日本の新しい美術のあり方

岐阜県多治見市、青々とした木々が生茂る森の中に佇む、築120年を超える数寄屋風建築のギャラリー。それが「ギャルリ百草（ももぐさ）」だ。数寄屋造りとは、安土桃山時代に稀代の茶人・千利休が完成させた「わび茶」の思想を反映した建築様式。室町時代に流行した豪華な書院づくりに対し、質素で慎み深い精神性を表現したスタイルを指す。1998年にオープンした「ギャルリ百草」では、敷居をまたいだ先に、土間や床の間など日本人ならではの「わび・さび」を感じる空間に古道具から骨董、現代美術まで幅広いジャンルの作品が展示されている。そこには、生活空間の親しみやすさと前衛的なギャラリーの緊張感が合わさった唯一無二の空気が流れ、日本国内だけにとどまらず世界からも自然と人々が集まる。「西洋美術の価値観から離れて、美術と工芸の中間にある”間”をこの建物の中で見立てることで、日本人のアイデンティティを問うとともに新しい美術のあり方を提案したいと考えました」と陶芸作家であり、ギャラリストでもある廊主の安藤雅信さんは語る。
安藤さんのルーツはジャズドラマーを目指していた美大生時代。マイルス・デイビスやチャーリー・パーカー、セロニアス・モンク…幾多のジャズミュージシャンのレコードを貪るように聴き、ドラムを叩き、自分なりにジャズを表現しようとした。しかし、聴けば聴くほど、演奏すれば演奏するほど、彼らが生まれながら持つリズム感やグルーヴには達しえないことが見え、限界を感じた。

日常生活に溶け込む“器”の美

そこで、彼らでいうジャズが日本人の場合、何に当てはまるのか考えたところ、行き着いたのは焼物と茶道だった。現代の生活様式において茶の文化は一般的なものではなくなっているが、人をもてなすための空間のしつらえや茶のあり方は、ネイティブジャパニーズならではの表現ではないだろうか。また、「工芸」を下、「純粋美術」を頂点とする西洋美術的価値観ではなく、その中間にある「生活」とリンクするものが日本人にとっての美術ではないか。そうした考えを具現化したのが、安藤さんがつくる焼物であり「ギャルリ百草」そのものだった。そして、両者の共通点は、余白があり、使い勝手を使い手の創造力に委ねているところにある。
手仕事で生み出される安藤さんの器は、余分な装飾を省くことで、用途を限定せず、和洋問わず使える。それゆえ、使い手によって全く違う顔を見せることがある。観賞用の美術でも大量生産された工業品でもない、日常生活の中で使うほど気付きのある焼物こそ、日本人ならではの美術という安藤さんの見立てに多くの人が共感した。しかし、それは元来日本人が持っていた潜在的欲求でもある。海外や全国から多くの人が「ギャルリ百草」に足を運ぶのは、現代人が忘れかけている美意識を再起動してくれるからなのだろう。

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世界で活躍するセラミックアーティスト

“工芸”か“アート”か。作品をどちらのマーケットで売り出すのかは、陶芸家が自立していくために避けては通れない問題だ。乱暴に分類すると、前者では使う事が前提とされた実用性が評価の対象になりがちで、後者では独創性や作品、作家本人の持つ世界観など、これまでになかった目新しさを求められることが多い。それらを両立するのは陶芸家にとっては、なかなかの難題である。岐阜県多治見市にアトリエを構える桑田卓郎さんは、アートの世界でも独特な立ち位置にいるアーティストだ。
「梅華皮（かいらぎ）」や「石爆（いしはぜ）」といった古典的な作品でよく目にする伝統的な技法を用いながら、陶芸の枠に囚われない造形やビビッドな色彩を積極的に取り入れた作品は世界各国のアートフェアでも評価が高い。また、ロエベやトッズとのコラボレーションのみならず、トレーディングミュージアム・コム デ ギャルソンでのインスタレーションを実現するなど、ファッション業界からも注目を集めている。
現在の作風に至ったきっかけの一つは、人間国宝の陶芸家 荒川豊蔵さんによる志野（しの）焼の展示を見たことだった。「ある作品の水差しに釉薬が剥がれている箇所があって、意図的かは分からなかったけど、それがかっこよかったんです。これを僕なりに解釈した、現代の志野をやろうと思いました」と当時は今の作風からは想像もできないような、白磁などのシンプルな作品を作っていた桑田さんはそう振り返る。

