ガラスの魅力に惹き込まれる

秋田市を拠点にガラス作家として活動する熊谷峻さん。独特な表情を持つ作品に魅せられ、国内外での個展を開き、その存在感を増している作家である。熊谷さんの自宅兼工房を訪ねると、四季の色彩を映すかのような美しい庭に囲まれた工房に、熊谷さんのガラス作品の数々が並んでいた。
熊谷さんは秋田県に生まれ育ち、美術大学でガラス工芸を学んだあと、ガラスの街富山へ移りさらに富山ガラス工房に所属しながらガラスの基礎を固めた。そこで4年ほど活動したのち、同じくガラス作家の妻・境田亜希さんの妊娠を機に、秋田へと帰郷することを決めた。
熊谷さんのガラス作品はとても珍しい。一見それがガラスでできているかも分からないような形状、質感、色合いを放っている。古代エジプトの遺跡から発掘されたかのような神秘的な雰囲気を醸し、パート・ド・ヴェールの技法を用いたようにも見え、引き込まれるような不思議な世界観が漂っているのだ。
「ガラス作家は、きれいなガラスへ向かう人が多い。でも私は、透明感や美しさより、ガラスに入った不純物による変化やムラに興味が湧く。そういうものになぜか惹かれます」と熊谷さんは話す。

唯一無二のガラス作品を求めて

熊谷さんの作品作りの基本は鋳造技法によるものだ。そこに陶芸や中金の技術を応用していることが特徴である。誰もまだ見たことにない作品を作りたいとこの独創的な技法へとたどり着いたのだそうだ。
まず石膏の型を作り、造形用のロウで作品をイメージしながら成形する。あとは小さな箱に入れてまわりに石膏を流し込めば、型が完成する。出来上がった石膏の型に液体状の熱いガラスを流し込み、冷やし固めて成形していく。使用する原料は友人のガラス作家が廃材にするものを譲り受けたものなどを使い、そこに土や金属などの粉を混ぜ合わせていく。もともとついていたガラスの色彩が土や金属とともに1000度に熱せられる為、性質の違うそれぞれの原料が複雑な色や質感を生み出し、出来上がった作品の唯一無二の表情を創り出す。
1週間以上冷やしたあと、石膏を割り削ってガラスを取り出す。作品を型に入れてから時間が経っていることもあり、どんなものを作ったか、どんな姿になっているか、開けて見るまで自分でも忘れてしまっていることが多いのだそうだ。不純物が混ざっている事で予想もしない色ムラができていたり、汚れているかのように見える表情が現れていると、それに心が躍るのだという。ガラス作品について語る時、熊谷さんの笑顔は大きくなる。「なにより石膏を割って、作品を取り出す時が純粋に一番おもしろい」。そう言いながら、熊谷さんは1つの石膏を木槌で割り始めた。
慎重に木槌で石膏を叩いていくと、やがて中から仏様のような人型のガラス作品が姿を現した。少しザラついた鈍色の質感や色だれ、ゆがんだフォルム、たしかに透明なガラスにはない、異形ならではの魅力がそこにはあった。
「小さな作品に関しては、ここ数年でずいぶんと慣れた。今後は大きな作品にも取り組んでみたいと思っています」と熊谷さん。鋳造技法による制作を究め、熊谷さんならではの作品づくりに今後も挑んでいく。

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魔法のように変化するガラス

ガラス工芸作家の高橋禎彦（よしひこ）さん。ドイツのガラス工房で仕事をし、海外でも個展を開くなど、世界的に知られる作家だ。1985年から制作の拠点にしている工房で、高橋さんの制作方法を実際に見せていただいた。
中田に説明しながら、高橋さんの手が動く。塊だったガラスはみるみるうちに形をかえていく。ガラスを吹いて膨らませていたのは、丸みをつけるときだけ。あとは、「重さで伸ばすんです」といって、ガラスの付いた吹き竿を下向きに振る。すると溶けたガラスは遠心力を受け、伸びるように形を変えていく。また、飲み口を開く方法も道具を使わず、吹き竿を回し遠心力に任せるのだ。ガラスの温度、やわらかさ、重力、遠心力を感じながら形を作る。まるで、魔法のようにガラスに形をつけていく姿が印象的だった。

