“天空の城”として知られる「越前大野城」の城下町・大野市は、名水百選の「御清水」など湧き水の宝庫。
その名水で醸す「野村醤油」は、全国でも数少ない麹から自社製造にこだわる醤油蔵です。
この産地ならではの甘い味わいの醤油、地元産の大豆のみで作る醤油など、
大野の風土が生きた醤油をお楽しみください。

「野村醤油」は明治初期に創業した老舗の醤油蔵。6代目蔵元を務める野村明志さんは、先達が築いてきた蔵の伝統をしっかりと受け継ぎつつ、時代の変化をとらえた柔軟な発想で次々に新商品を開発し、醤油業界に新風を吹き込んでいる。

“名水のまち”で醸す伝統の醤油

大野市は福井県の北東部に位置し、天空の城”として雲海による絶景で全国的な知名度を誇る「越前大野城」の城下町としても知られている。また湧き水の宝庫としても有名で、市街地には環境省が指定する名水百選に選ばれている「御清水」をはじめ、湧水地がいくつもある清らかな水の郷。その中心部に野村醤油の蔵があり、昔から地元のおいしい水で醤油を醸し続けている。

甘くてさらっとした福井の醤油

現在、福井県内には野村醤油をはじめ、20社ほどの醤油メーカーが存在する。福井でつくられる醤油について野村さんは「福井を含む北陸の醤油には特徴があります。それは “甘い”醤油が多いこと。想像にはなりますが昔は甘いものが貴重で、甘い醤油は“おもてなし”のひとつだったのかもしれません」と話す。

ちなみに九州の醤油も甘いが、それがとろみを感じるテクスチャーなのに対し、福井の醤油はさらっとしている。基本的に色の薄いほうが塩分濃度が高いと言われる醤油。福井の醤油の色は濃口醤油と薄口醤油のちょうど中間くらいだ。甘くて程よくしょっぱい“良い塩梅（あんばい）”の醤油として、長く地元の人たちに親しまれてきた。野村醤油の定番商品「大野のおしょうゆ」も、甘くてさらっとした北陸ならではの醤油だ。

麹から作る稀有な蔵

醤油ができるまでの工程は、まず蒸した大豆と炒った小麦を混ぜ、種麹を加えて「麹」を作る。これを塩水と一緒にタンクで仕込んで「もろみ」を作り、攪拌を重ねて発酵・熟成させてから搾ったままのものが「生揚醤油（きあげしょうゆ）」と呼ばれる。この生揚醤油に火入れして瓶詰したものが製品として流通する。生揚醤油に火入れをする際、砂糖や水あめといった糖類やアミノ酸などの調味料を加えると甘い醤油に仕上がる。

かつてはそれぞれの醤油蔵が生揚醤油から製造していたが、高度経済成長期に入ると大量生産･大量消費に対応するため、中小の蔵が組合を作り共同で生揚醤油を製造するケースが増えた。共同で作った生揚醤油を各蔵が仕入れ、火入れや味の調整を行って独自の商品に仕上げる方が設備投資のリスクを抑えることができ、コストも下がるので大手との価格競争を乗り切る上でもメリットがあった。

「全国には1000社近くの醤油メーカーがありますが、うちのように麹から作っている醤油蔵は各都道府県で１、2社しかない」と野村さんが言うように、現在においても野村醤油は麹から自家製にこだわり続けている。

「麹から作る蔵が少なくなったからこそ、自家製の麹が味の個性になる」と話す野村さんは、年間で気温変化の少ない冬場に麹を仕込む。それでも、最も気温が低い1月と春を迎える3月では条件が大きく変わるから、その変化に応じても種麹の量を調整し、醤油に最適と考える麹を作るのだそう。そして、発酵・熟成を進めるための温度調整は一切行わず、大野の四季の温度変化を生かして生揚醤油を作っている。

日本の大豆で醤油づくりを

2013年に和食がユネスコ世界無形文化遺産に登録されて以降、和の料理に欠かせない醤油は、海外からの注目も高い。しかし、醤油の原材料である「大豆」の収穫はその年や地域によってばらつきが大きく、栽培する農家の数も減少しており、飼料用を含む全体の自給率はわずか6%。食用だけでも20%程度にとどまるのが現状だ。

「大豆の自給率の低さは、醤油業界が抱える大きな課題です。うちの蔵でも定番商品に使っているのはインド産の大豆がメインですが、国産の大豆を使った高単価の醤油づくりにもチャレンジしています」と野村さんは話す。