工芸ではなくアートの世界へ

また、本来は計量すべき顔料を目分量で調合した結果、思いもよらずポップな色ができたことにも心を揺さぶられた。窯を開けた時のワクワク感を意図的に作りあげようと、再現性のある色彩表現に没頭する。そうして自分の心の声に従うまま、作品を作り続けた結果、日本の現代アートを世界に発信するギャラリストとしてその名を知られる、小山登美夫ギャラリーから声を掛けられたこともあり、アートの世界に身を置くようになった。
しかしその後、桑田さんは“自由”であることの難しさに直面する。ギャラリーからは、とにかく新しく面白い表現を求められたのだ。工芸の世界で型破りとされた作品も、制約の無い自由な場所では同様に評価されない。現実を知ったことで、実用性の概念からさらに遠く離れ、形や色も過激になっていった。
つまり、桑田さんの作品は他者とのコミュニケーションを丁寧に紐解き、新しい価値観を取り入れることで進化を遂げている。それまで自分にはなかった視座を得れば、そこから見えた新しい世界を自分の中に取り込んでいく。自分自身は変わらないが、さまざまな刺激を制作過程の変数として取り入れることで、結果新しいものを生み出しているのだ。それが工芸の世界だけでなく現代美術でも認められ、更にはロエベやコム デ ギャルソンなどファッション業界の最先端にもその存在を知られるようになり、活躍の幅を広げ続けている。

「これまで知らなかった世界の人たちと繋がる事で、自分が想像もできなかった作品を生み出せる。そんなサイクルに身を置いていたい」と語る彼は、驚きに満ちた作品をこれからも作り続けていくのだろう。

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美濃地方の陶芸。

岐阜県では平安時代から陶磁器の制作が始まったとされ、その後、鎌倉、室町と時代を経て、美濃焼という技法が形作られていった。
安土桃山時代に「美濃桃山陶」という陶器が焼かれ、全国的に有名となり、現在でも国内に流通する国産陶磁器のシェアにおいて半分以上を占めるという、一大産業である。美濃焼のなかで、有名なのが織部や志野焼といった焼物。
また、武将であり茶人としても有名であった古田織部が作り上げた「織部好み」は有名だ。

「瀬戸黒」という名品。

今回お話を伺った加藤孝造さんは、志野焼の作家としても有名だが、2010年に人間国宝認定を受けた技法は美濃焼の一種で「瀬戸黒」というもの。瀬戸黒とは、桃山時代に生み出された技法で一度廃れてしまったが、人間国宝の故・荒川豊蔵氏によってよみがえり、加藤さんに受け継がれた。
土を窯に入れて焼き、釉薬がちょうど溶けたかな、という頃合いを見計らって、器を取り出して出す色である。
1200度という窯のなかから引き出して急激に冷さないと出ない色。引き出すタイミングを見計らう勘と、炎に対する気迫が必要不可欠な焼き物である。

ひとつの器に多くの可能性が宿る。

加藤さんの作品に見入る、中田。同じ窯で焼かれた、肌も色も違う器を見て、「少しの差で、何故これほど違うのが不思議。」とつぶやくと、「少し時間を作って、作ってみてはいかがですか。」と、加藤さんに作陶を勧めて頂く。
工房では、加藤さんが形作った器に、ひとつ絵を入れさせていただいた。

「火入れのときに、またお待ちしています。」と加藤さん。
「是非宜しくお願いします。」と、中田。
火入れという、まだ見たことも、体験したこともない作業。この作業が、器に多くの可能性を与えるのだ。

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