自然豊かな環境が生み出すアートヴィレッジ

日本アルプスを望む長野県上伊那郡中川村。日本で最も美しい村との呼び声高い原風景の残る自然豊かな村だ。しかし、中川村にはもうひとつ、アートヴィレッジとしての側面があることはあまり知られていない。ここでは、絵画をはじめ、木工、アートフレーム、ガラスなど、さまざまな作家が生活し、アトリエを構えている。行政がアーティストの活動を紹介するなど、積極的にアートとの親和性を謳っていることに加え、自然豊かな環境が創作意欲を駆り立て、結果として地域とアートが共存するカルチャーが定着しているのではないだろうか。そして多彩なアーティストが活動することは、芸術や制作など文化的な視点で移住を考えている人たちのモチベーションを上昇させ、若い世代の移住増加にも直結している。

ヒッピーのアートワークとしてのガラスがルーツ

宙吹きガラスで食器や花器などの生活用品を作る「STUDIO PREPA（スタジオプレパ）」を構える平さん夫妻も、そんな中川村の雰囲気に惚れ込み、移住した一組だ。2008年に開窯した平さん夫妻の工房はアルプスの山並みを望む高台にあり、日の出や日の入り、時間によって表情を変える景観が非常に美しい。そんな原風景がしっくりきて移住を決意したんだという。しかし、その景観に相反し、工房に一歩足を踏み入れると、アメリカ製の日用品が積み上げられ、まるでアメリカのガレージのようだ。  

それもそのはず。平さん夫妻の作品のルーツとなっているのは1970年代のヒッピーカルチャー。ヒッピーのアートワークとして普及した宙吹きの技術を踏襲し作られる平さん夫妻のガラス作品は、温かみを感じながらも、旧来の和製ガラスとは一線を画すスタイリッシュなアウトラインが魅力だ。主にロンハーマンやマーガレット・ハウエルなど大手セレクトショップでの取扱のほか、国内外の人気飲食店からの引き合いが多い。また、自分たちが理想とするスタイルをアップデートするための研鑽も怠らないよう、アメリカのクラフトフェアにも参加。ヨセミテ国立公園をベースに、数週間、時には一ヶ月以上滞在し、現地の空気を肌で感じることで作品へのインスピレーションへとつなげる。

ホームデコならアメリカ

そもそも、ガラス製品と言えばシアトル、というくらいアメリカはガラス工芸に於いて先進国であることをご存知だろうか。窓やコップ、スマートフォンまで、触れずに生活するほうがよっぽど難しいと思うほど人々の生活に密着しているガラス製品。日本にも切子やビードロなどの伝統工芸が存在するし、世界に目を向けてみても、ヴェネチアン・グラスやトルコランプなどの伝統工芸品からガレやバカラ、スワロフスキーなどの有名工房まで地域に限ることなく広く普及しているから、アメリカが飛び抜けてガラス製品先進国といった印象はないが、ことホームデコという分野に関してはトップランナーなのだと言う。

目指したのは、ガラスで表現できる温もり

ホームデコとは食卓に並ぶ器や花を活ける花瓶など、生活を彩る製品のことを指し、平さん夫妻の工房でも食器やグラスを中心に、花器やランプシェードなど生活の中で使用されることを想定したガラス製品を作っている。平さん夫妻の作るグラスのこだわりは、厚さ。かつて友人から木製のコップをもらったことがあり、それを使って水を飲んだ時におどろくほどおいしく感じたのだという。それから、身の回りにあったガラス製のコップで同じように水を飲んでみた。しかし、なんだかトゲトゲしい。同じ蛇口から出る同じ水なのになぜだろうと考えたが、その原因は呑口の形状に思えた。薄くて凛としたガラスは、見た目は美しいけれど、木製のコップのように普段から飲んでいるものが一層おいしく感じられるという感動はなかった。それを実感してからは、木のような温もりを表現するガラス製品が作りたいと考えるようになった。

