中世から続く六古窯のひとつ、備前焼。岡山県備前市周辺でとれた土を用い、釉薬をかけずに焼き締めることで生まれる、1点1点異なる表情が魅力の焼物だ。その備前焼のよさを大切にしながらも、現代の暮らしに合うモダンさを備えた器作りに挑んでいる、陶芸家･森本仁さんの工房を訪ねた。

日々の暮らしが作品に表れる

岡山県の南東部に位置し、備前焼の里として、数多くの窯元やギャラリーが立ち並ぶ備前市伊部地区。同じ備前市内にありながらも、そこからクルマで20分ほどの静かな山のなかに、陶芸家･森本仁さんの自宅と工房はある。街の喧噪から離れ、豊かな自然に囲まれた環境で、陶芸に勤しんでいる。
備前焼作家の父の元に生まれた、森本さん。大学で彫刻を学び、卒業後は父親からのすすめを受け、岐阜県で美濃焼の陶芸家･豊場惺也氏に師事。師匠と寝食をともにする生活を4年間続けた。

当時のことを森本さんは、「禅僧の修行のようだった」と振り返る。朝起きて、掃除や食事の手伝い、庭の手入れ、薪割りなど、師匠の動きを察しながら、それに合わせて自分も動いていく。師匠が気持ちよく仕事ができるようサポートするのが使命だった。そんな暮らしの中で、「日々の生活こそ、その人の作品なのだ」と実感したという。それを体感できたことが、今の森本さんの礎となっている。

現代の暮らしに溶け込む備前焼を

岐阜での修業を経て、2003年に帰郷し、父の元で陶芸家として歩み始めた、森本さん。地元を離れていた期間があったことで、備前焼を客観視できたことも大きな成果だった。森本さんが陶芸の道に進んだ今から20～30年前の備前焼は、重厚感を重視した作品が主流。そのため、いざ自らの生活に取り入れようと思っても、使いづらいと感じることも。「薄くしたり軽くしたり、備前焼の風合いを生かしつつも、普段使いしやすいものが生み出せるはず」。そんな思いを抱き、現代生活にフィットする備前焼への挑戦がスタートした。

土作りと登り窯が、備前焼の要

備前焼に用いる土は、備前市周辺の田んぼから採取した「田土」が基本。窯に入れた際の収縮率が高いため、しっかりと焼き締まる。そのために水が漏れないので、釉薬をかける必要がないのだ。さらに、窯の中での置き場所や、灰のかかり方などによって、色が変化し、さまざまな表情が生まれる点も大きな特徴だ。

現在、森本さんが使用している土は、父親が50年ほど前に購入したもの。まるで石のように硬い原土を砕き、水につけて溶かして自分好みの粘土にしていく。釉薬を用いない焼物だからこそ、仕上がりを大きく左右する土作りに力を尽くす。

そして、備前の土のよさを最大限に引き出すには、薪を使った登り窯で焼くことが重要だと考えている。登り窯に火を入れるのは1年から1年半に1回で、準備から焼き上げまで7～8か月を要する。いざ、焼き始めると約1週間は窯につきっきりに。「登り窯で火を焚き続けると、焼物を仕事にしているという実感があるんです。ぐっとくる感じがほかの窯とは違うんです」と、森本さんは目を輝かせる。

釉薬ものも手がけ続ける

薪窯で焼く備前焼の作陶と交互に、師匠から学んだ釉薬ものも灯油窯を用いて手がけ続けている、森本さん。「両方あったほうが食卓が生きるし、おもしろい」と、その理由は実に明快だ。さらには、備前焼と釉薬ものを両方手がけることで、自分の作品であっても、それぞれを客観視できるようになったことも、自分にとっては有益だったと語る。

