日本三大絣のひとつであり、愛媛の伝統工芸品の「伊予絣（いよがすり）」。54歳頃から機織りを始めた伊予絣作家の村上君子さん。伝統工芸展への挑戦、そして伊予絣に向き合う姿勢は、まさに“生きること＝織ること”を体現している。

50代で出会った機織りと伊予絣

　1948年生まれ、伊予絣作家として活動する村上さん。機織りを始めたのは、意外にも50歳を越えてから。長年アートフラワー講師として活動していたが、手首の故障をきっかけに作品作りが難しくなり、その道を離れることを決意。以後は「人に教えること」からも距離を置き、自分自身が心から楽しめる、新たな表現を探し始めたという。

　陶芸や木彫など新たな手仕事に挑戦する中で、最も心を惹かれたのが「織り」だった。「幼い頃、通学路に絣工場があって。ちょうど石手川（いしてがわ）沿いの土手で糸を張って作業をされていたんです」。その光景は村上さんの中の原風景。藍で染められた糸を使う紺屋（こんや）たちの仕事を時にはこっそり眺め、子どもながらに遊び心を刺激された記憶が、時を経て心を動かした。機織りの作業は幸いにも、故障していた手の動きとも合っており、この先も続けられる手仕事だった。現代の伊予絣作家、白方宣年（しらかた のぶとし）氏が主宰するイオリ工芸の染織教室に入門し、5年間学んだ。

手間ひまが生む、親しみやすい絣の魅力

　かつて松山を含む伊予地方では、綿花の栽培が行われており、暮らしのなかに木綿を扱う文化が息づくなかで「伊予絣（いよがすり）」は発展した。

　絣（かすり）は、織り出された文様の輪郭にかすれたような表情があらわれるのが特徴の織物。経糸（たていと）や緯糸（よこいと）を部分的に括（くく）ることで染料が染み込まない箇所を作り、藍染めを施す。そして白と藍のコントラストが美しい絣独特の風合いを生んでいる。伊予絣は久留米絣（福岡県）･備後絣（広島県）と並んで「日本三大絣」と称されるが、比較的に緯糸にのみ絣糸を用いて織られた絣模様「横絣（よこかすり）」を中心とした構成が多いという。

　「一反で17メートルの糸を仕掛けた場合、緯糸（よこいと）だけで1000ヶ所以上もの括りが必要となることもある」と村上さん。そのため、経糸（たていと）の括りには約1ヶ月程度を要するのに対し、緯糸（よこいと）の括りは2〜3ヶ月かかるなど、手間が非常にかかる工程になるそう。横絣は模様が横方向に連続して展開されるため、繊細かつ規則的な模様表現が可能となるが、その分制作には高度な技術と時間が必要とされる。この特徴が伊予絣の素朴で親しみやすいデザイン性と密接に結びついており、実用的で日常に根ざした織物としての魅力を生み出している。

好奇心をカタチに、緻密に織り仕上げる

　村上さんの伊予絣制作の出発点は、花をモチーフにしたデザインが多かった。しかし、制作を続ける中で、日常生活で感動したものをデザインに取り入れるようになったという。「何度も眺めながら仕上げていく」と語るように、村上さんの作品には好奇心が色濃く反映されている。近年では、道後公園の断層や小惑星探査機「はやぶさ2」など、地球や宇宙にまつわるモチーフが新たなテーマとして登場している。

　デザインが完成すると、模様を正確に織り出すために、糸の括る位置や量を細かく計算し設計する工程に移る。「仕上げる時にもズレないことを心がけています。絣はズレも味わいのひとつと言われますが、私は計算したものが計算通りに仕上げられないと悲しいんです。私の性格でしょうね」と村上さんは笑顔で話す。

工房は自宅、日常に息づく手仕事

　村上さんは工房を持たず、自宅で全工程を一人で手がけている。機織りの作業は全体の2〜3割程度で、ほとんどの時間を染色や糸の準備に費やす。自室ではデザインを考案し、ガレージでは発酵させた藍を使って染色を行う。湿度や温度、そして染液の酸性･アルカリ性を示すpHを測定しながら、藍を最適な状態に保つのも重要な仕事だ。染色は40回ほど繰り返され、仕上がりまでに約1ヶ月を要する。その後、時間をかけて糸を解き、成形していく。

　そしてリビングに置かれた機織り機で織り進める。驚くことに、その機織り機はご夫妻で手作りしたもの。伊予絣会館にあった機織り機を詳しく観察し、村上さんが設計図を描き、ご主人が村上さんの身長に合わせて製作したという。

伝統工芸展への挑戦と伊予絣の伝承

　複数の工程を同時に進めながら、村上さんが1年で仕上げる伊予絣はわずか2～3枚。長い時間をかけて織り上げた作品が完成したときは、胸が高鳴るという。

　2011年には「第45回 日本伝統工芸染織展」にて、伊予紬織着物《薫風の時》が山陽新聞社賞を受賞。その後も完成させた作品を、染色展や日本伝統工芸展などへ積極的に出品している。全国を巡回する日本伝統工芸展への挑戦は、伊予絣を広く知ってもらう貴重な機会。挑戦し続けることが、伝承につながっている。

　2021年には日本工芸会の正会員に認定され、2025年には伊予絣が愛媛県指定無形文化財に指定。村上さんはその技術保持者として認められた。これからも、制作に向き合いながら、伊予絣をカルチャーとして広めていく。

「主婦が台所仕事や掃除の合間に作業をしています。ひとりで少しずつ、楽しみながら。この歳になって打ち込めることがあるのは幸せなことですから」と、村上さんは穏やかに語る。

　50代から始め、「自分が心から楽しめること」を求めてたどり着いた伊予絣。暮らしの中で糸と向き合い、少しずつ仕上げていく作業は、村上さんにとって人生そのものでもある。「いい作品をどれだけ残せるかも挑戦」と語るその姿からは、確かな探究心と、受け継がれてきた伝統工芸の技を未来へとつなげていこうとする意志がにじむ。

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日本を代表する漆器のひとつ「輪島塗」。赤木明登（あかぎ あきと）さんが作る器は、洗練されたデザインと温かみのあるたたずまいで多くの人を魅了する。2024年、輪島塗の産地である石川県輪島市は、能登半島地震で甚大な被害を受けた。赤木さんは輪島塗の源流を見つめながら、産地の復興と再生に取り組んでいる。

丁寧な手仕事から生まれる、丈夫で美しい輪島塗

能登半島の先端に位置する石川県輪島市は、「輪島塗」の産地として知られている。500年以上の歴史を持つ輪島塗は国の重要無形文化財に指定されており、世界に誇る漆器として名高い。

輪島塗の特徴は優れた耐久性にある。例えば椀の縁などに布を貼る「布着せ（ぬのきせ）」。傷みやすい部分をあらかじめ補強することで、耐久性は格段に向上する。下地材に使う「地の粉（じのこ）」も輪島塗独特の材料だ。地の粉とは、輪島で採掘される珪藻土（けいそうど）を焼いて粉末化したもので、下地の漆に混ぜて塗ることで硬度が上がる。こうした丹念な手仕事によって、「100年もつ」といわれる輪島塗が生み出される。