「いま、ガラスの加工というのはあらゆる道具を使うことができるんです。とても便利な道具。だたね、その道具を使う理由を考えたけど納得できる答えが出なかった。それで、自分の中にルールを決めたんです。」と語る。そのルールとは、吹き竿を使うこと、溶かすこと。このルールの中で制作するということだった。「例えばね、コップの底は削って仕上げることが多い。でも、自分はできる限り削りたくないことに気がついた。だから削るのもやめました」その言葉のとおり、高橋さんのガラスは柔らかなたわみと、つるりとしたその肌の質感が目に鮮やかだった。

ガラスの”頃合い”を体験する

そして次は中田の番。「はい」と言って手渡された吹き竿を火に入れる。それを取り出して、「頃合いを見て、息を吹きましょう」と高橋さん。「え、頃合いって、どんな!?」と中田がひるんでいると、「いま、いま」と高橋さん。「うん、いいかんじです、じゃあ、振り子みたいに振ってみてください」。言われたとおりに振るとどんどんとガラスが伸びてコップの形に近づいていく。万事がそんなふうに作業が進む。吹き竿を回し続ける中田と、ガラスの温度に気を配る高橋さん。作業を見ているだけではわからない、ガラスという素材の動きや面白さを体験することができた。こうして仕上がったのは大きなコップ。実は、高橋さんがいま最も多く作っているのがガラスのコップなのだ。

ガラスのコップをつくること

「この前たまたま糸井重里さんの事務所と仕事をすることになって、毎日の生活で使うコップばかりで展示をやらないか、ということになり、それをウエブで紹介していただきました。コップのようにじかに触るものは、手で触る、口でも触る、だからいろんなことがじかにわかってしまいます。ある意味ほんとうに敷居が高くて難しい世界です。そんなことがあって、最近はコップばかり作っています。」

これは意外な言葉だ。「敷居が高い」「わかっちゃう」。たしかに、口にするコップは、飲み口が分厚い、薄いという一点だけでもどうにも気になる。
美術品では感じられないこと、それは、物を知るということでもあるのかもしれない。
「どんなコップで飲みたいと思うかは人それぞれだから、ひとつひとつ作るのがいい。町のパン屋みたいに。そういう人との距離感も大事ですね」
「個人オーダーみたいにするのがいいっていうことですか？」
「そう。建築家がそうでしょ。器屋もそうなのかなって思いますね」
長年にわたり、オブジェや独創的な造形を作り出してきた高橋さん。そしていま、ガラスという素材の特性を表情として引き出しながらコップという器を作っている。

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ガラスのなかに絵を描く

厚木グラススタジオは、さまざまなガラス作品を制作している工房。また、ガラスの楽しさを知ってもらいたいと体験教室も開かれている。ジャンルは幅広く、吹きガラスからバーナーワーク、サンドブラスト、キルンワーク、カットグラスなど、さまざまなガラス工芸を学び、体験することができる。 今回、お話を伺ったのは、バーナーワークという技法で作品を制作するガラス工芸作家の内田敏樹さん。制作のかたわら、この厚木グラススタジオでは講師をつとめ、女子美術大学、東京ガラス工芸研究所でも教鞭をとっておられる。 手元のバーナーでガラスを溶かしながら内田さんが作るのは、とんぼ玉だ。直径２～３ｃｍ程度のガラス玉のなかに、さまざまなモチーフが散りばめられていた。ガラスで作られた花や、他の素材を閉じ込めて作った模様はまるでガラスのなかに絵を描いたようにすらみえる。小さな中に遠近感を感じる作品や、思わず見入ってしまうような独特のとんぼ玉なのだ。

とんぼ玉は制約があるからこそ面白い

ガラス工芸といっても幅が広い。大きなオブジェから花瓶、コップとさまざまなものがある。そのなかでなぜとんぼ玉をメインで作るようになったのかを中田が聞くと、「制約があるところ」という答えを返してくれた。 「最初はいろいろなものを作っていたんですが、トンボ玉をはじめたらそれで手一杯になりました。とんぼ玉は制約、特に大きさに制約がある。それが実に面白いなって思ったんです。その中で何ができるか、何を表現できるかということに挑戦したくなったんです」手元の小さな玉のなかで、どれだけの表現ができるか。そこに楽しさがあるという。 「この技法は、何と言うんですか？」と中田。 「ランプワークです。日本ではバーナーワークとも言います。なんというか、“ガラスが溶ける”という、ありえない状況に魅力を感じたんですね。」と内田さん。近年の作品は、目玉や廃墟などをモチーフに制作を進めている。