灯油窯で焼く、独自の「白花」シリーズ

また、備前の土を用い、灯油窯で焼く「白花（しらはな）」シリーズは、森本さんが考案したオリジナル。伝統的な備前焼同様、釉薬を用いない焼き締めだが、灯油窯でなるべく焼き色がつかないように焼くことでフラットな焼き上がりと不思議な質感が生まれる。色は備前の土そのものが持つ、グレーがかった白。研ぎ澄まされたフォルムと、これまでの備前焼にはなかった色合いで、現代の暮らしにすっと溶け込むようなモダンな表情をたたえたシリーズとして人気を博している。
このように、同じ備前の土を用いても、用いる窯や焼成の仕方によって、まったく表情の異なる作品に仕上がる。焼物にとって大切なのは、土と窯の相性だと考えている、森本さん。その相性がよいとおもしろいものが生まれるというのだ。固定概念にとらわれることなく、さまざまな手法を試してみる軽やかな姿勢が、新たな魅力を備えた焼物を生み出すことにつながっているのだろう。

やりたいことは次々と生まれてくる

日々の生活では、庭の手入れを怠らず、季節の草花を飾り、母から茶道も学び続けている。仕事場も空間づくりや道具ひとつひとつにこだわり、自分が心地よく作陶に打ち込めるように、整えている。師匠から学んだ、「暮らしにこそ、その人の作品が表れる」という教えに恥じぬよう、丁寧な暮らしを続けている。そんな毎日のなかで、いろいろなものを見て、いろいろな人と話していくうちに、やりたいことが次々に湧きおこってくるのだとか。

今後について尋ねると、「やりたいことがありすぎて、全然消化できていない感じです、ずっと。だからひとつずつやっていくしかないですね」。これこそが森本さんの作陶における原動力に。近年は、海外向けの仕事も少しずつ増えてきた。焼き締めが海外の人にはモダンに映り、支持を集めているのだ。日本向けにはやりたくてもできなった、大型の作品を求められることも多く、やりがいにもつながっている。

これから先が、僕の本当の仕事

このように新しいことを試しながら、備前焼も釉薬ものも、プロの仕事として、説得力のある作品を生み続けていくつもりだ。そのうえで、陶芸に飽きることなく、慣れることなく、いかに楽しく続けていけるかが課題でもあるという。ある程度のことができるようになってきた今だからこそ、「これから先が僕の本当の仕事なんだと思います」と森本さん。師匠や父から受け継いだ教えや技を自分の陶芸へと昇華させながら、軽やかなにしなやかに、焼物の新しい世界を広げていってくれるはずだ。

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有田焼白磁の「井上萬二窯」

有田焼といえば、美しい色絵に彩られた磁器を思い浮かべる人が多いだろう。しかし、磁器作家・井上萬二さんの作品のほとんどは加飾されていない白磁だ。それでも萬二さん作った器は、派手に色付けされたものよりも遥かに大きな存在感を見せる。透き通るように真っ白な磁器は、曲がりくねり絡みあい、どんなふうにつくりあげたのか想像もつかないような複雑な造形。最新の３Dプリンターでも不可能ではないかと思われるような形を、ろくろと手だけで作り上げる。その高い技術で、彼は有田焼白磁の重要無形文化財保持者（人間国宝）となった。
「私にとっては形そのものが文様です。工芸ですから、用と美を兼ね備えていなければならない。複雑な形のものも作りますが、実は平凡な器がいちばん難しいんです。ひとつの茶碗を作るのにどうしても納得できず１年くらいかかったこともあるんです」（萬二さん）
1929年生まれの萬二さんは、軍人から復員し、十二代目酒井田柿右衛門のもとで磁器作りを学んだ。修行７年目のときに大物成形ろくろ師として名高い初代奥川忠右衛門の技術に惚れ込み、彼の門下生に。以来、ひたすらにろくろと向き合ってきた。「展覧会などがあれば海外にもいきますよ。旅行すれば刺激を受けるし、それが作品にいきてきますから」（萬二さん）

有田焼白磁を受け継いでいく

現在、佐賀県西松浦郡有田町に孫の祐希さんとともに窯とギャラリーを構える。祐希さんは玉川大学芸術学部を卒業後、ファッションアパレル業界を経験した後に故郷へ戻り、2012年から祖父・萬二さんのもとで白磁の伝統技術を継承しながらもファッションブランドとのコラボレーションや焼きものでアクセサリーを制作するなど、新たなことにチャレンジする注目の作家だ。