124もの工程を分業制で担う

もうひとつの特徴は、124もの工程を支える分業制だ。器の木地を作る「木地師」、漆を塗り重ねる「塗師（ぬし）」、金粉などで装飾をほどこす「蒔絵（まきえ）師」など、それぞれの工程を専門の職人が担当する。分業制によって産地全体で効率的に生産できるだけでなく、職人は各工程に特化して技術を磨くことができる。こうして輪島のまち全体がひとつの漆器工房のように機能し、優れた品質の輪島塗が完成する。

輪島塗と出合い、編集者から塗師に転身

輪島塗の塗師･赤木明登さんは、漆塗りの仕上げである「上塗り」を手がけながら、器作りのディレクションも行っている。全国各地で開く個展はいつも盛況。ドイツのディ･ノイエ･ザムルング美術館に作品が収蔵されるなど、海外での評価も高い。

赤木さんが輪島塗の世界に入ったのは1988年のこと。東京で編集者として忙しい日々を送っていた頃、輪島塗の名工･角偉三郎（かどいさぶろう）氏の器と出合った。

角氏は輪島塗の「異端児」とも「革命者」ともよばれた人物。輪島塗作家として早くから頭角を現して数々の公募展で入選を重ねたが、能登の暮らしに根ざした古い器に魅せられて公募展から退き、日常使いの器を作り続けた。漆器の原点を問い続けた角氏の器は生命力にあふれ、赤木さんはその力強いたたずまいに衝撃を受けたという。

赤木さんは角氏の器の魅力に引き寄せられるように輪島に移り住み、下地職人に弟子入りして技術を学んだ。

暮らしに寄り添う器を作る

赤木さんが作るのは、鑑賞するための器ではなく、使うための器だ。そこにはシンプルで洗練された美しさがある。

「輪島塗にはきらびやかな美術工芸品のイメージがありますが、本来は輪島の暮らしと深く結びついた器だったはずです」と赤木さんは言う。「暮らしと深く結びついた器」の形や色にこそ、美しさがある。赤木さんはそう考え、輪島塗がまだ実用の器だった頃、特に江戸時代の器の写しを数多く作ってきた。輪島に息づく美しさ、豊かさとは何か。赤木さんは常にそう問い続けながら、器の形を追求している。

地震で倒壊した工房を再建するプロジェクト

2024年の能登半島地震は、輪島塗の産地を直撃した。地震被害を受けた輪島塗事業者は全体の8割超。多くの職人が生活と仕事の場を失い、廃業した人、県外に避難したままの人も多い。

被災した職人の中に、赤木さんとともに美しい形を長年追い求めてきた木地師がいた。86歳の池下満雄（いけした みつお）さんだ。地震の後に赤木さんが池下さんを訪ねた時、工房は無残にも倒壊していた。池下さんは崩れた工房の前に2日間座り込んだまま動かず、3日目に意識を失って救急搬送されたという。「池下さんを絶望したまま死なせるわけにはいかない」。赤木さんはすぐさま工房の再建を決めた。

「池下さんの家は江戸時代から代々木地師。彼の体には古くからの美しい輪島塗の形がしみ込んでいます。だから池下さんと仕事をしていると、彼のご先祖と一緒に仕事をしているように感じられた」と赤木さんは言う。その技術を絶やすわけにはいかなかった。

赤木さんが立ち上げた「小さな木地屋さん再生プロジェクト」には多くの賛同者が集まり、地震から約3ヶ月という早さで池下さんの工房再建が完了。がれきだらけの街の中にひとつの灯りがともった。市外の2次避難所から戻った池下さんは工房の再建を喜び、再び木地を挽き始めた。

ひとりの木地師から、次世代にバトンが渡された

しかし、池下さんには後継者がいなかったため、赤木さんの工房から2人の弟子が出向して木地挽きを教わることになった。「この子たちが一人前になるまで長生きする」と張り切っていた池下さんだったが、再建から間もない2024年7月、静かに息を引き取った。

池下さん亡き後、かつて角偉三郎氏の椀を挽いていた木地師が工房を引き継いだ。しかし被災後の心労が重なっていたのか、椀を20個挽いたところで倒れ、帰らぬ人に。現在はその息子が工房を継いでいる。彼は被災後に木地師をやめて県外で職を得たが、赤木さんの説得もあり、輪島に戻って再び木地を挽くことにしたという。赤木さんの工房から出向した2人の弟子も、新たな親方を得て技術習得に励んでいる。池下さんの技と魂が宿った「小さな木地屋さん」は、こうして次の世代へとつながれた。

失われていく能登の景観を再建する

赤木さんは地震後、輪島の景観を取り戻す活動にも力を注いでいる。もともと輪島市内で古民家を改修したオーベルジュと出版社を営んでいたが、いずれの建物も地震で損壊。特にオーベルジュの被害は大きく、再建には長い時間がかかると分かった。そこで急遽、海辺の集落にあった出版社の建物を修繕し、オーベルジュの仮店舗をオープンすることにした。

海辺の集落で仮店舗の工事を進めていた赤木さんは、集落の多くの家屋が全半壊し、解体を待っていることを知る。全半壊した建物の解体は全額公費でまかなわれるが、修繕や再建をする場合は自助が原則。高齢化、過疎化が進み、空き家も多い集落で再建はままならず、やむなく公費解体を申請する人も多いという。

この集落では、板張りの外壁に格子をはめ、黒い瓦屋根をのせた伝統的な家屋が多く、統一感のある美しい景観を形作っていた。公費解体が進めばこの景観は失われ、二度と取り戻すことはできない。赤木さんは「能登の景観の歴史的･文化的な価値を守りたい」と仮店舗の周囲にある2軒の家を買い取り、もとの姿に再建することを決めた。

さらに「ここを拠点になりわいを再生すれば、若い人の定住にもつながる」と考え、これらの家を弟子の住まいとブックカフェとして活用する予定だ。

能登半島地震による公費解体の申請数は、2025年3月現在で約3万8,000棟にのぼる。これらの中には修繕すれば住み続けられる建物も少なくない。「このまま景観を考慮することなく解体を進めれば、個性のない画一的な町並みに変わってしまう。景観の価値にもっと目を向けてほしい」。赤木さんが公的支援に頼らずに自力で再建できる範囲は限られているが、能登の伝統的な景観を未来につなぐ大切さを発信し続け、活動の輪を広げたいと思っている。

輪島塗のふるさとを未来につなぐ「器屋」でありたい

塗師の仕事と景観の再建は、はたから見れば関連性がないように思うかもしれない。しかし赤木さんの中では、すべて同じ「ものづくり」であるという。「形あるものはいつか壊れる。それは逃れられない運命です。僕にとってのものづくりは、壊れていくもの、失われていくものにあがらい続けることなんじゃないかな。地震を経験してそのことを強く実感しました」。

失われた古い時代の輪島塗の美を掘り起こし、倒壊した木地師の工房を再建して技術をつなぎ止め、消えゆく能登の景観をよみがえらせる。赤木さんの「ものづくり」は、必死にあらがい続ける中で形になっていく。

「僕は器屋なんですよ」と赤木さんは言う。「お椀はもちろん、人が入る家も器。たくさんの人が入るまちも器です。ものづくりを通じて輪島の器を未来につなぐことが、器屋の自分に与えられた仕事だと思っています」。50年後、100年後の赤木さんの「器」は、どんな形をしているだろうか。輪島の美しい器をつなぐ物語は、これからも続いていく。

