宇都宮市の大谷（おおや）地区で採掘される「大谷石」。火に強く柔らかく加工しやすいという特徴から建築資材として多く活用されている。その大谷石の採掘場跡を見学できる「大谷資料館」。地下30ｍにもなる圧巻の巨大地下空間は見る人を魅了する。

石と自然が織りなす、独特の風景に出会える「石のまち大谷」

宇都宮市の中心部から車を走らせること25分ほど。建物の多かった景色が一変、緑と山に囲まれた地域にたどり着く。山と言ってもそれは岩山のような独特の風景。ここは宇都宮市の特産物「大谷石（おおやいし）」の一大産地、「石のまち大谷」と呼ばれるエリアである。

「大谷石」とは？

大谷石とは、2000万年前の火山噴出で堆積した凝灰岩（ぎょうかいがん）で、宇都宮市の大谷地区を中心に産出されたことから「大谷石」と呼ばれるようになった。

柔らかく加工しやすい特徴を持ち、古くから建築資材として活用され、県内の石塀や古い蔵などは大谷石造りのものが多い。また耐火性や調湿効果もあり、その自然の風合いも人気が高く、近年は一般住宅や店舗などの内装材として使われることも。「大谷石」と聞けば、栃木県で暮らす人ならほとんどは知っている非常に身近な存在の石である。

旧帝国ホテルにも使われた大谷石

大谷石の本格的な採掘が始まったのは江戸時代の中頃と言われている。その頃は機械などないので、ツルハシを使い、重たい石を人力で掘り出していた。当時は県内の神社仏閣や宇都宮城の建築、民家の塀などに使われていたが、明治時代以降は、鉄道など輸送手段の発達に伴って採掘産業も成長。東京や神奈川などにも多く出荷されるようになった。

1922年（大正11年）には、「近代建築の三大巨匠」と呼ばれるアメリカの建築家、フランク・ロイド・ライトが日比谷の旧・帝国ホテルの本館（ライト館）に大谷石を利用した。建築に必要な量を十分に確保できたことと、細やかな彫刻を施しやすい柔らかな石の特徴が選ばれた理由だと言われている。帝国ホテルの開業直後には関東大震災が発生したが、その際にホテルが大きな被害を受けなかったことから、耐震性や耐火性の優秀さも認められ「大谷石」の名前が広く知れ渡ることになった。

その後、採掘機械の導入や高度経済成長期の建築需要の増加も相まって、昭和40年代には年間出荷量は約89万t、採掘事業場は約120ヶ所にも上る最盛期を迎えた。

大谷地区の観光の中核を担う「大谷資料館」

「大谷石」産業の発展と並行して、大谷地区は観光地としても発展していった。1956年には、岩壁に日本最古の石仏が掘られている大谷寺の南側に位置する採掘場の壁面に、約27mもの巨大な「平和観音」が作られた。それをきっかけに多くの人が大谷を訪れ、周辺には土産物屋やレストラン、ドライブインなども増加。さらなる観光地化が進んだという。その一方で、建築資材の多様化などの影響を背景に大谷石の需要は徐々に低下。そんな中、大谷石の採掘場跡を観光客向けに公開した民間施設が「大谷資料館」だった。今から45年以上昔の、1978年のことだ。

人の手によって作り出された、圧巻の地下空間

「大谷資料館」の中を案内してくれたのは、館長の大久保恭利さん。

地下30ｍ、広さ2万㎡にもなる巨大な地下の採掘場跡は、徒歩で見学ができる。その内部は真夏でも寒さを感じるくらいヒンヤリと涼しく、年間の平均気温は8℃前後。高くそびえる岩肌には、いくつもの細かい線のようなものが刻まれており、これが石を切り出した跡なのだという。

大谷資料館が実際の採掘場として稼働していたのは、1919年（大正8年）から1986年（昭和61年）までの約70年間（現在は採掘は行われていない）。1960年（昭和35年）ごろまでは、ツルハシで石を掘り出し、ときには120kg近くの重い石を人が「背負子（しょいこ）」で背負って外に運び出していた。その後、チェーンソーのような採掘機械が導入され、より効率的に多くの石を切り出せるようになった。岩肌を上から下まで見ていくと、上部の岩肌は全体がぼこぼことして、中間から下部には平らな岩肌に鋭い刃物が入ったような跡に切り替わっている。

さらに上を見上げると、天井はすすけたような黒い色。これは温度の低い坑内で石職人たちが火を燃やし、暖を取ったためではないかと大久保さんは見ている。

最新の技術が反映された近代的な大規模建築ではない。しかし自然が作り出した鍾乳洞とも違う。自然の岩と、人の力が融合してできた独自の空間と歴史を体感できるのが「大谷資料館」なのだ。

見学だけはない、結婚式やイベント施設としての活用

「大谷資料館」は1978年の開業以来、大谷地区の観光の中核を担うスポットであり続けている。大谷地区が、日光への道中に通りやすい位置にあることから、県内外の学生の遠足や修学旅行の立ち寄り先としても選ばれやすかったという。