伝統製法を「個性」に

野村醤油の伝統を受け継いだ先代のもとで専務を務めていた野村さんは2007年、地元で青大豆を育てる農家からうちの大豆を醤油に使ってもらえないかと相談を受け、「青豆しょうゆ」というオリジナル商品を開発した。安価な醤油は粉砕した大豆で仕込むので早く作れるが、大豆を丸のまま仕込む「青豆しょうゆ」は発酵に時間がかかる。また、仕込みの際、温度を上げることで発酵は早く進むが、温度調整をしない野村醤油の蔵では、夏の暑い時期に発酵・熟成がゆっくりと進み、仕込みは2年がかりになる。希少な青大豆は仕入れ値も高く、製造に時間がかかるため販売価格は定番商品の約7〜8倍にもなるが、現在まで続くロングラン商品となっている。同商品は、火入れの際に糖類もアミノ酸も加えないので、青豆本来の特徴である自然な甘みが活きる。昨今の醤油業界で高く評価されているアミノ酸が多い醤油とはちがうが、今は、昔ながらの製法が個性になる時代。幸運なことに、野村醤油は昔からの製法を絶やさずに受け継いできた。それこそが、かけがえのない財産だと、野村さんは言う。

製造技術の進歩により、手頃な価格で手に入る大手メーカーの醤油は食卓にあって当たり前の調味料となった。逆に考えれば、地域ごとに存在する小規模な醤油蔵の商品を目にする機会は減っているということ。

それゆえ、蔵ごとに異なった醤油の個性を比較するということが、あまり現在ではなくなってしまった。青豆しょうゆは、その “昔の当たり前” に戻ることを付加価値にした商品だ。しかし原点回帰だけでは時代の変化に対応できないという危機感も持ち合わせていた野村さんは、新しい取り組みも進めていた。

新商品で醤油の未来をひらく

「ちょうど私が生まれた1973年をピークに、醤油の出荷量は減少を続けています」と野村さんが言うように、ひとり当たりの年間消費量も1973年から2021年の約50年でおおよそ半分まで減少した。「極端な言い方にはなりますが、うちの定番商品のような糖類やアミノ酸を加える醤油はこれ以上伸びることはない」と野村さんは断言する。食の多様化、単身世帯の増加、外食や中食の台頭といった時代変化の中で、家庭で下ごしらえが必要な調理をする機会は大きく減少。醤油は卓上に置いてかけるだけ、という使い方が圧倒的に増えた。そんな中で野村さんが活路を見出したのは、何にでも合う醤油ではなく、「この料理にはこの醤油」というニッチな新商品の開発だった。

福井名物専用の醤油ダレを開発

新商品は認知されるまでに時間がかかる。しかも野村醤油のように小さな蔵は、新商品を大々的にPRしたり、発売のタイミングに合わせてスーパーなど小売店の棚を確保するのは難しい。そこで野村醤油は、地域で知られている名物料理の味わいをさらにアップするような専用の醤油ダレを作ることに取り組み、蔵としての認知度を向上させる施策に打って出る。

その先駆けとなったのが、2003年に先代が福井県内のほかの醤油蔵と共同で開発し商品化した、福井名物「おろしそば」の専用つゆ。醤油をベースに甘味を抑え、そばの香りやおろしの辛味が活きるような味わいに仕上げた。

その後、2009年に先代から蔵を継いだ野村さんが福井名物であるソースカツ丼から着想を得た「醤油カツ丼」を考案し、福井県内50以上の飲食店でメニュー化させることに成功。自ら普及させた醤油カツ丼専用の「アッサリたれ 醤油カツ丼」の商品化を皮切りに、新商品開発を加速させていく。

醤油蔵がこのようなつゆやたれを開発できたのは、父である先代が野村さんがまだ幼い頃から研究を重ねてきたから。付き合いのあった製麺所からそばつゆを作れないかと相談を受けた先代は手鍋での試作から始め、大手食品メーカー出身の専門家にコンサルを依頼。レシピ開発や必要な設備、衛生管理などの助言を受けながら開発に取り組んだ。そして何より、つゆやたれの主たる原料である「醤油」がすぐ手元にあるのが大きかったと野村さんは言う。「これが食品メーカーさんだと醤油を仕入れなくてはなりませんが、うちにはそれこそ醤油だけなら売るほどあります。それに醤油は瓶詰めしてからも賞味期限が１年以上あるので、出荷が減って増えた在庫をつゆやたれに活用して新しい価値を生み出せるのも強みです」