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南国沖縄で、「琉球藍」という天然藍が栽培されていることをご存じだろうか。やんばると呼ばれる、緑深い森が広がる本部町（もとぶちょう）や名護（なご）市源河に広がる密林「オーシッタイ」で琉球藍が育てられている。その琉球藍で糸を染め、伝統的な絣（かすり）の技術で沖縄の青の魅力を表現する染織工房が本部町にある。

伝統を活かして新たな魅力を打ち出す新ブランド「琉球美絣」とは

琉球藍を使って、伝統と革新を結びつける職人がいる。それが、沖縄県本部町に工房を構える染織家、真栄城興和（まえしろおきかず）さんだ。彼は「美絣（びがすり）工房」の3代目として歴史ある琉球藍の魅力を最大限に引き出しつつ、新たなデザインと技術で染織の世界に新しい風を吹き込んでいる。

工房を営みながら独自のブランド「オキナワブルース商店」も立ち上げ、藍染小物の販売や藍染体験を通じて、琉球藍の魅力をたくさんの人々に届けて裾野を広げている。

美絣工房がつくる「琉球美絣」は、彼の祖父である真栄城興盛（まえしろこうせい）さんがはじめた。琉球藍染めと伝統的な絣の技術を極め、さらに新しいエッセンスを加えた染織物のことだ。

沖縄の絣は、15世紀から16世紀にかけて琉球王国で発展した。この技法は東南アジアや中国、インドなどとの貿易を通じてもたらされた技術や文化が融合して生まれたとされている。糸を緻密に染め分けることで複雑な模様を作り出す高度な技術が必要な織物である。染めわけた糸をずらしながら織り上げることで、独特のぼんやりとした模様が生まれる。この模様がかすんでいるように見えることから、「絣」と呼ばれるようになった。
絣の模様は、沖縄の自然や風景、動植物などをモチーフにしており、色鮮やかで細かい模様が特徴。藍のほかにも地域で採れる自然の素材を用いた染色もしている。伝統的な琉球絣の技法を現代的なデザインと組み合わせることで、古き良きものに新しい生命を吹き込んでいる。彼の作品は、その美しさと品質の高さから、地元だけでなく県外や海外からも注目を集めている。

濃く深い、琉球藍の魅力

琉球藍は、キツネノマゴ科と呼ばれる亜熱帯地方に生息する「リュウキュウアイ」から作られ、日本で馴染みのある藍の産地･徳島で生息する蓼（たで）科の植物「タデアイ」とは種類や染料にする製法が異なる。本州や四国では、藍の葉を乾燥･発酵させた「すくも」と呼ばれる染料のもとを作る一方で、沖縄では、栽培した琉球藍の葉をカマと呼ばれる大きな穴に入れ、自然発酵させたところに石灰を混ぜ、底に溜まった泥のようなもの（通称･泥藍）に水と泡盛と灰汁を混ぜ、発酵させて染料を作っている。琉球藍の魅力は独特な深みのある青色だ。「染めを重ねるごとに藍が魅せてくれる深い青色を極める」ことに真栄城さんは情熱を注ぎ、その色彩の美しさを作品に活かしている。彼の作品は、幾重にも広がる琉球藍のグラデーションが特徴。多彩な濃さに糸を染め、琉球藍の持つ自然で深みのある色合いを最大限に引き出し、見る人を魅了していく。

そのために、地元の農家から仕入れた琉球藍を用いて「泥藍（どろあい）」と呼ばれる染料作りの研究を重ねた。試行錯誤する過程においても独自の技術を駆使している。藍の葉を発酵させ泥藍に加工するまでの流れを、真栄城さんは特にこだわっている。藍染めのプロセスを大切にし、唯一無二の色合いを生み出している。

オリジナルのデザインと琉球絣の伝統技術の融合

真栄城さんの作品には、琉球に伝わる絣の伝統的な技法を忠実に守りながら表現される彼自身のオリジナリティが見事に融合している。
そのデザインはシンプルでありながらも洗練されており、琉球の自然や文化をモチーフにした模様が特徴的である。高校卒業後、千葉県にある大学に進学し、得意だったサーフィンを通じて自分の生まれ育った島で見てきた風景と全く異なる、荒々しい九十九里の海に魅了されていく。

「同じ海なのに沖縄の海とは全く異なる九十九里の波模様が斬新で、インパクトがあったんです。」と語る真栄城さん。そこで見た風景や経験が、彼の絣の模様に反映されている点がユニークだ。
琉球美絣の生地を革と合わせるなど、モダンな要素を取り入れることで、伝統と革新を両立させて幅広い層の人々から愛されている。

困難に立ち向かいながら模索する自分らしい染織物

真栄城さんのもの作りは決して平坦な道のりではなかった。2013年に脊髄の病気に罹り、車椅子生活を余儀なくされ、機織りからしばらく距離を置いていた。と、いうのも真栄城さんの使う機織り機は、高機（たかばた）と呼ばれる両足を交互に踏みながら織るスタイルのため、車椅子では足が使えず機織り作業ができない。しかしながら、このような生活となってからも尚、「家業を継ぎたい、織りたい」という気持ちが消えることはなかった。
家業を継ぎたいという思いと共に長いトンネルから抜け出せずにいた頃、突然転機がやってきた。縁のある木工作家が、真栄城さんの情熱に感銘を受け、染織りを続けられるようにサポートしたいと提案したのだった。

そこで生まれたのが、彼の体の状態に合わせたオリジナルの機織り機。車椅子に乗る真栄城さんが自分の力で機織りを続けられるように設計されている。
「人よりたくさん時間がかかるけど、その分自分にしかできない表現で日々織りを続けている。やっぱり着物生地が織りたい。」と喜び溢れる笑顔で語る姿が眩しい。

次世代に向けた時代に寄り添うものづくり

真栄城さんの目指すものづくりは、次の世代に寄り添うものがコンセプト。生活様式が和から洋へと変化し、和装業界が主流の染織物は全国的に斜陽の一路を辿っている。着物を織りたいという気持ちとは裏腹に、伝統を受け継ぐだけでは存続が厳しい染織業界で、真栄城さんができること。それは、新しい世代や新しい場所で新たな価値を見出すこと。
伝統を未来へと受け継ぐために、若い世代に向けて琉球藍の魅力を伝えるワークショップや講演を開催し、技術や知識を伝える活動を行っている。

2022年にはニューヨークで個展「OKINAWA BLUES」を開催。琉球藍や絣の魅力を紹介し、国際的にもその才能を認められている。彼の作品は、沖縄の伝統と現代のデザインが融合した美しさを持ち、琉球藍が魅せる「OKINAWA BLUE」で多くの人々に感動を与えた。
ニューヨークをきっかけに他の世界都市にも訪れて琉球藍と美絣の魅力を伝えていく野望を抱く真栄城さん。
障害を乗り越え、琉球藍と海の青さを繋ぎ、真栄城さんの目に映る景色を美しい絣で追求する染織家として、また、祖父から受け継ぐ美絣工房の3代目として、これからも多くの人々に感動を与え続けるだろう。

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富山県立山町で、430年以上作り継がれる「越中瀬戸焼」。あのスティーブ・ジョブズとも親交が深かった作家･釋永由紀夫氏を父に持ち、その父の技術を受け継ぎながら、新たな感性で器をつくる釋永陽(しゃくなが よう)さん。田園に囲まれた虫谷（むしたに）地区にある、古民家を改修した静かな工房を訪れた。