また、映画やテレビ、ミュージックビデオなどの撮影などにも利用されたことで知名度は上昇。大谷石は火に強いことから、火を使った映画などの撮影にも対応してきた。坑内にはその実績の写真が多数飾られており、「あの作品はここで撮影したのか」と関心を寄せる観光客の姿も多く見られる。

神秘的な地下空間を利用した商品のプロモーションやイベントに使いたいと希望する企業も多く、車や時計、世界的な高級酒ブランドのレセプションなどにも活用された実績も。

また、非公開エリアを特別に開放して結婚式を開催することも可能。上部に空いた穴から入る自然光とろうそく明かりだけで彩られた、幻想的で厳かな思い出が作れる。ただ見学させるだけではなく多様な需要にも応えることで、大谷を代表するスポットになっていったのだ。

観光客の減少、震災による休館。大谷地区の衰退

観光施設として、独自の存在感を確立していった「大谷資料館」。しかしそれは「大谷資料館」という１施設の話で、大谷地区全体としては、平成の初期から急激な衰退が始まっていた。

原因の１つは、1989年に発生した陥没事故。地面が大きく陥没したショッキングな映像は人々に「大谷は危険」という印象を与え、本来なら多くの自然や大谷石の岩肌の見える山など、独特の美しい景観を楽しめる地域全体に「負」のイメージが付いてしまったと。さらには、安価な外国製建材など建築資材としての需要減少も年々加速し、採石業者も減るばかり。周辺の飲食店や宿泊施設なども撤退し、見どころ・遊びどころの減った地域からは観光客の足も遠のくのは必然だった。たくさんの観光バスや道を歩く人々の姿は減少し、かつての賑わいは嘘のようになってしまっていた。

それでも大谷資料館は、独自性や地下の大空間を見学できるというインパクトも相まって、なんとか観光施設として営業を継続。

そんな最中の2011年に、東日本大震災が起こってしまう。

大谷資料館のある宇都宮市は震度6強の揺れを記録し、地域の被害も甚大。この未曾有の大災害をきっかけに、大谷資料館は休館することが決定された。

この休館の背景について「震災で物理的なダメージがあったのでは？」と誤解する人も多かったが、実はそうではない。大谷資料館の内部は、戦時中に飛行機の地下軍事工場として使われたほどの頑丈さで、震災による物理的ダメージはなかった。ただ余震も続くなか、来場客が地震に驚いてケガをしたり、不安を感じたりしないようにと当時の館長が休館へと踏み切ったという。

理由はどうであれ、大谷地区を代表する観光施設が休館となったことは、大谷地区の衰退に拍車をかけた。再開の目処も立たず、当時のオーナーも事業の売却を検討するように。そんな中、この資料館を再開し、後世に残すべく経営を引き継いだのが、大久保さんの父･恵一さんだったのだ。

観光スポットとしての再生の道筋

それまで、大谷地区で土木・石材業を営んでいた恵一さん。目に見えて衰退していく地域で、しかも未経験の事業を引き継ぐのは、無謀なようにも見えた。しかし、恵一さんの中にあったのは「多くの人で賑わっていた、かつての大谷を取り戻したい」という強い想い。自分の育った地域が賑わっていた頃の風景を、もう1度見たいという、自らの切なる願いに背中を押されたのだ。

当時県外で働いていた大久保さん本人も、そんな父の想いに共感。忙しくなった父を手伝うべく、生まれ育った大谷に戻ることに。

父と息子ではじまった試行錯誤の日々。様々な施策を検討し、中でも華道家の假屋崎省吾氏の作品展示は話題を集め、また、人気アニメとのコラボイベントなどの開催も相まって新たに資料館を知る人が増加。また休館以前は禁止していた写真撮影を可能にしたことで、フォトジェニックなスポットとしても人気を得ることになった。（※許可なく2時間以上の長時間撮影と三脚や自撮り棒などの撮影備品を使用した撮影は禁止）

それらと並行して大谷エリア全体も、「昔のにぎわいを取り戻したい」という人の手によってイベントの開催や新たな店の開業などが進んだこともあり、客足は徐々に回復。現在は、年間来場数が45万人を超え、海外からの観光客を乗せたバスも連日訪れるほどのにぎわいを取り戻すに至った。

地下という特殊な環境で、安心して見学してもらうために

地下という特殊な環境を管理するには苦労も多いという大久保さん。

内部は湿度が非常に高く、常時80％ほど。電気系統も腐食しやすいため、漏電にも細心の注意を払わなければならない。台風など大雨の際は大量の水が流れ込んでしまうため、丸3日かけてポンプで汲み出すこともあった。

また車のイベントなどで車を搬入する際は一酸化炭素中毒にも注意を払う。

近年は地下で密になる不安を解消するため、入口で入場人数をカウントできる機械を導入。内部の滞在人数をリアルタイムで表示できる感染症対策設備も整えている。

そんな中、最も力を注ぐのは安全性の確保。大谷石は軽くて亀裂が入りやすい石質のため、ヒビが入っていないかどうか、熟練の職人が毎月点検を行う。地下の非公開エリアに入っているヒビの幅にも変化がないかも随時チェックし、安心して見学が楽しめる状態を保っている。