萬二さんによると、これまでに萬二さんの元で学んだ人は500人を超え、海外にも数多く存在するそう。
「人に教えるのは大変ですよ。自分で作るだけなら10の力でじゅうぶんですが、人に教えるには12～13の力が必要。昔の技術を受け継ぎながら、いまの焼き物を作る。そうやって伝統が受け継がれていきます。昔のままにやっているだけでは発展はしません。常にチャレンジが必要だし、新しい人を育てていかなければならないんです」（萬二さん）
「焼き物に向いているのはどんな人ですか？」（中田）
「不器用は駄目だけど、器用すぎても駄目。器用だとすぐに形ができて、努力しなくなる。どんなことも同じでしょうが、毎日同じ努力を続けられる人が結局大成します」

萬二さんは言う。「白磁に完成はない。90歳になっても勉強です」。楽しそうに白磁を語る萬二さんとお話しさせていただくと、この方は心から白磁を愛しているのだということが伝わってくる。萬二さんは、有田焼創業400年を迎えた節目に際しては、20年をかけて、すべて「異なる」400個の白磁の作品を生み出した。萬二さんの作陶の追求に、「これでいい」という終わりはない。

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晩香窯で生まれる有田焼・白磁「白妙磁」

1600年代初期、豊臣秀吉の朝鮮出兵の際に日本に同行した陶工が有田の地で白磁鉱を見つけたことが佐賀県名物・有田焼の始まりだという。いまでも有田町を訪れると、たくさんの窯の煙突が並び、ゴールデンウィークに開催される「有田陶器市」には、100万人を超える観光客が訪れる。晩香窯の窯元として有田焼を作る六代目・庄村久喜さんは、独自の感性と手法で新しい時代の白磁、有田焼を追求している。

「白磁といってもその白の中に濃淡があります。白の中の白、白の彩りを見せていきたい」
一般的な有田焼の特徴は、白い磁肌と呉須 (藍色の顔料) で描いた染付け、ガラス質の上絵具を用いた華やかな赤絵があるのが特徴だ。しかし庄村さんが独自の感性と手法により編み出したオリジナルの白磁「白妙磁」は、伝統的な有田焼とはまるで別物。マグカップやお皿、湯吞みなど機能性はもちろんのこと、美しくなめらかなシルエット、独自の釉薬を用いたやさしくも華を感じさせるシルクのような色合い。昔ながらの和室はもちろん、現代的な洋室のインテリアにも似合うモダンさを感じさせる。

「有田焼の伝統を守りながら、現代の生活に溶け込むような作品を作りたい」

そんなフィロソフィーが作品にそのまま息づいている。地元で生まれ、地元で学び、そして地元で土をこねる。自宅のすぐそばにあるアトリエで彼は作品を作りつづけている。マスキングテープをつかうなど、その技法も独自に編み出したものだ。そこには相当な覚悟が必要なはずだ。だが、庄村さんの作品は、そんな覚悟を感じさせない。有田焼というブランドに頼らない、彼のような作家が生まれることで、秀吉の時代から続く伝統が守られていくのだろう。

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日本最北の焼物 須恵器の窯

津軽金山焼の歴史は30年。比較的新しいとされている益子焼でも江戸時代後期から始まったとされているので、津軽金山焼はかなり新しい焼き物だ。1985年に五所川原市金山地区に松宮亮二さんによって登り窯が作られその歴史は始まった。
五所川原市では、前田野目古窯群というものが見つかっている。日本最北の須恵器の産地として有名。須恵器というのは日本で古墳時代から平安時代まで作られていた土器。土師器のように野焼きで作られるものではなく、あな窯を用い高温で焼かれたものだ。前田野目古窯群で作られたものは津軽地方だけでなく北海道まで送り出されていたとも言われている。

