、「自分たちが何者であるかを見失ってしまわないよう、あまり外からの誘いには乗らないんです」と福島さんは言う。
「いまだに職人なんですね。会社としての経営もあるし、規模も大きくなった。それでもひとりひとりの工房が集まっているところということは変わらないと思っています」。
100人ほどの家具職人がそれぞれ熱意を持ってものづくりに向かっている姿が印象的だった。

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家具になる大きな木がならぶ貯木場

待ち合わせの場所は“広葉樹の森”と名付けられた「貯木場」だった。岩泉純木家具有限会社は家具製作の会社だけれど、まず木を見てもらいたいということだ。中には見たこともないような大きな木が1枚1枚、凛とした姿で「木材」になり保管されていた。そこで案内してくれた工藤宏太さんから衝撃的な一言が出た。
「実は日本の国有林の広葉樹はすべて伐り尽してしまった状態なんです」という。この貯木場にあるのは約30年以上前から買いためてきた木なのだそう。一枚板をそのまま家具にするような場合には大きな木が必要になる。しかし、国内の広葉樹の木材市場は縮小の一途をたどり、それほど立派な木材を見つけるのは難しくなってしまったのだ。外国産の輸入木材が市場に多く出回り、国有林では針葉樹のほうが生育が早いと考えられて針葉樹の植林が進められていることもその理由の一つだという。

１本の木が100年でひと山の価値に育つ

「山を持っている人は何年かに一度、パルプ用に木を切り出します。本当はね、その時に山を丸刈りにしないで、いい広葉樹を10～20本残しておくといいんです。その残った良い木が100年、つまり三代残れば大きく育ちますから、1本でひと山分の価値になるんですよ。そうやって良い木を残すようにしていくことが大事なんです」
その話を聞いて「そんなに時間をかけて、長い目線で考えているんですね」と中田は驚いていた。たしかに木が成長するのには時間がかかる。その時間も見すえながら木と向かい合わなくてはいけないのだ。

そして外に出て見せていただいたのは長さ６ｍ以上もある巨木の前。特別にこの木を木材にする製材の場面を見せてもらった。木には必ずある“芯”がどのように入っているかを見極めながら製材していく。
「この技術というか感覚は教えるのが難しそう」と中田がいうと、「製材は習うことじゃない、経験。木に聞いて覚えるしかないんです」と工藤さんは話す。

この木はこういう家具になる運命だった

岩泉純木家具が一貫して自社で行う、木の収集と製材から始まる家具づくり。製材所で「木に聞いて覚える」と工藤さんは言っていたが、家具も同じ。
「うちの家具はその木に聞いてデザインしたいと思ってます。原板を見て、これはこうできるなというふうに考えていくんです」
それでできあがった家具を見て「この木はこうなるしかなかったんだと思えるように仕上げられるときがある」という。そのときは本当にうれしいそうだ。最後に木の手触りが残るようなオイル仕上げや漆仕上げを行う。
釘も一切使わないで、「木」を中心にした家具を作る。丸太を木材にするところから木に聞く。そしてその木材が「どんな家具になりたいの？」と、木に聞く。「この木はこうなる運命だった」と納得できるようになるには、とことん木と向かい合わなくてはいけないのだ。

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木の特徴を大切にする

石巻市に工房を置き、ほっと心を和ませてくれる木の家具を制作している 「木のしごと　樹々」。木工作家の齋藤英樹さんは 「単純に木の家具を作るというのではなく、木の素材の面白さを知ってもらうような製品を作っている」 と話をしてくれた。
たしかに、余計な装飾がないだけに、木の持つ魅力が伝わってくる。木の色をいかした作品は、たくさんのバリエーションもあるし、近寄ってみるとそれぞれ匂いもずいぶん違っているのだ。そういった木の特徴を大切にして、イス、テーブル、キャビネットといった普段の生活のなかにある家具を作っている。
齋藤さんは学校を卒業後、車を販売する企業に就職して営業として働いてたが、そのときに山を切り開いてログハウスを立てて住んでいる人に出会い、その人に脱サラをすることを宣言してしまったのだという。それで職業訓練校に通い木工を学び、工房で修行を積んで独立を果たした。