大野名物を生かした醤油ダレも

2014年には、地元である大野市に根付いた名産に目を向けた「焼魚にあうおしょうゆ」を発売。大野には夏至から数えて11日目の「半夏生（はんげしょう）」に丸焼きのサバを食べる風習があり、そのサバに合うようにと旨味を強くした商品だ。また、2017年には「里芋ころ煮だし」と「舞茸ポン酢」を開発。里芋のころ煮だしは、500ｇの里芋に加えて煮るだけで、水を使わず簡単に大野の郷土料理「里芋のころ煮」を作れる簡単調味料。一方、舞茸ポン酢は、大野名産の「九頭竜（くずりゅう）まいたけ」を加工するメーカーから大量に出る煮汁を活用し、舞茸の旨味たっぷりで酸味がまろやかなポン酢に仕上げたアイデア商品だ。

消費者との関わりを活発に

福井名物に特化した新しい醤油商品の開発に手応えを得た野村さんは、福井の醤油を身近に感じてもらうための取り組みも開始。2016年には野村醤油の敷地内に「体験蔵 重右ェ門（じゅうえもん）」をオープンした。熟成中のもろみを櫂（かい）棒を使ってかき混ぜる「櫂入れ」を体験したり、熟成した「諸味」を搾る様子を目の前で見られる施設で、子どもから大人まで幅広い層に伝統的な醤油づくりを伝えることができる。

2019年には、インターネット通販を手掛ける地元の会社と共同で「名前のない生醤油」を発売した。スーパーなどに並ぶ一般的な醤油は火入れして発酵をとめたもので、味に丸みがあり香ばしさを感じる。また、「生醤油」と書かれていても火入れはしていないが発酵を進める菌を取り除いている場合が多い。一方、「名前のない生醤油」は搾ってから火入れも菌も取り除いていない「生揚醤油」を瓶詰めする。生醤油は味が濃厚で、フレッシュな酸味があるのが特徴だ。「名前のない生醤油」の材料には、大野在来品種の「大だるま」という大豆、福井県産の小麦「ふくこむぎ」、そして大野の水を使用。これも大豆を丸のまま仕込み、温度調整をせずに発酵・熟成させるので、完成までに2年を要する。そこで、発売の2年前から福井市のそば店の協力を得て「生醤油倶楽部（きじょうゆくらぶ）」というコミュニティをつくり、料理への生醤油の使い方や、醤油の伝統的な製法、原材料へのこだわりをイベントやSNSを通して発信を続けた。併せてクラウドファンディングにも挑戦し、目標金額を大きく上回った。まさに、“モノ”だけでなく“ヒト”や“コト”も動かすプロジェクトとなった。

醤油の魅力を未来に

小さな蔵の挑戦の数々は知名度を着実に高め、次第に県外の有名シェフや高級ブランドからコラボの話が舞い込むようになった。2020年、北陸･東北･北海道新幹線のグランクラスの軽食メニューに使う醤油として野村醤油の商品が採用された。監修したのは、ミシュランで2つ星を獲得した「日本料理 一凛」の橋本幹造シェフ。シェフから野村さんに「日本食再発見」をテーマにした献立に合う醤油が欲しいとのオファーがあり、「名前のない生醤油」を特別に火入れして提供した。

2021年には、チョコレートの高級ブランド「ゴディバ」が展開する「GODIVA café Tokyo」にて、福井県とのコラボで提供した「ビーガンサラダヌードル」の食材として舞茸ぽん酢が採用された。こうして次々とフィールドを広げていく野村醤油。

蔵元の野村さんは「これからも醤油作りの原点を大切にしながら、“いま求められる”醤油を追求していきます」と語る。

醤油は蔵ごとに個性があり、料理によって使い分けることでより味わいが引き立つ。この“古くて新しい”醤油の魅力を、野村醤油はこれからも伝えていく。

「野村醤油」が創業した明治初期と現代では、醤油造りを取り巻く状況は大きく異なります。大豆は輸入に頼るようになり、麹造りから醤油を作るメーカーはわずかになりました。伝統を守る蔵の一つとして、「野村醤油」が作り出す味はどうあるべきかを日々模索しています。また、美味しいが当たり前になった今、プラスアルファの魅力も創造してまいります。