中身が入って完成する、それがポリシー

それをベースに作られる製品は、中身が入って“100”になる、そんなイメージ。 「器だけの状態では2割くらい足りないくらいにしておかないと、水でも花でも、中身が入った時に暑苦しくなってしまう。」と平さん夫妻。

生活の中で使用されるものなのだから、器だけでは意味をなさない。飲み物や飾るものが、そこに入ってようやく完成するような、素材の良さを最大限引き出すガラス製品こそ、自分たちの作るべきものだと信じている。

そして、もうひとつ平さん夫妻が貫いているのが宙吹きでしかできないスタイル、宙吹きでしか作れない製品にこだわること。色を表現するためにモザイクやフュージングといったコールドワーク（宙吹きなど溶けた熱いガラスを扱うホットワークに対し、冷めて硬くなったガラスを扱うものをコールドワークと呼ぶ）を行うこともあるが、あくまでもクリエイティブに付加価値を加えるためであって、その範疇からはかけはなれないようにしている。もう二十年近く宙吹き一筋でやってきているが、未だに製造についても、特性についてもまだまだわからないことだらけ。でも逆にそれが自分たちにとっては面白いのだと平さん夫妻は言う。日本だけでなく、世界からその製品の素晴らしさを認められている二人ですら掴みきれていない奥深きガラスの世界。その世界を知り尽くしたいという平さん夫妻の探究心は、より素晴らしい製品を生み出していく。  

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世界で活躍するセラミックアーティスト

“工芸”か“アート”か。作品をどちらのマーケットで売り出すのかは、陶芸家が自立していくために避けては通れない問題だ。乱暴に分類すると、前者では使う事が前提とされた実用性が評価の対象になりがちで、後者では独創性や作品、作家本人の持つ世界観など、これまでになかった目新しさを求められることが多い。それらを両立するのは陶芸家にとっては、なかなかの難題である。岐阜県多治見市にアトリエを構える桑田卓郎さんは、アートの世界でも独特な立ち位置にいるアーティストだ。
「梅華皮（かいらぎ）」や「石爆（いしはぜ）」といった古典的な作品でよく目にする伝統的な技法を用いながら、陶芸の枠に囚われない造形やビビッドな色彩を積極的に取り入れた作品は世界各国のアートフェアでも評価が高い。また、ロエベやトッズとのコラボレーションのみならず、トレーディングミュージアム・コム デ ギャルソンでのインスタレーションを実現するなど、ファッション業界からも注目を集めている。
現在の作風に至ったきっかけの一つは、人間国宝の陶芸家 荒川豊蔵さんによる志野（しの）焼の展示を見たことだった。「ある作品の水差しに釉薬が剥がれている箇所があって、意図的かは分からなかったけど、それがかっこよかったんです。これを僕なりに解釈した、現代の志野をやろうと思いました」と当時は今の作風からは想像もできないような、白磁などのシンプルな作品を作っていた桑田さんはそう振り返る。

工芸ではなくアートの世界へ

また、本来は計量すべき顔料を目分量で調合した結果、思いもよらずポップな色ができたことにも心を揺さぶられた。窯を開けた時のワクワク感を意図的に作りあげようと、再現性のある色彩表現に没頭する。そうして自分の心の声に従うまま、作品を作り続けた結果、日本の現代アートを世界に発信するギャラリストとしてその名を知られる、小山登美夫ギャラリーから声を掛けられたこともあり、アートの世界に身を置くようになった。
しかしその後、桑田さんは“自由”であることの難しさに直面する。ギャラリーからは、とにかく新しく面白い表現を求められたのだ。工芸の世界で型破りとされた作品も、制約の無い自由な場所では同様に評価されない。現実を知ったことで、実用性の概念からさらに遠く離れ、形や色も過激になっていった。
つまり、桑田さんの作品は他者とのコミュニケーションを丁寧に紐解き、新しい価値観を取り入れることで進化を遂げている。それまで自分にはなかった視座を得れば、そこから見えた新しい世界を自分の中に取り込んでいく。自分自身は変わらないが、さまざまな刺激を制作過程の変数として取り入れることで、結果新しいものを生み出しているのだ。それが工芸の世界だけでなく現代美術でも認められ、更にはロエベやコム デ ギャルソンなどファッション業界の最先端にもその存在を知られるようになり、活躍の幅を広げ続けている。