美しい器が生まれる富山県立山町

標高3000m級の山々がそびえる立山黒部アルペンルートの玄関口、富山県立山町。富山を代表する焼きもの、越中瀬戸焼が生まれた新瀬戸地区は、町の中心部から車で15分ほどの場所にある。

古くから良質な陶土の産地であったこの地は、平安時代のはじめより焼き物がつくられていた、日本でも有数の古窯地だ。1590年代、加賀藩二代目当主の招きで尾張の瀬戸焼の陶工が移り住み、新しく瀬戸村が誕生。加賀藩の御用窯として栄え、越中の瀬戸村でつくられる焼きものは「越中瀬戸焼」と呼ばれるようになったという。以来430年ものあいだ、この地で産する陶土に支えられ、茶器から日常の器までさまざまな焼きものがつくられてきた。

しかし、最盛期には120を超えていたという窯元は、現在数軒を残すのみ。そんな越中瀬戸焼の長い歴史を受け継ぎ、のどかな自然のなかで心静かに器をつくるのが、釋永陽さんだ。

陽さんの父は、スティーブ・ジョブズをはじめ、国内外に多くのファンをもつ越中瀬戸焼の代表的作家、釋永由紀夫氏。幼少のころから父が作陶する姿を見て育ったものの、はじめて土にふれたのは20歳手前ごろのこと。

「食卓から見えるところで父がろくろを回していたので、身近な存在ではあったのですが、やっぱり父の表情が真剣なので、粘土遊びしようとかいう雰囲気ではなくて。18、19歳のころはじめて土づくりの手伝いからはじめました」

ちょうど、将来どんな道に進もうか思い悩む時期。織物でも、染色でも、なにか手仕事に携わりたいと憧れていた陽さんは、いちばん身近だった陶芸の道を志した。

きめ細やかで緻密な、地元の粘土に魅せられて

父の指南のもと土づくりをはじめた陽さんは、地元で採れる粘土の質感にのめり込んでいった。

「きめが細やかで、粘り気があって、鉄分が少なくて、緻密。高温に耐えうる良い粘土なんです」と言う。

京都の技術専門校で作陶を学んだのち、曽祖父が築き、父が継承した庄楽窯(しょうらくかま)で修行。初めて個展を開いたのは25歳のときだ。

薄づくりで手取りの軽い器には、絵付けをせず、形や色の組み合わせ、焼け味で変化をつけているのが陽さんの器である。釉薬は、李氏朝鮮時代に朝鮮半島で作られた高麗茶碗の一種である伊羅保（いらぼ）や、淡黄色の釉が施された黄瀬戸、白濁した色合いの藁灰釉（わらばいゆう）を好んでいる。

「釉薬はすべて自分で手がけています。特に、藁灰釉（わらばいゆう）のやさしい、やわらかい白が好きで。稲刈りのときに地元の農家さんから藁をもらってきて、燃やしてできた灰をアク抜きしてつくるんです」と陽さん。

天然の灰を使うとムラができやすいうえ、どんな仕上がりになるかわからないから、毎回さまざまな調整をほどこす。同じように調合しても、そのときの藁によって少し青みが出ることもある。それもまた、自然の力だと受け止めている。

富山のどかな集落の古民家を改修して工房に

2014年、38歳のときに独立し、夫と息子とともに立山町虫谷地区に工房を移した。集落は民家14軒と八幡社があるだけの、とてものどかな場所。築80年の古民家を自分たちで改修し、大きな母屋とふたつの納屋を、陶芸工房と夫の和紙工房として使っている。

「へんぴですが、作陶するには静かでとてもいいところです」と陽さんは言う。四季の移ろいを感じながら、風土を大切に、心穏やかにろくろを回している。

工房の窯場にはガスの窯と電気の窯があり、焼き上がりの色調の違いをイメージして使い分ける。

2004年に父が設計して築いた、庄楽窯の大きな登り窯で器を焼くこともある。

「小さいときから薪運びなどの手伝いをしていて。今でも年に1回程度、父が火入れをするときに、自分がつくった器も持っていって窯入れしています」

焚き終えた高温の窯を見るときは、それを何度経験しても、祈るような心持ちになるという。窯出しの日には、取り出すとすぐに高台をととのえる。ろくろを回していたときにイメージしていた、雰囲気や寸法、手取りの良さを確かめるように、料理を盛り付けたり野花を入れてみたりするのだ。生まれたての器からそれらを真っ先に感じられることは、作り手の醍醐味だと話す。

花器に小鉢。暮らしに寄り添い、豊かな時間を生む器を

陽さんの代表作のひとつといえば、「mari-mari」と名づけた花入れだ。ろくろで空洞の球体をつくり、半乾きの生地に網目模様を引いて、ナイフを入れて透かし彫りに。最後にカンナで薄く削って仕上げる。手毬のような可愛らしさがあり、野花をそっと生けるととても美しく映える。

さまざまな寸法の器が重なった「入れ子鉢」も、陽さん自身がもともと好きでよくつくっていたもの。白釉の表情がやさしく、凛とした佇まい。

「以前、アパレルメーカーと何かつくろうということになって、イベントで入れ子鉢を出したことがあるんです。それまで金沢や東京などで開いてきた個展とはまた異なり、ファッションがお好きな方たちとの出会いもあり新鮮でした。これまで見ていただく機会のなかった方にも知っていただけて、うれしかったですね」と話す陽さん。

現場の声をもとに、使いやすい寸法を見極めながら作っているという陽さんの器は、和食店やイタリア料理店、カフェなどでも、いきいきと大切に使われている。

暮らしに寄り添った陽さんの器は、日々の食事の時間を豊かにしてくれる力があるのだろう。

個人からの依頼で印象に残っているこんなエピソードもある。とある女性からのオーダーは、思ってもみなかった、骨壺だった。どうしても旦那さんと2人一緒に入る骨壷がほしいというのだ。当時、おなかには2人目の子どもがいて、作り慣れないものは断るつもりだったという陽さん。しかし、経緯を聞いているうちに感動して号泣してしまった。その女性が帰るころには「つくります」という言葉が口から自然にこぼれ出たという。

原点である土づくりを大切に。越中瀬戸焼を次の世代へ

今でも陽さんは、実家近くの山の粘土で土づくりをしている。

「土も自分でつくっていると、なんだか腑に落ちるんです。陶芸家の方は粘土を買う人がほとんどだと思うのですが、私は買った土はほとんど使ったことがなくて」。

30年ほど前に、家の近くの山を崩しているとき、良質な粘土層の土が出てきた。現場の人はいらないというので、父がダンプカーで何台も運んでもらったことをよく覚えている、と陽さん。その粘土を今でも使うことができる。なんと贅沢なことだろう。

下の子の子育ても少し手離れし、ようやく作陶に集中できるようになった。家族で夫の和紙の制作を手伝うこともある。

「子どもがうまれて作風が変わるとしたら、これからかな。産後休んでいる期間はつくりたいという気持ちが大きかったし、これまでやったことないことに挑戦したいと思っていたので」。今は限られた時間のなかで、濃密なときを過ごしているようだ。

そして、これから先は―。

「確かな技術を持って、知識や経験に縛られることなく柔軟に、丁寧に、越中瀬戸焼をつくり続けていきたい。そして次の世代へとつなげる種蒔きができたらいいなと思っています」。そう話す陽さんの表情は明るい。