今では観光客が増加しただけでなく、全国の企業や団体からイベントなどの企画が続々と持ち込まれる。「火は使えるのですが、爆破はやめてほしいと言っていますね」と少し困ったように微笑む大久保さんだが、にぎわいを取り戻した資料館の姿にうれしさを感じているように見えた。

これからも大谷とともに

「ここは世界的に見ても、めずらしい場所だと思います」と大久保さん。好きな作品のロケ地として見学に来る人も多いというが、「子どもたちには、昔の人が頭を使いながら手で採掘をしていた歴史も一緒に学んでくれたら嬉しい」と語る。

かつては「大谷資料館」を見たら帰るという人も多かった大谷地区。ここ10年弱の間に、周辺におしゃれな飲食店やショップなどの出店も相次ぎ、大谷地区全体が楽しめるエリアとして再生してきた。それを担ったのは、大久保さん親子のような、かつての大谷の賑わいを知り、再生の可能性を信じて尽力した人たちの力にほかならない。

父が手を上げたことで始まった観光業としての大久保さんの人生。予想もしなかったことだが、今では色々な人との出会いにおもしろさを感じる毎日だそう。

「見学コースを広げたいという思いもありますが、安全性の面でも難しいことがある。でも、地下だけでなく、季節ごとの地上の風景もきれいです。資料館を見たあとは、大谷エリア全体を見て回ってほしいですね」と大久保さん。

「大谷資料館」だけでなく、大谷地区に多くの人が訪れて地域全体が盛り上がっていくこと。それこそが、この土地の盛衰を目の辺りにしてきた人々の願いなのだろう。

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日本でもっとも大きな湖、琵琶湖。そのほとりにあるのが“水に浮かぶ美術館”と称される「佐川美術館」だ。敷地には大胆に水を配し、そこに浮かぶように建てられた3棟のモダン建築が、唯一無二の神秘的な空間をつくり上げている。日本を代表する3人の巨匠の作品を一度に鑑賞できる類まれな美術館は、訪れる人々と美術、そして自然との新たな出会いを創造している。

琵琶湖畔の豊かな自然に囲まれた美術館

佐川美術館があるのは、遠く西方に比叡山をのぞむ自然豊かな地、滋賀県南西部に位置する守山市。敷地の大部分を占める水庭に浮かぶようにたたずむ2棟の本館と、水面の下に展示室を有する別館で構成されている。モノトーンを基調とした建物は、直線的な大屋根にそれを支える柱が規則正しく並び、厳かな神殿を思わせる。琵琶湖畔に広がる美しい自然環境と調和する建築は高く評価され、グッドデザイン賞をはじめ数々の賞を受賞している。

佐川急便創業者の収集品をもとに開館

佐川美術館がオープンしたのは、1998年。飛脚のマークで知られる佐川急便が、創業40周年事業の一環として、芸術・文化の振興と発展への貢献を目指したのが始まりだ。佐川急便の創業者はもともと美術に造詣が深く、自らの収集品で美術館を開くのが悲願だったという。創業者亡き後、現館長の栗和田榮一さんがその遺志を継ぎ、世界に通じる最高峰の美術品を収蔵した美術館を開館した。

「水に浮かぶ美術館」 

エントランスから本館の入り口へは、水庭に沿った回廊を歩く。足元をたゆたう水を眺めながら、すぐそこにある琵琶湖に思いを馳せれば、まるで湖面を歩いているような感覚を味わうことができるだろう。琵琶湖からの風がそのまま水庭の水面を撫で、水のゆらめきが影となって壁や天井に映る様子を眺めていると、ここが“水に浮かぶ美術館”と称されることにもうなずける。水庭の中にある「蝦夷鹿」は、札幌で開催された冬季オリンピックを記念して、1971年に彫刻家の佐藤忠良（ちょうりゅう）により制作された作品だ。

国内最高峰の美術品が集結した贅沢なコレクション

佐川美術館のもっとも大きな特徴は、画家の平山郁夫、彫刻家の佐藤忠良、陶芸家の十五代樂吉左衞門（らくきちざえもん）という日本美術界を代表する3人の作家の作品を数多く収蔵し、常設展示している点だ。

当初は創業者の収集品をメインに美術館を開こうとしたものの、一個人の好みで集められたものだけでは、秘宝館のようになってしまう。そこで新たな展示品を収集するにあたり、目指したのが絵画、彫刻、工芸の三分野において「日本を代表する芸術家を擁する美術館」だった。1998年の開館当時、日本画壇で最高峰といわれていたのが平山郁夫、彫刻界では佐藤忠良。さらに工芸では、佐川急便創業の地である京都で400年余り同じ製法で樂焼（らくやき）を焼き続ける十五代樂吉左衛門の陶芸作品を展示する「樂吉左衞門館」を2007年に開館。こうして、現代芸術を代表する3人の作家に焦点を当てた、現在の佐川美術館が誕生した。