「これまで知らなかった世界の人たちと繋がる事で、自分が想像もできなかった作品を生み出せる。そんなサイクルに身を置いていたい」と語る彼は、驚きに満ちた作品をこれからも作り続けていくのだろう。

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熱海にも世界的な美術館を

メインエントランスで訪問客を出迎える高さ4メートルの大きな扉がすでに美術品だ。手掛けたのは、中田もよく知る漆芸作家で「蒔絵（まきえ）」の人間国宝でもある室瀬和美氏。黒漆で下塗りした上に朱漆を施す「根来（ねごろ）という）技法が施された作品で、漆芸独特の色や艶を巨大なサイズで見ると、あらためてこの日本を代表する素材の持つ美しさ、可能性を感じることができる。

熱海市の高台にあるMOA（エムオーエー）美術館は、太平洋を一望する眺望で人気のスポットだ。熱海にも世界的な美術館を建設し、日本の優れた伝統文化を世界の人々に紹介したいと願った箱根美術館の創立者であり、MOA美術館の基礎を築いた岡田茂吉氏の願いを継承して、1982年に開館した。岡田氏の名前にちなんで「Mokichi Okada Association」の頭文字がその名につけられている。2017年に美術館はリニューアルされたのだが、手掛けたのは現代美術作家の杉本博司氏と建築家・榊田倫之氏が主宰する「新素材研究所」。「新素材研究所」は、その名に反して古代や中世、近世に用いられた素材や技法を現代の再解釈と再興に取り組む作品を手掛ける建築事務所で、新しくなったMOA美術館にも屋久杉、行者杉、黒漆喰、畳など日本の伝統的な素材や技法が用いながら、展示される作品の美を最大限に生かすための設計がほどこされている。

「MOA美術館」展示のこだわり

むろん最大の見所は、その豊富な展示作品だ。岡田茂吉か収集した日本・中国をはじめとする約3500点のコレクションは、尾形光琳「紅白梅図屏風」、手鑑「翰墨城（かんぼくじょう）」、野々村仁清「色絵藤花文茶壺」といった国宝の作品をはじめ、仏像や陶芸作品、古文書、古代中国・朝鮮などの陶磁器に絵画と幅広い。日本の貴重な文化財の保護を目的とする重要文化財や重要美術品に指定された作品も多く保管されている。さらには豊臣秀吉が正親町天皇に茶を献ずるために、京都御所内に組み立て式の黄金の茶室を持ち込んだという史実に基づき再現された「黄金の茶室」や、尾形光琳が晩年に過ごし「紅白梅図屏風」を描いたといわれる屋敷の復元など何時間滞在しても飽きることはないだろう。

作品を見せる展示へのこだわりも素晴らしい。展示物同士に作品が映り込んでしまわないよう広い展示スペースを黒の漆喰の壁であえて区切ったり、「室町時代の光の中で美術品を鑑賞する」というコンセプトのもと、他の美術館に比べると少しうす暗い照明で作品を照らしている。展示ケースには写り込みが少ない「低反射高透ガラス」を用いていて、光や自分の顔が写り込まないので、作品が目の前に存在しているかのような錯覚におちいってしまいそうだ。作品に没入するあまり、ガラスに頭をぶつけてしまう人も少なくないそう。熱海で温泉やグルメを楽しむのもいいが、MOA美術館で多くの美術品にふれ、感性を磨くのもいいかもしれない。