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歴史的建造物を支える匠

岐阜県北部に位置する飛騨高山。豊かな森に囲まれたこのエリアでは「匠（たくみ）」と呼ばれる技術者が数多く育ち、1,300年ほど前から日本の木工や木造建築の先端を担ってきた。奈良時代においても、その技術の高さが認められ、年間100人ほどの匠を都に派遣する代わりに税が免除される「飛騨工制度」が特別に制定されるなど、薬師寺・法隆寺・東大寺など、数多くの神社仏閣の建立を支えてきた。
その後も歴史的な建築物に携わり伝統文化を発展させていくなかで、「飛騨春慶（ひだしゅんけい）」「一位一刀彫（いちいいっとうぼり）」などの工芸品を生み出してきた。そして、100年ほど前に西洋の家具技術“曲げ木”が伝えられ、試行錯誤しながら匠の伝統技術と融合した。日本人の食生活のスタイルがちゃぶ台からダイニングセットに変わっていくのにあわせて、高山の家具職人たちは高いデザイン性と機能性をあわせ持つ木工家具のノウハウをたくわえ、高山は日本を代表する家具生産地として誰もが認める存在となった。今日も国内外に“匠”のファンを増やし続けている。

伝統工芸を現代生活にあわせていく

東京都日野市に生を受けた大澤昌史さんは、20代前半に高山に移住し、職業訓練校で木工技術を学んだ後、家具職人として家具メーカーに就職した。「気にいってしまって、勢いで（笑）」と築80年を超える古民家を購入し、そこで自身の工房「まる工芸」を始めた。
当初は、木工家具を作っていたが、曲げ木の技法を追求していくなかでオーダーを受け「オーバルボックス」という楕円系の箱の制作を開始した。オーバルボックスはキリスト教諸派のシェーカー教徒が、19世紀ごろ｢美は有用性に宿る｣という信仰に基づき、ていねいな手仕事で生み出した家具の一つが起源。薄い木材を曲げて作られるシンプルな物入だ。多くのメーカーや職人たちがレプリカとして復刻版を制作するようになると、幅広い層からの支持をうけて、生活に溶け込むおしゃれな雑貨として知られるようになった。
それを大澤さん流に再現する。かなめは、家具職人時代に培った曲げ木の技巧。薄く堅牢な広葉樹を高温の蒸気で蒸して柔らかくし、型に入れて固定し、乾燥の加減を見極めてしなやかで美しい曲線を作り上げる。それぞれ異なる木目や木が持つ水分に合わせて、ミリ単位の調整が必要なため、一筋縄ではいかない。曲げた木が反ったり浮いたりしないよう“スワローテイル”と呼ばれる形に接合部をしつらえ、一つ一つていねいに貼り合わせる。絶妙な力加減で小刀を使って切り出し、細部にまで魂を込めていく。無駄が極限まで削ぎ落とされ、完全なる機能美を体現した作品は多くのファンをとりこにし、ほとんど店頭に並ぶことが無いまま、完売してしまう。
また、伝統的な工芸を現代の生活様式に合わせて再構築するのが、大澤さんのスタイル。曲げ木の技術を応用した優雅な曲線が美しい木製のティッシュケースや、見事な円を描いた木枠の中にはめた鏡なども生み出し、合理性とオリジナリティを両立させた様式美を追求する。今度の目標は、100年後も残る作品を作ること。「ただ、美しいと心から思えるものを作りたい」。先人の意思と技を継いだ現代の匠の願いは、作品の佇まいのように、どこまでもシンプルで、比類なく純粋だ。

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しなやかさを生かした竹工芸

シルクのように繊細な表情を見せたり、自然のままのような荒々しさを感じさせたり、編み方次第で自由自在に造形することができる。花籠やカゴバッグのような便利な実用品にもなるし、抽象的な芸術作品にもなる。丈夫でしなやか、抗菌性もある。竹という素材は、本当に興味深い素材だ。JR日暮里駅から徒歩5分、下町の風情を残し谷中銀座のシンボルともいえる「夕焼けだんだん」の近くに、竹工芸の専門店「翠屋」がある。近くには週末になればいつも行列ができる有名なかき氷屋があり、観光地として賑わう活気あふれる商店街の入り口にあるのだが、一歩足を踏み入れると竹の魅力を存分に感じることができる名店だ。創業110年を超えるこの店の主は、竹工芸作家の武関翠篁（ぶせきすいこう）さん。1958年に生まれ、祖父・父に学び、東京の竹工芸の歴史を守ってきた。
「いまでも竹から教わることがたくさんあります。竹の種類や生育地によってそれぞれ特徴がありますし、どう手を加えるかで色艶や表情も変わります。竹ってどこまでも曲がる印象がありますよね。でも無理やり曲げると、竹が痛がるんですよ。だから作品を思い浮かべても、そのための竹選びから時間がかかるんです」（武関翠篁さん）

翠屋のすぐ近くのギャラリーには、そんなふうに竹の声を聞きながら作り上げられた翠篁さんの作品が並んでいた。翠篁さんの作品は黒や褐色に色をつけた竹のヒゴを編み、美しく複雑な編組をしている花篭などが多くみられる。
「すごく複雑に編まれているのに、形状としてはとてもシンプルなんですね。竹が無理をしていない感じが伝わってきます」（中田）