平和を祈り続けた日本画家 平山郁夫

平山郁夫は、広島県出身の日本画家。戦後日本画の最高峰といわれ、東京藝術大学の学長や日本美術院理事長などを歴任した。15歳の時に被爆した体験から平和への思いが強く、仏教に救いの道を求めて、「平和の祈り」や「仏教伝来」をテーマにシルクロードを旅しながら創作活動を続けた。

ラクダを率いて砂漠を渡るキャラバン隊は平山にとって平和の象徴で、キャラバン隊をモチーフに朝夕夜の風景を描いた「桜蘭の朝」「桜蘭の夕」「桜蘭の月」は作家の代表作だ。色彩豊かな作品が多く、特に「平山ブルー」と称される神秘的な青色は、ラピスラズリやアズライトといった宝石が原料の岩絵具によって表現されている。

自身の戦争体験から、戦争を題材にすることを避けていた平山が、内戦地のサラエボで会った子供たちの眼差しに心を打たれて描いた「平和の祈り−サラエボ戦跡−」は、戦争そのものが描かれた大変めずらしい作品だ。

「人間の美」を追求した 彫刻家 佐藤忠良

彫刻家、佐藤忠良の特徴は、日本人をつくり続けたこと。佐藤が彫刻を始めた戦後初期は彫刻のモデルといえば彫りの深い西洋人が主流だったが、その中であえて、日常生活で見る平凡な「人間の美」を追求したことで注目を浴びた。はじめは「佐藤の穢（きたな）づくり」などと揶揄されたが、1952年に制作した「群馬の人」という頭像が「日本人の手で初めて日本人の顔を表現した作品」として高く評価され、アジア人として初めてパリのロダン美術館で個展を行うなどの快挙を遂げて、日本を代表する彫刻家となった。

佐川美術館では代表的な「帽子シリーズ」をはじめ、子ども像や頭像作品など180あまりの作品を所蔵し、その時々のテーマに合わせた彫刻・素描作品を常時展示している。

写実主義と卓越したデッサン力でも知られる佐藤の作品からは、モデルたちの息遣いや、その内面まで感じ取れそうだ。

450年続く樂焼の陶芸家 十五代樂吉左衞門

別館「樂吉左衞門館」では、陶芸家、十五代樂吉左衞門の作品が展示されている。樂吉左衞門は、安土桃山時代に千利休の創意を受けて樂茶碗を創り出し、以来450年続く樂家の当主。ここに展示されているのは、1981年にその名を襲名した十五代樂吉左衞門の作品だ。  

驚くべきは、この展示空間そのものも樂氏自らの創案によること。師の教えを守り、技を踏襲して発展し、新たに創造するという｢守破離（しゅはり）｣の考えをコンセプトに、美術館としてはめずらしい水庭に埋設された地下展示室を備えている。  

2007年の開館以来、十五代樂吉左衞門にとって思い入れのある場所や事柄とコラボレーションした展覧会「吉左衞門X展」シリーズが開催されており、これまでにインドネシアのネイティブアートや、フランスの風土から影響を受けた作品の数々が展示されてきた。コラボレーションごとに新しく生み出される挑戦的な作品は、見る人に新鮮な驚きと感動を与え続けている。

水面と同じ高さに座す

もうひとつ、この樂吉左衞門館で見逃せないのが展示室に併設されている「茶室」だ。こちらも樂氏が設計の創案を手掛けており、地下1階の入り口から水露地、小間を通って徐々に地上へと向かい、最後の広間で水面に広がる景色と出会える構造になっている。

ここで十五代樂吉左衞門が大切にしたのは、目線。限りなく水面に近い高さにまで床を下げることで自然と同じ目線で座り、自然と対等に関わり、ひとつになる感覚を感じてほしいという思いが込められている。

自然との関わりを五感で感じる

通常、広間と外はガラスで仕切られているが、このガラス戸は大きく開け放つこともできる。日常の喧騒から離れ、非日常の空間へ。水面を抜ける風を肌に感じ、草木が揺れるさわさわという音に耳を傾ければ、普段は見過ごしていた自然と一体になる感覚を味わえるかもしれない。

魅力的な特別展も次々と開催中

佐川美術館では、バラエティーに富んだ企画展も開催されている。2022年には「バンクシー＆ストリートアーティスト展」や「ピカソ –ひらめきの原点 –」などが行われ、人気を博した「デザインあ展 in SHIGA」では14万人もの来館があったそうだ。美術館全体で、年間を通じていろいろなジャンルを楽しんでもらえるような展示を心がけている。

感性が磨かれる体験を

国内最高峰といわれる3人の作家の世界をさまざまな角度から掘り下げ、時の流れ、四季のうつろいごとに異なる表情を見せる佐川美術館。自然と建物、そして作品が一体となって生まれる神秘的な空間は、まさに唯一無二といえるだろう。水面に浮かぶ非日常に身を委ね、感性が磨かれていくのを感じる。そんな体験をもたらしてくれる美術館だ。  