素朴で温かな風合いの焼物

須恵器製作は10世紀ごろまでとされている。青森の焼物もその頃から途絶えてしまう。そこから約1000年のあいだ、青森は大規模な産地としての活動を中断していた。そこに登り窯を作り、再び青森の焼物として津軽金山焼が始まった。
須恵器の影響を強く受けている金山焼の特徴は何といってもその素朴さ。釉薬を一切使わずに、登り窯のなか1300度の高温でじっくりと焼き上げる。焼き締めと言われるその手法で、深みのある独特の風合いを持った作品ができあがる。また燃料である松の灰や、火の加減などで様々な模様が浮かび上がるのも特徴だ。自然が醸し出すその姿は、どこか懐かしくて、心が温まる。国内外の展覧会にも出展し、高い評価を得ている。

青森に生まれる「新しい」伝統

金山焼を制作する際に使う土と燃料の松はすべて青森のものだと松山さんは話してくれた。金山の大溜池の底に堆積していた良質の粘土。山林に生きる赤松。「これから500年の間、陶芸家が仕事ができるほどの豊かな自然がここにはあります」（松宮さん）。その自然を活かして「新たな伝統」は生まれる。「新しい」が「伝統」になるためには、多くの人に知ってもらい、作り手も増やさなくてはいけない。津軽金山焼では1991年に陶芸家の育成を開始、同じ年に津軽金山焼初級３ヶ月講座を開設するなど、広く一般へ認知を広める活動もしている。また青森世界薪窯大会を主催するなど世界へ向けても発信している。
青森に「新しく」できた焼物の里が、「伝統の」焼物の里となる。伝統は受け継ぐだけでなく、生まれるものでもあるのだ。

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磁器と陶器を練り合わせる作品

陶芸家 佐々木里知（りいち）さんの魅力はなんといっても、“とどまらない”ことだ。
例えば最近の作品では陶器の粘土の上から磁器の粘土をかぶせて焼くというチャレンジをしている。そうすると、卵のからのように表面にだけ白く層が残り、違った風合いが出るのだそうだ。さらにそこに紋様をつけていくことで、自然に風化したような表情を持たせることもできるのだという。

「自然のなせる業というのももちろん魅力的ですが、作意を残すことも大事だと思っています。見え隠れするストーリーを入れる。例えば紋様を入れるなど何かしらの人為的なことを作品に入れ込んでいくということも作品の魅力のひとつだと思います」と佐々木さんは話す。
佐々木さんは東京芸術大学美術学部における卒業作品の中で、教授会が推薦した優秀作品に対して授与される賞である、サロン・ド・プランタン賞をはじめ、その後の作陶生活のなかでいくつもの賞を受賞している作家だ。それとともに、現在は1991年に山形市に設立した東北芸術工科大学で教鞭をとる教師でもある。

「教わるよりも探す」をモットーにする作家

そこで教えているのは、“探す”いうこと。「いろいろなものを吸収しながら育ってほしい。大学ではモノの本質はきちんと抑えた上で、視野を広げてほしいと思って教えています」。
学生たちにそう教えるように、自分でもその言葉通りの作陶を行っている。
例えば窯。何度も造っては壊し、造っては壊しということを続け、火の流れなど、火そのものの本質を知ろうと試みる。窯は学生といっしょに作ったこともあるという。

佐々木さんがこの道に入ってからすでに30年ほどが経つ。だから周りからは「責任を持て」などと言われることもあるそうだ。しかし佐々木さんは「実績はもちろん必要かもしれないけど、何を考えて、どう試みをしたかが大事だと思うんです。社会的に立派になるより、考えながら蓄積していったほうが、自分が面白い」と話してくれた。いまでもいくつも賞をとり、教える立場にいる現在でも“探す”というキーワードで動いている作家なのだ。