海外で人気な竹工芸

作品のアイデアは、自然からヒントを得ることが多いという。
「夜、散歩をしながら月を眺めて、その曲線を描きたいと思ったり。水や光、空気……やっぱり自然がいちばんの先生ですね」
日本の竹工芸は、あまり知られていないが海外コレクターが多く、国内以上に海外で高く評価されている。翠篁さんも文化庁文化交流使としてドイツに派遣された経験もあり、メトロポリタン美術館やスコットランド国立美術館など、海外の美術館や工芸館に作品が収蔵されている、日本を代表する竹工芸家の一人だ。
「海外の美術館などに行くと、日本の150年前の竹工芸が展示してあったりして驚きます。もちろんそういうことはとてもうれしいんですが、もっと日本の若い方々にも興味を持ってもらいたいですね」
まずは散歩がてら翠屋を訪ね、竹工芸の奥深さに触れてみるのもおすすめだ。

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津軽民謡にかかせない手踊り

吉田兄弟の活躍もあって、津軽の芸能で「津軽○○」というと、すぐに津軽三味線という言葉が浮かぶかもしれない。現在では津軽三味線というと独奏などのイメージもあるかもしれないが、多くは唄の伴奏として演奏されることが多かった。津軽じょんがら節などの津軽民謡で育ってきた芸能だ。
　津軽民謡の特徴は、唄と三味線が織り成す民謡に手踊りといわれる踊りも加わること。津軽三味線をご存知の方はおわかりだろうが、テンポが早い曲が多いため、踊りもゆったりとしたものよりキビキビとした踊りが特徴的だ。

キビキビとした気持ちのいい踊り

津軽民謡のうち、津軽じょんがら節、津軽おはら節、津軽よされ節、津軽あいや節、津軽三下りを津軽五大民謡という。その五大民謡に加えて、それぞれの流派によってオリジナルの民謡があるのだそうだ。そのいくつかある流派のうち津軽民謡石川流の稽古場におじゃまさせていただいた。今回は特別に三味線の奏者の方にも来ていただき、生演奏のもと津軽民謡手踊りを見せていただいた。
　津軽三味線の軽快でテンポの早い音。唄い手さんの華やかな歌声に合わせ、ピシッピシッと踊り手が踊る。舞うというよりも、キビキビとした動きで魅せる踊りだ。思わずその世界に吸い込まれ、最後の動作がピシッと終わったときに、ハッと我にかえる。中田の手からは自然と拍手が起こっていた。

男踊りに挑戦

当日の参加者を見回してみると、そのほとんどが女性。「男性の踊り手さんはいないんですか？」と中田が聞くと、あまり多くはないがいるという。石川流２代目の久美子先生は「男性の踊りというのは女性とはまた違った特別なよさがあるんです」という。その後、男踊りというものも見せていただいた。しぐさ、特に足の見せ方が男性的な踊りだ。「中田さんもやればできますよ」と先生は中田に傘を手渡され、ご指導をいただく。体の動きだけでなく、指先の細かなところまで気をつけなくては、あのキビキビとしたかっこよさは表現できない。中田も四苦八苦しながら、何とか最後の決めポーズまでたどり着いた。
　民謡というのは、その地方で歌い継がれるいわば心の唄。石川流では後進の育成はもちろん、子どもたちにも手踊りを教え、その心を未来へつないでいる。

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小笠原に伝わる南洋踊り

腰みのをつけて、花の髪飾りをさして優雅にそして楽しげに舞う。小笠原に伝わっている南洋踊りだ。この踊りは日本が戦前に、サイパンやグアムなどミクロネシア地域を統治していた時代に、南洋諸島に出かけていた人々が持ち帰り伝えたものだ。
歌とともにゆったりとしたダンスが踊られ、何とも優しい気持ちになれる南洋踊り。5曲からなる歌の言葉は、「夜明け前」だけはパラオで日本語で作詞されているが、「ウラメ」、「ウワドロ」など、そのほかの歌は現地の言葉で伝えられている。まさに南洋の島、小笠原独特の雰囲気が伝わってくる。
見学当日は小学校で、運動会のために子どもたちが南洋踊りを練習していた。腰みのをつけた大人たちといっしょに子どもたちも踊る。こうして南洋踊りは受け継がれてきたのだ。
そのとき歌を歌っていたのが、大平京子さん。小笠原で生まれ、これまでの人生のほとんどを小笠原で送ってきた女性だ。