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熱海にも世界的な美術館を

メインエントランスで訪問客を出迎える高さ4メートルの大きな扉がすでに美術品だ。手掛けたのは、中田もよく知る漆芸作家で「蒔絵（まきえ）」の人間国宝でもある室瀬和美氏。黒漆で下塗りした上に朱漆を施す「根来（ねごろ）という）技法が施された作品で、漆芸独特の色や艶を巨大なサイズで見ると、あらためてこの日本を代表する素材の持つ美しさ、可能性を感じることができる。

熱海市の高台にあるMOA（エムオーエー）美術館は、太平洋を一望する眺望で人気のスポットだ。熱海にも世界的な美術館を建設し、日本の優れた伝統文化を世界の人々に紹介したいと願った箱根美術館の創立者であり、MOA美術館の基礎を築いた岡田茂吉氏の願いを継承して、1982年に開館した。岡田氏の名前にちなんで「Mokichi Okada Association」の頭文字がその名につけられている。2017年に美術館はリニューアルされたのだが、手掛けたのは現代美術作家の杉本博司氏と建築家・榊田倫之氏が主宰する「新素材研究所」。「新素材研究所」は、その名に反して古代や中世、近世に用いられた素材や技法を現代の再解釈と再興に取り組む作品を手掛ける建築事務所で、新しくなったMOA美術館にも屋久杉、行者杉、黒漆喰、畳など日本の伝統的な素材や技法が用いながら、展示される作品の美を最大限に生かすための設計がほどこされている。

「MOA美術館」展示のこだわり

むろん最大の見所は、その豊富な展示作品だ。岡田茂吉か収集した日本・中国をはじめとする約3500点のコレクションは、尾形光琳「紅白梅図屏風」、手鑑「翰墨城（かんぼくじょう）」、野々村仁清「色絵藤花文茶壺」といった国宝の作品をはじめ、仏像や陶芸作品、古文書、古代中国・朝鮮などの陶磁器に絵画と幅広い。日本の貴重な文化財の保護を目的とする重要文化財や重要美術品に指定された作品も多く保管されている。さらには豊臣秀吉が正親町天皇に茶を献ずるために、京都御所内に組み立て式の黄金の茶室を持ち込んだという史実に基づき再現された「黄金の茶室」や、尾形光琳が晩年に過ごし「紅白梅図屏風」を描いたといわれる屋敷の復元など何時間滞在しても飽きることはないだろう。

作品を見せる展示へのこだわりも素晴らしい。展示物同士に作品が映り込んでしまわないよう広い展示スペースを黒の漆喰の壁であえて区切ったり、「室町時代の光の中で美術品を鑑賞する」というコンセプトのもと、他の美術館に比べると少しうす暗い照明で作品を照らしている。展示ケースには写り込みが少ない「低反射高透ガラス」を用いていて、光や自分の顔が写り込まないので、作品が目の前に存在しているかのような錯覚におちいってしまいそうだ。作品に没入するあまり、ガラスに頭をぶつけてしまう人も少なくないそう。熱海で温泉やグルメを楽しむのもいいが、MOA美術館で多くの美術品にふれ、感性を磨くのもいいかもしれない。

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日常生活から感じる美「大阪日本民芸館」

大阪日本民芸館は、吹田市の万博公園内にある。1970年に開催された大阪万博で日本民藝の魅力を伝えるパビリオンとして建設された建物を引き継ぎ、大阪日本民芸館として開館した。初代館長は、日本で初めて「重要無形文化財技術指定（人間国宝）」に工芸技術部門陶芸民芸陶器で認定された、濱田庄司が務めた。
「民藝（民衆的工芸）」とは、華美な装飾を施した観賞用の作品とは一線を画し、名も無き職人の手から生み出された日常の生活道具のこと。1926(大正15)年に“民藝運動の父”と呼ばれる柳宗悦や、濱田庄司、河井寬次郎らが提唱した生活文化運動によって“民藝”や“用の美”という言葉が生まれ、その価値が広く知られるようになった。職人たちの手仕事から生まれる日常の生活道具には、機能性だけでなく美術品に負けない美しさがあるという日本独特の考え方で、当時は斬新なものであったが今では海外でも高く評価されている。カトラリーやキッチンウェアで人気のブランド「SORI YANAGI」と聞けば知っている人も多いのではないだろうか。20世紀に活躍した日本を代表するインダストリアルデザイナーであり、大阪日本民芸館2代目館長でもある柳宗理のデザインによる用の美を追求した製品だ。