人を際立たせる家具

齋藤さんの作品は、ビビッドに目立つものではなく、スッと生活に入り込んでいるような優しさのあるものだ。目指しているのは 「人を際立たせる家具」 だという。
「部屋に飾る絵がありますよね。あれに例えたら、あくまでも絵は人。その飾りの額縁が家具だと思っています。絵をどれだけきれいに見せるか。家具もどれだけ人を際立たせるかというものだと思うんです」 そう齋藤さんは話す。
さまざまな家具を見せてもらっているうちに中田が 「いつも思うんですけど、いいハンガーってあまりないんですよね。形が崩れるちゃう。木でいいハンガーって作れませんか？」 と聞いた。すると 「できると思いますよ。でも手仕事の商品っていうと、コストの関係で作る人がいないのかもしれませんね」 と齋藤さんが答えた。

自由な発想から生まれる家具

たしかに生活の糧として製品を作ればコストの計算は重要になってくる。ただし、こうも言った。
「作り手は、どうしてもコストを考えてしまって、作ること自体をやめてしまうことがあるんです。でもそれを超えたときにおもしろいものができるのかもしれません」
その言葉にはこんな裏付けがあった。齋藤さんは東北工業大学で技師として教鞭もとっているのだが、学生たちは無茶なことも平気でするという。「学生はデザインから入るので、無茶をする。でも、その自由な発想から自分が学ぶことも多いんです。」
どんな家具を作るかという発想は柔軟に持ち続けること。革職人が作業のときに座りやすいミシン用の椅子、かんなくずを使って染色した紙ひもで座面を編んだ椅子、ちょっとした閃きを緻密に設計し、形にするのだ。

地元の木で作品を作る

木の仕事をしていると、木を切っている人がいるとつい声をかけてしまうという。いつの間にかつながりができ、いろいろな木を集めるようになったそうだ。でも製品として使うのはまだ先。少しづつ地元の木を集めて将来、地元産の木材を使うのが楽しみだと齋藤さんは語ってくれた。

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

仙台藩士が愛した仙台箪笥「門間箪笥店」／宮城県仙台市 – NIHONMONO 仙台箪笥とは 仙台箪笥が生まれたのは、江戸末期だといわれている。仙台藩の地場産業として発展したものだ。武士が刀

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指物って何？

指物とは、釘や接着剤などの接合材料を使わず、木と木を組み合わせることによって組み立てられる木工のこと。作られるものは、小箱や花器などの小さなものからタンスのような大きな家具まで様々だ。その名の通り、物指しで測ってピッタリと作るので、まるでゆがみがない。釘を使っていないのに、ぐらぐらとしない。でも、修理するために板を外すのは職人さんが金槌でトントンと叩くだけですぐに外れる。寸分の狂いもない精巧さを生み出す技術が可能にする工芸だ。
特に有名なのは、大阪の唐木指物、京都の京指物、東京の江戸指物だが、鈴木光爾（すずきこうじ）さんの作る作品は、そのどの流派にも存在しない唯一無二のものだ。

鈴木さんの代名詞「ダイヤカット」

どこにもない指物とは「ダイヤカット」と呼ばれている鈴木さん独自の技法を用いた作品だ。木の組み合わせで、ダイヤモンドのような姿を表現する。こう書くと簡単に聞こえてしまうが、これはものすごい技術なのだ。指物は接着素材を使わないために、角面が多くなればなるほど難しい作業になる。しかも、指物で最高の技術とされているのは、木材を薄くすること。となれば、ダイヤカットがどれだけ精巧な作業を要するかは想像できるのではないだろうか。
鈴木さんの作品はまるで一本の太い木から切り出したかのようにしか見えないほど、ピッタリと緊張がある。しかも中田が手に取らせてもらうと、想像以上に軽い。これは木が”薄い”からなのだ。今やダイヤカットは鈴木さんの代名詞。どの展覧会でも鈴木さんの作品だとすぐにわかってくれるという。
「ただ、平面の作品を出すと、今回は休みなのって聞かれちゃうんですけどね」と鈴木さんは笑っていたが、それだけダイヤカット＝鈴木光爾というのが浸透している証拠だ。

ワインが宙に浮く!?

このダイヤカットを生み出したのは、ある種の負けん気。
「普通の箱なら誰でもできる。展覧会に出してると、人がやっていないものを作りたいっていう気持ちになるんです。技術は上を目指さないと伸びないわけでしょ」
そうして誰も作っていないものを目指した結果、ダイヤカットが生まれたのだ。「技術は上を目指さないことには伸びない」という鈴木さんは、現在でも年に数回の展覧会への出品をかかさない。
　また”誰もやらないこと”というので、中田はじめスタッフ全員が驚いたのが、ワイン立て。何がすごいかというと、板一枚ということ。斜めになっている板に穴があいていて、そこにワインボトルを指すと、ワインが宙に浮いているように見える。けれど驚くのは、その斜めの板がどこにも接着されていないこと。板はそこに置いてあるだけ。でも倒れない。これも指物師の精巧な技術が可能にした作品だ。ワイン好きの中田もこれには舌を巻いた。
「これ絶対にびっくりするよね。プレゼントとかにいい。ほらって言って板だけ一枚渡すの。でもワイン立て。絶対にいい」
そう言って、はしゃぐように何度も不思議そうに板を外しては眺め、ワインを指しては眺めていた中田だった。