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

風のように軽やかに、しなやかに。自然をテーマに表現する「金属造形作家」釋永 維さん/富山県中新川郡 – N… 北アルプス立山連峰がそびえ、のどかな田園風景が広がる富山県立山町。この町に工房を構え、銅、真鍮、錫などの素材を用いて唯一無二の作品を生み出す釋永 維さん。430年以…

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福井県中部、越前市の東側に位置する今立地区。1500年もの歴史があるという越前和紙の一大産地であり、全国で唯一、紙の神様をまつる岡太神社・大瀧神社を有する。その“和紙の里”で150年続く和紙問屋「杉原商店」を継いだ杉原吉直さんは、生産者と現代のニーズをアイデアと行動力でつなぎ、和紙の世界に新風を吹き込んでいる。

150年続く老舗和紙問屋の挑戦

杉原さんは老舗和紙問屋の10代目であり、自らを「和紙ソムリエ」と称する。その仕事は、問屋として、生産者から和紙を仕入れて卸すだけにとどまらない。時代変化に合わせて和紙を再構築したプロダクトを始め、空間を演出するインテリアとしての大判和紙を企画販売。地域の零細な和紙生産者とのつながりが、斬新な商品開発を可能にしている。生産者はそれぞれに得意分野がある。それを、現代の生活者や国内外のクライアントのニーズに合わせて活かしてもらう。タクトをふるうのは杉原さんだ。好みに合わせてワインを選ぶソムリエのように。

家庭用プリンタ―対応の和紙に活路を

いまや世界に和紙を販売する「杉原商店」。その隆盛をもたらした杉原さんの歩みは、決して平坦なものではなかった。

創業370年に迫る和紙問屋・小津産業に勤めていた杉原さんが26歳で郷里に戻り、杉原商店に入った1988年、和紙業界は斜陽の時代を迎えていた。高度経済成長時代に右肩上がりだった襖（ふすま）紙の需要は、住宅の西洋化が進み、和室が減ったことなどで激減した。それまで襖紙を得意としていた越前和紙は、大きな打撃を受けた。まずは和紙の産地が生き残らなくては、杉原商店の存続もない。そう危機感を抱いた杉原さんは、時代の変化に合わせた和紙のプロダクト開発に取り組んだ。

そして生み出したのが、家庭用プリンターでの印刷に対応した『羽二重紙（はぶたえし）』。和紙は本来、墨で書くことで文字がにじまず定着するように作られている。しかし、書家を除いて日常的に墨で文字を書くという習慣が消えつつあるのも事実。そこで、インクでもにじまないような工夫を和紙に施して生まれたのが羽二重紙だ。厚みのバリエーションをもたせたのも、和紙として画期的だった。かつて羽二重王国とも呼ばれた福井県を代表する織物の名を冠したこの和紙は、プリンターの普及という時代の変化を見事にとらえてヒットした。

手でちぎる和紙のシート「ちぎって名刺」

和紙の新商品開発に手ごたえを感じた杉原さんは、デジタル化が進んでも廃れることのない紙の用途に着目する。それは対面でのビジネスに欠かせない「名刺」だった。最初から切り離されたものではなく、和紙のシートに手でちぎると名刺になる折り目をつけた。新商品の名は『ちぎって名刺』。ちぎられ毛羽だった縁まで和紙らしい表情を醸す。開発にあたって取り入れたのが、「漉かし（すかし）」という伝統の技法で、折り目にあたる部分を漉かしで仕上げ、手で切り離しやすくしている。『ちぎって名刺』はテレビなどでも紹介され、大反響に。いまでは名刺だけでなく、動物や花などをモチーフにした和紙のシートも製作。『ちぎって』シリーズとしてさまざまなバリエーションが揃う。

和紙に漆を。伝統工芸の新たな出会い

次に杉原さんが企てたのは、伝統工芸のコラボレーション。越前和紙がある福井県越前市周辺には、ほかにも多様な伝統工芸がいきづいている。その一つである越前漆器に欠かせない漆を、和紙のプロダクトに使えないか――。そうして生まれたのが、『漆和紙（うるわし）』だ。和紙に漆を塗り、試行錯誤の末に完成した漆和紙は、和紙と漆が織りなす使い込んだ皮のような表情が魅力。紙の軽さはそのままに、漆を塗ることで防水性も高まった。漆和紙は、商品化から間もなく福井県内のデザイン性に優れた商品を称える「DESIGN WAVE FUKUI」の大賞を受賞した。

和紙の販路と可能性をひろげる

『羽二重紙』『ちぎって名刺』『漆和紙』。どの商品も、地域で生き続けてきた伝統を見事に現代のニーズに合わせてよみがえらせた商品だ。しかし発売当初は困難も多かった。斬新であるほど、世の中に受け入れられるまでには時間を要する。杉原さんが生み出した商品も例外ではなく、特に生産者との話し合いを粘り強く続けた。また、従来の取引先に相談すると、おもしろい商品だと興味は示してくれるが、どう売っていいかが分からないと言われた。それは杉原さん自身も同様だった。

こうなったら、自分で動くしか――。杉原さんは自ら、それまでにビジネス上の付き合いがなかった東急ハンズなどの大手小売店に営業をかけ販路を開拓。和紙をA4サイズにカットするなど、小売店が売りやすいような工夫を重ね、徐々に受け入れられていった。

展示会での運命的な出会い

ある程度販路を開拓でき、和紙と消費者とをつなぐプロダクトを生み出したという自負はある。それは杉原商店に未来をもたらした。しかし、産地である“和紙の里”全体を見たときに、もっと自分が何かできるのではないか――。長く葛藤は消えなかった。

そんな時、運命的な出会いが訪れる。

福井県で開催された「クラフト展」に、杉原商店も出展していた。それは毎年のルーティーンの出店だったが、展示会で出会った著名なデザインコンサルタントからこんな言葉をかけられた。「あなたは、建築で和紙が求められているのを知っていますか？」

建築で和紙？　意味が分からなかった。言葉に詰まっていると、コンサルタントは、「展示会に出なさい」と言う。何か運命的なものを感じた杉原さんは、不安もあったが、東京ビッグサイトで開かれていたインテリアの国際展示会「IPEC」へ出展することにした。

それが飛躍するきっかけになった。和紙業界としても初めての出展で奨励賞を受賞。さらに、当時建設中だった東京・六本木ヒルズの建材に使いたいと、杉原商店にとんでもない規模の量の和紙の注文が入ったのだ。杉原さんは語る。

「展示会に出て、デザイナーやプランナーの方たちとのつながりもでき、海外に行くようになりました。そこで驚いたのが、彼らの和紙に対する美しいという評価でした。建材としての和紙は、単価も使用量も桁違い。そこで越前和紙が持つポテンシャルの高さを再認識したのです」

すべては和紙の価値向上のために

杉原さんが道をひらいた建材としての越前和紙は、さらに評価を高めていく。フランス・リヨン市庁舎、東京2020オリンピック競技場の壁や柱に使われたのをはじめ、新千歳空港のラウンジ、東京・三田病院のエントランス、そして福井を代表する酒蔵・黒龍酒蔵の新施設『ESHIKOTO（えしこと）』にも、杉原商店が扱う越前和紙が、レストランの壁紙として採用された。

和紙を通した人との出会い

越前和紙の問屋として革新的な取り組みを続けてきた杉原商店。既存の用途の縮小に伴い流通が廃れていく中、大手小売店での販売や、建材という新たな需要を創出してきた。

そのチャレンジのきっかけや原動力となったのは、行く先々で出会う人との縁だったという。越前和紙を通して、もっと人と人とが豊かに関わる「場」をつくりたい。その場の作用によって、さらに生まれるイノベーションがあるのではないか。