戦争で島を離れる

島民の多くは第二次世界大戦時に疎開のため小笠原を去った。そして終戦後、小笠原はアメリカの統治となった。そのため、疎開した島民は帰島することができずに、本土にとどまらざるをえなかったのだ。ただし、欧米系島民と呼ばれる欧米系の祖先を持つ人たちだけは帰島を許された。大平さんはその中のひとり。戦後、小笠原諸島がまだアメリカの統治領だったころに、疎開から戻ってきたのだ。
「様子は離島するときとだいぶ変わっていましたか？」という中田の質問に「何も残っていなかった」とすぐに大平さんは答える。
「何もない。みんなかまぼこ兵舎になってしまって、そこで暮らしたんですよ。窓が小さくて、暑くてしょうがなかった。と、思っていたら、奇跡的に私が暮らしていた家だけそのまま残っていたんです」
食堂として使われていたらしく、大平さんの家は島を離れたのときのまま残っていたそうだ。そしてその家に帰ることも許された。ただそれだけで、以前の暮らしと同じようになったというわけではもちろんなかった。

「小笠原返還の歌」が生まれたきっかけ

アメリカ統治当時は、学校で教える言葉は英語。一般には日本語も通じたが、いろいろな制度など、日本とは違うものとなっていた。「不便ではなかったですか？」と中田が聞くと、「それは不便なところもたくさんありましたけど、それ以上に寂しかった」と大平さんは話す。
当時帰島を許され、戻ってきたのは130人ほど。島には軍関係の人か親戚しかいなかったそうだ。
「お友だちがいなくなってしまったのは、本当に寂しかった。何よりそれが一番心に残っています」
だから小笠原が日本に返還されたときは本当に心からうれしかったという。
大平さんは本土にいた先生と手紙をやりとりしていたのだが、あるとき声を聞いてもらおうとテープを送った。返還となったことがうれしくて、気持ちを箇条書きにしたものに節をつけた歌を入れて送ったそうだ。それが現在「小笠原返還の歌」として曲になったのだという。溢れてくる感情をそのままつぶやいたものが歌詞になっている。小笠原の歴史や人々の歩みは、南洋踊りや小笠原返還の歌として、こらからも伝わっていくのだ。

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

小笠原の遺跡をめぐる「戦跡ガイド」板長·田中善八さん／東京都小笠原村 – NIHONMONO 小笠原に残る遺跡 小笠原諸島の鬱蒼と緑が茂る山林には、多くの遺跡が残されている。かつては日本の各地にも点在し、

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刀に息づく美しさ

「刀ってきれいでしょ」。中田にそう語りかけるのは、伊勢神宮の御神刀を制作するなど、現代の刀匠を牽引するといっても過言ではない刀鍛冶 吉原義人（よしはらよしんど）さん。作品は国内だけでなく海外でも評価が高く、メトロポリタン美術館やボストン美術館にも収蔵されている。 刀の美しさの最大のポイントのひとつが「波紋」。波紋は直線を基調とした直刃（すぐは）も含めて、多くの種類があり、流派や地域によってその特徴は異なる。
吉原さんが得意とする波紋は「丁子乱れ」というもの。波の高低差が高く、大きな波紋を描き、花びらをならべたような華やかな美しさを描き出すのが特徴だ。「刀ってきれいでしょ」と言うように、最初にはっとするほどの迫力に息をのみ、じっと見ているうちに優美さに引き込まれていってしまう。

国宝が多い刀

刀は、人を切るための”武器”。だが、吉原さんは相手の命を絶つための武器というよりも「侍の精神を守るための武器」だという。 「実際に、戦国時代には鉄砲が外国から伝わった。そうなれば、刀は戦場での主力の武器ではない。でも剣術は廃れずに発展していった。刀も同じ。戦国時代以後も名刀がどんどん作られ、大事にされた。実際に戦場で使うことがなくても、腰に下げていた。刀は侍の心の支えだったんですよ」 その証拠として吉原さんが教えてくれたのが、国宝、重要文化財に指定されている数。国宝のなかで一番多いのが刀だというのだ。
さらに「刀身そのものが国宝になっているのは日本ぐらいじゃないでしょうか」と言う。ヨーロッパでは文化財になっている鞘はあるが、その多くは宝石の装飾によるものだそうだ。日本では文化財に指定され、神社に奉納されることに象徴されるように、刀を単に武器として捉えるだけでなく、精神的な拠り所としても捉えていたのだ。