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しなやかさを生かした竹工芸

シルクのように繊細な表情を見せたり、自然のままのような荒々しさを感じさせたり、編み方次第で自由自在に造形することができる。花籠やカゴバッグのような便利な実用品にもなるし、抽象的な芸術作品にもなる。丈夫でしなやか、抗菌性もある。竹という素材は、本当に興味深い素材だ。JR日暮里駅から徒歩5分、下町の風情を残し谷中銀座のシンボルともいえる「夕焼けだんだん」の近くに、竹工芸の専門店「翠屋」がある。近くには週末になればいつも行列ができる有名なかき氷屋があり、観光地として賑わう活気あふれる商店街の入り口にあるのだが、一歩足を踏み入れると竹の魅力を存分に感じることができる名店だ。創業110年を超えるこの店の主は、竹工芸作家の武関翠篁（ぶせきすいこう）さん。1958年に生まれ、祖父・父に学び、東京の竹工芸の歴史を守ってきた。
「いまでも竹から教わることがたくさんあります。竹の種類や生育地によってそれぞれ特徴がありますし、どう手を加えるかで色艶や表情も変わります。竹ってどこまでも曲がる印象がありますよね。でも無理やり曲げると、竹が痛がるんですよ。だから作品を思い浮かべても、そのための竹選びから時間がかかるんです」（武関翠篁さん）

翠屋のすぐ近くのギャラリーには、そんなふうに竹の声を聞きながら作り上げられた翠篁さんの作品が並んでいた。翠篁さんの作品は黒や褐色に色をつけた竹のヒゴを編み、美しく複雑な編組をしている花篭などが多くみられる。
「すごく複雑に編まれているのに、形状としてはとてもシンプルなんですね。竹が無理をしていない感じが伝わってきます」（中田）

海外で人気な竹工芸

作品のアイデアは、自然からヒントを得ることが多いという。
「夜、散歩をしながら月を眺めて、その曲線を描きたいと思ったり。水や光、空気……やっぱり自然がいちばんの先生ですね」
日本の竹工芸は、あまり知られていないが海外コレクターが多く、国内以上に海外で高く評価されている。翠篁さんも文化庁文化交流使としてドイツに派遣された経験もあり、メトロポリタン美術館やスコットランド国立美術館など、海外の美術館や工芸館に作品が収蔵されている、日本を代表する竹工芸家の一人だ。
「海外の美術館などに行くと、日本の150年前の竹工芸が展示してあったりして驚きます。もちろんそういうことはとてもうれしいんですが、もっと日本の若い方々にも興味を持ってもらいたいですね」
まずは散歩がてら翠屋を訪ね、竹工芸の奥深さに触れてみるのもおすすめだ。

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「職人社 秀平組」左官職人とは

建築物のかべや床などを鏝（こて）を駆使して作り上げる左官。近代化・合理化という大義名分のもと、日本の伝統的な建築文化を支えてきた技能や職人が消えつつある中、異彩を放つのが岐阜県高山市を拠点とする「職人社 秀平組」だ。
これまで、ペニンシュラ東京のレセプションの壁や、NEWS23のスタジオ内の壁、洞爺湖サミットのゼロエミッションハウスに置かれた土の円卓、NHK大河ドラマ「真田丸」の題字など、様々な舞台で独創的な作品をてがけ、その技術と発想力の独自性を示し続けてきた。その中心人物が、左官職人・挟土（はさど）秀平さん。“土のソムリエ”とも称され、誰も見たことがないような色彩と質感の壁をつくりだす。一見すると和紙で出来た屏風と見まがうような作品や、まるで布を手繰り寄せたかのような姿が立体的に表現された作品、漆を塗って仕上げているかのような、何とも言えない光沢を帯びた作品も、すべて土で作られている。誰しもが抱く左官という概念を突き破った、まさにアート。誰よりも土の事を知っていて、どんな無理難題も芸術に昇華してきた腕と目利きは至高の領域ともいえる。
彼の流儀は『あえて勉強しない』。不真面目なように聞こえるかもしれないが、そうではない。全くのオリジナルを追求するため、参考となるような情報をあえて遮断する為にだ。美術館に足を運ぶことも無ければ、作品作りのヒントを求めて書を読むこともほとんどない。ただ、自然の風景に目を凝らし、その解像度を極限にまで高める。例えば、木がどのように立ち、枝がどう分かれ、葉がどう生えているのか。人智のコントロールが及ばない大自然の所作を目に焼き付ける。かのアントニオ・ガウディが自然からヒントを得てこれまでに無かった建築を創造したように、挟土さんは飛騨高山の自然の営みからデザインを生み出している。