リスクを超えてこそ生まれる作品

モノづくりという仕事は、例えば「こう表現をしたい」、「こういうモノを作りたい」というところから出発し、それを作品に落とし込んでいく仕事だ。ゴールを見定めて、それに向かって作りこんでいく作業ともいえるかもしれない。でも佐々木さんは、こうも言う。
「そのゴールが途中で変わっていくこともある。いい意味での裏切りや不思議なことがあるのもモノづくりのいいところだと思うんです。目標を達成したから満足というだけでなく、製作途中でちょっと裏切られるぐらいがいいんですよ。私にとってそれが焼物なんです」。
たしかに、佐々木さんの作品には裏切りがたくさんあるように思う。それが魅力となって私たちの目に飛び込んでくるのだ。
「陶芸は無理しなくてはダメだと思うんです。リスクはあります。でもそのリスクを超えたところに面白さがある。無茶なところに発見があるんです」。そう語ってくれた佐々木さん。次はどんなリスクを超えて、どんな発見を見せてくれるのか楽しみだ。

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小久慈焼の土が描く純朴さ

岩手県久慈市には小久慈焼という焼き物が伝わっている。江戸時代に相馬藩からの陶工であった嘉蔵に初代の熊谷甚右衛門が師事したところから始まっている伝統工芸だ。現在から約200年前。甚右衛門は技術の習得とともに、地元の土を研究して小久慈独特の釉薬を作り出した。それが小久慈焼の特徴である、白と茶を基調とした渋みを出し、純朴な味わいを持つ独特の焼物を作り出す。

茶碗や皿などいろいろな器を作るが、小久慈焼代表的なものといえばすり鉢と片口。片口とは片方に長い注ぎ口のついたお碗。お酒を注いだりするのに便利だが、そのまま食材を盛っても、季節の花を生けても愛らしい雰囲気を出してくれる。今回お話をうかがったのは、小久慈焼の伝統を守る下嶽智美（しもだけさとみ）さん。まずは工房を訪問した。

時代によって“少しずつ”変わる小久慈焼

下嶽さんの片口作りを見学する。さきほど伝統を守るといったが「実は伝統、伝統とこだわらずに、いまの時代にあった器のデザインでいいと思うんです」と下嶽さんはいう。
「テーブルの上にあって、いまどきの食器として使えればいい。古いものでも形は様々なんです。だからきっとそのときどきの使い方っていうのがあったんだと思います。だからいまの時代の形っていうのがいいんだと思いますよ」
たしかに片口は食卓で使わなくてはいけないというわけではない。最初にいったように花を飾るために使うという人もいるだろう。だからさまざまなデザインがあってもいいのかもしれない。
中田も片口づくりに挑戦。やはり、難しい。土台に口をつけるだけでも、たっぷりと時間がかかってしまう。下嶽さんでも片口は１日に４つぐらいしか作れないと話してくれた。

若い人たちの反応が変わった

作品を見せてもらって中田がとくに気に入ったのが小さな急須。
「このバランスと大きさがなんともかわいい」との感想。その言葉を聞いて下嶽さんは「最近では、若い人たちの反応が変わってきてると感じますね。百貨店での販売にも若い人たちが来てくれるようになった。こだわったものを使いたいという人たちが増えてきているのかもしれないですね」と話す。
ただし「だからといって特別なことをするつもりはない」とも話す。
「先輩方が作り上げてきた小久慈焼という看板を大事に受け継いでいきたい。その上で時代に沿った器を作りたいと思っています」。こんなふうに小久慈焼のこれからを話してくれた。

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陶芸には珍しいピンク色を出す

陶芸家小山耕一さんの作品の特徴のひとつが、金属を塗布して色と質感を出すというもの。線彫りをした部分を紋様ごと区画にわけてマスキングをして部分ごとに塗料をつけていく。この技術でしっとりとした光沢やあざやかな青色、何とピンク色までをも表現してしまうのだ。
このピンクの焼き物は20世紀後期に活躍したオーストリアの陶芸家ルーシー・リーの作品の復元作業のなかで見つけたものだそう。焼き物でピンクというとあまり見たことがない。
「ピンクって日本の陶器にはあるんですか？」と中田が聞いた。
「ないことはない。でもこの色は西洋のもの。陶器は東洋から始まったものですけど、この色は東洋にはなかった。それで初めて見た人たちは驚いたんです」