生活につながる歴史を知る

一般的な美術館や博物館なら、展示された作品を鑑賞しながら、作家の高い技術や作品にこめられた哲学、時代背景などを知ることを楽しむのだが、この民芸館を巡っていて感じられるのは、ある種の懐かしさ。暮らしの中で培われてきた陶磁器や染織品、木工や絵画など、生活を取り巻く品が展示されているのだから、それもそのはずだ。
芸術ではなく民藝。だからこそのよさがある。古伊万里のそば猪口がたくさん並んだ展示を見ていると、とくだん陶芸に興味のない人間でも目を奪われる。全国各地の編み物や染織品が飾られたコーナーに行くと、地域ごとの違いや無名の作り手の技術に驚くこともある。それは“かつて”、“どこか”にあったものではなく、いまの自分たちの生活と地続きで、だからこそ見ていて楽しい。
楽しいのは展示だけではない。ゆったりとした雰囲気は散歩をするのにも最適だし、ミュージアムショップに行くと、まさに生活と地続きになった陶器やガラス製品が産地ごとにならんでいて、実際に買うこともできる。

また、東京・駒場には、1936年に柳宗悦らが建てた日本民藝館があって、規模は決して大きくないが、それこそ民藝的な素朴な魅力にあふれている。こちらの館長は「無印良品」や「±0」など、現代の生活に密着したプロダクトデザインを手掛ける深澤直人さんが勤められているのも興味深い。東西の民藝館を訪ね、その違いを感じるのもまた一興だろう。

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「水の都」大阪平野の歴史

日本最古のダム形式ため池「狭山池」

大阪は言わずと知れた治水の町だ。約6000～7000年前の縄文時代前期の大阪平野は、海水面の上昇（縄文海進）によって現在の寝屋川市まで河内湾と呼ばれた海の底にあり、現在の上町台地は半島のように突き出ていた。それが淀川や大和川のたび重なる氾濫により土砂が堆積し、低地が形成されたことで、5世紀ごろ現在の姿になったと言われている。その大阪平野は多くの河川を有しており、水資源に恵まれていることから「水の都」と表される。
一方、水害を受けやすい地形のため、古くから数々の治水事業が行われてきた。大阪府南東部・南河内地域にあり、南海電鉄高野線の大阪狭山市駅から10分ほど歩いた場所に広がっている狭山池（さやまいけ）、その歴史は古い。この池が造られたのは、1400年前の616年。ここは日本最古のダム形式ため池で、｢古事記｣や「日本書紀」にもその名が記述されている。
現在その周辺は公園として整備され、市民が散歩する姿などが見られる、とてものどかな場所になっている。

「もともとは、雨が少ないこの地域で水田の水不足を解消し、農業を盛んにするために造られたと言われています。これまで災害復旧工事や貯水量を増やす改修を何度も行っており、現在は水下地域で暮らす人々の生命と財産を水害から守る防災ダムの機能が大きな目的となっています」（狭山池博物館・吉井克信副館長）
狭山池博物館は、1986年から足かけ16年間かけて行われた「平成の大改修」の際に、歴史ある堤や出土した文化財を保存・展示するための施設として2001年に狭山池の隣に開館した。存在感抜群のコンクリート打ちっぱなしの建築は、大阪出身の建築家・安藤忠雄さんの手によるもので、アイコンともいえるもの。「安藤さんらしい建築ですね。でも外から見ただけではここがどんな場所か想像がつきませんでした」（中田）

博物館内に大迫力の地層断面

そう言うように、吉井副館長の案内で建物の中に一歩足を踏み入れると、そこにあったのは、コンクリートの壁を流れ落ちる大きな滝。心地よい水音と、思いもよらないその光景に驚かされる。見学者はこの滝の下にある通路を抜けて館内へ。すると、そこには博物館の最大の展示物である高さ15メートル・幅60メートルある北堤の実物を
移設した「地層断面」。1400年間の歴史を感じさせる壮大なスケールで建物内部をぶち抜くように飾られていた。

「こんな巨大なものをどうやって中に入れたんだとよく尋ねられます。もともとの堤の地層を土のブロック101個に切り分け、３年がかりで保存処理し、この博物館が造られたときに組み立てて再現しました」（吉井副館長）土木の博物館と聞くと、地味なものを想像する人も多いかもしれない。だが1400年間の土木技術を伝えるこの地層断面は一見の価値がある。そこに積み重なっているのは、日本という国と水、そして自然との長い歴史。それがモダンな建築物のなかにあるというところが、またおもしろい。大阪でおいしいものをたらふく食べたら、腹ごなしに足を
伸ばしてみてはいかがだろうか。

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縄文時代の遺跡「井戸尻遺跡」

諏訪郡にあるのは日本を代表する縄文時代の遺跡・井戸尻遺跡。井戸尻考古館では出土した今から5000年前の貴重な土器や石器に加え、文様解読から明らかになった当時の世界観や宗教観を紹介している。館長の樋口誠司さんに案内してもらう。岡本太郎氏の「太陽の塔」のモデルになったといわれる「始祖女神像」や長野県宝に指定されている「水煙渦巻文深鉢」は必見だ。こちらはパリの美術展や大阪万博にも出展されて有名になったもの。華やかな装飾だが、「中にこげがあり、煮炊きに使ったことは分かっている」と樋口さんは説明する。