次世代への継承

現在、日本で刀鍛冶として活躍している職人は約300人。しかし、実際に刀鍛冶だけで生計を立てることができるのは、「50人にも満たないのではないか」という。しかも刀鍛冶は免許が必要になる。免許を持つ刀匠のもとで５年の修業をつんだ後に文化庁の試験を受けて国家資格を得なくては、作刀は許されないのだ。

文化の継承を目指し、その狭き門に挑む次世代。吉原さんの工房では常に数名の若いお弟子さんをとっている。年齢制限、性別制限は一切ないのだが「女人禁制というイメージがあるんでしょうね。女性はいないじゃないかな」と吉原さんがいうように、女性は圧倒的に少ない。

工房では、お弟子さんが玉鋼を鍛錬していた。右側にふいご、左側に石炭をくべた炉を前にして、刀を熱しては叩きまた熱しては叩いていく。体力と集中力を要する作業の連続だ。 「難しい技術も、好きだからどんどん覚えていった」そう話す吉原さん。現在は刀身を作るだけでなく、鞘や鍔の制作も行う。日本人が大切にしてきた刀に宿る文化は、刀に魅せられた刀匠の元で着実に継承されているのだ。

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

「刀剣研磨」の技術と芸術性を伝える人間国宝·本阿弥光州さん／東京都大田区 – NIHONMONO 「本阿弥」という表札を見て、頭のなかで日本史の教科書をめくり直す。その名前に江戸時代に書家、陶芸家などとして活躍した本阿弥光悦を思い浮かべる人も多いだろう。東京…

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江戸小紋という名が生まれたのは60年前

平和になった江戸時代に、諸大名が競うように着物に贅をつくした。それを憂えた江戸幕府が、武士たる者あまり豪華に着飾るものではないと規制を加えた。そこで大名たちは遠目からは無地に見えるように、柄を細かくした。そのため染色の技術が発達していき、そのおかげでできた技術が現在、江戸小紋といわれる染物だ。

それほどに長い歴史を持つ江戸小紋だが、「江戸小紋」という名称が使われるようになったのは約60年前のこと。小宮康助さんがその技法の重要無形文化財保持者（人間国宝）に認定されたとき、他の小紋染めと、区別するために、江戸小紋という言葉が生まれたのだ。これは意外と知られていない事実。今回お話をうかがったのは、その小宮康助さんの息子さんである小宮康孝さんと孫の小宮康正さんだ。康孝さんも1978年に重要無形文化財保持者の認定を受けている。

分業の世界だからこそできる江戸小紋

江戸小紋は型染め。型紙は伊勢型紙などのものを使い、染めあげる技術は熟練を要する。康正さんは「作品を残すのではない、次の世代に技術を残す。技術を残していくことが使命」と言う。
その現場である工房は真っ暗。窓を閉め外光を入れないのは、型紙や糊への影響を考えて室度を保つため。7.2メートルの板に白生地を貼り、型紙を置き、その上に糊をつける。一反すべてに柄がつくまで数十回この作業を繰り返す。そして乾燥させ、地染し、色が定着するように蒸して、すべてを洗い落とす。そうしてあの小粋な着物の一反ができあがる。

「伝統の技術だけれども、新しくてよりいい方法が見つかれば取り入れる」というように、蒸しの作業にはボイラーを使う。しかし糊の原料の糠だけは、ほかに代用がないそうだ。そして現在は製粉会社がなくなり、危機的状況だという。
小宮康正さんはお話のなかで何度も江戸小紋は分業の世界だということをお話してくれた。自分の技術だけではなく、素材や道具が残っていることが非常に重要。型紙を作るための和紙、型紙を切るための刃物、反物の原料である蚕、それらが揃って初めて江戸小紋という技術を発揮できるのだ。

新しい型紙を使う

小宮家のモットーは、型紙を守り続けること。そういうと古くからの型紙、形式を使い続けるということのように聞こえるがそうではない。むしろ新しい型紙を買うことにこだわるのだ。父の小宮康助さんがこう言ったと康孝さんは教えてくれた。
「古い型紙を使って仕事をしていたら、今の型屋が食べていけない。だから今の型紙屋に仕事を依頼しなくちゃいけない。そうしてこそ、技術も上がっていくもんだ」
型屋がなくなってしまえば、江戸小紋の新しい発展を望むことはできない。そのため、古典的な紋様も新しく型紙を作るのだという。
「型紙を滅ぼしちゃいけない。それが江戸小紋の基本で、根本。」そう語る。
伝統を受け継ぐということは、古くからの伝統をかたくなに守るだけではなく、”今この世界で”型紙が存在するためにはどうすればいいかと考えること。古きを知り、今にこだわる。それが未来への動きとなる。作品を作り続け、江戸小紋に関わる多くの技術を守ることで、受け継がれていくものなのだ。