築100年の蔵を和紙ギャラリーに改装

杉原さんの想いが結実したのが、杉原商店の敷地内に開設した和紙ギャラリー『和紙屋』だ。自社に隣接する築100年以上の蔵を改装した『和紙屋』には、照明器具や器といったインテリアやアートとしての和紙作品が展示され、和紙の原料となる楮（こうぞ）、みつまた、雁皮（がんぴ）、それらを使った和紙サンプルが並ぶ。天井からかけられた巨大な和紙のタペストリーも圧巻だ。『羽二重紙』『ちぎって名刺』『漆和紙』といった和紙アイテムは購入もできる。

杉原さんは手で淹れるコーヒーで客を迎え、実際に和紙を触って話を聞きたいというクライアントの要望に応える。和紙の歴史的背景や変遷を交えながら、最適な提案を探るその姿は、まさに和紙のソムリエだ。  

ひとけのない100年の蔵が、和紙によって、人が集う場に再生した。和紙には人と人とをつなぐチカラがある、だから必ず残っていくと杉原さんは言う。

「いろいろな人の話を聞いて、試行錯誤しながら何でもやってみるつもりです。その中で、また何か新しいものを見つけていきたい」

これからも杉原商店は、越前和紙で人をつなぎ、和紙の新たな伝統を紡いでいく。  

NIHONMONO – 「にほん」の「ほんも…

多様な越前和紙を作る職人集団 「岩野平三郎製紙所」／福井県越前市 – NIHONMONO 和紙の可能性を引き出す工房 素材の組み合わせや漉きの技術によって、多様な和紙を作り出すことで知られる越前和紙。

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植物を上質の「和紙」に仕上げる越前和紙·岩野市兵衛さん／福井県越前市 – NIHONMONO 楮にこだわった和紙 越前和紙を作る岩野市兵衛（いわのいちべえ）さんはこの地で和紙を作り続け9代目になる。越前和

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新潟漆器の歴史

新潟県の北部に位置し、本州日本海側最大の都市として人口81万人を抱える新潟市は、古くから「みなとまち」として栄え、江戸時代から明治期にかけては日本海を航行した廻船「北前船」の寄港地でもあった。そのため物資の交易が盛んで、海や陸から日本各地の文化が続々と入ってきた。

その中のひとつに漆器の文化がある。約400年前の江戸初期に、現在の秋田県の伝統工芸の一つである「能代春慶（のしろしゅんけい）」が伝えられたのがその始まりとされている。繁華街・古町に椀店（わんだな）と呼ばれる漆器の専売地域が設けられ保護政策がとられ、さまざまな技術と職人がこの地に集まったといわれている。主に、お膳やお盆などの日用品が作られ、江戸末期には江戸・大阪はもちろんのこと、北海道にまでその販路は拡がりを見せ、漆器産地として独自の進化をとげ現在の「新潟漆器」となった。  

「変塗の宝庫」新潟漆器の特徴

新潟漆器の特徴は、「変塗（かわりぬり）の宝庫」と呼ばれるほどの、塗りの技法のバリエーションの豊富さだ。何かに見立てて、それを塗りの技法だけで表現する、そんな職人たちの遊び心と情熱がこれらを生み出してきた。

例えばそのうちのひとつ「竹塗」は、竹の肌合いを実際の竹ではなく、漆によって表現する。江戸で生み出され、当時武士の刀の鞘を竹塗にするのが流行ったことをきっかけに人気を博し各地に伝わった技法。新潟と一部地域にはその後も定着し、現在では新潟漆器を代表する塗り技法になっている。漆に砥粉を混ぜた錆で竹の節や筋をつくり、 真菰（まこも）粉で煤けた質感を表す独特の技法だ。

他にも、石のざらざら感を表現した「石目塗（いしめぬり）」、重ね塗りによる不規則なまだら文様が特徴の「錦塗」などがあり、平成15年（2003年）には国の伝統的工芸品の指定（花塗、石目塗、錦塗、磯草塗、竹塗の5技法）を受けた。  

竹塗の美しさに魅了され新潟漆器職人へ

新潟漆器職人として活躍する真田桃子さんは、24歳の時に竹塗の美しさに魅了されてこの世界に足を踏み入れた。それまでこの業界には全く無縁だった真田さんは、竹塗がすべて漆でもって作られることへの驚きと、竹で作られている様にしか見えないその美しさに魅了され夢中になったと当時を振り返る。

周囲が驚くほどのスピードで技術を吸収し、新潟で一番と言われる漆芸家の先生に学びその技術を磨いてきた。自身が生まれ育った新潟の町の歴史を未来に繋ぎたい、使命感の様な思いもあったという。  

伝統工芸でモダンさを表現する

真田さんの生み出す作品には「伝統工芸」の持つ和のイメージを塗り替えるようなモダンさがある。表面はマットなものが多く、傷がつきにくいことも特徴の一つだ。ラピスラズリーの原石に見立てた「瑠璃塗」や赤い石にみたてた「紅石塗」の器などもあり、和食はもちろんイタリアン・フレンチなどの洋との馴染みもよい。テーブルでも料理を引き立たせ、そのポテンシャルを発揮してくれるクールな存在だ。

中でも真田さんが得意にしているのは、「朧銀塗（おぼろぎんぬり）」である。

これは江戸時代の漆芸家・柴田是真（しばたぜしん）の変塗の技法を復刻したもので、木製品でありながら、まるで金属のような特異な質感が楽しめる。柴田是真といえば、1873年開催のウィーン万博に出品した「富士田子浦蒔絵額面」が賞を獲得するなどして、広く知られた作家だ。  

ダークな雰囲気と落ち着いた真鍮色（しんちゅういろ）にはアンティークの冷たい趣があり、古びた見立ての粋が静謐な美しさを醸し出す。もちろん作品づくりは一点一点が手作業だ。木地固めをして、布着せ、錆つけ、中塗りと、その工程は2ヶ月近く続く。中盤の工程で炭の粉をまいて、朽ちたような凹凸感を表現する。復刻でありながら、その完成品は実にモダンで現代的だ。  

新潟を漆器で有名な産地へ

多種多様な技術が集結し、それぞれの職人の個性が生きる進化をとげてきた新潟漆器。まだ組合の歴史も浅く、漆器の産地としての規模はそれほど大きくない。小売や卸といったマーケットの面では有名な産地にはとても敵わないという。それでも「この仕事が好きだからやっている」と真田さんは笑顔で胸を張る。真田さんの仕事は職人としての腕を磨き、独自の「変塗」の路線をとことん突き詰めることだ。今は飲食店を中心に、完全にオーダーメイドでその技術を提供している。店側が盛りつける料理をイメージしながら、それが引き立つようにイマジネーションを膨らませて、次々と新しいものをつくり上げる。首都圏や海外からの注文も多く、納品に半年以上待ってもらうこともある。

真田さんが漆塗りの世界に入ってから、約10年。最初は無我夢中で「美しいモノを作りたい」と走り続けてきた。今は新しい試みに意欲を燃やし続けている。

「私はごりごりの職人で、プロダクトをつくる人間なんです。今は新しい塗りを考えるのが楽しい。これからは、例えば3Dプリンターを使って樹脂系のものにチャレンジしたり、銅っぽいものもやってみたりしたい。」と真田さん。