知りたい事はまだまだある

この色の表現を可能にしたのが、科学技術だったのだ。小山さんの作品も科学が大いにかかわっている。小山さんがこういった作品を作り始めた発想のものとは「陶器にメッキはできないものか」というところから。大胆な発想だ。試行錯誤を繰り返し、元素表に乗っていて手にできる金属をいろいろ試したと言う。そうして、チタンで青を発色することができることを知り、ビスマスという金属でピンクが出ることも知ったのだ。焼成温度によっても色は変わってくるという。
中田もじっと見つめて「たしかに陶器からはあまり想像できない色ですね」と話す。それを生み出しているのは、科学の力でもあったのだ。
「色々まだまだ知りたいことはたくさんあります」と小山さんは言う。伝統として師から弟子へ技術として伝わっているものもある。しかし、作家としてその技術を選べるように“どういう構造になっているのか”ということを知るという作業も、伝統を深めることにつながるのかもしれない。

常に新たな陶芸を目指して挑戦

金属を塗って色出すというこの作風への挑戦が始まったのは15年前。「それまではカルチャースクールの先生に専念していました」と話す。小山さんの作品は“伝統工芸”だ。しかし、小山さんは「便利なものはどんどん使っていきたい」と言う。
「新しいものでもどんどん取り入れたい。科学的に処理した純度の高いものでなければできない表現もある。現代だからこそできるんです。作家である以上、どんどん新しい挑戦をしていきたい」そう話してくれた。

挑戦は新たな伝統を生む。これまでの歴史が証明してきたことだ。小山さんの挑戦は、伝統を覆そうと挑みかかるのではなく、伝統を取り入れて新たな形に変化させていく。わたしたちが今日享受している伝統や文化というものは、常にそうした挑戦から生み出されたものなのに他ならないのだろう。
陶芸という何千年の歴史をもつ工芸の世界において、「つねに挑戦していきたい」と語るその言葉を聞いて、あらためてその事実を思い知らされた。

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力強さと繊細さの陶芸

陶芸家の百田輝（ももだひかる）さんと陶芸家の林亜美（はやしつぐみ）さん、おふたりが制作を行う工房を訪ねた。まずはおふたりの紹介を。百田輝さんは、1961年徳島生まれ。東京芸大工芸科を卒業後にヨーロッパに渡り、２年をかけてさまざまな国を巡った。日本に帰国してから、埼玉県朝霞市の「丸沼芸術の森」で作陶を始める。
その作品は独特のフォルムを持ち、器が、どこか大きく構えているかのような存在感がある。けれども、ふと花が刺さっている花挿しを見ると、実に自然な風景として目に入り、不思議な気持ちにさせてくれるのだ。陶芸の“土”を感じる厚みと表面の模様や微妙な釉薬の変化が調和して力強さを感じさせる作品だ。

淡い色の優しい器

林亜美さんの作品は、均整のとれた美しい形と、その表面にピンクや淡いブルーといった優しい色合いが広がる作品だ。作品をよくよく見ると、絵付けや象嵌で描かれた模様は丸い皿の中に四角が、四角の中に、草花や輪が描かれている。まるで色と色の組みあわせを楽しんでいるかのようにも見える器は、林さんならではの表現に感じられた。器は個性を持ちながらそれでいてやはり、食卓には間違いなくマッチする器だ。作風は異なるが百田さん同様に、使用することで風景になじむ不思議な感覚に陥る作品かもしれない。
林さんはその作風が評価され、これまでに伝統工芸新作展や神戸ビエンナーレなどに入選を果たし、個展を開催し好評を博している。

土をこねてろくろを回す

中田もさっそく器づくりをさせていただくことになった。こうした体験をさせてもらうときに中田がいつも頭を悩ますのが「自由に、好きなものを作っていいですよ」というとき。例えば絵付け体験でも、「好きな柄を描いてください」といわれると「何を書けばいいんだろう」と首をひねってしまう。そう話すと「たしかにね」と百田さんはうなずいたが、続けて「気楽ですよ。好きなように」と言ってくれた。