縄文時代の重要文化財

重要文化財の「神像筒形土器」の上部にはタコの足のような流動的でダイナミックな装飾がある。「ギリシャ神話の造形を日本っぽくするとこうなるのかな」と中田。「縄文時代にも神話があって、その宗教観や世界観を形にしたのがこのような土器だ」と樋口さんは答えてくれた。モチーフにされているカエルやヘビという動物や生き物は月のものとして考えられており、「欠けてもまた新しく生まれ変わる月のように、その土器で調理されたものをいただくことで永遠の命を願った」という。40歳まで生きない当時の人々の死を見据えた視線の中から、これらの卓越した土器たちは生まれた。

万国共通の美しさ、縄文のビーナス

続いて茅野市尖石縄文考古館を訪問した。尖石遺跡の出土品をはじめ、八ヶ岳山麓から発掘された2000点あまりの貴重な考古資料を展示する。注目は2体の国宝の土偶だ。「国宝土偶縄文のビーナス」はハートのような造形が目を引く。縄文の美術品のなかで国宝になったのはわずか6点。「説明しなくてもこの美しさは世界共通だ」と館長の守矢昌文さん。中田が気になったのがキラキラとした輝きだ。守矢さんは「粘土に雲母をくわえて作っている」と教えてくれた。もう一体の「国宝土偶　仮面の女神」は、ビーナスの1000年後に作られたものだ。「丸みがあるが凛としている」と中田。造形がどことなく洗練され、古代の時の流れを感じさせる瞬間であった。

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鈴木大拙の考えを世の中に

金沢が生んだ仏教哲学者・鈴木大拙の考えや足跡を広く国内外の人々に伝える鈴木大拙館。大拙は禅についての著作を英語で著し、日本の禅文化を海外に広めた人物である。ここは大拙についての理解を深めるとともに、来館者自らが自由な心で、思索する場として活用することを目的に開設された。中田はこの館で禅の思想に触れる。「作品と向かい合っていただくため、作品に一切説明書きはつけていない。説明書きがあるとそれに囚われてしまう。自分がどう捉えるかを大切にしてほしい」と副館長の宮下清昭さんは話す。作品の解説については資料があり、来館者はそれに感じたことなど書き込んでいく。

空間づくりにも禅の意識

玄関棟から展示棟までは、足元にだけ灯りがついた長い廊下をわたっていく。気持ちを鎮め、異空間に誘われるような感覚だ。建物は国内外で活躍する著名な建築家谷口吉生氏によるもので、見所の一つでもある。シンプルで禅の思想を際立たせるような洗練された佇まいだ。玄関棟、展示棟、思索空間棟とこれらを結ぶ回廊からなり、回廊の両側には二つの庭「水鏡の庭」と「玄関の庭」が広がる。「水鏡の庭」は浅く水をたたえ、その中に浮かぶように「思索空間棟」が立っている。

鈴木大拙館の水鏡の庭に立って

展示を見終えて、水鏡の庭を眺めながら、回廊を渡っていく。遠くに生い茂る緑が、庭と一体化し、広がりを感じられるようになっている。「まるで借景のよう。本当に美しい」と中田。中田はこの光景が気に入っていて、ふらりと一人訪れることもあるという。またこの夜は雨がしとしとと降り、水鏡の庭に波紋をつくっていた。雨音が響いて、情緒がある景観を堪能した。

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世界の版画家、棟方志功

日本を代表する版画家、棟方志功。1903年、青森市に刀鍛冶職人のもとに生まれ、小さいころから絵に興味を持ち、21歳のときに絵の勉強のために上京した。上京5年目の1928年に帝展で初入選を果たす。同じ頃から版画の道にも入った。絵とともに作品制作にいそしみ、すぐに展覧会でも入選をするようになる。
その後1952年、スイスで開かれた第2回国際版画展で優秀賞を受賞。1955年にはサンパウロ・ビエンナーレに代表作のひとつとして知られる「釈迦十大弟子」などを出品し、版画部門の最高賞を受賞した。さらに1956年ベニス・ビエンナーレに「柳緑花紅頌」などを出品、国際版画大賞を受賞し、日本だけでなく世界を代表する版画家となった。

棟方作品、国内最大の収蔵数

そんな棟方志功の芸業を後世に伝えるため1975年、青森市に開館した棟方志功記念館。
本館へ向かう道には、池泉回遊式の日本庭園が配され心を鎮めてくれる。季節ごとに木々は色合いを変え、四季折々の見事な風情を感じさせてくれるストロークとなっている。
2012年に鎌倉市にあった棟方板画館を吸収合併し、収蔵作品は国内最多となった。「釈迦十大弟子」をはじめとした板画作品のほかに、「倭画」と呼ばれる繊細な肉筆画や、油絵、書などの作品が展示されている。そのほか、版木を含んだ貴重な資料も展示紹介されている。