一粒のとんぼ玉に込める

とんぼ玉は大きくても、ひとつ飴玉一個ぐらいのもの。内田さんによれば１時間ぐらいの作業で作ることができるというが、作品の構想から完成に至るまでの過程は３、４ヶ月もの時間を要するという。まずは表現したいと思うモチーフを絵に描く。そしてすぐにそれを作ってみる。しかし思ったとおりには当然できない。バーナーとガラスとで、できることとできないことを知っていくのだ。「こういうことはできない」から「ならばこのデザインを表現するためには、どんな方法をとればいいか」という試行錯誤。とんぼ玉作りは、その技法の発見を繰り返す作業に他ならないのかもしれない。数々の技術がこめられた内田さんのとんぼ玉は、美しく妖艶に輝いているようだった。

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薩摩切子の歴史

薩摩切子（さつまきりこ）の誕生は、1846年に島津家第27代藩主・島津斉興（しまずなりおき）が創設した製薬館・医薬館をきっかけに、そこで用いるためのガラス器として製造されたことに端を発する。その後、第28代藩主・島津斉彬（しまずなりあきら）によって工場が設営され、本格的な製造が行われると、城内にあった花園跡精煉所が研究の末、当時の日本では薩摩藩でしかつくり得なかった、紅ガラス創造に成功。その後も多彩なガラス創造を実現し、全国に「薩摩切子」の名を知らしめた。
しかし、1858年に斉彬が急死すると、西洋技術による藩の産業振興を目指した活動は、財政を圧迫しているとの理由でそのほとんど縮小・閉鎖。さらに、1863年の生麦事件から発展した薩英戦争で、多くの工場が壊滅し、薩摩切子は幻の工芸となってしまう。
その後1960年代に薩摩切子再興が図られ、1966年に紅･藍･紫･緑の4色のガラス器の復元に成功、その後も金赤色・黄色が復元され、現在は薩摩切子の全6色が復元されている。

“ボカシ”を特徴とする薩摩切子

「切子」とは、ガラスにカット文様を刻み込んだことをいうが、薩摩切子の最大の特徴は、”ボカシ”といわれる色彩のグラデーション。
これは、透明なガラスの上に色ガラスをかぶせ、角度の浅いカットを施すことで生まれる技法で、ほかにはない温かみと奥行きが独特の雰囲気を醸し出し、日本人がもつ細やかな感性で生まれた美の表現といわれる。美しい”ボカシ”は、色ガラスをかぶせた厚みが均一で、かつカットも同様に均一でないと生まれないといわれており、薩摩切子の技術の高さがうかがえる。

繊細な仕事が薩摩切子の美しさの秘訣

薩摩切子の作り方

薩摩切子をつくるにはいくつかの工程があるが、おおまかには以下のようになる。

• 坩堝（ルツボ）でガラスを溶解。溶けたガラスを吹き竿に巻きとる
• 巻きとったガラスを、濡れた新聞紙を折りたたんだ『紙りん』で丸くならす
• 『ポカン』と呼ばれる型に色ガラスを吹き込み、バーナーでカット。その内側に別に巻き出した透明のガラスを押し込み、色のガラスをかぶせる
• 型に入れたりコテを用いるなどして成型、徐冷炉とよばれる冷却装置に入れて、ゆっくりとさます
• 『当たり』と呼ばれる、カットの目安となる線を入れる
• 少量の水をかけながらダイヤモンドホイールを回転させガラスを彫りこむ。ダイヤモンドホイールでの掘り込み方にも種類があり、組み合わせることでさまざまな文様が生まれる
• カットされたガラスを磨きにかける。この磨きにも種類があり、この作業でカットの艶を出す。

今回中田が訪問した「薩摩びーどろ工芸」では、職人の方の技術を間近で触れたほか、製造過程のガラスを巻き取る作業やカットを体験。少しでもずれると作品の美しさを損ねてしまう、その難しさを実感した。

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