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朴木地屋からはじまった

もともとは江戸時代後期に輪島漆器の製造所として、スタートした工房。
昭和初期に桐本久幸さんが、木彫り職人を集めて朴木地屋（ほおきじや）を始め、それ以降、漆器はもちろんのこと、漆を配した家具や建築内装材などを作り続けている。

朴木地屋とは、木地をそのまま生かした器やお椀などを作る職人のこと。「桐本木工所」の作品も、自然の風合いを生かした漆器が目立つ。
この日、中田はスプーンに漆を塗る作業を体験させていただいた。木地の形は、手によく馴染む柔らかな曲線だ。

暮らしに合った輪島漆器

三代目の桐本泰一さんは、プロダクトデザインを学び、企業のオフィスプランニングを経験したのちに輪島に戻り、木地業に携わることとなった。伝統的な漆器と、現代の生活に溶け込む漆器。また、漆器の可能性を広げるための挑戦。時代のニーズを見極め、バランスを取りながら制作を行っている。

漆が今の暮らしに溶け込むように、との思いを持ち作品を作り続けている「桐本木工所」。より身近に漆を感じてもらおうと、東京の江東区に「うるしの事務室」なるものを開設。室内は一面が漆。壁も扉も天板も……。
まさに、漆とともに暮らしがある部屋だ。ここは予約をすれば誰でも見学することができる。

輪島漆器と触れ合う機会を持つこと

さらに、「うるしはともだち」のキャッチフレーズのもと、ほかの職人とともに、地元で「ギャラリーわいち」も設立した。漆器のよさ、斬新なデザイン、職人それぞれが作品にこめた思いを発表できるようにとの考えからこのギャラリーは開設された。

輪島の伝統である漆器。
職人さんたちは、つねに「暮らしのなかに」という想いを持っている。温もりのある光沢と、その光沢が長く持つ漆器は、ちょっと立ち止まって丁寧な暮らしをしたいときに、ぜひ取り入れたいアイテムだ。

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

木を自由に変化させる「木工芸作家 灰外達夫」／石川県金沢市 – NIHONMONO やわらかい表情をもつ木工芸 2003年、第50回日本伝統工芸展に出展した「神代楡挽曲造食籠（じんだいにれひきま

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

匠の技術で気の魅力を最大限活かす人間国宝 木工芸･川北良造さん／石川県加賀市 – NIHONMONO 山中漆器に新風を吹き込む人間国宝 川北工房の作品を見てから、一度伺いたかったという中田を、工房を親子で営む川北

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シルクロードから伝わり発展した木画

あまり聞き慣れない「木画（もくが）」という言葉。木で絵を描くのかな、それとも木に絵を描くのかなと想像はできるものの、具体的な作品は思い浮かばないかもしれない。木画とは、木片を組み合わせ、その木目や木肌を生かして独特の模様を作り、箱や家具などに装飾を施すというもの。木片以外にも象牙や鹿角といったものも使用され、代表的な幾何学模様を始め、さまざまな文様を作りだす技法だ。

古代エジプトにその原型を見ることができるというが、日本にはシルクロードを通り、中国から伝わったとされる。
奈良時代、とくに天平文化において盛んに用いられた技術で、正倉院には紫檀木画双六局（したんもくがすごろくきょく）という宝物が収蔵されている。繊細でありながらも豪華。実際に作品を見てみると、木の組合せだけでここまでの模様を描くことができるのだろうかと疑いたくなるほどの、美しい装飾がほどこされている。

正倉院の宝物に残る木画技術を現代へ

「天平時代のデザインは、現代のわたしたちから見ても新しい」と語るのは、坂本曲斎（きょくさい）さん。正倉院の御物の修理を手掛けているという職人さんだ。たしかに、和というだけでなく、どことなく異国情緒も漂うその姿は、なんだか新鮮でもある。

「今ではあまりしられていない伝統の技である木画を多くの方に知ってほしい」ということで、坂本さんは月に一度、自ら作品を解説をするなどして普及活動も行っている。
自然と生活が交わるなかで、作り続けられてきた伝統。そこには常に新しさがある。1500年前から受け継がれる芸術は、自然と人間の共作をしみじみ感じさせてくれる。

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