左官への憧れを後世に残したい

多くの人がSNSのタイムラインを追って何かを見出そうとする時代に、挟土さんは一見、前時代的な方法を用い、新しく、普遍的な美しさを持つ作品を次々と完成させ、多くの人の目に強烈な残像を残す。そして、オリジナリティの本質を世間に問うている。「残された時間は多くはない」と、間もなく還暦を迎える挟土さん。日本国内だけでなく世界各国から届く仕事を圧倒的な精度で完遂させながら、完成を目指しているのが『歓待の西洋室』。大正5年に建てられた迎賓館を譲り受け、20年前に自身が所有する山に移築し、少しずつ手直しを加え続けている。長い時間をかけて完成を目指す姿は、バルセロナのサグラダ・ファミリアに似ている中田は言う。伝統的な技能が軽んじられていて、信頼の置けるベテランの職人は高齢化し、次の世代が育つかどうかはわからない。日本の状況を変えるために、本当に美しいものを造れば認められるはずだと信じ、いよいよ完成目前のところまできた。価値を感じてくれる人が特別な時を過ごす場所にしたいのだと語ってくれた。

これまでも続けてきて、これからも変えないのは、薄塗りの左官をしないこと。厚みがあると腕の違いが出るし、空間の空気や存在感が全く違うものになる。土と鏝だけで圧倒的なものを作って、左官への憧れを後世に残したいのだと挟土さんは話す。数万年の時を経た土と比べれば、人間が作った建築の歴史は目に見えない程の小さな点に過ぎないかもしれない。だが、挟土さんが残した点は、何よりも濃く、他のどんな色にもたとえられない輝きを放つ。

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リバーリトリート雅樂倶

富山市の南、岐阜県との県境近くに、神通川が造り出す、美しい渓谷があるのをご存じだろうか。富山県内有数の景勝地として知られていて、清らかな川の流れと山並みが作り上げた渓谷は、富山県の県定公園になっている。その豊かな自然をいたるところから一望できる川のほとりにひっそりと「リバーリトリート雅樂倶」はある。
元々は、2000年5月に”川のほとりの癒しの宿”をコンセプトにオープン。その後、芸術・お風呂・食事が楽しめる場所を目指し、2005年にメインロビーをリニューアル。東京ステーションシティホテル内にある和菓子の名店『TORAYA CAFÉ』や、2019年、岩手県陸前高田市に一部の施設が完成した『高田松原津波復興祈念公園』などを手掛けた建築家・内藤廣氏が設計した。館内外各所にちりばめられたアート作品と相まって、まさに「大自然の中のアート空間」と言える宿になった。2021年3月には岸辺に沿って「Garden Terrace」を新設し、川の流れをより間近に感じながら、四季折々の景色が見られる癒しのスペースとして、ゆったりとした時間を過ごすことができる。さらに、「ミシュランガイド北陸2021」では富山県で唯一4レッドパビリオンの旅館として紹介されている。

客室は全23室。一部屋ずつそれぞれちがうコンセプトで設えられている。部屋の中には今を輝く現代アーティストの作品が飾られおり、まるで美術展に来たような感覚になれる。プライベートサウナが付いたスイートルームもまた魅力的だ。その部屋を利用する事でしか見られないアート作品も施されており、滞在ごとに別の部屋に泊まり、一番好みの部屋を見つけてみるのも楽しみ方の一つといえるかもしれない。また、寝具にもこだわりを見せている。最上級の寝具素材と言われている馬毛ベッドパッドや敷布団を全客室に採用。アート空間の中での上質な眠りと、翌朝の目覚めの清々しさはここでしか味わえない特別体験になるはずだ。