漆器の有名な産地として世界で「新潟漆器」が語られる日は、そう遠くないかもしれない。

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毎日気軽に使えて、キズを味わいに変える越前漆器。「うるし工房錦壽」山岸厚夫さん／福井県鯖江市 – NIHON… 福井県のほぼ中央に位置する鯖江市。その東部の山間部にある越前漆器の産地・河和田地区では1500年続く伝統の技を受け継ぎながら、近年は現代に合わせたデザインや機能を持…

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現代生活に合った色や実用性で漆器の歴史を塗り替える。塗師屋「漆琳堂」８代目内田徹さん/福井県鯖江市 – … 日本最古の漆器の産地といわれる福井県鯖江市河和田地区。この地で江戸時代から８代続く老舗「漆琳堂」は伝統を継承しながら「漆器をもっと気軽に日常に」という思いのもと…

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歴史的建造物を支える匠

岐阜県北部に位置する飛騨高山。豊かな森に囲まれたこのエリアでは「匠（たくみ）」と呼ばれる技術者が数多く育ち、1,300年ほど前から日本の木工や木造建築の先端を担ってきた。奈良時代においても、その技術の高さが認められ、年間100人ほどの匠を都に派遣する代わりに税が免除される「飛騨工制度」が特別に制定されるなど、薬師寺・法隆寺・東大寺など、数多くの神社仏閣の建立を支えてきた。
その後も歴史的な建築物に携わり伝統文化を発展させていくなかで、「飛騨春慶（ひだしゅんけい）」「一位一刀彫（いちいいっとうぼり）」などの工芸品を生み出してきた。そして、100年ほど前に西洋の家具技術“曲げ木”が伝えられ、試行錯誤しながら匠の伝統技術と融合した。日本人の食生活のスタイルがちゃぶ台からダイニングセットに変わっていくのにあわせて、高山の家具職人たちは高いデザイン性と機能性をあわせ持つ木工家具のノウハウをたくわえ、高山は日本を代表する家具生産地として誰もが認める存在となった。今日も国内外に“匠”のファンを増やし続けている。

伝統工芸を現代生活にあわせていく

東京都日野市に生を受けた大澤昌史さんは、20代前半に高山に移住し、職業訓練校で木工技術を学んだ後、家具職人として家具メーカーに就職した。「気にいってしまって、勢いで（笑）」と築80年を超える古民家を購入し、そこで自身の工房「まる工芸」を始めた。
当初は、木工家具を作っていたが、曲げ木の技法を追求していくなかでオーダーを受け「オーバルボックス」という楕円系の箱の制作を開始した。オーバルボックスはキリスト教諸派のシェーカー教徒が、19世紀ごろ｢美は有用性に宿る｣という信仰に基づき、ていねいな手仕事で生み出した家具の一つが起源。薄い木材を曲げて作られるシンプルな物入だ。多くのメーカーや職人たちがレプリカとして復刻版を制作するようになると、幅広い層からの支持をうけて、生活に溶け込むおしゃれな雑貨として知られるようになった。
それを大澤さん流に再現する。かなめは、家具職人時代に培った曲げ木の技巧。薄く堅牢な広葉樹を高温の蒸気で蒸して柔らかくし、型に入れて固定し、乾燥の加減を見極めてしなやかで美しい曲線を作り上げる。それぞれ異なる木目や木が持つ水分に合わせて、ミリ単位の調整が必要なため、一筋縄ではいかない。曲げた木が反ったり浮いたりしないよう“スワローテイル”と呼ばれる形に接合部をしつらえ、一つ一つていねいに貼り合わせる。絶妙な力加減で小刀を使って切り出し、細部にまで魂を込めていく。無駄が極限まで削ぎ落とされ、完全なる機能美を体現した作品は多くのファンをとりこにし、ほとんど店頭に並ぶことが無いまま、完売してしまう。
また、伝統的な工芸を現代の生活様式に合わせて再構築するのが、大澤さんのスタイル。曲げ木の技術を応用した優雅な曲線が美しい木製のティッシュケースや、見事な円を描いた木枠の中にはめた鏡なども生み出し、合理性とオリジナリティを両立させた様式美を追求する。今度の目標は、100年後も残る作品を作ること。「ただ、美しいと心から思えるものを作りたい」。先人の意思と技を継いだ現代の匠の願いは、作品の佇まいのように、どこまでもシンプルで、比類なく純粋だ。

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特有の技法で作る駿河竹筋細工

日本国内には約600種類もの竹が生息していると言われている。他の植物と比べて成長が早く、わずか三年ほどで利用できることや、強度や弾力性に優れていることからも、かごやざる、箸などの日用品から農具、インテリアまで、さまざまなものに形を変え、古くから日本の生活を支えてきた。竹細工の産地も全国あらゆる地域にあって、花籠（カゴ）や茶碗籠、ざる、などを起源とする地域もあるが、静岡の駿河竹千筋細工（するがたけせんすじざいく）のはじまりは、徳川家康が鷹狩りをするための餌箱を作らせたことで、その後、虫籠や絵筆、花籠などを販売する店が増えていったらしい。駿河竹千筋細工の特徴的は、とにかく細かいということ。他所では1.2～1.6ミリくらいの平らな竹ひごを作ってそれを編むのが一般的だが、駿河竹筋細工では、竹を縦割りにし幅と厚みを決め棒状にした丸ひごを使用する。その厚みは細いものでは0.3～0.4ミリとかなり細い。竹に熱を加えて曲げる技法や独特な継ぎの技法を駆使している点も、他の地域の竹細工とは異なっている。明治期にはウィーンで行われた国際博覧会で日本の特産物として出品され、竹ひごのかもしだす繊細な雰囲気、東洋特産の竹の妙技は西欧諸国の特産品をしのぐ好評を博し、これを契機に多くの製品が海外へ輸出されたそうだ。
「駿河竹千筋細工は『三尺のなかに千本の竹の筋を通す』といわれています。他の産地が竹を“編む”のに対して、ここでは“組み立てる”んです。農具から発展した他の竹細工と違って、鈴虫を入れる虫かごから始まったので、そうなったと言われています」（みやび行燈製作所・杉山茂靖さん）

季節を楽しむバックとして人気の竹細工

杉山さんは駿河竹千筋細工を営む家の三男。高校卒業後、大阪の人形店に勤めた後「駿河竹千筋細工」の伝統工芸士・渡邊鉄夫さんに師事し伝統の技を受け継いだ。杉山さんの作品は高級ホテルや旅館の設えにも採用されたり、照明作家とのコラボレーションで制作した作品が全国伝統的工芸品公募展の経済産業大臣賞を受賞するなど、工芸界でも高い評価を受けている。工房には、虫かごや風鈴、会社名になっている行燈などさまざまな竹細工の作品が並んでいる。そのなかでもひときわ目を引くのが、虫かごをふた回りほど大きくしたようなバッグだ。

「ここ数年、バッグが人気ですね。若い世代の方が多く買ってくれているようです。竹のバッグは夏しか使えないという人もいますが、僕はそれでいいと思っているんですよ。季節を楽しむバッグがあっていいじゃないですか。竹細工のピークは10年後、20年後。すごくいい色に変わっていきます。最新の車より、クラシックカーのほうが楽しかったりするじゃないですか。夏しか使えない竹細工の不便さを楽しむのも粋なんじゃないでしょうか」（杉山さん）竹細工は修理しながらずっと使うことも可能だ。経年しながら風合いが変わっていく様を楽しむのもいいだろう。昔ながらの技術を守りながら、時代にあわせて進化を遂げる。そうして駿河竹千筋細工の伝統は次世代へと受け継がれていくのだ。