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大名たちの隠れたオシャレ「江戸小紋 藍田正雄」／群馬県高崎市 – NIHONMONO 華美な着物が禁止され、“江戸小紋”が登場した！ 江戸時代、戦がなくなり泰平の世に入ると、大名たちはこぞって裃（

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強く美しい「いぶし瓦」

「光洋製瓦」のある姫路市船津町周辺は、溶質の粘土が多い土地。その特性を活かして、古くから瓦作りがおこなわれていた。とくに1800年に入ってからは、姫路藩の御用瓦師だった小林又右衛門が船津村に窯を開き、そこで作られる「神崎瓦」は全国に流通していった。

光洋製瓦では、いまもその伝統を守って瓦作りをしている。その特徴のひとつが「いぶし瓦」。瓦を焼き締める最後の工程で、瓦をいぶすことで、表面に炭素の被膜をつくる。そうすることで、雨や雪などによる損傷が少ない、丈夫な瓦ができる。しかし、「いぶし瓦」というからには、耐久性をあげるだけではない。いぶすという工程のおかげで、銀色に輝く美しい瓦に仕上がるのである。

鬼瓦の伝統を受け継ぐ鬼師

「鬼師」（おにし）という存在をご存知だろうか。城郭や寺院建築の鬼瓦など装飾的な瓦、いわゆる「役瓦」を作る職人さんのことをいう。光洋製瓦に籍をおく鬼師、2代目・横井一巳さんもその1人。熟練の技を活かし、いくつもの文化財の復旧などに尽力している。
姫路城がユネスコ世界遺産に登録されたことを記念して、城見台公園に設置された2mの鯱瓦（しゃちがわら）も、横井さんが製作したもの。これは大天守の鯱瓦を原寸大に復元したものだが、間近で見ると、その光り輝く美しさは驚くほどだ。

伝統を守り、古きよきものを再現しながらも、前を向いて時代に合ったものを生み出す。そういう意味で、つねに新しさを追い求めねばならない職人の道には、終わりがない。古さと新しさが融合した現代の瓦が、ここで作られているのだ。

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

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約500年間続く淡路人形芝居

淡路では、人形芝居の歴史は500年を超える。その発祥は、16世紀――。傀儡子（くぐつし）の元祖といわれる百太夫によってもたらされた人形使いと、鎌倉時代から伝わっていた音曲が組み合わさり、淡路人形芝居が生まれたという。

もともとは豊漁や航海の安全を祈念して奉納された人形芝居だったが、次第に娯楽としても民衆に浸透していった。
18世紀には淡路だけで44もの芝居一座があったというから、その熱狂ぶりがうかがえる。当時の芝居フィーバーを物語る言葉に「芝居は朝から、弁当は宵から」というものがある。文字通り、寝食を忘れるぐらいに人形芝居に熱中しているという意味だ。

伝統の保存と後継者の育成

そのように江戸時代の初期に隆盛を迎えた人形芝居だったが、歌舞伎という新しい娯楽の浸透と明治という激動の時代を経て、次第に衰退していった。
18世紀に44座あった芝居一座も、1951年には5座を残すだけに。そんな状況を憂慮し、伝統の保存と後継者の育成を目的に、1969年、財団法人淡路人形協会が発足した。

その活動は国内だけにとどまらず、これまで世界28カ国で公演、1974年のニューヨーク公演ではカーネーギーホールを満員にした。1976年には活動の成果もあって、国の重要無形民俗文化財にも指定。

淡路人形は一生かけて磨く熟練の技

「淡路人形浄瑠璃館」では、そんな伝統の人形芝居が楽しめる。しかも、日によっては人形教室やバックステージ体験もできて、一歩踏み込んだ楽しみ方も可能だ。
淡路人形は、ひとつの人形を操るのに、足を動かす人間、左手を動かす人間、そして胴体と右手を動かす人間の3人が必要だ。「足7年に、左手7年。かしらと右手は一生」といわれるほどに、熟練が必要な作業だそう。観客が感情移入できるほどの生き生きとした人形の表情は、一生かかっても追求しきれないものだという。
中田が対談させていただいた故鶴澤友路（ともじ）師匠は、1998（平成10）年に義太夫節三味線で人間国宝に認定された、なんとこの道90年の重鎮。
「三味線は心で弾くもの」を信条とされ、若手の育成に心を砕かれていた。手先ではなく心で操れば、人形にも心が宿る。かつての民衆が熱狂したのも、その“心”あってこそだろう。

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