一点一点をじっくりと

「あまり数多くの作品を展示して、観覧する人々が疲れたり、作品の印象が薄くなったりするよりは、やや少なめの作品数でも一点一点をじっくり見て欲しい」というのは棟方志功自身の希望だったいう。そのため、展示室もさほど大きくなく、展示作品数も目移りするほど多くない。作品の前をいく中田の足も、その都度その都度止まり、じっくりとした足取りだった。ただし、さきほども言ったように収蔵数は多数。それらをより多くの人に観てもらうために年4回の展示換えをしているそうだ。
青森が生んだ世界の巨匠、棟方志功。圧倒的な迫力と、穏やかな繊細さ。その世界にどっぷりと浸れる空間だ。

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十和田市を「アートの街」に

区画整理などにより空き地ができた官庁街通りを新しく魅力のある景観を作り上げようと立ち上げられたのが「Arts Towada」計画だった。官庁街通りという屋外空間を舞台に、通り全体をひとつの美術館に見立て、多様なアート作品を展開していく計画だ。またアート作品に加えて、十和田市の歴史や美しい自然なども盛り込むことで、十和田市を個性あふれる「アートの街」「感動創造都市」として発展させることを目指して計画は進められた。
その中核施設となる十和田市現代美術館が2008年度に開館、引き続いて美術館向かい側に大型の屋外アート作品の設置を行い、Arts Towadaは2010年春に完成を見た。

常設館として有名アーティストの作品が展示

美術館には常設展として、草間彌生、ロン・ミュエクなど世界で活躍する33組のアーティストの作品が展示されている。そのほかに、文化芸術活動の支援や交流を促進する拠点として、ギャラリースペース、カフェ、市民活動スペースなどが用意されている。

空間そのものがアート

また、個々の展示室を「アートのための家」としてそれぞれ独立の建物として配置し、それらをガラスの廊下でつなげているのがひとつの特徴。そのようにすることで、それぞれのアート作品にあった空間を作ることができるとともに、それらが織り成す空間そのものがアートにもなっている。

十和田市という空間に溶け込む美術館

まず入口には、ジム・ランビーの「ゾボップ」という作品が。これは床一面に何色ものビニールテープを入れ子状に貼り詰めたもの。絵画とは違い空間がひとつの作品になっていく感じだ。そのほかにも細部まで克明に表現された4メートルを超える女性の像（ロン・ミュエク「スタンディング・ウーマン」）や、脊柱をモチーフに作られたトンネル（アナ・ラウラ・アラエズ「光の橋」）など、さまざまなアート作品が展示されている。ただし、それらがところ狭しと並んでいるわけではなく、ゆったりと鑑賞、体験できる。「展示室には大開口の窓があり、作品が街に対して展示されているような開放的なつくりになっています」と説明してくれた。世界有数のアーティストたちによる作品を鑑賞することのできる美術館は街という空間に溶け込んでいる美術館なのだ。

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2013年にオープンした美術館

秋田市の中心地にほど近い、再開発地域「エリアなかいち」。その街のシンボルのひとつして2013年オープンしたのが秋田県立美術館だ。近接する千秋公園にあった旧県立美術館（平野政吉美術館）から収蔵作品を移転し、さらに新たな建物を建てて昨年のオープンとなった。
収蔵作品は、秋田でも有数の実業家であった平野政吉のコレクションを中心に、藤田嗣治（レオナール・フジタ）の作品を多く収める。藤田といえば、もっとも有名な日本の画家のひとり。平野政吉と藤田は親交が深かったとこともあり、「眠れる女」、「五人女」など数多くの作品が収蔵されている。

秋田県立美術館の特徴「藤田の大壁画」

そして秋田県立美術館ならではの藤田作品がある。それが「秋田の行事」という作品。藤田が半年以上をかけて秋田を取材し、構想を練り上げたという作品だ。圧巻なのはそのサイズ。縦3.65メートル、横20.5メートルという大きさなのだ。依頼主であった平野政吉の米蔵をアトリエにして、藤田はその大作を描き上げたといわれている。その大きな、大きな作品、「秋田の行事」が館内の大壁画ギャラリーに展示されている。
大壁画ギャラリーも圧巻だが、館内は目を楽しませてくれる空間がたくさんある。エントランスホールには支柱のまったくない螺旋階段があり、あたりは三角形の吹き抜け空間となっていてがらりと雰囲気を変えてくれる。

美術館の建物そのものが芸術

建物の設計は安藤忠雄氏。安藤氏ならではの設計はまだまだある。美術館にある水庭もそのひとつだ。2階に設けられたミュージアムラウンジに設置され、千秋公園を一望できる。水庭の向こうには秋田佐竹藩の久保田城址が見える。そして旧美術館のかわいい三角屋根も見える。大きな窓越しに見ていることを忘れてしまうぐらいの大パノラマだ。
美術館なのだから、収蔵作品やそこで行われる展覧会が主役なのは間違いない。けれども、もうひとつの主役が、建物そのものといってもいいかもしれない。それほどに、「美術館に来ること」、「美術館の空間を味わうこと」が芸術を感じさせてくれる美術館だ。

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