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志野焼を愛した陶芸家

日本でつくられる陶磁器のうち、最大のシェアを誇る”美濃焼”。その特徴は、“特徴が無い”こと。その時々の、ニーズに合わせたデザインが生まれる過程で、発展を遂げてきたため、九谷焼や有田焼などのように、固有のスタイルを有しておらず、産地が岐阜県（旧美濃国）の東濃地方であること、が美濃焼の定義とされている。使い勝手の良さから、日本人の日常に自然と溶け込んできた美濃焼が、最も進化を遂げたのが、茶の湯文化が栄えた安土桃山時代。武将でもあり、茶人でもあった文化人・古田織部（おりべ）が、陶芸家に作らせたとされ、大胆な歪みを良しとした「織部」。そして、「黄瀬戸（きせと）」「瀬戸黒（せとぐろ）」「志野（しの）」と呼ばれる代表的な4つの様式が生み出され、今日まで日本の食卓に当たり前のように馴染んできた。
岐阜県南東部に位置し、陶磁器生産量日本一の町、焼き物のメッカとして知られる土岐市。ここに工房を構えて活動する林友加（ゆか）さんは、「志野」を愛し、そのスタイルを新しい解釈で体現できる陶芸家だ。「志野」は耐火温度が高く焼き締りが少ない、「五斗蒔（ごとまき）粘土」や鉄分が少なく、ほんのりとした紫色やピンク色がかった白土の「もぐさ土」を使った素地に、白い長石釉（志野釉）をたっぷりとかけて焼成する。ぼってりとした厚みのある素地に入るきめの細かい貫入（亀裂のような模様）と乳白色のやさしい色合いと、表面のゆず肌と呼ばれる多数の小さい孔が特徴だ。

優しさと美しさが溢れた器

林さんが「志野」を作り始めたのは偶然ではなく必然。つまり運命だった。兵庫県に生まれ、関西の大学に進学するまで過ごした土岐市での記憶。窯業を営んでいた父方の生家で自然と焼き物に触れ、無邪気に遊んでいた幼少期。東京で就職して充実した日々を過ごしていたものの、自分の生業ではないと感じ、通い始めた陶芸教室。さらに道を突き詰めようと帰郷して学んだ土岐市立陶磁器試験場。それから10年白磁と向き合い、新しい作品をと考えたのが、東京在住時に美術館で目に焼き付いていた「志野」。それは、枝分かれしたようでいて、しっかりと根を張り、どっしりと成長した幹になっていた彼女の人生を投影したものでもある。茶室や床の間が無い家が多く、ごく限られた場所でしか茶会が催されることが無い現代において「志野」がどうあるべきか。熟慮と数多くの実践の過程で、林さんが導き出した答えは、アートと日用品の間にあり、楽しく穏やかな気持ちになれる器であることだ。
彼女が生み出す、たおやかで凛とした表情の器は、エッジィな美しさと温かみのあるやさしさが共存し、奥深い「志野」の世界と現代の生活を、やわらかくつなげてくれる。誰もがときめくような、優しいピンクとグレーが織りなす表情は、一つ一つの作品で同じものは無く、どの器もコレクションしたくなるような所有欲を掻き立てる。使う事を目的にせずとも、手元に置いて眺めていたくなるような愛らしさだ。毎回作品に違って現れるピンクやグレーの色の表情に、一喜一憂しながら作品作りを楽しんでいるという。林さんは、なぜ「志野」に惹かれたのかは定かではないという。だが、彼女の器を見て、使って心地良いと感じる刹那が、理屈以上に日々の暮らしを豊かにするヒントをさりげなく教えてくれる。

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800年以上の歴史がある漆器の町

秋田県の南の玄関口、湯沢市はその名の通り、豊富な温泉群にめぐまれた町だ。その東北部に位置する川連町は小さいながらも800年以上の歴史を持つ漆器の町として知られている。
鎌倉時代から400年にわたって秋田県南部一帯を治めていた稲庭城主が、武士たちの刀のさやや、鎧などの武具に漆を塗らせたのが始まりだとされている。その後、江戸時代には、椀や膳、重箱など食器類にも広く漆が使われるようになり、川連漆器は地域の人々の生活必需品として、さらには工芸品として広く親しまれるようになった。
漆器は木地作り、塗り、沈金・蒔絵などの専門職人が分業で作り上げていくのが一般的。川連では一連の職人全てが半径2kmの小さな町の中に集まっている。これは全国的にもめずらしい。そんな川連町に明治の初めごろから、漆塗り工房として伝統の技を受けついできた「秋田・川連塗 寿次郎」はある。このちいさな工房で湯沢産の漆を使った漆器づくりをしたいと5～6年前から漆の植樹を始めたのが塗り師の佐藤史幸さんだ。

現在日本国内に流通する漆はほとんどが海外産で、ここ川連も例外ではない。国産の漆は生産量が少なく、手に入りにくい。また高価なため、どうしても海外産に頼るのが現状。海外産の漆が悪いという訳では決してないけれど、国産の漆を途絶えさせない為にも、今始めなければいけない事があると、佐藤さんは話す。ここ川連だからこそ出来る事、守れることを次の世代に受け継いでやりたのだと。

時間をかけて完成する川連漆器

川連漆器は、粗挽きの木地を熱と煙でいぶして燻煙乾燥させる。以前はどこの漆器産地でも使われた手法だが、最近では効率化が進み機械を使った人工乾燥が行われている。燻煙乾燥の良いところは、時間をかけてゆっくり丁寧に乾燥させるため、木地の歪みや割れを軽減できること。また、煙の成分が防腐・防虫などの効果をもたらす。
「川連は小さな漆器産地。設備投資する余裕がなかったんですよ」と、佐藤さんはおおらかに笑う。

そして川連漆器の最大の特徴は最終工程の上塗りにある。「花塗（はなぬり）」という技法が使われており、この工程は「塗立て」とも呼ばれる。漆を研ぎださないで仕上げるため、研磨しないままでも漆の持つ自然な光沢がでて、漆の質感と触った時のやさしい感触がより引き立つといわれている。またこの上塗りが他の産地よりも厚めなのも魅力の一つ、使い込む事で色艶が増して、さらに美しい器になっていく。川連漆器に限らず、漆器が完成するまでの工程は驚くほど長い。「塗り」だけでも30から50もの工程を経てようやく完成する。
一度塗ったら5日～7日ほど乾かす。そして研磨したらまた塗る。それを何度も何度も繰り返す。そうすることで堅牢さが増し、長く使える丈夫な器となるのだ。出来上がった器の表面からは重なった漆の層は見えない。でもそこには職人が、何十もの工程の中に込めた情熱や技術が塗り重なっているのだ。

トチノキを原材料とした川連漆器は、手に持った感触が軽く、保温性にも優れている。何より口にした時の口あたりが優しく、なんともここちよい。「一度、川連漆器のお椀にご飯を盛って食べてもらいたい。見た目の美しさはさることながら、口当たりの優しいお椀の良さもわかってもらえると思います」。刷毛を平らにムラなく滑らせながら、佐藤さんは愛情深く川連漆器の魅力を話してくれた。

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