食事でも癒されるひととき

「リバーリトリート雅樂倶」のもう一つの魅力、食については、２箇所のレストランで楽しむことができる。「和彩膳所樂味」では、ホタルイカや白エビをはじめとする富山の海の幸や、料理長によって厳選された地元の野菜を使用した会席料理が人気だ。富山の地酒と一緒に、と想像するだけで頬がゆるんでしまう。そしてもう一つはフレンチレストラン「トレゾニエ」。季節ごとの最上の食材を大切にしたいというコンセプトから、食材はシェフ自ら山や漁港に出向き厳選したものを使っている。また、どちらのレストランでも拘り抜かれた現代作家の器が使用されており、料理をあじわいながら器を愛でる楽しさも用意されている。

お風呂も楽しみの一つ、「リバーリトリート雅樂倶」には2か所の大浴場がある。お風呂に浸かりながら眺める神通峡の景色は、旅の思い出の一つになるだろう。浸かった後は、スパでさらにリフレッシュするのがおすすめだ。その日の体調や気分に合わせた漢方オイルや、100%天然のエッセンシャルオイルを使用したトリートメントは、”薬都”とも言われる富山ならではのおもてなしと言えるだろう。大自然の中の美術館のような宿。アートと自然が生み出す、ここでしか味わえない極上の体験がそこにはある。

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千葉県木更津市の「KURKKU FIELDS（クルックフィールズ）」は、
有機農場や酪農場、それらの自然の恵みを享受するための飲食店や宿泊施設などを有する、
循環型のサステナブルファーム＆パークです。子どもから大人まで楽しめる様々な活動を通じて、
自然と共存する心地よさや生きる喜び、これからを生きるためのヒントなどを発信し続けています。

サステナブルファーム「KURKKU FIELDS」とは

都心から1時間で自然を体験できる

千葉県・木更津市にあるサステナブルファーム＆パーク「KURKKU FIELDS／クルックフィールズ」は、約30haという敷地面積をはるかに超えた可能性を感じさせてくれる施設だ。この施設を手掛けたのは、Mr.Childrenプロデュース、自らもBank Bandのメンバーとして活動をする音楽家の小林武史さん。小林さんは2003年に非営利団体「ap bank」を設立し、サステナブルをテーマに自然エネルギーや環境保全活動をしている方々に対する融資や野外音楽イベント「ap bank fes」の開催、アートと音楽・食の総合芸術祭「Reborn-Art Festival」を立ち上げるなど、環境問題や復興支援を積極的に取り組んできたが、「農業」「食」「アート」の３つのコンセプトを軸に、これからの人や社会の豊かさを提案するサステナブルファームとして、2019年にKURKKU FIELDSを誕生させた。
「小林はこの施設をつくるときから、ここに完成はないと言っていました。未来につながる農業、自然と経済の新しい循環をつくるために有機的に成長していく施設にしたいと考えています。東京から１時間ほどで来られますから都心で暮らしている方々に農業や自然について考えるきっかけになればという思いもあります」（KURKKU FIELDSスタッフ・新井洸真さん）