では、仕切りなおして挑戦だ。そこで出してくれたのが土の塊。今回は土をこねるところからやろうということになった。「あ、それだと強すぎるかな」と教えてくださり、ときには「あ、僕のやり方と逆だな」と自分も土をこねてみる。終始そんなやり取りが続く。「ろくろは練習が必要なんですよ。何回もやって身体で覚えていくもの。自転車と同じ。でも乗れちゃえば同じ。みんな同じなんですよ」。ろくろを回しながら、シンプルにひとつひとつ話をする百田さんの教え方がすごく印象的だった。そして出来上がったのが、ビールグラスには少し小さいぐらいのカップ。なんとか形ができあがり、一同ホッとした瞬間だった。
お二人は陶芸教室も開いている。土に触れ、作陶を知ることで、作品の見え方も変わってくるのではないだろうか。それぞれの制作活動を行いながら、多くの人に陶芸の魅力を伝えているのだ。

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手作りの磁器

愛媛県松山市の南端に砥部（とべ）町という街がある。地名にある通り、古くは砥石の産地だった街だ。江戸時代になって、砥石くずを原料に器がつくられるようになり、砥部焼へと発展。1976年には国の伝統工芸品に指定された。
砥部焼には、白磁、染付作品、青磁、天目（鉄釉）の4種類がある。今回お邪魔した工藤省治さんの春秋窯では、主に白磁器と染付作品を手がけている。中田もろくろを回して小皿づくりにチャレンジ。

民族や歴史を超える

全国の美術館やギャラリーなどで陶磁器展が開かれる工藤さんの器には、ファンも多い。たとえば、温かみを感じさせる白磁に、独特の唐草模様の絵付け。これは、現代の砥部焼を代表するデザイン。20年ほど前に工藤さんが発案した意匠で、イランの博物館で見た唐草模様に刺激を受けて誕生したのだそう。
日本の伝統と海外の伝統――よいものは民族や歴史を超えてつながっていく。
その唐草模様の美しいデザインは、「工芸文明は時代の尺度だ」という工藤さんの考えを体現しているかのようだ。

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土づくりにはじまる「備前焼」

備前焼の歴史は古い。その発祥は平安時代から鎌倉初期にかけてといわれており、日本を代表する中世六古窯に数えられている。歴史が古いだけあって、備前焼は無愛想ともとれるほどシンプルだ。釉薬（うわぐすり）は一切使用せず、絵付もしない。土の形を整え、ただ焼くだけ。しかし、そんな簡素な手法にもかかわらず、備前焼には奥深い魅力がある。
まず1つには、土づくり。備前焼では、田んぼの土と山土、黒土を混ぜ合わせ、数年寝かせてから使うことが多い。その配合のしかた、寝かせる期間など、土づくりには技量が大きく影響する。備前の細かくねっとりとした土を何年も寝かせていると、そのなかには微生物が繁殖し、80種類を超える酵母が生まれるという。こうしてつくられた土を焼くと、美しくしっとりと吸い付くような器に焼きあがる。

備前焼は高温で長時間焼き続ける

そして、窯変（ようへん）といわれる色の変化。1300℃の高温の窯で2週間も焼き続けられる備前焼は、焼成中に灰に埋もれた部分だけが黒や青、灰色になり、直接炎に当たった部分は赤褐色になる。これは陶工たちの窯詰め作業のノウハウも左右するが、偶然の要素も大きく、1つとして同じ変化にはならない。こうした段階を経て現れる模様は、神秘的ですらある。
そんな備前焼を見せてもらうために、人間国宝の伊勢崎淳氏の窯を訪れた中田。伊勢崎氏は昭和11年生まれ。2004年に人間国宝に認定され、その作品は02年に新首相官邸のロビーや美術館などを飾っている。その窯で備前焼のレクチャーを受け、土ひねりを体験させていただいた。
土と炎が織りなす備前焼――それは、自然と人間が一体となって生み出した1つの小さな世界のようだ。

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