農業・食・アートを軸にサスティナブルな体験を

敷地内には、居心地のいいカフェがあり、パンや加工肉、スイーツをあつかうショップがあり、敷地内に草間彌生など国内外の有名現代アーティストの作品が展示してある。それだけでもじゅうぶんに魅力的な施設だ。だがここにはさらに農場があり、ビオトープがあり、鶏舎があり、牛舎があり、さらには太陽光発電システムも整っている。なだからな丘をゆったり散歩していると、牛舎にたどり着いた。ここでは、本州で唯一水牛が飼われている。南イタリアで長年チーズ作りに携わりチーズ職人の竹島英俊さんが水牛の買い付け、飼育から手掛け、本場顔負けのモッツァレラチーズをつくっている。角を生やした水牛は、旅で見てきた肉牛や乳牛よりひとまわり大きい。畜産業独特のにおいもなく、この牛舎が清潔に保たれていることが伝わってくる。水牛を横目に見ながらこの日の朝つくられたばかりのモッツァレラをいただく。水牛1頭あたりの搾乳量はホルスタイン種の1/5とずっと少なく、それだけ希少性が高い。濃厚だが爽やかな味わいとモチモチとフレッシュな食感が格別だ。やはりイタリアで長年生活した中田英寿が思わずうなった。
「うん、おいしい！　こんなにおいしいモッツァレラを日本で食べられる日がくるとは思いませんでした」
施設内の「KURKKU FIELDS DINING」では、このモッツァレラはもちろんKURKKU FIELDS内で採れた新鮮な野菜や卵を味わうことができる。
そのほか、ピクニックやマルシェ、ライブイベントなども定期的に楽しめるクリエイティブ・パークや、農場の営みに参加ながら自然との一体感を感じながら朝晩を過ごすことができる“タイニーハウスビレッジ”での宿泊プログラムなどもあり、ヴィラタイプの宿泊施設なども完備

おいしく、たのしく、気持ちよく、サステナブルについて考える。KURKKU FIELDSは、農業を軸として、接続可能な暮らしの豊かさを発信する、新しい未来を提示してくれているような気がした。

木更津の恵みを堪能

「無駄をなくし、すべてを循環させて生かしていきたい」という想いを込めて、木更津の森の恵みであるジビエを取り入れたシャルキュトリーを製造しています。豚肉も、県内の下山農場でストレスなく、自然に近い状態で育てたこだわりの豚を使用。森の生命力を感じる滋味豊かな自慢のシャルキュトリーをどうぞ！

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スマート·ラグジュアリーホテル「コンラッド大阪」

大阪のランドマーク「中之島フェスティバルタワー・ウエスト」の最高層階にあるコンラッド大阪は、ビジネスとプライベートを謳歌する「スマート・ラグジュアリー・トラベラー」をターゲットとした次世代型のスマート・ラグジュアリーホテル。コンテンポラリーテイストと和の伝統を融合したデザインで、地上200メートルから壮大なパノラマビューを眼下に見渡すホテルには、50平方メートル以上の広さを誇る客室と、天下の台所と言われる大阪らしさとコンラッドならではを活かした4つのレストランとバー&ラウンジがあり、ほかにもスパやプール、フィットネスクラブ、ウエディングチャペルなど、充実の設備を擁しています。

コンラッド大阪が位置する中之島は、古来より水運に支えられながら、行政・経済・文化・経済が発展してきた、水と緑が豊かなエリア。堂島川と土佐堀川の2つの河川に挟まれた東西約3kmの細長い中之島は、江戸時代には、全国の藩の蔵屋敷が設けられ、米をはじめとする全国の物資が一旦集められ、また全国に送られていたという交易の中心地。明治期に入ると大阪市中央公会堂や大阪府立中之島図書館の文化施設が完成し、商業に加えて近代の情報・文化の発信地としての役割も果たしてきた。近年では、大阪大学中之島センターのオープン、淀屋橋と国際会議所を結ぶ「中之島線」が開業するなど、大阪の中心エリアとしてより一層の機能性を高めている。

まるで美術館、アートに触れられるホテル

コンラッド大阪の魅力は何と言っても壮大なパノラマビュー。38階のラウンジは、重厚感溢れる螺旋階段と広い吹き抜けがあり、天井まで続く一面ガラス張りの窓からはスカイラインや川、海、遠くには山々など、最高のパノラマを楽しむことができる。ホテルの客室や、レストラン、宴会場、スパ＆フィットネス、インドアプール、会議室などの全ての施設からも大阪の街並みを遥か彼方まで臨むことができ、日常とかけ離れた気分にさせてくれる。『40 スカイバー＆ラウンジ』では、美しく広がる眺望や煌めく夜景を愉しみながらゆっくりと時間を過ごすのもよいだろう。

ホテルの重要な要素として、日本人作家を中心に、国内外のアーティストたちの作品を随所で展示している。40階のロビーエントランスに飾られている彫刻家・名和晃平の作品《Fu / Rai》は、風神雷神像をモチーフとしてマイクロビーズの瑞々しい球体で構成された約5メートルの大作。朝・昼・夜と表情を変えるので、何度見ても面白い。その他にも風や光をイメージしたアート作品がすべての客室、チャペルやアトリウム、宴会場など各所に飾られている。アートに触れられる施設としても楽しめるだろう。

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現代的な手づくりの和食器

札幌を拠点に活動する陶芸家の橋本忍さん。和食器や茶器を手づくりし、国内外で販売、年に数回は海外でも個展を開催している。陶芸に魅せられ、独自で札幌の狸小路でギャラリーをオープン。四苦八苦しながらここまでやってきた。「誰にも教わっていないから自由な作風」と語る作品は、現代的で味のある佇まい。実際に手に取ってみると、「全体的にしゅっとして、余分なものが削ぎ落とされている。強さを感じる」と中田。作品の中に作り手が投影されているようだと話した。

食器は“直して使う”から物語が始まる

橋本さんの作品づくりで特筆すべきは、壊れた食器を直して使うことを大事にしている点だ。自身の作品は無料で修理を受けている。「直して使うのはすごいこと。作り手としてはこれ以上に嬉しいことはない。そこからまた新しいストーリーが始まっていく」と橋本さん。「普通は壊れてしまったら捨てる。これは貫入（陶磁器の釉薬(うわぐすり)の部分にでる小さいひび模様）からの文化かもしれない。相当時間もかかるし、手間もかかる」と中田も感心する。修理は場合によっては土を盛り替えて、再度焼く工程を経なければならない。

現代和食器の文化を海外でも披露

修理には金継ぎという方法もある。橋本さんはしていないが、橋本さんの直して使うスタンスに感化され、顧客の方で金継ぎの技術を習得した方もいるそうだ。個展では、一度壊してから金継ぎして再生させた作品も発表した。とても好評ですべて売れ切れたという。金継ぎによって価値がさらに高まるということは歴史的にもよくあることだ。こういった橋本さん独自の表現は海外でも好評で、最後はロンドンや台湾での個展にも話が及んだ。個人で活動する限りは障壁となるのは言葉の問題だが、「言葉は出来るに越したことはないが、器自体がすべてを語ってくれて、自分のしている仕事は言葉がなくてもいい仕事なのだと思える」と話してくれた。

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アートと自然が整然と配された総合公園

札幌市内にあるモエレ沼公園は、世界的に著名な彫刻家イサム・ノグチが設計した総合公園だ。ガラスのピラミッド ”HIDAMARI“を中心に、モエレ山、プレイマウンテンなどを配して、イサム・ノグチがデザインした遊具126基も備えられている。コンセプトは「全体をひとつの彫刻作品とする」ということ。これら３つの施設は公園の中央にちょうど三角形になるように配置されており、高さを揃え視点が定まるようになっている。イサム・ノグチのファンだという中田は、ギャラリーや自然とアートが融合した美しい景観を時間をかけて散策してまわった。

意思を引き継ぎ完成した最後の作品

彫刻の枠を超えて、数々のランドスケープ・デザインに携わっていたイサム・ノグチが札幌の公園を手掛けたのは、ある偶然の機会によってだった。知人を通して、「札幌は広大な土地がある」と市の緑化構想を聞き、たった3ヵ月で来日を果たした。その時、83歳の彼は、設計が完了した数ヵ月後に息を引き取る。亡くなった後、「そのままのスケールと配置で」という条件のもと、その意思を引き継ぎ、彼の構想は着工に移された。本来は10年の予定だったが、従来にない方法が求められたため、完成には17年の月日を要した。「モエレ沼公園」はイサム・ノグチの最後の作品であり、集大成である。

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